美术作业设计方案范文

美术作业设计方案篇1

论文摘要:在艺术设计专业的顿城中传统图案艺术的基拙作用不容忽视。中国传统图生艺术作为民族文化的瑰宝，是当代艺术设计的重要元素之一。本文阐述了传统图案艺术在艺术设计专业教学中的基拙作用，旨在于弘扬民族传统文化，推动现代艺术设计教育创新

在人类踏入21世纪的今天，科学技术突飞猛进，我们已步人一个全新的知识经济时代。人们生活方式不断地改变，观念在不断地更新，特别是市场经济给我们带来的冲击和激烈竞争，使艺术设计行业不断面临新的挑战，同时也迎来了新的机遇。社会对艺术设计人才的需求与日俱增，并对该领域人才的综合业务素质提出了新的标准和更高的要求。

20世纪的历史告诉我们，经济发达国家的艺术设计水平都非常发达，反之亦然。本世纪造型艺术发展的一个显著特点就是各艺术门类之间逐渐渗透、互相融合，呈现多元化、综合性的发展趋势。其影响是多方面的反映在创作观念上，传统与现代审美意识的互通共融;在表现形式上，抽象与具象并举;在技法和材料上，多样选择与综合性运用共存等等。这一切都极大地开拓了艺术设计在思维意境和表现形式上的新领域，它为艺术设计发展提供了十分有利的外部条件，也对艺术设计师提出了更高的要求，包括要具备多方面的专业基础知识和创新意识，图案的创意设计也是艺术设计师必须具备的墓本能力。

狭义而言，图案仅指器物、织物上的纹样和色彩。广义而言，图案是实用美术、装饰美术、建筑美术、工业美术等方面关于形式、色彩、结构的预想设计是在工艺、材料、用途、经济、美观、牢固等条件制约下制成图样、模型、装饰纹样等方案的通称。图案从外形上分，有平面图案和立体图案;从用途仁分，可分为实用图案和观赏图案;从理论研究和实践角度上分，可分为基础图案和应用图案;从艺术语言和风格上分，可分为中国传统图案、外国图案等。图案的形象是一种艺术形象，它不是客观事物的简单复制，而是根据作者的不同目的对事物的原型进行艺术加工或者对非具体形象进行艺术创造的结果。

一、传统圈案艺术是设计专业教学的荃础

目前，世界各地不同地区，不同文化的民族，都在强调自己的民族特色和地域风格，即便是那些标准化批量化生产的工业产品。人们也在寻找一种属于自己文化的语言，亲切熟悉的造型，更何况其带有装饰性的图案形式。艺术设计师只有深刻了解和掌握中华民族传统图案的造型规律、构图规律、色彩规律、寓意手法等，才能设计出具有民族性、时代性、创新性的作品来。

艺术设计教学中，基础课程与专业设计并不是相互矛盾的，而是相辅相成的关系。艺术设计教学质量的提高离不开基础课教学的充分落实。艺术设计专业的图案课，是基础教学的一部分也是平面图形设计的基础。图案课教学要便学生了解和掌握图案形式美的规律、图案造型的途径与方法以及图案的设计与创意。而要解决好上述问题，就必须从学习传统图案人手。对于传统图案教学。每个教师都深表赞同，但是，学生却不能理解。有些学生认为。了解传统图案在每一个朝代最有特色的纹样，在平面设计中很少专门用到。面对这种急于求成的思想，教师一定要让学生了解四年的学习目的不是仅仅能接几个活的急功近利的人，而是要成为一个素质全面的艺术设计人才。

二、传统图案的艺术魅力对艺术设计的影响

中国传统图案艺术源远流长，文化底蕴深厚，形式多样，内涵丰富，是中华民族的宝贵财富。在改革开放的经济浪潮中传统图案以其不朽的民族特色与艺术魅力，装点新时代展现时代精神、时代风采。时代需要传统图案艺术，传统图案艺术在时代的进步中发展。当代企业形象、商标、品牌、广告、电视、报刊、室内装饰、博物展馆、仿古工艺品、服饰、民间剪纸等，都有传统图案的光彩，包括图案、纹饰、构图法则、古朴的风格及思想内涵等。有的企业以龙凤图案为品牌形象，以示信誉、产品质量，以及中华民族的品牌特色，以便开拓国际市场。人类已经跨人21世纪，在上海举行的亚太地区国家首脑会议上，与会的各国元首身着中式福寿图案服装，令世界为之瞩目，引导了中式传统福寿图案服装的新潮流。

中国传统图案有着悠久的历史。自6，7千年前的新石器时代以来，无论在器物造型上，还是装饰纹样方面，都呈现多样的风格无论在运用图案语言方面还是在表.情达意寓意方面，都具有明显的特点。学习传统图案，首先应了解中国传统图案在不同时期的不同造型风格、不同的构图形式、不同的色彩风格及寓意手法。如原始社会早期的彩陶，装饰图案丰富多彩，变化无穷。以几何纹样为主体，也有实体形如鱼、蛙、舞蹈的人等。这些图案造型简炼、变化幅度大。在构图上已能作对称、连续的配置，具有强烈的节奏感。常使用红、黑、白、橙黄、橙红、揭黑等色彩，具有质朴的艺术风格。

三、传统图案设计法则在艺术设计中的使用价值

图案作品是通过设计过程完成的.而设计过程则必须运用设计法则。中国传统图案艺术博大精深，蕴含着完备的图案设计法则。这些设计法则足以使中国图案设计事业走进新时代、走向更辉煌。其中形式美的法则有:变化与统一，对称与均衡，节奏与韵律，比例与尺度等;构图法则有:太极图形，“罗形，“米”字格，九宫格等。现代西方构成法则的同构变异，元素替代设计法则，在中国古代图案中，都能找到类似这些法则设计的作品。如:龙、玄武、翼马、伏羲〔人首蛇身)等图形。这些法则运用于教学作中，提高了民族的艺术审美能力，培养了高素质的艺术设计人才。

不可否认，学习图案可以解决平面造型问题.这一点与现在基础教学中所看中的平面构成有相似之处，但是传统图案的构成法则以及九宫格的布局等等规律是平面构成所代替不了的。特别是在学习传统图案还必须将一定时期的图案放到当时的社会文化背景中去加以理解，把握不同时代图案风格气韵，这种感性的理解是平面构成的理性训练所不能代替的。最重要的是能够让学生通过传统图案的用线、布局、色彩等角度去把握不同时代的图案风格特征，并在理解的基础上将其灵活运用于现代设计。以前对传统图案的学习是通过大量的图案临摹来增加对图案理解的。诚然，临幕是学习传统图案的一套有效而扎实的方法，老一辈的图案学家都是从这条路走过来的，实践证明这也是学习传统图案必不可少的方法但是也应看到由于目前课时的变化以及学生心态的变化所带来的影响。在三、四周的时间里用临摹的方法让学生理解不同的传统图案成为不现实的事。大量枯燥的临摹只会让学生对传统图案的学习产生反感，而手头功夫的练习不如放在工笔白描课上解决在上传统图案课时应把重点放在对传统图案造型、风格的整体把握上洲一通过一定量的临摹切实感受古人在图案的用线、用色、骨格、布局等方面的独到匠心

四、传统图案的寓意美与现代艺术设计创意的融合

中国图案中的寓意美根深蒂固、源远流长。早在新石器时代，人们在彩陶上创造了成千上万的图莱意境，象从一条鱼形变化出抽象的三角形、曲线、直线、点线面组成的图案，在今天看来，依然是新鲜的构图。意境的美在中国图案的设计上，经常作为一个艺术主题。象陶瓷中的雨过天晴釉、界红、美人醉、雨点釉等。如楚、汉漆器上的云气、庭园布置中的层云叠彩的假山等的意境.是虚中见实。没有形象。或者是形象捉摸不定，这样的手法能引起许多联想。如:松竹梅图案会联想到岁寒三友”的忠诚友爱。如:太极图形中设计了一对蝴蝶马七就会联想到梁山伯与祝英台的“喜相逢”悲欢离合的意境等。

