文化艺术设计论文范文

文化艺术设计论文范文第1篇

前面已经提到，所谓的现代艺术中心就是一个城市传播文化艺术与精神文明的主要阵地和载体，也是城市居民日常参观、学习、休闲的地方，是一个城市重要的建筑。例如，本文通过对现代艺术中心设计情况的陈述，运用圆方互融、天圆地方等中国传统文化理念及基本风格，着重分析了传统文化要素在现代文化艺术中心设计中的运用。现代文化艺术中心的设计，从理念、风格与手法上都应该追求现代设计模式的运用，即以现代的技术手段、机器艺术或功能主义艺术为设计的主要架构，形成较为完善的设计模块。当前我国很多地方现代艺术中心以“圆方互融”为核心的设计理念，即追求中国传统的天圆地方的建筑设计哲学与现代设计美感的结合，进一步提升建筑物的美学品质与现代化气息。众所周知，所谓的“天圆地方”，是中国传统的建筑设计的哲学基础，也是设计风格的一个总结。将天地宽广与建筑物的棱角分明、圆润饱满、中轴线设计等概念有机统一，最终形成极具中国传统特色的设计模式。所以，当前我国很多现代艺术中心的设计就是要尽可能地吸收传统中国建筑设计中的净化思想，并融合现代艺术和空间设计的理念，形成圆方互融的现代艺术中心的设计概念和模式。例如，现代文化艺术中心的景观系统就是展现传统文化要素与设计理念的重要载体，也是文化艺术中心“天圆地方”基本设计原则的附着物。例如，文化艺术中心景观系统的整体分布和概念，以红色中轴线为界，景观大体上被区分为左右对称的两块，彰显出设计严格遵循传统建筑设计的原则，即以天圆地方的设计概念为引导，辅以现代设计的手法和风格。此外，景观的整体设计外观多以圆润饱满的风格为主，无论是花草树木的规划还是滨水河池的布局都要突出圆形的特色，从远处俯瞰一派古典建筑设计的气息。此外，景观节点要已圆形的设计图案为准，中轴穿插其中，外部辅以装饰，可谓是和谐统一的极致。另外，整个景观的设计和规划圆中有方、方中有圆，即景观外部的“切割”与“划分”可谓棱角分明，体现出模块化设计的现代设计风格，同时由于圆状的主体景观完美融合，形成十分自然、舒适的滨水现代艺术中心的设计效果。因此，当前我国诸多现代艺术中心的设计将传统“天圆地方”的建筑设计哲思与现代艺术空间设计手法相结合，达到了圆方互融、和谐公存的良好效果，整个现代艺术中心的景观与美学气质可谓“蔚然成风”，极具感染力和吸引力，同时为更好的弘扬和传播传统文化做出了贡献。

2现代文化艺术中心设计展现传统文化与人性化、艺术化的结合

我国传统文化要素能够在现代文化艺术中心设计中得到很好的运用，一方面是因为传统文化具备强大的生命力，能够为文化艺术中心设计提供很好的帮助；另一方面，传统文化对艺术、自然和人性的尊重，是传统文化要素存活的关键。所以，必须要把传统文化要素与人性化设计、艺术化设计完美结合，这样才能得到更好的设计效果。具体的，在遵循现代设计理念与手法的基础上，现代艺术中心的设计要将古代中国传统的建筑设计哲学充分运用其中，形成了较为创新的艺术中心设计模块，也进一步提升了艺术中心之于城市发展的促进作用。但是，在传统设计风格的主导下，现代艺术中心的设计并未失去其最重要的诉求和功能，即满足城市文化艺术发展的需要，为城市居民提供高容量、大空间、便捷快速的学习、休闲与体验的场所。也就是说，新时期现代艺术中心的设计必须满足“人性化”“、实用性”这两个原则，满足人们的需求，同时提升建筑设计的实用性与务实性。要知道，新时期的现代艺术中心的设计必须严格遵循人性化的基本原则，必须体现建筑物设计的实用性与务实性，即实用而不浮夸、人性而不浪费，这样才是对传统文化的尊重和践行。例如，现代艺术中心的绿化设计与建筑物区域的分割，无论是绿树成荫中的宽阔道路还是垂柳下面的休憩地域，都要考虑该艺术中心在设计中关于行人、游客与参观者的需求，尽可能的为人民、游客、行人提供舒适、便捷与健康的环境。此外，根据现代文化艺术中心建筑物局部设计的传统文化要素的渗透要求，实际的设计工作也要凸显实用性的诉求，将空间充分利用，体现出传统建筑设计的简约理念。再如，我国传统建筑设计要求设计必须体现功能的多元化。因此，建筑物占地面积要基本上集中在中心区域，范围极为有限，这为其他服务型功能的拓展与基础设施建设提供了可能。广场区域的设计力求符合行人、游客的需求，与外部空间贴合度较高，绿化的设计围绕整个中心的内部和外部展开，可以确保现代艺术中心的环境质量、空气状况与良好的美化效果。此外，停车场的设计也要十分实用而耐用，要连接文化艺术中心与外部空间，同时开阔的停车场区域规划能够满足海量人群的停车、取车的需要。总体来看，新时期现代艺术中心的功能布局和设计不仅要充分考虑到现代艺术中心的设计品质和规划质量，而且以人性化和实用性为指导原则，以传统文化要素为设计理念，力求发挥出现代艺术中心的最大功能，实现传统建筑设计与现代建筑设计的结合。此外，新时期现代艺术中心设计还要具备一个很大的特色，即设计空间内大量水、湖泊和植物的应用，这也是传统文化要素的重要组成部分。从设计学的角度分析，水、湖与植物的大量运用，是设计造景的最佳选择，一方面可以提升设计的品质；另一方面彰显出现代艺术中心的独特吸引力。可以想见，在湖光山色之间，品味鸟语花香与潺潺流水，一定可以将人们带进人山人海的美化境地，从而进一步凸显现代艺术中心的特殊文化气质与艺术内涵。

3总结

本文以新时期现代艺术中心的设计为起点，着重分析了现代艺术中心设计中传统文化理念、传统建筑设计原则的运用和实践，通过对设计中景观设计、空间布局、设计手法的研判，得出了优化的文化艺术中心设计可以点缀城市景观，丰富城市文化艺术发展你内涵，满足人民群众对于精神文明、文化艺术的主体诉求，同时将传统文化要素的作用充分展现，为发挥出文化艺术中心的作用奠定了基础。

文化艺术设计论文范文第2篇

一、关于赫哲族“鱼皮艺术”

鱼皮文化艺术是人类一项独特的生存艺术，它创造了人类在恶劣环境中顽强生存的奇特景观。鱼皮文化在漫长的历史传承之中发展与演变，一脉相承的“鱼皮艺术”是赫哲族鱼皮文化中最具特色的典型文化遗存。赫哲族人世代以三江为家、渔猎为生，具有着鲜明的地域性、民族性特征，反映了浓郁的北方捕鱼民族的地域特色，“鱼皮艺术”利用野生鱼皮天然特有的鱼鳞花纹形成的自然肌理之美，引起视知觉的强烈感受来造成视觉心理的情感共鸣，传达出风格浑厚、古朴粗犷、造型别致、色彩和谐、工艺精细的艺术风貌，具有较强的观赏性、装饰性和艺术性。其独特的材料与工艺特征，体现出了重要的艺术和研究价值，是独具魅力的艺术奇葩和“民间瑰宝”。

二、赫哲族“鱼皮艺术”产业的成因及现状

近几年 “鱼皮艺术”产业的兴起并得以形成的因素是多方面的。在19世纪末至20世纪初期，赫哲族人没能与商品经济的时展同步，仍然处于渔猎经济时期，依旧穿着鱼皮衣使用鱼皮制品，这一独特现象引起了人们的关注，人们怀着各自的目的来换取、购买、收藏鱼皮制品，使其在不经意间得以传承至今。这一现象引起了文化学者以及文化机构、政府部门的注意，并成为“鱼皮艺术”产业形成的重要推动力，先后出现了学者的研究著作、论文、相关新闻报道等，经过黑龙江省佳木斯地方的整理挖掘2005年“赫哲族鱼皮制作技艺”被批准列入我国第一批部级非物质文化遗产保护名录。随着近几年赫哲族“鱼皮艺术”在国内的各类展览、展会上不断得到推广，赫哲族鱼皮工艺在市场上备受消费者青睐，同时也给赫哲族渔民带来了可观的丰厚利润。“鱼皮艺术”所产生的高额经济利润同时也刺激了更多敏锐商家的介入，使专门从事“鱼皮艺术”产品制作的企业和个人不断增多，逐渐形成了“鱼皮艺术”产业。

