动画前期美术设计范文

动画前期美术设计篇1

怎样改进美术设计，如何提高创造力，造型语言在动画如何表达，这些问题困扰着不少CG动画初学者，他们常常对美术设计中的原画和插画混淆概念，不知美术设计的重要性，导致影片缺少独立的美术风格。

一、中国特色的动画形象

2006年的《魔比斯环》是中国首部全3D动画电影，从美术设定、内容风格到制作技术都完全与国际接轨，在艺术和技术两个方面都达到了国际一流水平，美术造型以奇幻、新奇设定为主，有奇特的动物和环境，比如蓝色巨人、巨型蘑菇林、悬浮岛屿，充满想象力，主创为法国艺术家Jean Giraud，其设计的某些美术场景还在之后的《阿发达》中再现。但是国人对科幻、魔幻、奇幻风格不太习惯，由于缺少中国特色的动画形象，上映后国内反应平淡，最终只收获六百万票房。

近十年观众看惯了西方的插画风格，观众希望看到产生于自身丰厚的文化土壤之中的动画电影。2013年国家新闻出版广电总局《关于发展中国影视动画产业的若干意见》，国产动画创作要根据本国特色力求创意特色、故事精彩、想象丰富、幽默夸张避免概念化、教条化、增加感染力和影响力。

2015年的《大圣归来》在人物和场景设计中下了很大功夫，其人物设计和造型明显受到西方风格影响，带有些许荫翳黑暗，但总体画面光明、晴朗，充满美感，运用西游记中传统艺术形象，塑造一位中国式英雄，刷新了国产动画电影的多项纪录。近年国内来上映了《兔侠传奇》《神笔马良》《小门神》《豆福传》等很多三维动画电影，可以看书中国动画正努力地发掘民族艺术形象，《大圣归来》的成功就是一个很好的例子，在动画造型语言根植于民族艺术形象，中国元素韵味十足，具有中国本土化特征的动画形象，传递出传统中国人所特有的审美尺度。

二、花鼓灯艺术动画形象化

花鼓灯产生于淮河流域，它的服饰、人物、道具具有鲜明的地域特色。其服饰色彩有红、黄、蓝三个色调，道具有帕、扇、鼓、镲、锣、伞，造型和图案继承了传统文化内涵。《花鼓情缘》美术设计秉承淮河流域花鼓灯审美特征，从造型、道具、色彩、图案等方面再现花鼓灯美术效果，浓郁的文化内涵通过艺术加工在细节上展现，元素和文化理念通过寓意的方法结合到在道具功能上，符号、纹样运用在服饰、装饰物、器具上，提炼花鼓灯文化融入美术设计。

传统纹样、色彩可以直接转移到动画形象上，丰富角色设计和场景设计，文化内容以动画形象为载体，传递地域文化和民族传统，花鼓灯服饰具有鲜明而强烈的色彩，用于动画形象可以给予观众强烈的视觉感受，原生态的民间形象式在艺术化的表现下，不仅迎合了时代需求，而且提高了精神文化层次。场景设计中用农耕地头、本土建筑再现村落文化和风土人情，用民间文化、生活化的美术设计打动观众，传承花鼓灯艺术，将传统文化更好的延续下去。

三、美术设计的风格

美术设计主要内容包括人物服装设计、场景设计、道具设计、色彩指定、气氛图绘制等，这些艺术图属于美术的范畴，功能性强于表达性，动画的美术设计比传统电影的美术工作更加夸张和鲜活，其角色、场景、动作、光影等都是艺术家运用各种手段创造出来的。把丰富色彩、光感变化、空间纵深的特点加入美术设计中。一部动画影片的制作流程经历许多环节，前期阶段中的美术设计将会确立整部影片的美术风格，其中人物造型设计是美术设计中重要的一环，造型设计的成功必将让观众印象深刻，本片的角色、场景和道具的色彩指定力求符合国内受众的审美。人物设计和服饰设计取材于唐中期汉服形象，个别造型根据安徽淮南古代书画人物特点来设计，力求将传统艺术中美好的元素运用到角色身上。