中华民族以旧历年为最隆重的节日，张灯结彩，舞狮舞龙，贴对联、窗花、年画、门神等，无不以传统图案表达人们驱除灾害、邪恶，追求吉祥、平安、幸福等美好愿望。在人们的心中，有了门神就不会受邪恶的侵害;有了“寿桃仙鹤”就会健康长寿。这些图案中表达的思想感情，古代人与现代人是相通的，因为他们表达了人类自身最根本的需求。因此可以看出传统图案本身包含的思想.在节日喜庆活动中的使用价值。它极大地满足、丰富了人们的精神文化生活。其次，是传统图案思想内涵所产生的社会效益。传统图案通过节日喜庆活动在人们心中产生的吉祥、平安、幸福、欢乐的生活气氛，从而产生要求国泰民安的全民社会思想意识。不论是古代还是现代，是在和平年代还是战争年代，这种思想意识无疑都是社会安定的思想基础。

中国图案的寓意美，真正体现出r设计者的思想，是代表了作者的艺术修养和文化内涵，并且通过图案，把信息传递给广大民众。它的美不是视觉的美所能概括的，而是一种广阔的、崇高的精神境界.是起到了一种共鸣作用的心灵感应。因此，在图案课教学中要充分调动学生的思维将传统图案寓意美的表现手法，融入到现代艺术设计之中。这样才能设计出即有传统文化特色，又富有时代活力，形成中国图案艺术的主流作品。

五、弘扬民族传统文化.实理现代艺术设计教育创新

中华民族要生存、要发展，就必须弘扬自己的传统文化，树立自身的国际形象。中国传统图案在弘扬民族传统文化中，起到了重要的作用。在艺术设计专业中，传统图案的基础作用不容忽视。只有把传统图案理论与现代设计实践相结合，才能充分消化和理解传统图案的精髓。课后让学生根据他们的理解做些自己感兴趣的专业设计作业，学会将传统图案及其形式法则运用到现代设计中，让学生对传统图案的理解从感性认识上升到理性认识.并从实践中去领略传统文化的精华。传统图案作为我们民族文化的瑰宝，一种必需的艺术修养是构成当代艺术设计的重要元素之一但是，没有创新就没有发展，没有开拓就没有进步，这要求我们在中华民族丰厚的文化遗产当中，采撷精华，继承传统，开拓创新。

美术作业设计方案篇2

关键词：传统图案艺术设计

一、对中国传统图案艺术解析

我国的传统图案起源于距今六七千年的原始彩陶纹样。随着历史的进程，传统图案也反映着各个时期不同民族、不同地域人们的思想、习俗和审美趣味。传统图案是把自然形象美组合、归纳，加以程式化的概括，使之成为一种装饰性的纹样，是实用性和装饰性相结合的一种美术形式，具有实用价值和审美价值。

高校艺术设计教学要想融入传统图案的精华，使学生的设计思想具有民族性和时代性，我们就必须要解析中国传统图案产生的历史背景和内在含义，设计思路和手法，否则就不可能建立中西融合的现代设计教育模式。

1.传统图案产生的偶然性和必然性

偶然性是自然界创造性和多样性的重要源泉。如陶器的产生就是人们发现在编制的或木制的器物上涂上黏土能够耐火而产生的；以原始文化为代表的绳纹和篮纹，是因纹样同绳索或筐篮的纹路相似而得名；对指纹的联想很可能是同心圆纹、回纹、漩涡纹等纹样产生的缘由。必然性是社会背景的产物。如阶级社会时期的器皿纹饰有等级内涵，青铜器纹样为代表的饕餮纹；社会繁荣时期佛教图案表现为造型完美，形象丰满，线条柔和、优美，突出写实与精神的刻化；外来文化与中国传统文化相结合，发展和丰富了中国传统的壁画艺术和图案艺术。

2.传统图案的发展历程

新石器时代彩陶图案装饰多以单独和连续纹等构成，其图案特点为多样统一、对比调和、平衡对称，色泽单纯、明快、和谐。商周时期青铜器从艺术风格到制作工艺上都达到了前所未有的高度，纹饰题材多样，手法独特，结构严谨，纹饰造型夸张、凝练。春秋战国时期以青铜器、漆器为代表，纹样由单纯粗犷趋于成熟精工，由神秘奇特转向平实奔放，由严峻肃穆变为生动活泼。秦汉时期的兵马俑、画像砖、瓦当和铜镜纹饰，表现了秦代装饰的艺术特色。魏晋南北朝时期佛教的广为传播，作为佛教符号的莲花，在佛教艺术中成了主要装饰题材之一。到了唐代装饰艺术显示出丰满、富丽、华贵的盛世风格。宋代的装饰艺术以写实风格为主，花鸟为最基本的装饰题材，其线条流畅，纹样简洁，典雅秀美。到了明清时期，吉祥纹样更为盛行，如“五谷丰登”“连年有余”等图案，都充分反映了人们对美好生活的憧憬。总之，随着时代的发展、物质条件及生活方式的改变，使图案表现形式更加丰富、多样。

3.代表性的传统图案

龙纹图案：龙是天象的象征，同时也是皇权财富与尊贵的象征。从古至今，龙纹图在舟车、家具、陶瓷、玉器等工艺品中都广泛地被流传使用。

凤纹图案：凤与龙一样都是先民虚拟的生物，是美丽和幸福的象征。新石器时代的彩陶即有风的雏形，后来逐渐呈现在商、周时期的青铜器上，成为美的艺术形象。

瑞兽图案：中国传统瑞兽图案种类繁多，形象独特，它们被赋予吉祥的寓意，其中最具典型的有狮和麒麟等。

盘长图案：盘长是佛教法物之一。明清时代广泛采用，含有吉祥之意，象征连绵不断。纹样有四合盘长，万代盘长、方胜盘长等，人们通常也称它为“中国结”。

汉字图案：汉字的造字原理本身隐含着“图像”，“汉字图案”是将字型构成加以美化，它的艺术功能中常包含着文字的意义，如福、寿、喜等一类汉字。

仕女图案：古时官宦人家妇女、历史中优秀女性和传说中女性人物成为绘画及工艺美术常用的题材，成就了丰富多彩的艺术形象。

花卉图案：中国借花卉植物寓意人格风范，或对理想生活的寄托。自秦汉时期起，花卉纹样便以简洁的形态出现在工艺美术装饰之中。

二、传统图案艺术与现代设计教育

传统图案是民族独特的艺术形式、艺术手法和民族风格的结晶。它有别于其它任何民族艺术的特点，在世界美术舞台上独树一帜。这种传统精髓深深的植入中国艺术设计中，对现代高校艺术设计教学有着重要影响。

在高校艺术设计教学中，运用中国美学理念来熏陶，利用图形、文字、声音等多种手段让学生从熟悉中国传统图案艺术表现方式人手，再辅之以理论上的解释，来弥补当前因现代商业化设计所带来的人文精神的缺失。现代高度商业化设计运用现代技术的“复制”手段，设计往往具有的是生产性而不是创作性，设计者在进行商业设计时通过各种理性化、系统化、广泛化的现代技术手段获得消费者的瞬间的。这种商业化模式影响到我们很多高校的艺术设计教学，使高校艺术设计教育偏离了原有的人文轨迹。这就需要我们通过教改来强调传统图案艺术精神，不但是适应设计市场化的趋势，也是对时下过于强调西方、日韩等文化偏颇的纠正，对民族精神的一种回归。将传统艺术精神引入现代设计教学中，是引导学生具备个性、时代性和国际性的现代设计理念的关键。设计者们更多的将目光到自己的本土艺术，从中得到启迪，使其与现代设计有机结合才是我们高等艺术设计教育的目的。

现代艺术设计缺少对人文精神的表达，传统图案设计可以在一定程度上弥补上述缺憾。中国传统美学中的审美观潜移默化地影响着现代人的设计思想，它将传统图案艺术与现代的设计巧妙结合，可以形成了其自身独特的设计特征。具有的民族性的传统图案给现代设计提供更广泛的思路和创作灵感，传统艺术精神愈来愈为创作主体所看重。从传统图案中提取其形的元素进行新的设计重组，与现代的设计元素巧妙组合。中国银行、民生银行的标志也都是采用了中周古钱币的图形作为标志，既表明了企业的文化精神和内涵，又彰显了民族图形特色。中国传统图案讲究均衡和内在的节律，讲究动与静、疏与密、多样统一、宾主呼应、虚实相生、纵横曲直、黑白对比、重叠交错等传统的构图方式，这些因素代表着传统美学观积极的一面，在无形中影响着我们的设计。