目前是“鱼皮艺术”产业由原始的稚拙进入快速发展的时期，“鱼皮艺术”产业呈现出了方兴未艾的发展态势，加工制作群体也不断呈现出多元化的发展趋势，制作工艺水平良莠不齐、层次较多，主要体现在三个层次：一是赫哲族渔民在冬闲时节家庭作坊式的加工方式，虽然时有地方组织培训，但整体风格仍呈现粗犷化、形式单一化在特点，二是少数鱼皮艺术传承人或爱好者单体设计制作，其中不乏佳作，但产量较少，三是由工厂、公司设计制作营销的鱼皮画的艺术品在数量与质量上相对较好，价格昂贵，流水化制作易呈现过于模式化、商业化气息浓，从而造成设计风格单一，难见精品。

三、高职艺术设计教育与“鱼皮艺术”产业对接的重要意义

高职艺术设计教育及其专业群对接地方文化艺术产业群是地方社会经济文化未来发展的必然要求，利用地域优势与“鱼皮艺术”产业紧密结合，及时准确地把握地方“鱼皮艺术”产业发展、变化和升级的方向需求，进一步提高服务社会的功能和成效，实现产业化生存和发展的拐点。在竞争日益激烈的市场中利用艺术设计专业教育理论体系服务于赫哲族“鱼皮艺术”产业，提高制作人员的艺术审美修养的，为保护和创新地方文化艺术资源提供智力和人才支持，使其在保持原始粗犷类型的基础上向更精美的高端产品发展势在必行，对保持“鱼皮艺术”产业平稳快速发展具有重要意义。

四、“鱼皮艺术”产业对接的研究途径与研究内容

1、鱼皮的加工工艺研究： 高职艺术院校通过到赫哲族及企业、商家调研走访，研究传统与现代的鱼皮晾干去鳞、晾晒鱼皮、捶熟、漂色等加工技艺与处理方法及不同处理手法的鱼皮风格特色，现在鱼皮艺术已经形成了一定的养殖基地，也有了稳定的鱼皮供货货源。

2、鱼皮艺术的形式、功本文由论文联盟收集整理能与发展方向研究：在校内实施阶段，组织师生到商家观摩，参观三江国际旅游节赫哲鱼皮艺术展，记录赫哲族鱼皮艺术的多种形式及使用功能，介绍赫哲族鱼皮的加工工艺、作品形式、题材、功能，鼓励师生大胆的拓展设计思维，开展实训操作训练，组织教师开展艺术设计教育专业教研室关于“鱼皮艺术”的专题研论。增加相应实践课程讲座，通过艺术设计教育实践指导专业学生拓展现代鱼皮艺术发展新的可实现的艺术形式及可应用的领域及方向。

3、鱼皮画的设计形式、题材、风格、内容及发展演变：通过分组搜集素材、市场调研等，研究传统鱼皮画的设计制作形式及题材内容拓宽现代鱼皮画的形式，将现代的画面构成由平面的层次间的拼贴向深度空间、半浮雕、半立体、立体的雕塑式的形式发展；以引起更大的视觉效果；题材应该体现出民族化、国际化的多元化发展方向，由赫哲族传统渔猎生活内容向更加艺

转贴于论文联盟

术、更生动的题材发展，结合中华传统民族文化审美的需要，将传统的中国画艺术或写意或工笔；风格由粗犷转为精美、生动或简约、华贵大方。丰富作品规格，在原有小幅作品基础上向更大型具有恢宏气势的作品发展。

4、运用形式美学原则创新鱼皮画艺术的发展水平：组织师生到校外企业或农民中做设计思维指导，充分利用鱼皮天然肌理而形成的自然美的独特风格，运用高职艺术设计系统的教学展示将平面形式美规律及色彩学的原理去追求画面的生动效果，抽象画与具象画两大风格，或运用明度对比强化肌理效果古朴粗犷意本文由论文联盟收集整理境深沉幽远或运用素雅的色彩突出画面雕塑之感，或者强化色彩对比色彩斑澜运用装饰效果，提高地方“鱼皮艺术”的美学水平及作品层次。

五、“鱼皮艺术”产业对接的思考与启示

文化艺术设计论文范文第3篇

【关键词】包装设计教学 民族文化艺术 创新 现代元素

引言

在经济的推动下，包装产业有了进一步发展，在解决劳动力、促进经济增长等方面意义重大。从当前市场来看，商品除了质量和价格，包装最受消费者关注，这就要求必须提高包装设计水平。民族文化艺术是千百年传统文化的凝结，有着丰富的内容和极深的内涵，用于包装设计，往往能起到意想不到的效果。

1 了解民族文化艺术在包装设计中的应用现状

1.1 应用误区

国内包装行业整体水平偏低，材质粗糙，造型较少，色彩不协调。近些年来，民族风很受重视，我国也非常提倡学习传统文化。一时间，传统文化艺术成了获取商业利益的工具，纷纷在产品包装上使用传统文化艺术，但过于盲目，对传统理解较浅，找不准传统和现代的契合点，以至于难以达到预想效果。抄袭国外之风严重，西方纵然也有古典文化，但中西方文化存在着巨大差异，照搬经验，使得设计不伦不类。再者，包装太过，把几种传统文化艺术揉在一起，让人眼花缭乱，缺乏整体协调性。

1.2 教学方向

首先，应传承传统文化艺术。一方面，传统文化是古代人们的劳动心血，是我们一大笔精神财富，应该传承；另一方面，传统文化艺术形式多样，内涵深刻，应用于包装设计潜力巨大。不仅能增强商品的视觉效果，还能赋予其一定的深意。其次，需要融合。传承并非简单的事，包装设计多是商业化的，以利益为先，且服务于社会大众。众口难调，而民族文化又往往具有地域性，直接应用难以取得理想效果。所以，需要寻找两者的切合点，实现完美的融合。此外，传统文化艺术需要创新。艺术设计具有开放、多元的特点，过去的教学方式已不适用，应该创新，融入现代元素。

2 如何更好地把民族文化艺术融入包装设计教学

2.1 了解民族特色

我国民族文化艺术资源丰厚，历史悠久。但在当前新形势下，西方文化不断冲击，以至于很多地方多逐渐西化，缺少对民族特色的深刻了解。包装设计属于现代行业，很多高校只重视现代文化艺术在其中的应用，在课程安排上对民族文化艺术有所忽视。所以，首先要培养学生兴趣，引导他们了解民族文化艺术，弄清楚中西方文化以及古今文化的异同。增设专业基础课，利用多媒体展示优秀的作品，比如中国香山饭店、泸州酒、板城烧锅酒、孔府家酒等设计，成功地把民族文化艺术与现代设计相结合。让学生学会欣赏，并能够分析它们成功的因素，进而了解民族文化艺术的精髓。

2.2 融入现代元素

时代不同，人们对美的理解和审视角度也有差异。传统文化艺术在传承的同时，还要创新，融入现代元素，体现时代特点。就像教学模式和教学方法，也需要不断创新。作为教师，在学生掌握民族文化艺术基本知识和特点后，最关键的是如何加入现代元素，不着痕迹地符合现代人的审美观。

在传统文化中，牡丹象征着雍容华贵，蝙蝠和寿桃象征福寿呈祥，龙纹、青花瓷、书法等在传统文化中都较为常见。另外，我国的色彩文化也极为讲究，蕴含着儒家、道家等各家思想。用于现代包装设计，例如，青色的孔府家酒、蓝色的脑白金。绿色环保是新时代的主题，包装设计自然也要体现这一特色，传统的陶、瓷、竹、麻等材料都颇为适用。

2.3 开展实践活动

包装设计是一门实践性较强的学科，需要通过大量实践，增加经验，更好地实现理论和实践的结合。教学过程中，可组织学生到当地博物馆，以传统实体成品为教学内容，令学生观察思考，并提出自己的设计方案。多和其他高校交流，开拓视野，分享心得。毕业论文以此为题，鼓励学生自己动手搜集资料，独立思考完成论文。另外，在班级内部或校园内举办艺术设计比赛，给学生提供动手锻炼的机会，和发挥自身才华的平台。若条件允许，可进入相关企业进行实习，不但能把所学知识应用于实际设计，还能了解市场需求和现代人审美观的变化。或参加国内外的大型设计比赛，与其他优秀设计师和专家沟通交流。

结语

在过去的包装设计教学中，要么对民族文化艺术不够重视，要么是应用不当，以至于民族文化艺术难以发挥其作用，而包装设计教学水平也不理想。

对此，应以现代教学观念，重新认识民族文化，处理好民族文化艺术在现代包装设计中的关系。在学习理论的同时，还应多多实践，提高学生的动手设计能力。

参考文献

[1]林洁.浅谈包装设计教学中的民族文化艺术研究[J].美术界，2014，22（6）：113-114.