传统图案艺术的优势恰好可以弥补现代设计的劣势，将传统图案艺术与现代艺术设计更好的结合需要我们教育工作者更多的摸索和尝试。在设计教学时，必须注意强调两方面：一方面要注意把握形式与内容的统一。强调传统图案在商业设计中的运用，要依据商品的性质、种类和产品的定位以及公司的企业文化来决定该不该用、如何用。只有做到形式与内容的完美统一，才能使传统图案艺术与现代艺术设计真正融为一体。另一方面要注意把握历史性与时代性的统一。传统图案艺术有其时代性和局限性，现代社会虽然追求和向往传统文化带来的回归感，却不能对传统图案完全接纳、不加改变的应用，如果不顾及时代性而盲目地将传统形态搬到现代设计当中，也不会被大众接受。

三、结束语

美术作业设计方案篇3

关键词：职高服装美术课程企业整合路径探究

一、职高服装美术课程介绍

所谓服装美术课程，指的是职业高中服装专业开展的专业课程，该课程与制图课程和工艺课程组成主修课程。从课程名称可以看出，涉及服装领域和美术领域的理论知识，对于学习对象来讲，该课程以培养职高学生的审美情趣、创新水平为最终目的。结合当前服装行业持续发展需要，务必创新课程教学模式，立足就业，确保培养的专业人才满足企业的发展需要［1］。

二、职高服装美术课程教学模式分析

（一）优点

相比以往的教学模式，服装美术课程教学模式不断细化，围绕职高学生学习实际制定多种教学方案，为专业学生个性化培养提供切实可行的指导。基于行业动态发展、就业导向等角度分析，该模式仍存在不足之处。如果服装美术课程教学模式长时间得不到创新，服装美术设计与企业整合效果就会达不到预期要求。下文针对这一教学模式的不足之处具体阐述，为专业教师和学生的教与学工作探究有效路径［2］。

（二）不足

首先，教学模式脱离行业发展。服装美术课程包含多方面内容，教师未能结合行业发展需要有侧重地进行知识讲解，不仅加大学生的学习压力，而且学习效果不够显著，长此以往，学生对这一教学模式失去兴趣，为专业教学增加阻力。其次，教学模式脱离教材要求。大多数教师按照多年积累的教学经验传授理论知识，并凭借主观意识为学生布置学习任务，对教材变动之处不够重视，在实际教学中，各课程间联系不够紧密，最终服装美术设计课程实用性降低，未能真正实现学以致用的教学目标。再次，教学模式一成不变。服装美术设计课程具有创新性和动态性，如果教师长时间受应试教育思想影响，专业课程内容及教学方法得不到创新，不仅会限制学生思维，制约学生发展空间，而且不利于培养专业学生审美能力，削弱学生审美积极性，对学生日后就业、持续发展有消极影响［3］。最后，教学模式存在失衡现象。现如今，高职服装美术设计课程以教师为中心组织教学活动，相对来讲，专业学生主体地位得不到体现，并且学生个性化学习需要得不到满足，对全方面、高素养、高技能设计人才培养起到制约作用。现如今职高服装美术设计教学模式存在优点及不足，要取得职高服装美术设计与企业整合的良好效果，务必全面挖掘该模式优点，针对不足之处及时弥补。下文针对职高服装美术设计与企业整合提出合理化建议，为专业教育人员提供帮助，并在大范围内推广校企合作理念［4］。

三、职高服装美术设计与企业整合的有效策略

（一）明确专业教学方向

职高服装美术设计专业开设的最终目的即为行业发展提供优秀人才，通过传授素描、速写、色彩、绘画技能、基础图案等课程全面培养学生社会思维和创作能力，最终通过绘画作品间接反映学生的学习水平和设计技巧。简言之，职高服装美术设计专业教学工作应以就业为导向，合理确定教学方向，全方面培养学生的设计技能与艺术修养。在教学目标确定的过程中，专业教师应遵循人本理念，着力提高学生的设计能力，确保设计完成的服装作品具有实用性，并更好地为企业提供服务，最终职高学校培养优秀设计人才的过程，即满足新时期服装企业持续发展需要的过程［5］。

（二）动态传递行业动态

大多数职高学生知识储备不够丰富，专业技能及文化素质不高，如果对这类学生引导不当，则其极易产生抵触情绪，并发生辍学行为。为了改变服装美术设计专业教学现状，教师应客观分析职高学校生源现状，并制定有效的教学方案，激发学生的学习热情，拓展学生的学习思维。职高学生只有发自内心地对服装美术设计行业产生兴趣，才能积极主动地学习专业知识，为日后就业做足充分的准备。专业教师应借助互联网平台及多媒体设备动态更新并分享行业发展情况，对学生就业方案调整、学习计划制订起到引导作用。在课堂教学中，教师围绕教材内容为学生布置男士衬衫设计学习任务，课前教师全面搜集时尚男士衬衫图片，并以PPT形式呈现。学生了解男士衬衫款式、设计需求后，拥有充足的想象空间，并适当引导学生设计思路，最终设计出满足市场需求、彰显设计理念的服装作品。实时分享行业发展动态，真正激发学生学习专业知识的热情，实现理论知识与实践结合的学习目标［6］。

（三）提供专业实践机会

首先，运用案例讨论法。体现学生的主体地位，并且为师生互动提供机会，案例讨论法的有效运用能够发挥理论知识内化的作用。例如，在教学结构制图时，教师可在课堂中为学生展示新式西裤设计作品，将班级学生分成若干小组，鼓励组内成员在分析探讨、交流总结的基础上绘出结构图，既锻炼学生的动脑思考能力，又提高学生的实践创新能力，为设计实践起到基础铺垫作用，然后培养学生创新思维。服装设计工作对设计者创新能力提出较高要求，专业教师应为每位学生制定创新思维培养方案，鼓励学生留心观察生活细节，并养成良好的速写习惯，不仅能捕捉设计灵感，还能为服装创新式设计提供丰富素材。课后，专业学生应主动接触艺术作品，以此拓展多元思维，对优秀服装作品设计有正向影响。最后，提供实地演练机会。职高学校应为学生多次组织丰富的实践活动，鼓励学生运用已学知识完成服装设计任务，确保理论知识与实践良好结合，对学生就业能力、服装设计水平提高有促进意义。专业学生应利用课余时间主动参加服装设计竞赛，对服装设计理念创新、有效弥补服装设计的不足之处有重要意义。此外，职高学校应主动与当地企业建立合作关系，为学生提供企业实习机会，通过实地演练循序渐进提高服装设计能力［7］。

（四）加强专业课程教学与企业融合

美术作业设计方案篇4

[关键词]平面构成 基础教学 二维空间

所谓平面构成，是探求二度空间的视觉文法，是现代设计基础的一个重要组成部分，在二维空间的平面设计领域产生了深远的影响，它研究在平面上如何创造形象，形象与形象之间怎样联系以及形象的排列有多少种方法等等。平面构成作为一种设计基础的训练方法，在很早就被设计家和设计教育家所重视，并随着社会科学技术的发展逐步完善起来。平面构成课是对各种平面构成形态的认识，各种构成形式与设计实践联系的研究，是对二维空间上形态的创造和画面构成美学原理的学习与掌握，优秀的平面构成作品还具有独立的艺术欣赏价值。总之，平面构成课是对学生综合设计能力的培养。平面构成的学习和掌握对于培养学生的审美观、训练抽象思维能力和设计能力亦具有重大作用。对平面构成的学习和掌握直接关系到设计作品质量的优劣，水平的高低。从一些设计作品，尤其是毕业生的作品上看，许多影响作品质量的问题大都与平面构成没有解决好有关。因此，在平面构成教学中，如何使学生更好地掌握平面构成的理论，使之有效地应用到实际设计当中去，是我们教师需要认真研究和努力解决的问题。在这里，结合自己的教学实践，谈几点教学体会和感受。

一、主张以手绘为主，加强动手实践能力

在平面构成教学过程中，就学生完成作业的方式而言，可以用电脑辅助来完成，也可以通过手绘来完成。前者作业速度会加快，可以用较少的时间完成较大的作业量，但是有一定的弊端，用电脑个性语言不强，容易抹杀人的性格与个性特点，等等。我认为平面构成这门课的作业练习应以手工绘制为主，平面构成作为一门专业基础课，往往在大学一年级开设，作业通过手绘来完成可以起到承上启下的过渡作用，帮助学生顺利的进入专业课程的学习。学生动手实践的过程本身就是一种创造活动，是一种思维运动的过程，从而帮助学生打开设计思路，培养学生自己做实验的能力，从实验当中去发现美，创造美。加强动手能力的训练，可以大大增强学生脑与手的协调能力，进而提高自己的专业素质，为以后的专业设计铺平道路。

二、与图案课相融合

“图案”是日文的译词，此译词又是从西文“design”翻译过来的，其含义是设计、图案、花样、构思、打样和布局.图案具有特定的装饰性和实用性，它是与工艺制作相结合，相统一的一种艺术形式。图案课是美术教学中一门专业基础课.学生通过对图案摹本的对临、背临，记住并掌握常用的图案纹样，进而体会中国传统图案纹样的特点和韵味，并且能够在设计中加以灵活运用。

我国从20世纪20年代起便将图案课列为主干课程，80年代引入包豪斯设计观念，情况发生了变化。平面构成的出现使传统图案被推上了批判地位，曾引发了是以平面构成替代传统基础图案还是相互并存、互融的学术探讨。我认为，在开设平面构成课程的同时，可以增加一定量的图案课时，让学生系统的学习一些传统图案纹样，理解它们的象征意义，掌握传统图案的构图法则，为平面构成设计提供丰富的可借鉴资源，达到在设计时可以较自觉的运用传统图案来表达设计意图。装饰性是图案的特性之一，在平面构成中纳入装饰基本形，可以拓宽设计思维，有助于传统文化与现代设计的衔接。因此将平面构成与传统图案结合有利于平面构成的教学开展。

三、注重与专业内容相结合

平面构成在现代艺术设计的诸多领域，尤其是在视觉传达艺术设计的基础教学中，已经成为一个必不可少的重要组成部分。但是，在实际教学过程中，有些学生却认识不到这一点。由于平面构成教学内容的抽象性，再加上理论概念的理性化，往往给初学者带来迷乱和困惑。学生对点线面这些抽象概念的认识比较肤浅，看不到这些抽象概念背后蕴含的真正意义及其与应用设计的密切联系，学习兴趣不高，即使是学了，也是知其然不知其所以然，只知道是平面设计的基础，却不知道如何去运用。从教学实践来看，往往因为同专业结合不好，学生对平面构成这门课与本专业的关系没有足够认识，因而对这门课也没有足够重视。平面构成作为基础训练，与应用设计是有区别的，但是掌握好基础理论可以使实际设计和应用拓宽思路。就结合专业而言，在注重单纯的基础构成训练中有必要对今后可能应用的范围有一个大概的了解，这样才能在具体的设计创作中把平面构成的基础知识活学活用，而不是完全割裂，所以在基础练习中要加上部分与专业设计接轨的训练内容。

四、教与学相结合，注重培养学生的创新意识

在平面构成基础教学中，以往传统的教学方法是以教师讲授为主，学生被动地接受书本知识。由于教学方法比较单一，学生对那些抽象的点线面知识得不到感性的认识，只能凭教师的“纸上谈兵”，学生的学习兴趣不高，教学效果也不明显。要改变这种教学现状，就要改进教学方法和手段。教学方法与手段是贯彻实施教育思想的重要手段。在教学过程中，教学手法不能简单划一，可以有计划、有选择地运用启发式、讨论式、研究式等教学方法，促进学生对知识的理解。多媒体教学手段的运用不仅节省了教师板书的时间，而且增强了教学的直观性，使学生将抽象的理论与生动的形象结合起来，提高了课堂的效率。随着时代的发展，我们在教学中要不断探讨新的教学方法和手段。

课堂教学是实施素质教育的主渠道，上课形式与教学方法的好坏，直接影响学生对专业知识的理解与掌握程度。因此，在平面构成教学过程中，要给学生一个讨论、思考的空间，允许学生提出质疑，加强学生自己动手做实验的能力，从实验中获取灵感。

创新是艺术设计的生命，创新意识的培养对于学生来说至关重要。兴趣是最好的老师，是学习的主要动力，在教学过程中要注意对学生兴趣的培养，以激发学生的创造性思维，促进学生个性的发展。对学生的一些想法要给予一定的鼓励与肯定而不是全盘否定，从而抹杀其创作欲望。逐步引导学生的创作思维，激发学生的创作潜能，变“要我学”为“我要学”。

平面构成作为一门造型基础课，适合于所有美术专业，特别是视觉传达艺术设计专业。对平面构成课程内容的理解和掌握，有助于学生审美能力的提高，有助于培养学生的创新意识与创造能力，有助于发掘学生的内在艺术潜能。因此，我们在教学过程中要不断更新观念，改进教学方法，注重对学生思维的引导，使平面构成课程体系的建立更加完善。

参考文献：

[1]朱孝岳.艺术设计纵横谈.江西美术出版社.

[2]黄刚.平面构成.中国美术学院出版社.

[3]刘春明.平面构成.四川美术出版社.

美术作业设计方案篇5

 

然而，著作权法对科学领域内智力成果的保护是存在界限的，这是因为著作权法与专利法存在天然分工，后者保护的是用于解决实际问题的技术方案，前者只保护文字、音乐和图形等形式的表达。如果著作权法可以对技术方案本身进行保护，则专利法将完全丧失其存在的价值。同时，这一分工也源于著作权法与专利法所采用的不同保护机制。在专利法中，专利权并不是自发明人完成技术方案之时起就自动产生的。只有经过专利局的审查，确认一项技术方案具有新颖性、创造性和实用性之后，才能授予专利权。

 

这种严格的审查程序确保了这项技术必须是新颖的，显示了技术进步，而且能够运用于产业领域，获得积极的社会效益，国家因此才对它进行有限的保护。而著作权是自作品完成之时就自动产生的，没有经过任何实质性的审查，根本无从保证作品所描述的技术方案具有新颖性、创造性和实用性。作品所描述的技术可能是别人早已公开使用的或者轻易就能想到的，只是从未付诸文字或使用的文字表达不同而已。而且著作权受保护的时间远远长于专利权，前者为作者有生之年加死后50年，后者只有自申请日起算的20年。④允许作者通过著作权来垄断作品中所描述的技术无疑是不公平的，会阻碍技术的进步和知识的传播。早在1880年的“Baker诉Selden案”中，原告就希望凭借自己对一本描述记账方法的书所享有的版权，阻止他人使用相同的记账方法。美国最高法院对此指出： “给予作品作者对其描述的技术以专有财产权，而不对其新颖性进行官方审查，是对公众的欺诈”。④对于作为科学研究成果的文字作品，要对其中的文字表达和被表达的技术方案进行区分，并在著作权立法和实施的过程中只保护前者而不保护后者是相对容易的——他人未经许可复制文字表达本身是侵权，而根据文字表达实现其中技术方案并不侵犯著作权。但是，对于工程设计图和产品设计图(下文统称为“工业设计图”)而言，情况要复杂得多。因为工业设计图的用途在于建造工程和制造产品，工程设计图与工程之间，产品设计图与产品之间存在着一一对应关系。工业设计图中蕴含的技术方案只能在最终的工程和产品中才能得以实现。要准确地在工业设计图及与之对应的工程或产品中划分受保护的表达和不受保护的技术方案并非易事。表现在著作权立法和实施中最为突出的问题是：根据工程设计图建造相应的工程，以及根据产品设计图制造相应的产品，是否构成著作权法意义上的“复制”行为，以及未经许可的建造和制造是否构成对“复制权”的侵犯。曾经在我国法学界和实务界引起极大争议的“迪比特诉摩托罗拉案”就是这一问题的集中体现。英国1956年《版权法》则就此走过一段极为曲折的道路，留下了非常深刻的教训。

 

本文试从分析1956年英国《版权法》对工业设计图的保护机制及相关案例入手，研究著作权法保护工业设计图的界限。以期为《著作权法》

 