文化艺术设计论文范文第4篇

艺术设计 研究生 文化史课程

一、艺术设计专业研究生文化史课程教学的目标与意义

艺术设计专业研究生层次的学生在本科阶段较为系统地学习了设计基础理论和设计专业技能课程，研究生学习阶段的重点是开阔艺术视野、增强文化底蕴、深化设计思想。学生只有全面提高人文素质和文化修养，设计和学术研究潜力才能厚积薄发，成为有可持续发展力的设计工作者和研究者。

针对上述人才培养要求，北京林业大学艺术设计专业研究生培养方案将“中西文化史”课程列为设计艺术学学科中的主干学位课程，自2005年开始已经连续开设7年。选修本课程的学生主体为艺术设计专业的硕士研究生和博士研究生，包括环境艺术设计、装饰艺术设计、装潢艺术设计、动画艺术设计、园林景观艺术设计等不同专业领域的学生。本课程以历史发展为基础，以中外传统文化艺术为载体，以时间和空间为脉络线索，介绍中国传统文化和其他世界文明发源地的国家、民族所创造的优秀文化艺术成果，着重分析社会、文化、思想、宗教的因素在艺术作品上的反映和对艺术创作的影响，并在一定程度上比较中国传统文化与西方文化和现代文明的关系。教学目标是使学生系统地了解中外文明发展历史、中外思想文化、宗教文化、文学艺术、社会生活等方面内容，引发学生的思考。教学的意义在于提高研究生的人文艺术修养和设计创作水平，在学习中真正做到“古为今用，洋为中用”，成为既立足本民族文化又面向世界的有创新精神的高素质专门人才。

二、艺术设计专业研究生文化史课程教学的内容与侧重点

中西文化史课程是高等院校文史类专业学生的必修课。文史专业学生一般有中外历史、思想史、社会生活史等选修课程作为本课程学习的基础，还具有一定的考古学、历史地理学、人类学、民族学、古代文献等方面知识作为支撑。因此这些专业中，中西文化史课程内容涵盖面广，章节分列细致，课时量大，教材有相当深度。而面对艺术设计专业则要结合专业特点、要求，学生的知识结构与层面、接受程度等因素，在教学内容讲授、教学侧重、教材选用与编写等方面进行必要的改革探索。

艺术设计专业学生本科一般系统学习过中外美术史、工艺美术史、设计史课程，有些学生还具备一些中外建筑史、园林史、装饰艺术史等艺术史论知识。在研究生学习阶段开设的中西文化史课程要与学生此前的知识结构既相联系又有区别，不能重复已熟知的内容，要在原有基础上加深理论分析与阐述，并进行内容上的拓展，补充学生在本科阶段所欠缺的知识。由于课时较之文史专业要少很多（以北京林业大学为例，开设此课只有32课时），在内容设置上不能面面俱到，而是要突出重点，既有广度又有深度。

笔者结合上述教学中所遇到的问题，将教学大纲确定为中国文化史部分以历史年代为线，介绍从史前至明清历代文化。以讲授思想史为核心，重点分析历代思想文化对艺术发展的影响。西方文化史部分其一是讲授西方文明的源泉――古希腊文化的特点与成就及对后世西方文化的影响；其二是通过中西文化比较介绍中西文化差异的根源，重点比较中西艺术精神与艺术风格的不同。内容设置有一定的系统性和全面性，避免了泛泛的知识罗列，从思想文化的高度去认识历史，最终回到分析艺术风格成因和艺术文化内涵的落脚点上。

三、艺术设计专业研究生文化史课程教学形式与考查形式的探索

艺术设计专业研究生层次的教育中存在部分学生轻视艺术史和艺术理论学习，大多欠缺文、史、哲知识的问题。授课、考查方式的单一化很难调动起学生的主观能动性，学生没有直观感受和主动学习的欲望。考查评价方法上以课程论文或考试试卷作为考查形式，易使学生为轻松取得学分而敷衍，写作课程论文过程中抄袭现象严重，或死记硬背教科书和笔记上的考试题目重点进行答题，无法体现学生独立分析和深入研究与理解的能力。

针对以上问题，笔者在中西文化史课程教学方式和考查方式上进行了探索和改革。其一是课内指导教学与课外自主研究教学相结合。在第一节课上提供给学生课外研习的文献目录，要求学生跟随课程进度研读文献与参考书，教师在课上进行纲要式的讲解与重点问题的分析。考查方式中增加写书评和文献综述的环节。这样解决了课时少和内容多之间的矛盾，也发挥了学生的主动性。其二是联系历史分析现实，将历史上的重要文化思想或文化现象与现实生活相联系，由学生思考并确定要陈述的话题并准备好相关资料和演示课件，在课堂上进行陈述、演示和提问，大家就此话题发表各自的观点并展开热议。改变教师“一言堂”的形式，学生在这样的讨论课上找到了研究的切入点，为今后写作专业研究论文积累了具有新意并言之有物的选题，同时锻炼了分析、表达、辩论能力。学生的演示课件作为考查成绩的一部分。其三是充分运用现代的教学手段，课件制作有文字、图片、视频、音乐、动画、整体界面设计，引入大量艺术作品、考古文物图像帮助学生更直观地理解陌生和抽象的知识。其四是走出课堂进行直观体验式教学，通过参观博物馆、名胜古迹等实践活动体验传统文化的魅力，深化对课堂知识的理解。要求学生将参观考察报告、感想、资料收集作为一份课程作业来完成。

结语

艺术设计专业研究生文化史课程教学的探索与研究这一课题的提出和开展，是为了改变目前高等艺术教育中重视现实功利，轻视学术理论学习研究的不良趋势，通过改革使学生认识到了解历史、了解文化的必要性和重要性，并且在教师、学生的共同努力下，将每个学生的思想、独立个性和思考研究能力全面地发挥和展现。通过教学探索，树立严谨的学术风气，使学术热情不断高涨，这是我们所期待的，也是我们不断追求的目标。

（注：本研究受北京林业大学“211工程”三期研究生创新人才培养建设计划子项目资助）

作者单位：北京林业大学材料

文化艺术设计论文范文第5篇

关键词：地域文化元素；黎锦；平面设计教学；民族化；本土意识

风云变幻的20世纪，现代设计的理念使得设计语言和设计风格趋同化，从而引起设计界反思，如何在“失去”的同时，使得民族文化的精华得以传承。西方包豪斯时期建立的设计体系，是现行艺术设计体系基础，而国内平面艺术设计界对民族传统图案与之相关的文化艺术经典研究稀缺，使得西方现代平面构成理论成了现代设计的唯一标准，从而使设计就是西方舶来品的观念深入人心。而黎锦艺术中体现的原始风格和现代艺术设计中追求的“回归”却不谋而合，这些特质为黎锦图案在现代艺术设计中的运用打下良好基础，正是这种情况下，黎锦图案重新引起了设计界的关注。古拙的意象，神秘的寓意，原始的幻想，热情的浪漫，使得黎锦图案艺术充满了生命的激情与热力。黎锦装饰图案数千年沿袭和传承下来的深厚文化背景和底蕴，充分体现了黎族人民丰富的视觉想象力和联想力，具有丰富的文化信息和潜在商业价值，在新时期的平面艺术设计中加以利用，将会更丰富现代平面艺术设计元素。

一、黎锦图案与现代平面艺术设计的互通关系

海南地域文化艺术元素中，最具开发与传播价值的元素就是海南黎族织锦。黎锦图案的构成有非常巧妙而纯粹的色与形的组织与排列，使之产生强烈而丰富的艺术效果，而对抽象形式的强调，极具时代特色的符号，与现当代的平面艺术设计作品有惊人的相似之处。从黎锦图案中提炼出具有地域特点的图形符号并通过解构、重组加以运用到平面艺术设计中，与现代设计中所倡导的“少则多”艺术设计理念不谋而合，黎锦中的每一个图形、每一块颜色，都使传统黎锦图案与现代平面设计之间，搭起桥梁。将这种传统文化元素的神韵传承到现代设计中，会得到真正的具有现代意义的设计作品。

在现代设计中，处处可见对于形式美感和构成秩序的追求。形式美感是设计理念的基本传达手段，而黎锦图案中的形式感与程式化是主要的构成形式。图案造型中有大量的三角形，菱形，方形，平行形等几何抽象元素，通过构成法则将其重新组织，其中有重复、有排列、有对比、有发射、有夸张、有变形、有打散重构，使其显得厚重、古朴的同时，又不乏平面设计的精美，这些黎锦图案使现代平面艺术设计内容得以不断充实，并散发出独特的气息。

“夸张”是平面艺术设计中重要的构成法则，而在反映客观物象真实的基础上，进行夸张与变形，也是黎锦图案构成的重要形式之一。黎锦图案通过夸张变形来谋求强烈的视觉冲击与现代平面艺术设计中通过夸张变形增强艺术感染力，目标是一致的。黎族哈黎抱怀人的日常生活用被中的“撞纹”运用动和静的夸张变形手法，画面充实，节奏协调。图案构思大胆，造型简洁，具有独特的现代风格。黎锦制作精巧，图案花纹精美，配色调和，善于运用明暗间色，青、红、黑、白等色互相配合，色彩鲜艳，富有夸张和浪漫色彩，产生形色对比强烈的艺术效果。

德国哲学家W.沃林格认为，在艺术创造中，除了情移的冲动以外，还有一种与之相反的冲动支配着，这便是“抽离的趋势”。而包豪斯的现代设计理论建立，使得抽象主义在现代平面设计中发扬光大。黎锦图案中，运用抽象的表达方式也是其艺术特征之一。例如润黎的黎锦图案把“祖宗柱”绣于上衣后背中心位置，“祖先人形纹”被安排在上衣正中间显眼位置。“祖先”的形象被设计成抽象外形，一间三角式茅屋，三角中央有抽象V字人形纹，在人形纹的腹、双腿、双臂等又套着体型较小的V字人形纹，小的V字人字纹中又套有更小的V字人形纹，层层叠加，环环相扣，又构成一幅饱满的复合抽象图形，如成千上万的人手拉着手，寓意祖先牵着子孙后代的手护佑着他们。在黎族人取意为：房子――父亲――儿子――孙子，代代相传。

现代设计中的要诀之一就是“象征性”，黎锦图案中体现的“有意味的形式”与现代设计不谋而合，对现代平面设计意义重大。

二、海南黎锦图案元素在现代平面艺术设计中的应用

黎锦的种类主要有统裙、上衣、裤料、被单、头巾、腰带、挂包、披肩、鞋帽等。黎族人对黎锦图案的提炼组织遵循一定的“构成”规律，这些写在黎族人心里的构成规律，使得黎锦图案对现实的抽象、几何化的提炼、色彩平面化的组织都体现了黎族人的审美意识。

平面艺术设计将不同的基本图形，按照一定的规则在平面上组合成图案，也可以用手绘方法创作。主要在二度空间范围之内以轮廓线划分图与地之间的界限，描绘形象。在现代平面艺术设计行业内，设计师们无时无刻不在寻找“灵感”，将黎锦图案元素融入到现代平面艺术设计中，能激发设计师从应用的角度来探究视觉语言的个性化表达，能打破只通过点、线、面抽象要素来研究视觉组织规律的思维惯性，丰富平面艺术设计创作方法，展现独特的艺术风格。

民族艺术与现代艺术的融合无疑是设计潮流的体现。应用传统元素可以为现代平面艺术设计创造出多种多样的门类，从而产生新的视觉语言，黎锦元素在平面艺术设计中可以应用到网页设计、包装设计、DM广告设计、海报设计、平面媒体广告设计、书籍设计、刊物设计、VI设计等等。例如黎锦坊，在黎锦家居用品开发和黎锦婚庆博览会等商业艺术设计行为中，大量运用黎锦图案，使之走在时代前列。

要想体现“设计的核心内容就是文化”，需对黎锦文化的艺术精神进行深入研究，将具有东方民族内在艺术精神的特点以当代性的形式展现在世界艺术当中。将黎锦应用到现代平面艺术设计中，可以是黎锦元素的重构再应用，可以是黎锦风格的现代表现，可以是黎锦的再搭配。总之是将黎锦艺术运用到平面艺术设计中的同时不失其原本属性甚至能有独特的风格、味道、功能！

随着时代的发展，国际设计界开始越来越重视民族地域元素和符号的使用。如今在世界各地知名度假酒店中广泛运用正是说明它在设计中所处的位置极其广泛的使用基础。“民族的就是世界的”，只有从民族地域文化元素提取并吸收精华，才能体现文化特色，形成独特的艺术风格，就展现传统文化及当代性的主流文化。

参考文献：

[1]海南省民族研究所.海南民族研究――越过山顶的铜锣声[m].昆明：云南民族出版社，2006.

[2]海南社会科学界联合会.国家战略与国际旅游岛建设――海南省庆祝新中国成立六十周年理论研讨会论文集[c].海南：会议论文，2009.

[3]海南社会科学界联合会.2010当代海南论坛文集[c].海南：会议论文，2010.

项目名称：海口经济学院校级资助项目。

项目题目：现代艺术设计中海南黎锦图案应用的视觉表现研究。

文化艺术设计论文范文第6篇

论文摘要：文化艺术修养能丰富人的知识、培养创新能力、塑造完美的人格形象,良好的文化修养是创造性活动的内驱动因;艺术修养有助于学生创造灵感的诱发。本文就如何加强文化艺术修养，来提升艺术学生的创新思维能力，为社会经济发展培养出具有创新能力的专业设计人才进行了探讨。

一、艺术设计学生创新意识现状

艺术设计是人类为了实现某种目的而进行的一项创造性活动，其基本特点是实用与美观的结合，即赋予设计物功能和审美的双重作用。设计活动是一项以审美创新为主旋律的创造性活动，设计过程就是围绕解决问题而进行的审美创新的过程，可以说没有创新，艺术设计失去了生命活力，也失去了生存的价值。在知识产权已经普及的今天，艺术设计本身所体现出的创新意识、创新能力等，更加受到了社会、企业、以及设计者本身的关注和重视。创新已成为艺术设计引领市场的灵魂，对于身为设计专业的学生来说，创新更为重要，是他们今后走上社会能否很好生存的法宝。然而就目前高校艺术生的创新能力来看，尤其是民办院校艺术生，普遍存在以下情况：

（一）主动创新意识不强

受传统应试教育模式的影响和制约, 有的学生缺乏创新的欲望, 头脑中未形成一种追求创新的意识; 有的学生不满足于现状, 想超越现实, 却又缺乏行动的信心; 有的学生虽然认识到创新的重要性, 但在生活中又不够主动, 缺乏创新的毅力, 一遇到困难就退缩, 没有勇气挑战新的事物; 在学习过程中,主动思考问题, 主动提出问题的学生不多。

(二)拓展创新思维的想法不够

创新思维是人们在认识事物的过程中，运用自己掌握的知识和经验，通过分析比较、综合提炼、抽象加工，再加上合理的想象和感悟，产生新思想、新观点的思维方式。创新思维是创新能力和方法的先导，是培养学生创新能力的重要环节。传统的 “老师授课, 学生听课” 的艺术理论知识教学模式, 缺乏必要的启发教育和学习讨论, 学生按照同一思维模式接受教师的教学观点和教学内容，在创新思维的深度和广度上、在观察的细致性和全面性等方面比较欠缺，不能拓展新思维。有的学生想去创新, 可他们不知道从何入手, 缺乏指导他们去创新的力量, 传统教学模式所灌输的单一思维方式, 未能为拓展学生创新思维提供必要的环境条件。

（三）文化艺术知识的缺乏导致创新思维滞后

在全国高考中每年的美术考生大军浩浩荡荡，蔚为壮观。由于高考对文化课单设了一个艺术类的文化考试科目，所以在高中时就把学生分了类，优秀的学生学理科，次一点的学文科，文科中再次的学生为了找出路，无奈地报考艺术设计，但他们没有绘画基本功，大部分考生匆忙补习三个月的素描，色彩就应对考试，考生中真正酷爱艺术设计的并不多，再加上本身文化艺术底子就差，在大学的设计学习中，运用相关知识进行创新思维的能力就比其他一些同学滞后。

尤其是在21世纪，流行时尚文化的冲击，偏重于用电脑进行各种活动，轻视了书本的知识，忽视对文史知识的提高，尤其对传统文化，如戏曲、书法、艺术鉴赏等知识知之甚少，更不用说去进行启发式联想创意了。曾有教师在一堂广告设计课上布置学生以中国传统佳节为主题设计公益广告，要求文案撰写贯穿古代文人诗词作为烘托。不少学生由于对中国传统文化知之甚少，文案中的诗词文不对题，人非人、事非事，不知其意，错字连篇，闹出了让人啼笑皆非的笑话，创新谈何而言，思维方式也只能一度的停留在模仿借鉴上了。