第三次修改中涉及的工业设计图的合理保护问题提供理论支持。㈢需要指出的是，如果对“产品设计图”中的“产品”作扩大化的广义理解，那么以三维形式表现的纯艺术作品(立体美术作品)，如在美术馆展出的雕刻、雕塑等，以及既具有实用功能也具有一定美感的“实用艺术品”似乎也是一种“产品”。但在《著作权法》中，“产品设计图”与“美术作品”属于截然不同的作品类别，前者为第(四)类，而后者为第(七)类。这说明《著作权法》中的“产品”与“立体美术作品”之间存着不可逾越的界限。“产品”显然不包括雕刻、雕塑等立体美术作品。在“实用艺术品”中的实用功能与美感可以分离的情况下，美感部分可以作为“美术作品”中的一种类型受到《著作权法》的保护，㈤但这类“实用艺术品”

 

本身并不属于“产品”。㈢因此， 《著作权法》

 

中与“产品设计图”对应的“产品”是指不可能受到《著作权法》保护的工业品，并不包括美术作品和可作为美术作品受保护的“实用艺术品”。㈢本文也将在这个意义上使用“产品”一词。

 

一、英国1 956年《版权法》对工业设计图的保护机制新西兰高等法院Tho腿s大法官曾经在一起涉及工业设计图版权纠纷的判决书中感叹到：版权法已经失控了。在那些与版权法立法目的无关的领域，也经常存在版权保护的诉求和版权法的适用。(z)用这句话来描述英国1956年《版权法》对工业设计图的保护机制最合适不过了。

 

英国1956年《版权法》第3条第1款对“艺术作品”(artistic work)的类型进行了规定，并强调对其保护不考虑其“艺术品质”

 

，其中列举的“平面制图”(drawings)包括图表、地图、示意图和设计图。(璺)而且，即使是只具有纯粹实用功能的工业品，其设计图仍然属于受保护的“艺术作品”㈢。

 

年《版权法》第3条第(5)款规定：艺术作品的版权人有“在任何物质形式上复制作品”

 

的专有权利。而根据该法第48条第(1)款的解释，对艺术作品而言，“复制”的形式包括将作品从二维形式转化为三维形式。由于绝大多数工业品都是根据其平面设计图制造的，都会涉及技术层面的从二维到三维的再现，那么这种再现是否构成《版权法》意义上的“复制”呢在当时的《版权法》中，除了适用“非专家抗辩”(non—expert defense)的特定情形之外，再无其他条款规定这种再现行为不构成版权法意义上的“复制”，或者将这种技术层面的“复制”排除出版权侵权范畴。所谓“非专家抗辩”，是指《版权法》第9条第(8)款的规定——“制造三维物品不应被视为对二维艺术作品的侵权，只要该物品对于非专业人士而言，看起来并不是该艺术作品的复制件”。

 

年《版权法》在这一点上确实实现了将技术方案排除出版权保护范围的立法目的。例如，对于集成电路板这样的“物品”而言，一个非电子专业的普通人是看不出其与集成电路设计图之间的相似关系的。因此，根据集成电路设计图制造集成电路板的行为，并不构成版权法意义上的“复制”。即使是未经许可制造，也不可能构成对集成电路设计图“复制权”的侵权。这样，集成电路设计者就不能凭借其对设计图的版权，去阻止他人制造或使用与设计图相对应的电路板了。

 

但是，对于大量工业品而言，其外观与平面设计图所绘形状之间的一致性很容易被普通人识别，因此无法适用“非专家抗辩”。这就意味着，即使是无任何艺术美感可言的纯工业品，只要非专业人士能够看出平面设计图所绘形状与工业品外观之间的一致性，该工业品的平面设计图和工业品本身就是同一作品的不同表现形式，是平面原件与立体复制件的关系。

 

这样一来，除了可适用“非专家抗辩”的情形，根据工业品的平面设计图制造工业品的行为即构成对平面设计图的“直接复制”；而复制根据平面设计图制造的工业品，则构成对平面设计图立体复制件的再复制，也即对平面设计图的“间接复制”。因为如上所述，该工业品仅是其平面设计图的三维表现形式而已，复制了该工业品，就等于间接地在三维载体上复制了其平面设计图。因此，不仅未经许可根据工业品的平面设计图制造该工业品的行为构成对平面设计图版权的侵权，在没有接触过平面设计图的情况下，直接复制该工业品同样将构成版权侵权。

 

英国法院在当时的司法实务中均承认这一点。如在“L．B．(Plastics)公司诉公司案”中，上议院发现被告虽然没有根据原告对一种“可拆卸抽屉”绘制的平面设计图制造相同的抽屉，但却直接仿造了原告制造的抽屉。法院由此认为被告的行为是对原告平面设计图的“间接复制”，构成侵权。㈣同样，在涉及汽车尾气管的“英国利兰汽车公司诉Armstrong公司案”(以下简称“尾气管”

 

案)中，被告通过测量原告制造的汽车尾气管获得相关数据，并据此仿造了尾气管。@上诉法院认为：根据原告尾气管的各项数据制造相同的尾气管，仍然属于平面设计图的三维复制件，这与直接根据设计图制造的三维复制件没有什么区别。@上诉法院指出：原告根据设计图制造的尾气管是其设计图的三维复制件。这意味着像被告这样复制尾气管的行为，构成对原告设计图的实质性复制，除非有其他正当理由，否则构成版权侵权。⑨这实际上是将根据设计图制造的纯工业品作为美术作品的立体复制件加以保护了——正如有人未经许可复制世博海宝玩具，必然构成对海宝平面绘画的侵权。因为海宝玩具是平面绘画的立体复制件，玩具与绘画是同一作品的不同表现形式而已。正因为如此，上议院的Templeman爵士在“尾气管”案中一针见血地指出：通过将上述“间接复制”认定为版权法意义上的复制行为，法院将对艺术作品的保护延伸到了各种纯功能性产品的形状上。实际上达到了对尾气管本身(根据平面设计图制成)进行版权保护的效果。㈣这种保护机制在英国的司法实务中导致了匪夷所思的后果：20世纪60至80年代，工业制造商们因其制造的纯工业品或配件，如纺织机、铆钉、螺丝钉、嵌钉、螺栓、金属杆@、沙发床J脚(@、可拆卸抽屉@、无篷小船@、汽车尾气管@、打印机墨盒@被他人仿造，而起诉仿造者侵犯其对平面设计图的版权。由于非专业人士可以明显发现这些工业品的外形与其平面设计图显示的形状相符，绝大多数法院均认定被告侵犯了原告平面设计图的版权。

 

值得注意的是，在这些案例中法院均承认涉案设计图无疑是用于制造纯工业品的，而非用于欣赏目的，与“艺术(fine arts)”毫无关系。@但即便如此，根据当时《版权法》的规定，未经许可根据这类纯工业品的平面设计图制造工业品，或仿制由此产生的工业品，只要最终形成的工业品与平面设计图所描绘形状的一致性在视觉上能够被普通人认同，仍然构成侵权。英国上诉法院为此特别强调：就平面到立体的复制而言， 《版权法》并没有区分纯粹功能性产品的制图和具有艺术吸引力的绘图。

 

二、英国1 956年《版权法》保护工业设计图机制中的逻辑矛盾及引发的后果——用版权垄断工业品的配件市场本文认为：英国1956年《版权法》对工业设计图实行的上述保护机制导致了两个无法解决的逻辑矛盾。

 

首先，如上所述，那些毫无艺术美感的纯工业品只要是根据设计图制造的，实际上就可以作为设计图的复制件获得高水平的版权保护——他人不得复制该工业品，否则就会因为构成对工业品设计图的“间接复制”而侵权。

 

但是，1956年《版权法》及英国法院却不承认那些毫无艺术美感的纯工业品本身是“艺术作品”。例如，在上述“尾气管”案中，上诉法院指出：“作为一个三维实物的尾气管本身并不是受《版权法》保护的艺术作品。……这种功能性产品本身是不受版权保护的”。@据此，如果有人并非事先绘制出设计图再根据设计图制造工业品，而是在没有设计图的情况下直接制造了工业品，则由于该工业品不是设计图的复制件，他人复制该工业品就不构成版权侵权了。

 