二、文化艺术素养在艺术创意中的重要性

（一）文化素养在艺术创意中的重要性

艺术设计，实际上是设计者自身综合素质（如表现能力、感知能力、想象能力）的体现。各个专业虽然对设计知识的着重面不尽相同，但对于“大设计”概念的关于美、节律、均衡、韵律等的要求是一样的。不论是平面的还是立体的设计，设计者首先要面对的是对所设计对象的理解——对设计对象相关的背景文化、地理、历史、人文知识的理解。没有文化根基，驾驭艺术设计时就难以达到纯熟的境界，难以挖掘艺术的深意。在设计作品中注入相应的文化内涵，已成为增强艺术设计作品感染力不可或缺的手法。尤其是中华民族具有悠久的历史文化，创造性地运用和发展本民族的特色，创意思维的源泉将会连绵不断。

一个典型的实例，中国联通的标志是由一种回环贯通的中国古代吉祥图形“盘长”纹样演变而来。标志造型中的四个方形有四通八达，事事如意之意，六个圆形有路路相通，处处顺畅之寓，而标志中的十个空穴则有十全十美之意，洋溢着古老东方的吉祥之气。其创作的灵感来源于对中国历史文化和东方文明的传承观念的提炼，这就是典型的文化对创意的影响。

（二）艺术修养在设计创意中的重要性

艺术素养是创新灵感的来源之一。艺术修养，属于美育的范畴, 它主要指:文学艺术欣赏、审美能力、艺术才能等方面的教育培养。具体包括: 视觉艺术、听觉艺术、综合艺术、造型艺术，以及自然美、环境美的熏陶。艺术修养最终体现为审美的感情、判断和鉴赏能力。在人的成长过程中，对陶冶人的审美情趣、提高人的思维能力、增强人的判断能力起到潜移默化的作用。一部优秀的文学作品、一支动听的乐曲、一幅优美的画卷、一座造型高雅的建筑，无不给人以美的愉悦、感情的升华、心灵的震颤,让人体会到高尚、优美、庄严、宁静, 不仅能使人的大脑得到充分休息， 而且在艺术活动中能激发学习的兴趣和灵感。

三、如何加强学生的文化艺术素养，提升学生创新思维能力

（一）课堂上综合知识点，积极引导，变复杂为简单，变被动为主动艺术教育是应在教学过程中不断激发和提高学生敏锐的视知觉观察力、审美感受力和审美创造力。民办高校艺术生的性格特点在于他们对自己学习的自控力和自觉程度上很难把握，有些同学由于缺乏学习的主动性，上文化理论课时无精打采，更不用说课下读一些有关的专业书籍。对此，我们必须在平常的上课过程中就应该教会同学们养成多读专业书、多了解当代先进的艺术设计思想的好习惯，引发大家学习学科前沿知识的兴趣。同时还必须加强整合人文艺术教育的学科资源，让大学的艺术教育课渗透更多的人文内涵，而不仅仅是技艺上的传授。还要注意将美学、艺术史、设计史、艺术批评、艺术创作、艺术心理学等相关学科进行有效整合，加强专业指导和交叉构建。把复杂的艺术评论或者设计史通过简单有趣的方法概括归纳将给学生，同时让学生参与到调查、收集并研究不同时代，不同民族之间的作品，了解作品产生的时代背景和作者的生平阅历，进行ppt讲解，通过比较鉴赏并挖掘作品背后隐含的意义，这样学生的积极性也挺高了。

（二）课堂外给学生提供资源、拓展知识，在实践中激发灵感?

利用我校艺术大楼图书阅览室这一平台，每学期购买一定量的图书学习资料，可以包括文学、史学、绘画、书法、雕塑、国内外优秀设计作品集、杂志期刊等，让学生定期的去借阅，并规定一学期至少要读两本书，并写出相应的提纲总结，把学到的知识进行一次公开的或者小班的课堂汇报，然后结合汇报给学生提出一设计主题，让其结合所看所学的知识进行一次贴近生活的设计体验，要紧密结合绘画技法、知识涵养和审美欣赏这三种与美术相关的能力在艺术创作中的运用，体现创作主体情感、意志、态度等个性化的元素，同时把这汇报和设计作为考核的一部分。那么这样学生的课外知识量不仅扩充了，而且也加强了思考的主动性，同时在开展设计活动的时候能自觉的引用课外知识，灵感也随着知识的丰富油然而生。

（三）结合学生要求，举办各种艺术门类的专题讲座

开办校园专题讲座一直是我设计专业所注重的，并且在这方面一直在做，学生从中还是学到了不少知识，但是这方面还做的不够好，应该涵盖各个方面，让学生自愿听讲、自愿参与、根据学生反映意见开展相关的讲座，这样无形提高了学生的参与感。高水平的专题艺术讲座集学术功能、教育功能于一体，能够帮助学生增强文艺知识，拓宽视野，扩展知识面，使学生学到许多在课堂上难以学到的东西，学生看的多，听的多，了解的多了就无形中会影响自己的思维模式，启发创作灵感。

（四）走出校门，参与活动、增长见识、激发灵感

走出校门，多去看看别人的东西，不论纯艺术绘画，还是设计作品，从中学习别人的长处，避免把知识禁锢于书本或是课堂。可以多参加一些各高校间的作品交流活动，参观一些名人画展，设计展；还可以经常去艺术馆、美术展览馆和历史博物馆去取取经；甚至在采风、考察活动中广泛了解当地民族特色文化，收集素材充实自己的资源库，目前很多艺术类高校都采取了最后一学期外出采风的模式进行教学，学生在旅途中将自己所看的，所经历到的用相机或者笔或者绘画的方式记录下来，在与他人的交流中虚心请教，比较观点、提炼精华、学习经验，慢慢的发现自己在多听多看多问中不断进步，从而获得更多的创作灵感。设计不是独立存在的行为，坐井观天的学习方式不可取，要在与其他学科的交流中寻找设计元素和构成方式。

四、小结

艺术设计的灵魂与本质在于创新思维。创新的能力来自一个人的素质、能力、文化蕴积和修养的综合体现。具有扎实的专业基础、良好的艺术修养和深厚的文化底蕴会让你感到设计工作别有一番情趣，让你在今后的职场中游刃有余。在今后的教学中加大学生文化艺术素质的培育，最大限度地开发学生的创造力成为目前我国设计教育应遵循的定位法则，也是提升学生的创新思维能力的有力途径。

参考文献：

[1] 杜大恺主编.清华美术3:艺术教育的当代境遇[j].北京:清华大学出版社,2006.

[2] 李祖超.创造性思维与创新教育[j].山东教育科研,2001,( 6).

文化艺术设计论文范文第7篇

论文内容摘要：中国画元素在现代艺术设计中被广泛应用与研究，已是有目共睹的事实，并呈现出日渐普及的趋势。为此，文章认为要将中国传统文化与现代艺术设计有机结合起来，在高校艺术设计类专业合理开展中国水墨画教学的研究，以使艺术设计类专业学生的水平获得全面的提升。

中国画元素在现代艺术设计中的应用，已呈现出日渐普及的趋势。其应用、研究的范围之广，内容之多，乃至成果之多，应该说是前所未有的。有从传统文化角度提出的，也有从中国画美学角度阐述的，更有从中国画情感角度研究的。当然，最多的还是从中国画的构图、空间、虚实、透视、笔法、墨法等具体的形式法则角度论述的。但是，以上种种研究与应用主要是在理论与工笔画方面展开的，而进行中国水墨画课程教学的研究，却较为鲜见。为此，笔者认为要全方位、多风格、高层面地将中国传统文化与现代艺术设计有机结合起来，艺术设计类专业中国水墨画的教学研究是不可或缺的。

一、现状与分析

在全球化的进程中，文化艺术的趋同逐渐形成了文化艺术较为单一的局面，如何较好地发展地域性、民族性的文化传统，建立多元化、多层次的文化格局，已经成为包括艺术设计领域在内的文化领域需要直面的重要课题。纵观当今的现代艺术设计，其民族性、地域性越强而越受到人们的关注与喜爱已是不争的事实。

开展此项内容研究，旨在把传统的、别具风格的中国水墨画，科学、合理而高层次地应用于我国现代艺术设计之中。同时，它还可以拓展设计类专业学生的思维，增强其知识的广泛性，丰富其艺术表现语言，增强作品的民族特点，从而全方位、多风格、高层面地提升学生的设计水平，这也符合现代艺术设计未来发展的需要。

水墨画是中国绘画特有的、最具中国画特点的绘画样式之一，作品讲究“气韵生动”，不拘泥于物体外表的肖似，强调抒发作者的主观情趣，讲求“以形写神”“离像而求”“意在笔先”“缘物寄情”的造像原则。作画时注重造型概括洗练、黑白分明，用笔用墨灵活洒脱、刚柔相济、虚实相生、变化无穷。其作画过程，几乎涵盖了中国画所有的用笔用墨技巧和方法。很多艺术家都把水墨画的艺术元素应用在艺术设计作品中，并且取得了非常好的效果，如靳埭强和陈幼坚两位就是很好的代表。但水墨画在艺术设计中的应用，基本都停留在具体的实践与操作的层面，而在教学的方法与内容的安排上还鲜为人知，因此，我们有必要对其进行研究和探讨。

二、课程的内容与形式

（一）笔墨基础体验

1.传统笔墨练习

众所周知，“笔墨”历来是评价中国画优劣的一个重要标志。五代画家荆浩在他重要的理论著作《笔法》中明确指出：“笔者，虽依法则，运转变通，不质不形，如飞如动。墨者，高低晕淡，品物浅深，文彩自然，似非因笔。”[1]清代画家恽南田也说：“有笔有墨谓之画。”可见笔墨在中国画中的作用与意义。

笔墨是在中国绘画史中形成的一种精英化的独特的视觉艺术语言，是一种可视的形象符号，是中国画形式特征的灵魂。笔墨具有相对的独立审美价值，它在表现内容的同时有自我表象的相对自由，并充分显示笔墨情趣的形式美感。中国画笔墨的程序性、对立性、丰富性，使其本身便具有一定层面的审美意义。如果说意境是中国画的灵魂，笔墨则是中国画的华章。当然，这种笔墨形成的审美意义在不同的时代会有不同的解读和运用。因此，学生很有必要对其进行专门的学习与训练。

2.强化水墨画的意象色墨观

中国画色墨观的形成与发展，深受传统哲学思想和美学思想的滋养。墨和色的应用具有极强的意象性特征与辩证关系，它不同于西方绘画的见红画红、见绿画绿的客观化，更不会刻意追求物象因光源、环境的影响而呈现出的复杂多变的色彩关系，所有的色彩运用都是为了深化作品的主题，讲究意中有象，象中有意，主观意志外象化，客观之象情趣化，可谓是“物我交融”“天人合一”的色彩观。因此，也就有了“以墨代色”“素以为绚”“运墨而五色俱”等艺术主张。国画大师潘天寿先生云：“水墨画，能浓淡得体，黑白相用，干湿相成，则百彩骈臻，虽无色，胜与有色矣。五色自在其中，胜青黄朱紫矣。”[2]这是对水墨画意象色墨观最好的诠释。艺术设计专业的学生只要较好地认识与领会中国画意象的笔墨观，更好地运用中国画所特有的这一语言，融会贯通，熟能生巧，就一定能创造出更具中国民族绘画特点、更为人们喜闻乐见的艺术设计作品。

3.笔墨创新

中国画的笔墨从诞生的那一天起，延绵相继，历经数代的发展与变革，总的趋势是不断发展、不断丰富与不断改进的。在历代画家、理论家、文人等的不断钻研与探索下，不同时代有不同时代的整体面貌，不同风格的画家有不同笔墨风格作品，但是我们不能因此就对传统墨守成规，甚至止步不前，相反，我们要不断创新与突破，要与现实结合，与时代接轨，创造出符合时展潮流的崭新的笔墨样式。只有这样，先人遗留给我们的宝贵精神财富才能够与时俱进，才具有顽强的生命力和绚丽的光彩。正如石涛所云，“笔墨当随时代。”因此，我们在笔墨创新的教学中可以让学生经历一个从模仿到创造、从被动到主动、从“无法”到“有法”的发展变化过程，更可以充分调动学生们的主观能动性，充分发挥他们的想象力、创造力，打破常规，解放思想，不受条条框框的约束，甚至可以逆向思维与幻想。

（二）花鸟画练习

花鸟画是我国民族绘画的一个极其重要的组成部分，它以悠久的历史和独特的艺术风格闻名于世，并以独具魅力的艺术价值而享誉画坛。花卉教学在我国艺术院校里非常普遍，其教学的规范程度之高与教学经验之丰富是不言而喻的。同时，花鸟画学习在内容上可简可凡，在学习时间上也可长可短，在学习性质上可以专业研究，也可以休闲娱乐。因此，让艺术设计专业的学生把花鸟画作为学习中国水墨画的切入点是比较明智的，也应该是行之有效的。另外，学生在水墨画学习中总是进行单纯的、抽象的笔墨练习，时间稍长，会让他们感觉疲乏与怠倦，如果把较抽象的笔墨练习与具体又有趣味的花卉练习结合起来，学习效果可能会更好。

学习写意画不是一蹴而就的事，需要经过一定时间的练习才能掌握。因此，在教学上应该采取由易到难、由简到繁、由浅入深、由写实到写意、由具体到抽象的教学方法。具体操作时，可先让学生从一枝花、一只鸟画起，然后再画一簇花、数只鸟。当然，艺术设计专业的学生学习水墨画和中国画专业的学生学习水墨画，从时间安排和方法选择上都应有所区别。因此，在教学计划、教学内容、教学时间以及教师风格等方面都应该有针对性地安排与选择，尽量做到让学生每走一步都是一个更新，每画一次也都有一些进步，尽量达到事半功倍的效果。只有这样，才能使学生在画画的过程中感受到学有兴趣，学有收获。也只有这样，才有利于提高他们对花鸟画的认识，以及对水墨画的把握与合理应用。

参考文献：

[1]荆浩.唐五代画论[m].长沙：湖南美术出版社，1997：253 .

文化艺术设计论文范文第8篇

论文摘要：民间美术是劳动人民的艺术，是民族民间生产者自己创造并使用的一种实用美术，具有实用性、民俗性、精神审美性和本源性特征。现代艺术设计与民间美术一样同样具有实用性特征，民间美术与现代设计的关系具有历史的渊源关系，民间美术是现代艺术设计的源头，现代艺术设计也为民间美术提供了文化艺术的借鉴，两者相互联系相互依存，现代艺术设计的长久发展离不开民间美术的源头供给。

一、民间美术

1.民间美术的概念定位

民间美术是根植于人民群众之中的纯朴艺术，是生产者的艺术，它是民族民间生产者自己创造、自己欣赏、自己使用的实用美术，它与人们的日常生活密切相关，它不是为艺术而艺术，而是一种追求审美的艺术，是一种生活的艺术。民间美术又是劳动人民的艺术，它是广大劳动人民适应生活实际需要，表达思想情绪，美化生活环境的重要手段。

2.民间美术的基本特征及对设计的影响

民间美术区别于其他美术的特征表现在四个方面：第一，民间美术具有生活的实用性，与人们的日常生活密切相关，并贯穿了人们的衣食住行用的各个方面。第二，民间美术具有精神审美性，民间美术的创作也是根据民间固有的审美尺度来按照美的规律进行的，民间美术作为原始美术的一种延续，其创作心态是实用与审美相互存在的结果，且民间美术的审美性更为突出。第三，民间美术具有民俗性，民间美术通常与一定的民间民俗活动具有着一定的对应关系，是民俗文化的重要组成部分和物化形式，相应的民俗是民间美术生成发展的文化源泉。民间美术的一些作品其形式本身就体现了各种各样的民俗心理、民俗观念，譬如一个民间青花瓷罐上面的麒麟送子图就传达了多福多子的含义和民俗心理。因此民俗活动为民间美术的创造提供了大量的素材和原动力，同时民俗活动和民俗观念又规约了民间美术的创造，使民间美术呈现出浓厚的民俗性。第四，民间美术具有一定的本源性，民间美术的各种创造可以从原始艺术中找出客观存在的雏形，正如马克思所说：“思想观念、意识的产生最初是直接与人们的物质生活、与人们的无知交往，与现实生活的语言交织在一起的。观念、思维、人的精神交往在这里还是人们物质关系的直接产物” ，任何上层的、高雅的文化都是在最基础的、原始的文化艺术上发展起来的，作为民间的下层文化，民间美术具有了“母型文化”的特征。

二、现代设计

1.现代设计概述

现代设计是一个笼统的概念，关涉社会的诸多方面，现代设计与艺术创作是不同的，艺术创作呈现出来的是艺术家审美理想的物态化，它可以不去追求某种物质功利性，是艺术和个人审美情趣的体现。而艺术设计则不同，艺术设计一方面具有艺术性，另一方面具有实用性，并且实用性比艺术性更重要，可以说，实用性是也艺术设计的本质。现代设计的本质特征与民间美术同样具有实用性，但是两者的适应性是不一样的，因为现代艺术不能不考虑物质功利性，也就是为人们生活提供尽可能丰富的物质财富，所以现代设计的目的就落实到经济效益上，可以看得出来，现代设计的实用性较之民间美术具有着经济性。