这样一来，对一名仿造他人工业品，却又根本不知道该工业品是否有相应设计图的人而言，其仿造行为是否构成版权侵权，就取决于其运气了。如果运气好一该工业品不存在相应设 计图，则不构成侵权；如果运气差——该工业品存在相应设计图，则构成侵权。㈣“尾气管”案中，上诉法院承认： “除非被告仿造汽车尾气管的行为属于对原告设计图的复制，否则就不存在版权侵权”。但因原告的尾气管是根据设计图制造的，上诉法院认定被告侵犯了设计图的版权。@而在另一起类似诉讼中，原告的沙发和椅子是根据原型和模板而不是设计图制造的。法院由此认定该沙发和椅子不是设计图的立体复制件，因此被告仿造该沙发和椅子不构成版权侵权。但法院也指出：如果原告的沙发和椅子是根据设计图制造的，则被告的行为侵犯原告对设计图的版权。@对工业品的复制是否构成侵权，居然取决于被复制的工业品是否根据设计图制成的，这在逻辑上是无论如何不能白圆其说的。对于这一点，上议院的Templeman爵士也在“尾气管”案中指出：

 

“这种区分是没有合理理由的”。

 

美术作业设计方案篇6

【关键词】图案基础 标志设计 一致性

一、图案基础和标志设计的概述

图案是实用和装饰相结合的一种美术形式，它把生活中的自然形象进行整理、加工、变化，使它更完美，更适合实际应用。图案基础课程通过授课形式使学生系统地了解和掌握以形式美法则为核心的图案的基础知识和技能，不仅能提高学生对美的欣赏能力，而且还能使学生在实际应用中发现美、创造美。标志是表明事物特征的记号。它以单纯、显著、易识别的物象、图形或文字符号为直观语言，进行特定信息的有效传达，具有表达意义、情感和指令行动等作用。标志设计过程是通过对相关信息进行调研、归纳、对比、总结、提炼后依据形式美法则进行图形化设计，也是一种图形艺术的设计。

二、图案基础和标志设计的关联性研究

（一）从作品形式角度来看，图案基础和标志设计同属于造型艺术，图案基础的作品形式是纹样的形式，这种形式包括单独纹样、适合纹样和连续纹样，其中单独纹样和适合纹样是具有独立性的造型图案，具有造型简洁、形式饱满、美观，颜色协调等特点。标志设计的作品形式同样是经过提炼加工的一种造型，同样拥有造型简洁、形式饱满、美观，颜色协调的特点，其中的国家、单位、和社会团体的徽标，甚至从外观角度来看和图案几乎没什么区别，所以图案和标志在作品形式的角度来看具有很高的一致性。

（二）从图案和标志设计的风格角度来看，图案注重装饰性，图案是一门装饰性、规律性极强的艺术，注重外在形式的美和装饰效果。标志则是富含信息的创意图形，强调识别性、信息传递准确性、宣传性、和使用适应性，其中宣传性包含了标志在不同场合、不同载体要具有装饰效果，从这一点来看，图案和标志在应用角度上也有相同之处。

（三）从设计准则来看，图案和标志都属于视觉设计的产物，说以必须符合大众的审美原则既形式美法则，形式美法则是人类在创造美的形式、美的过程中对美的形式规律的经验总结和抽象概括。主要包括：对称均衡、条理与反复、调和对比、比例、节奏韵律及变化和统一。研究、探索形式美的法则，能够培养人们对形式美的敏感，指导人们更好地去创造美的事物。掌握形式美的法则，能够使人们更自觉地运用形式美的法则表现美的内容，达到美的形式与美的内容高度统一。图案作为一种装饰性、规律性极强的艺术形式，而且有应用广泛的特点，注定和人们的生活密不可分，所以图案是形式美法则的完美体现者和应用者，人们也是多数通过图案来学习和使用形式美法则。标志设计是将具体的事物、事件、场景和抽象的精神、理念、方向通过特殊的图形固定下来，使人们在看到标志的同时，自然的产生联想，从而对企业产生认同。[1]标志设计要符合人们的审美需求，必须符合形式美法则，不仅如此，为了适应消费者不断更新的审美观念，企业标志还要有鲜明的时代性和前沿性，于是在一定的程度来讲标志设计不但要做传统形式美法则的继承者和实践者同时还要做形式美法则的开拓者和创新者。综上所述，从设计准则来看，图案设计和标志设计均依据形式美法则来进行。

（四）图案基础课程中图案设计与标志设计的过程也很相似。图案基础课程要培养学生观察研究、变化、归纳、提炼的能力，所以课程开始要求学生从物象写生开始，对研究对象进行观察分析，通过写生掌握物象的基本特征，进行简化、夸张、抽象、变形、添加等艺术手段，依据形式美法则进行加工整理，最终创作出形式美观、工艺精湛的图案纹样作品。标志设计和图案设计相同的是首先也要进行调研工作，就是对企业或产品进行调查研究，掌握企业或产品的基本信息，然后对采集的信息进行分析提炼，把信息精华进行视觉化表现，在通过变化、组合等方式进行创意，得出系列设计方案，最终依据形式美法则，通过简化、夸张、抽象、变形、添加等艺术手段得出具有高度精神内涵、丰富准确信息传达、造型简洁美观、运用范围广阔、制作成本低廉的标志设计作品。以此看来，图案与标志在设计过程中也有相似之处。

（五）在作品的表现手段上，图案和标志也很相似。图案的表现手段多数使用点、线、面等视觉元素，通过点的密集、关联；线的排列组合、面的对比使图案作品具有黑、白灰的层次感，另外在空间表现上要求饱满、图底关系均衡，造型风格严谨统一。标志设计在表现手段上也基本使用点、线、面等视觉元素，同样要求空间表现上要求饱满、图底关系均衡，造型风格严谨统一，只不过标志要求在视觉上更加简洁，所以往往点、线、面综合运用的比较少。基本都是点、线、面的单独造型。

（六）图案设计和标志设计在民族文化传承的方面有着共同的任务。图案在我国历史悠久，其中代表中华民族传统文化的吉祥纹样、福花瑞兽，具有鲜明的民族特色，表现了中国古代劳动人民追求平安幸福的朴素愿望。随着我国经济的发展，国立日益增强，尤其是改革开放以来，世界进入“中国制造”的时代，中国企业、产品在国际的知名度不断提高，这就要求民族品牌、产品的标志设计要充分体现民族性。

通过以上分析可以看出，作为设计基础课的图案基础，在我国有悠久的开设历史，是近代设计专业的必修基础课，对现代设计如标志设计有很强的关联性和影响力，同时它也是中华民族视觉文化传承的载体之一，我们要看到传统图案基础课的作用而不能轻易的抛弃，应认真研究，积极改进，使之为我国设计教育发挥更好的作用。

参考文献：

[1]黄志刚，唐宏，肖和平. 凤凰涅 浴火重生――析四川工商职业技术学院新校区logo设计理念[J]. 美术大观，2011，11：154.

美术作业设计方案篇7

关键词：Photoshop；美术基础；课程改革；渗透教学法

中图分类号：G712 文献标识码：A 文章编号：1672-5727（2014）03-0089-03

Photoshop是目前市场上最流行的、使用范围最广泛的图像处理软件。它以非凡的表现被广泛地应用到平面设计、美术、摄影、动漫、室内设计、景观设计、出版印刷、网页设计等众多领域。因此，它也成为了高等职业学校计算机应用和多媒体艺术设计等专业的主干课程。对于“Photoshop图像处理”等Photoshop课程的教学，许多专业教师普遍感到：其实际操作性强，软件的使用看似好教，但教学效果却始终不能通过学生的作品得到良好的体现。存在学生“只会模仿、不会创作，只会操作、不会创意”的问题。问题是多方面的，有学生个人兴趣不同、审美水平参差不齐的问题，也有教师教学方式呆板等问题。许多教师苦于找不到好的教材、教法，以便在尽可能少的时间里提高学生的学习效果。我院根据在多媒体科技公司工作的毕业生的反馈，历经数年进行了Photoshop教学方法与内容的改革探索，现将收获的经验展示出来与同仁分享。

明确正确的教学目标

根据多年来用人单位的反馈，多次海峡两岸职业教育交流合作中心举办的闽台高职院校联合师资培训中专家的共识，从事多媒体设计，工作时间、技术不是重要的，而创意、创新才是最重要的，学生的跨域、整合能力十分重要。