2.现代设计的基本特征

现代设计的本质决定了现代设计的特征，总的来说，现代设计具有几方面的特征：第一，现代设计具有经济性，现代设计作为经济的载体，已经成为一个国家、机构和企业发展自己的有利手段，艺术设计也越来越多的被很多的国家政府所关注。第二，现代设计具有高科技型，科学技术是一种资源，实现享受这一资源的载体就是艺术设计，艺术设计是科学技术得到物化的载体，同时也是科学技术商品化的载体。第三，现代艺术设计具有文化性，“文化者，人类所能开释出来之有价值的共业也” ，艺术设计的文化性是指艺术设计是一种文化创造，它意味着两个方面，即文化对艺术设计的影响和艺术设计对文化的影响，艺术设计是社会历史文化沉积到一定阶段的产物，优秀的艺术设计对人类文化的新贡献并构成文化的一部分。

三、民间美术与现代设计的关系

1.民间美术与现代设计的历史渊源

民间美术与现代设计本质上具有一种天然的关系，民间美术实质上是原始美术的一种延续和扩展，长期的发展中民间美术保持着艺术本质的质朴，但是随着人类的生存，民间美术的第一特征仍是实用性，它的发生与发展与人民的生活和劳动相互追随，当人们的审美意识付诸于民间美术的设计时，民间美术便与现代设计水融了。

2.民间美术是现代艺术设计的源头

“人民生活中本来存在着文学和艺术原料的矿藏，这是自然形态的东西，是粗糙的东西，但也是最生动、最基本的东西，在这点上说，它们使一切文学艺术相形见拙，它们是一切文学艺术的取之不尽用之不竭的唯一源泉” ，所以说，由人民自己创造的完全属于人民自己的民间美术可以说是现代艺术设计的源泉。从艺术形式上讲，民间美术既是流又是源；从民间心理上讲，民间美术奠定着一种重要的民族心理基础。而现代设计只有不断的汲取民间美术的养料才能长远发展，中国的现代艺术设计理应将建立具有民间文化内涵的特征，重视民间美术的学习，发展民族化的现代艺术设计。

3.民间美术与现代设计的融合

现代艺术设计的发展需要与民间美术相互融合产生出一个以各民族传统艺术风格为基础的现代化的设计艺术风格。柳宗悦在《工艺文化》中曾言及民间美术五个方面的特点：一是为一般民众的生活而制造的器物，二是迄今为止以实用为第一目的的制作的，三是为满足众多的需要而大量准备的，四是生产的总是是物美价廉，五是作者是工匠。 可以认为，民间美术与现代设计之间存在着明显的可交融关系。

在当今社会，只有立足于传统民间美术设计的设计艺术风格才能够占据最广大的市场，才能成为具有特色的、最具创新精神的设计艺术风格。

参考文献：

[1]《马克思恩格斯全集》第三卷，北京：人民出版社，1972年版，第29页.

[2]梁启超《什么是文化》，载于《学灯》1922年12月9日.

[3]李苍彦《中国民间工艺史话》，北京：轻工业出版社，1987年版.

文化艺术设计论文范文第9篇

【论文摘要】我国的室内设计与西方相比较，并不是存在创意水平上的高低，更主要是创意方式和创意风格上的不同。不论中西方，其创意方式和创意风格都是在各国传统文化艺术的基础上一步步发展起来的，其发展历程各不相同，这期间也不排除异域文化的影响和渗透，但丝毫不会影响本民族文化特征中的鲜明个性与面貌。

一、中西方艺术的差异性

谈到中西方艺术的差异，首先必须分析中西艺术的各自特点。艺术作为一种人性的表现方式 ，主要是指人们作用于客观事物而产生的行为。中西艺术的差异是中西方的文化差异造成的，人们的意识差异导致了艺术的差异。

古希腊时代，是西方艺术创作中的一个代表时期。当时的中国，正处在儒家思想产生并盛行的时期。 这也是比较中西文化一个有代表性的时间起点。谈到艺术，必然要谈到文化。中国人历来都是以含蓄为美，这是中国人的美德，也是一种文明，是属于人性的东西。而西方人则恰恰相反，他们在一些行为举止上面往往都表现得十分直接，中国人含蓄、内敛，西方人直接、张扬，这是中西方艺术在表现形式上最大的差异。西方艺术偏重直接去赞美客观事物，他们更关心美的存在形式，偏重表现认识客体，而不在于表现认识的主体--人的情感因素。在当时西方的大部分建筑、雕塑、油画等等的艺术作品中，我们可以很相似地找到艺术家们所喜欢的一个认识客体--人体（人体艺术是近代才传入中国的，至今还是很难被国人接受）。而中国艺术则讲究一种意境美，它是朦胧的抒情的， 往往更多的是在表达艺术家的主观意识本身，客观事物仅仅是表达的载体，比如诗歌，文字和语言都是载体，而艺术家融入了个人的感情，

当然，这仅仅只是一种差异，衡量的标准不同，产生的结果也是不同的。中西方艺术特点是由各自文化所约定的，中国艺术家含蓄的特征，西方艺术家直接的表现，都各自产生了不同的艺术美。虽然各国的艺术审美文化不尽相同，都有其个性的一面，但是，他们又都同属于人类社会艺术领域中的一个组成部分，共同构成了世界文化"同中求异"的现状和良性的文化生态环境。

二、中西方艺术差异性对中西室内设计的影响

1、西方室内设计的特点

英国室内装潢杂志的专家认为："90年代以来，居室设计的最大特点是增加空间感。空间是居室的最大财富，室内装潢与设计就是要尽量增加空间容量，居室不仅仅是为了看而设计，更重要的还应该实用，换句话说，就是看上去舒服用起来便当。因此人们不再玩技巧，而是设法让居室变得更加休闲、宽敞与舒适， 更为理性实用。眼下，现代居室装饰也崇尚返璞归真，体现出人与物的本来面貌，并显示人们居住环境的特点，这就使设计与工艺手法贴近自然，回归自然，现在人们之所以崇尚自然，是因为在都市中工作生活节奏快，人们精神紧张，而终日身居钢筋水泥"森林"中，更有压迫感。加之环境污染，人们渴望宁静，向往自然，求得身心得到放松。

2、我国室内设计的特点

中国传统建筑室内设计，通常还表现为室内对称的空间形式，在多数的宫殿和厅堂中，梁架、斗拱等都是以其结构和装饰的双重作用成为室内设计表现的一种艺术形象。从装饰上说，大量建筑室内天花藻井、家具、陈设等上面的图案，无不含蓄的表达出喜庆祥和、光耀门楣、长寿多福、家和兴旺之类的期望与祝愿。从空间布局上说，室内除了固定的隔断外，还有移动的屏风、半敞开的罩、博古架等与家具相结合，这些半开半闭的通透的隔断造成含蓄内敛的气氛，中国传统文化有一种"藏"的精神，都体现在这亦隐亦现之中。

随着时代的发展，城镇楼宇化和人们的审美观念的不断提高，在室内设计领域出现了许多新的流派，比如：新古典主义、新地方主义、新少数民族风格、中国现代主义、后现代风格，这些流派的出现使我国的室内设计呈现出多元化的特点。从目前我国建筑室内设计方案中，在很大程度上借鉴和汲取了西方现代主义设计中的简洁、明快、洗练的设计风格，同时采用了色彩、质感、光影与形体特征的多种手法，其中也包括了把现代高新科技的装饰材料用于室内装饰装修上，由于在设计时充考虑到了本国国情、民族文化、风土人情以及经济技术条件等，因而设计出来的风格又带有中国设计文化的底蕴和特色。

三、室内设计的发展趋势

1、室内环境设计学科的相对独立性日益增强；同时，与多学科、边缘学科的联系和结合趋势也日益明显。现代室内设计除了仍以建筑设计作为学科发展的基础外，工艺美术和工业设计的一些观念、思考和工作方法也日益在室内设计中显示其作用。

2、室内设计的发展，适应于当今社会发展的特点，趋向于多层次、多风格。即室内设计由于使用对象的不同、建筑功能和投资标准的差异，明显地呈现出多层次、多风格的发展趋势。但需要着重指出的是，不同层次，不同风格的现代室内设计都将更为重视人们在室内空间中的精神因素的需要和环境的文化内涵。

3、中西设计理念相互渗透、相互影响、相互借鉴、使得设计风格多样化，不单单是形式、符号的结合，而要了解中西方设计背后的文化内涵，使之相互融合。西方设计界甚至认为"没有中国元素，往往就没有贵气"。

作为一个设计师来说，对于民族传统文化精髓的学习和了解，不仅只限于形式、造型，更重要的是对古代文化艺术中传统的美学思想、民族文化气质和哲学内涵的理解与继承。在传统文化艺术的基础上，民族情、国际观、时代感的发展理念仍然是中国的艺术设计走向世界的必由之路。全球经济的高速发展，科学技术的日新月异对现代艺术设计提出了更加苛刻的要求。 面对变化万千的现实社会，每一位艺术设计工作者应当扪心自问，我们哪一天离开过传统？我们在享受着现代文明的同时应更加珍惜传统，传统造就了今天，今天则是未来的传统。优秀的传统文化永远是人类赖 以生存的土壤和汲之不竭的源泉，关键是我们如何正视传统，发展今天并创造未来。

【参考文献】

［1］房萍：-89-91.浅析中西建筑教育的差异性中国科学教育论文中国教育出版社，2005.18

［2］刘天华. 《凝固的旋律-中西建筑艺术比较/中西艺术比较丛书》[m]. 上海古籍出版社.