我们将Photoshop课程的能力目标定位为：不仅使学生通过学习掌握Photoshop基础知识和各种工具的使用，更重要的是掌握Photoshop图像处理、图像设计的思想和方法，具备灵活使用Photoshop知识制作出符合要求又具有创意的图像的能力。这就明确了学生学习之后不仅仅是熟练的工匠，还要能自主进行图像处理与创作。

大刀阔斧地进行课程改革

我们共进行了三次课程设置的调整，每一次都及时进行总结与分析。

第一次调整，将“Photoshop图像处理”课程拆分为两个阶段：基础知识课程的教学与案例式课程的指导。结果发现，学生确实在运用Photoshop进行图像处理技法上熟练程度得到很大提升，但许多学生还是限于“工匠”式的模仿，创新能力仍然很弱。

第二次调整，致力于让学生应用Photoshop做出各种绚丽甚至超越意想的艺术效果。它要求学生具备色彩搭配等相应的美术基础知识，这就需要与美术专业教学结合起来。于是，我们在多媒体专业培养方案中引入了“电脑美术基础”课程。这样就进行了三个阶段课程的实施，在实施过程中发现，确实能提高学生的审美能力。但由于一部分学生学习上较被动，学习兴趣不浓，上“电脑美术基础”课时，对平面构成、色彩构成等美术基础知识普遍感觉偏理论，甚至个别学生在做手工作业时有厌烦情绪。另外，随着高职院校课程对各科目实践实训、毕业实习课时要求的提高，“Photoshop图像处理”课程基础课时被要求压缩，影响了学生基础知识的学习。由于Photoshop的图像处理功能异常强大，编辑手段和技巧层出不穷，基础知识不牢固，导致学生在图像处理技能与熟练程度下降。

第三次调整，我们将Photoshop基础知识，如基本工具的使用，引入“电脑美术基础”教学。例如，Photoshop在色彩教学中的运用，不论是在红、黄、蓝三原色的调配，还是纯度色阶变化、色彩对比等，都能以直观的形式表现色彩构成各个方面的知识。对平面构成中点、线、面等元素的构成，如重复构成、渐变构成、发射构成，学生可以通过Photoshop中绘图工具（如直线工具、曲线工具、圆形工具等）绘出一个基本型以后，按设定的骨格排列方式，选择某些编辑命令，如复制、粘贴等，较快完成课堂作业，避免了人手制作中枯燥的重复劳动。更重要的是，帮助学生完成了从手工设计到思维设计的演绎，改变了以往的教学模式，从而提高了学生学习的积极性，也压缩了“Photoshop图像处理”基础课的课时。教学重点转到“Photoshop图像处理”后期课程与实训进行典型案例剖析与项目式创作指导。自编教材并尽量采用本院学生创作作品作为案例，同时结合美术基础知识演绎。这种相互渗透方式能在较短时间内多方位地引导学生学习，以全新的方式激发学生的兴趣，目前来看能有效地提高学生的学习效果。

积极自编教材，进行内容整合

我们选用过许多市面上现成的教材。目前，教材大致分为两类：一类是教程式的，以传授Photoshop软件基本应用与技巧为主，用案例进行辅证。这一类教材的优点是基础知识介绍得较详细。但应用案例偏少，学生能较熟悉软件的工具，但灵活应用的能力不能得到较好提升。在做设计时，由于缺乏基本美术知识，通常会犯许多常识性错误，如做产品销售包装设计常是三无产品（无商标、无品牌、无产家），没有产品货架印象、立体效果不符合透视原理；做平面广告出现光线、阴影方向不一致等一系列问题。第二类教材为案例或称项目式的。此类教材案例较多，有的甚至是纯案例，通常会提供素材，并有详细的案例过程指导。此类教材的优点是：学生在其指导下能够做出完整的作品，有成就感，但由于许多案例涵盖的知识点有限，且缺乏设计的构思解析，更有甚者直接提供各种抠图好的素材与完成图，学生直接拼装即可完成作品，对作品构图理念缺乏理解，对Photoshop的学习变成“蜻蜓点水”式的了，对于Photoshop强大图像处理功能不甚了解，更谈不上工具、技巧的应用。

为此，我们决定自编教材，在“电脑美术基础”中添加Photoshop基本工具的教学与应用，在“Photoshop图像处理”课程中渗透美术基础理念。首先，从案例的筛选入手，在教材前半部分精选出一些简单实用的案例，并尽量一例多变。教材后半部分选择涵盖知识点多的、符合美术观点的案例。在案例设计中讲解构思理念，讲解应用Photoshop技巧的目标，然后将每个案例中要求学生掌握的知识点全部列出来，分析每个知识点的难易程度、适用范围，并提示另一种处理的差别效果。例如，制作一个汽车飞驰的效果，来反映奔驰这一自然现象，可以使用两种不同的方法制作：第一种方法是使用滤镜菜单中的动感模糊和辐射模糊；第二种方法是使用滤镜菜单中的风滤镜。对这两种制作方法进行演示，让学生观察哪一种制作方法效果更佳，适用于物体的大小。在实践中我们发现，采用本院学生的作品作案例更能贴近学生。

实训的项目教材则按如下要求进行设计：能注重Photoshop与美术理论的渗透；能激发学习兴趣和培养学生的创造能力；与企业实际生产过程或现实需求有直接的关系；学生有独立进行规划或与他人合作的机会，在一定的时间范围内可以自行组织、安排自己的学习行为。

提升教师的综合素质

许多院校从事Photoshop教学的教师都是出自计算机应用专业，教软件不存在问题，但由于缺乏美术基础知识，在对学生的作品评价方面不能做到正确引导，使得教学效果大打折扣。为此，我院特地派从事Photoshop教学的教师参加美术基础知识培训，确保Photoshop与美术基础相互渗透教学的落实，让学生在美的艺术氛围中学习Photoshop。

课堂教学组织也是一门艺术

虽说现在Photoshop教学基本上是在多媒体教室或机房实现的，比较直观，但教学组织流程不同，所产生的教学效果也不相同。

首先，我们将学生优秀作品制作成视频，在第一节课进行播放，既激发学生的学习兴趣，也提高学生的自信心。

其次，创造令人愉悦的课堂氛围，活跃学习气氛也是十分重要的。Photoshop操作是一门实践性很强，很富有创造性的课程，可适用的教学法有讲授、案例、实操、小组讨论等等。课堂练习实例要尽量能让大多数学生在一节课时间内完成。这样能有时间让学生相互观赏与评价，就像教育家陶行知说的，要“把学习的基本自由还给学生：解放他的头脑，解放他的双手，解放他的眼睛，解放他的嘴，解放他的空间。”给学生提供主导课堂的机会，有助于发挥学生的主观能动性。

精心设计教学案例则是优化课堂教学的关键。告诉学生模仿到创新是学习Photoshop的必经之路，讲解案例要求涵盖知识点多，学生操作则采用让其快速地由易到难，由简到繁循序渐进地完成一系列作品，从而得到清晰的思路、方法和知识的脉络。因此，设计学生练习题也考验着教师的课堂教学经验。我们分别从广告、照片处理、CI企业形象设计、产品包装设计、产品界面设计、网页设计类中选择有代表性作品进行剖析，让学生在教师的指导和帮助下能够较好地理解作品的构图、色彩搭配、主题等各类图像的主流设计风格。

充分利用网络资源，优化实验教学环境

在当今信息时代，多媒体信息网络迅速发展，在网上Photoshop基础教程比比皆是，应用技巧层出不穷，为学生提供了方便的网上学习条件。基于此，教师可以让学生到网上去查找同一种目标的多种设计方法，如火焰字、人物抠图等，让学生比较查找到的方法。还可要求学生利用网络多欣赏中外文学、音乐、影视、绘画等艺术作品，提高自身的艺术修养。这些对学生创作是非常有益的。

生活在信息化时代的学生，几乎人人都有一款带有拍照功能的手机。基于此，我们尝试建立学生多媒体工作室，让学生在服务实践活动中提升自身的软件运用能力。

在考核评价中培养学生的美感

许多高职院校“Photoshop图像处理”课程仍采用笔试和机试两种形式相结合的考试方法，但重点已经从过去注重知识的积累和记忆进步到注重技能的掌握运用。但我们认为，考试只是在限定时间内考核共性的、统一的技能熟练度，学生容易过多注重教条式操作。实际上，在项目实训中更能反映学生所学知识的运用能力，也更能表现出学生的潜能。为此，我们强调实训在学分中应占更多比重。为防止抄袭，我们要求学生在实训中，用书面写出创作作品的主题、构思以及步骤，这也是对其美术基础知识的一次总结。

心理学家威廉·詹姆斯说：“人性最深切的渴望就是获得他人的赞赏，这也是人类之所以有别于动物的地方。”对Photoshop课程的评价方式，我们主要采用教师评价、学生互评和学生自评三种形式。在平时教学过程中，经常可以发现，部分学生的作品或多或少都存在效果不理想的问题，指导教师及时发现指导，但在评价时多对优秀作品进行表扬与展示。作品美，美在哪，不足的地方有哪些，应尽可能让学生自评，使学生体验到学习和成功的快乐。

Photoshop是一门操作性强、实用性强的课程，它对学生的专业技能水平要求高，同时对学生的想象力、创造力，以及相应的美术基础也有较高的要求。在教学实施过程中，教师绝不可简单呆板地只教会学生设计绘制几个实例就了事，更要注重Photoshop与美术基础的结合性，应该不断引导学生举一反三、活学活用，提升自己的美感。

参考文献：

[1]郭琦.引入美术设计思想的Photoshop课程教学方案新探[J].电脑知识与技术，2010（27）.