［3］李志雄.中西艺术比较 [m]. 四川科学技术出版社, 1988

文化艺术设计论文范文第10篇

【关键词】现代艺术设计 中国传统文化 运用 意义

中图分类号：S611文献标识码： A

一、前言

中国在悠久的历史长河中形成了光辉灿烂的民族文化与艺术精神。今天，传统文化并没有随着现代化和全球化的汹涌浪潮而消失，相反却得到了重新认同和进一步的肯定。艺术实践证明，艺术设计只有向传统文化汲取营养，扎根于本民族肥沃的传统土壤，在世界范围内才能拥有显赫的地位与价值。

二、中国传统文化的价值

我国悠久的历史长河积淀了很多传统文化。中国传统文化由中华文明演变而来，汇集了我国独有的民族特质以及精神风貌，体现了我国各个民族不同历史时期的各种思想文化以及观念形态、意识等。中国传统文化由曾经生活在中国大地上的中华民族先祖所创造，并被后代子孙不断继承和发展。中国传统文化历史久远、博大精深，具有鲜明的民族特色，也蕴含着很多民族优良传统，是我国几千年文明和历史的结晶。在中国传统文化发展的过程中，形成了形形的文化理论和文化学派，不仅有以儒家文化为主的核心文化，还有道家、佛家等文化。这些文化形式都不断推动着我国文化体系的发展和完善，彰显了中华民族上下五千年独特的文化魅力。

近年来，越来越多的艺术设计作品在设计风格上回归传统，这种传统文化精神在设计中的回归，不是在设计上对传统图案的简单引用，而是升华为对中国文化艺术精神的继承。你可以在这些作品中，感悟到一种神韵、一种魅力、一种征服人心的力量，这就是中华民族特有的传统文化精神。这种融入到设计中的民族精神，是在悠久的历史长河中积淀而成的中华民族特有的审美方式、审美趣味和审美理想。

三、中国传统文化在现代艺术中的运用

艺术设计是文化艺术与科学技术结合的产物。随着现代社会的飞速发展。人们也更加注重产品的品位、文化内涵。为了适应多样化、个性化的发展，我们必须把具有传统特色的审美追求同现代设计结合起来，形成具有民族个性的设计风格。当下设计的全球化是一种趋势，但设计的民族风格和人文特色在多元化发展中却随之增强。日本的现代艺术设计用30余年的时间走完了西方近―个世纪的发展路程，并形成了独特的日本风格，就是因为他们在吸收外来文化的同时，更加强烈的意识到弘扬本民族文化传统的重要性，在传统与现代、东方与西方之间找到了一条适合本国设计文化发展的道路。

1、中国传统文化在现代艺术中的设计理念。儒家秉持“平庸、折中、调和”的中庸之道，主张“合内外之道”、自然中和、天人合一的思想。儒家天人之和、折中调和的思想理念影响着中国一代又一代的设计大师及工匠，成为中国艺术设计当中一种极具审美意蕴与艺术价值的艺术理念。目前许多重要的艺术设计沿用这一设计理念，在现代的艺术设计中彰显出中国传统文化的韵味与美感。例如当今有许多地产开发所采用的艺术设计，强调天然山水的重要优势，或者借助人力巧夺天工，在景观打造方面注重自然之美，力求达到天人合一的境界，在建筑景观及宣传画册的艺术设计中，提升艺术层次，表现出自然中和，天人合一的大气之美。同时，儒家中庸之道在室内设计方面也受到业主及设计师的重视，并得以体现出来。室内设计如果过于铺张繁多．华丽修饰，容易给人造成拥塞多余、矫揉造作之感，反而不上档次，但如果不加修饰，一味从简，则会造成寒酸粗陋的效果，不但没有美感，而且影响居住功能与舒适度。所以，室内设计的装修设计就要采取中庸之道，选取某一特定风格，合理设计搭配、采取适宜装饰，追求既美观实用又简洁自然的设计效果。

2、传统文化元素在现代艺术设计的运用。有中国特色的图案无论是在纹样造型上还是色彩上，都体现了中国古人的审美设计倾向和思想内涵。中国传统图案在弘扬民族传统文化中，起到了重要的作用。五千年灿烂的华夏文明孕育了无数绚丽的中国艺术文化瑰宝，传统装饰艺术更是构成传统文化的重要组成部分。在数千年的时间里，无数具有中国特色的传统图案产生、发展和消亡，最终凝练而成的、沿用至今的中国图案符号成为我们传统图形文化的“国粹”――中国元素。图案并非实际存在的东西，我们只是能从实际的物体联想到它。例如，我们在日常生活中所看到的一切舞蹈、建筑等都是可以被提炼成图案的。图案是设计作品的表意形式，是设计作品中敏感和备受关注的视觉中心，是由绘、写、刻、印以及现代电子技术、摄影等手段产生的能传达信息的图像记号。在中国，传统图案有着悠久的历史，是中国灿烂文化的一个组成部分。几千年来，我国劳动人民在艺术实践中积累了丰富的装饰图案创作经验，形成了中国自己的民族传统装饰图案特色。图案艺术作为人类传统文化文明的重要组成部分，涵盖了当代人类生活的各个领域。从审美的角度看，中国传统图案艺术作为各种艺术设计的文化基础之一，是其他各种艺术创造形式的基础，是最能反映中国特色的艺术形式。对于中国传统图案的运用，我们必须与中华民族的文化联系起来加以考虑。

四、现代艺术设计中的传统文化价值及意义

改革开放以后在艺术设计领域，设计发展的初期只能是在借鉴外来文化的基础上建立的，但这并不意味着我们就失去了发展具有本国特点的艺术设计的能力。我们传统文化中的营养并不比任何一个国家缺乏。但目前我们在艺术设计领域的作品却越来越远离我们自己民族的个性和丧失自身的话语权。当代中国的艺术设计依然面临着别样的尴尬。。瞻前顾后，现代设计的结论几乎都是别国的模式。而当代设计文化的引入和发展的时间还很短，中国特色的设计思想还没有形成，寻找和确立中国现代设计之路便是一个重要课题。” 在接受西方强烈的文化冲击之下，我们在吸取西方设计其外在表象形式的同时，更应该深入的学习其内在的文化的渗透方式、学习其文化在设计中的具体结合应用，思考如何形成具有我们民族特色的艺术设计。简单的拿来别人的东西不是长久之计，更应该去学习其本质的东西，形成在中国文化背景下的、符合中国人审美观念的、地域性的艺术设计。作为一个优秀的现代艺术设计师，应立足于本国传统的民族文化，吸取民族艺术精华，从传统工艺美术中发掘优秀的素材，经过重新组合，嫁接，提炼运用到现代艺术设计之中，这也是对传统工艺美术的一个传承与发展。

将传统文化融人到现代设计理念之中，是设计师应着重关注的问题。对中国传统文化有所了解，对中国审美传统有所认识，对设计师而言是相当必要的，中国古典美学中韵生态意识、人文导向、雅俗观、多元论倾向等等，都对现代的设计有着很好的启示作用。设计主体具有丰富设计经验和成就的人应以传统为师，充分认识传统对于现代的重要性。

五、结束语

传统文化并不代表着一成不变和墨守成规，传统也应该是发展的。在现代艺术设计工作中，设计师需要对传统文化进行继承，利用和汲取传统文化中的精髓，对设计思想和设计风格进行选择和优化，继承和发扬我国的传统文化风格以及民族精神，将传统文化更好地运用到现代艺术设计中，达到继承和创新的目的。

参考文献：

[1] 杨军，赵煜．现代艺术设计与中国传统文化[J]．艺术百家，2008，(01)．

[2] 张静．浅谈传统文化对艺术设计的作用[J]．中小企业管理与科技，201I，(07)。