[2]叶爱英.案例教学法在Photoshop教学中的应用及效果分析[J].职业教育研究，2008（12）.

美术作业设计方案篇8

中国的现代艺术设计是由历史悠久的工艺美术蕴育的，在20世纪引进借鉴西方现代艺术设计思想，经历了繁杂混沌的过程及从工艺美术到设计概念的转化后，于20世纪末形成的新的学科。

关键词：工艺美术 艺术设计 传统工艺

中图分类号：J5 文献标识码：A 文章编号：

21世纪，是充满希望和挑战的时代，中国的艺术设计任重道远。作为一个优秀的现代设计师，应立足于本国传统的民族土壤，吸取民族艺术精华，以自身的艺术修养和创新求异思维及艺术潜能为后盾，正确理解中西文化的结合，处理好设计国际化与区域的关系。只有这样，我国现代设计艺术在国际竞争中才能立于不败之地，现代设计的区域性和个性特色便会以新的姿态、新的文化意义在国际设计舞台上展现中国的时代风采。我们相信，中国的艺术设计事业会更加朝气蓬勃，生机盎然，它将融汇传统文化与现代文明打造出新的设计文化来。

艺术设计与工艺美术之间，虽为一个有机体的不同阶段的产物，但却烙上了几代知识分子的学术痕迹，值得我们比较和梳理一下二者的关系，并研究他们的交互性。西方现代设计观念的引进和思考，往往会形成对传统工艺美术的割舍，以为一指艺术设计就是与传统工艺美术相脱离，这是一种片面的看法。现代艺术设计的发展并不意味着对传统的“全面否定”，而传统思想的光辉也并不因为现代艺术设计的兴起而“消亡”，二者正在逐渐地趋于融合。正如张道一先生所言：“有人把它对立起来，评定是非，我看是不必的。认清楚工艺美术与艺术设计的关系后，我们自然不会再把二者对立起来，而且有必要继续将半个世纪以来保持的我国优良的工艺传统发扬光大”。

传统工艺美术在现代设计的应用非常广泛，有许多优秀的作品，如：陈汉民先生设计的北京王府井饭店标志，以中国传统工艺美术图案“方胜盘长”，吉祥纹样为本，经穿插组合成垂直和水平的经纬直线，构成上下左右对称的正方形，传达了该饭店严格规范化管理、上下一致、同心协力、热情迎来送往客人的新理念。中间的“王”，字既是饭店的字头，又寓意该饭店在同行业中翘楚领先撤视群雄的王者本色，此外在细节处理上也颇费匠心，把四角处的线有意断开，构成“井”，字，既突出该饭店所处王府井的地理位置，又表达了王府井饭店的客源如井水一样源源泉不断的吉祥美意。这个标志导入了中国传统构图的人文景观、文学意境，通俗易懂，平易近人，人见人爱。

传统的吉祥图案、中国结、剪纸、陶瓷、玩具等，在九百六十万平方公里的土地上任何一个地域，任何一个角落，任何一个民族都能找到它们的存在。他们是民族与民族之间，人与人之间最容易沟通的视觉语言。如“龙”是中华民族的象征，这是无人不知，无人不晓的事实，它所起到的传达与沟通作用，是文字与语言无法取代的。同时，人的行为是由思想支配的，从原始人类创造工艺美术图案起，每一个图案都有一定的思想内涵，这些内涵几千年以来同人们的生活紧密联系在一起。春节是中华民族最为隆重的节日。张灯结彩、舞龙舞狮、演古装戏、皮影戏、贴对联、窗花、年画、财神、门神等，无不以传统工艺美术图案表达人们驱除灾害、邪恶，追求吉祥、平安、幸福，希望健康、长寿、兴旺、发财等美好愿望。在人们的心中，贴了“门神”，就不会受到邪恶的侵害；有了“寿桃、仙鹤、寿星”，就会健康长寿；有了“鸡、鱼”，就会吉庆有余；有了“蝙蝠”，幸福就会降临；有了“双柿”，和“意”

，就会事事如意；有了“鲍鱼”，就会年年有余等等。这些传统工艺美术图案中表达的思想和情感，古代人和现代人是相通的，现代人和未来的人也是相通的，因为它们表达了人类最根本的需求。

陈绍华、韩美林、靳棣强设计的中国申办2008年奥运会会徽，以奥运会标志五环为蓝本斜切四角，与传统工艺美术品“中国结”，神似，图案互相环扣的组合形式体现出中国人民同心协力，热盼奥运，更盼望五大洲团结协作、交流发展、携手共创新世纪的美好愿望。在设计对笔墨浓淡的精心经营下，图案又酷似正在打太极拳的人形，象征中国传统体育文化之精髓，这样由静生动，如行云流水，充满激情，带有浓郁的中国民族特色。这是一款强调传统工艺美术与现代感的结合、雅与俗共赏的构成形式，使标志的形与意达到了完美的统一。

以上几款设计都是以传统工艺美术图案为主要造型手法，运用大家熟悉的图形，结合现代设计的技法，把中华民族博大精深的文化表现得淋漓尽致，向世人展示了中华民族的精神风貌，受到中国人民和世界人民的喜爱，为企业和中国在世界上赢得了声誉，其根本原因是传统工艺美术起到了主要作用，几款标志是传统工艺美术在现代设计应用的经典之作。在设计过程中，他们运用了目标对象思想情感相通的视觉语言，包括造型、色彩、符号、图案等，如果离开这些基本的外部因素，进行标志设计、商品包装设计、广告设计、画册设计等，必然导致设计的失败，甚至会导致企业经济损失和破产。

如果说工艺美术是技术与艺术的结合体，那么艺术设计就是以科学和艺术作为结合体因此李砚祖先生将原来设计美学的功能之美与技术之美基础上又延伸出了科学之美，这也正反映了艺术设计作为一种学科是有机地向前发展的。

工艺美术是与传统农业、手工业生产方式和价值模式契合的原生艺术，而艺术设计是与工业化信息时代相适应的复合艺术。作为科学与艺术的结合体，艺术设计比工艺美术更能体现当代文化和人性的多元化，集成性和跨学科性是它的时代特征。但目前的情况是，传统的工艺美术在失去市场和需求后如何保护其遗产，可能需要各级政府部门的支持和行政倾斜。否则：“有一些民间的工艺美术品，已经处于边缘化、老龄化、孤独化，走向暮色的深处。”这意味着我们将失去丰富的传统工艺美术的文化遗产，如果仍等闲视之，势必将成未来子孙后代不愿看到的遗憾。

总之，艺术设计与工艺美术，二者的关系同源而异流。研究中国古代设计造物思想是迎合当今艺术设计教育的需要，是时代的呼唤，也是从工艺美术史论转向艺术设计史论拓展的必然。从中也反映了一个不争的事实：社会需要什么，被称为“工艺美术”或“艺术设计”的这个有机体，就会自动调整其专业设置以适应时代的需要。

参考文献

[1] 张道一.琴弦虽断声犹存装饰.2002.4

[2] 李砚祖.论设计美学中“三美”黄河科技大学学报.2003.1.