（一）人物造型设计

动画片最大的魅力就是赋予任何东西以生命，将各种奇思妙想变为现实，人物造型设计的目的之一是将剧本角色形象化、具体化，将角色的形象特征用绘画和设计表达出来，所以角色塑造时首先考虑剧本对角色的要求，《花鼓情缘》对角色的描述主要是两部分两部分内容，一是花鼓灯舞蹈，二是传统文化故事，所以设计人员要在设计稿中采用风格简练、色彩浓郁的创作思路，人物气质不追求明确化，返璞归真的体现稚拙的花鼓灯形象美感。从最初设想草图到三维角色模型的过程，需要经过许多次修改，分析传统元素的构成要素、艺术特色和变现方法，从而展现出中国人的朴实、善良和坚韧的民族精神，创作出具有鲜明传统文化特色的现代动画角色设计。中国传统美学写意美在三维画面中很难体现，这是美术设计面临非常关键的问题，制作组将把着力点更多地放在比较容易把握的传统建筑、风景、古代服饰图案、文字等这些具体的视觉元素上，通过细节体现传统文化。

（二）场景设计

动画场景设计主要是指动画影片中出角色造型以外随着时间和地点改变而变化的一切事物的造型设计。作为重要的足证部分，场景设计不仅影响着角色，还影响着剧情，它通过线条、形体、色彩交代空间关系、强化视觉冲击力，《花鼓情缘》场景设计采用三维制作，三维动画场景通常在虚拟的三维空间建立模型赋予灯光材质，制作具有中国特色的动画场景更加便捷，而且场景细节也能得到很好的处理效果，为设计中国风的场景提供保障，通过将传统视觉元素进行分解，再进行有机组合，来营造气氛，表达乐观、积极、悲伤等情绪，凸显中华民族独特的文化魅力。应该更多地挖掘本民族的艺术宝藏，学习传统，运用传统，并加以再创造，这样就能够创作出立于世界艺术之林的具有中国特色的动画作品[1]。

（三）道具设计

道具设计与角色设计相似，虽然它们有时会被赋予动作，但道具是没有生命的物体，不能自发的产生运动。设计道具时，结构合理是非常重要的，本片是一部三维动画，三维动画是基于电脑模拟的真实空间中拍摄出来的，道具必须看起来有质感和立体感。

四、丰富内容

（一）数字绘画领域的常用工具

绘图软件层出不穷，功能相对比较强大，性能全面且有特点，用户普及面广的三款软件是Photoshop、Painter、artRage。其中Photoshop几乎成为家喻户晓的图形处理和制作软件，它拥有非常强大的功能，人性化的操作界面，多样的文件储存格式和兼容性，从文字编排到Logo设计，从图片绘制到图像合成，无所不能，对于细节刻画以及画面的整体处理的功能非常强大。Painter是一款自然绘图大师软件，模仿真实绘画感觉的能手，Painter自带的笔刷超过几十款，每一款笔刷都可以通过设置面板进行调节，调节后的扩展笔刷种类繁多，用水彩画笔画好一层颜色后，可以选择是否晒干这层水彩层上继续上色，如此细微的环节都有考虑到，在水彩和刮刀等效果的表现上尤为出众。ArtRage这款软件的体积很小，运行速度快，但画笔种类不多，操作界面非常简洁，调节画笔比较容易，更擅长在油画领域涂抹笔刷的表现。综合来看Photoshop与三维软件的结合最优秀，Painter表现中国传统水墨效果更出彩，而ArtRage操作比较灵活更简便，适合初学者使用。

（二）造型艺术与创造力的提升

长久有效的创造力是建立在纯熟的技术与扎实的基本功上的，而扎实的基本功则是建立在长期绘画练习积累的基础上的，拥有熟练的绘画技巧可以让你随心所欲地把心中所想、项目所需的内容逐一表现出来，所以娴熟的绘画技术是你创所好作品的第一要素、第一台阶。

提升创作力就是多看、多收集传统文化资料，包括影视、图书等，丰富自己的知识储备；同时敢于破除既定想法与概念，大胆构思组合或重组的可能性。没有完完全全的新创造，所有创造都源于现实世界，只是原本的顺序规则被打破重组了。中国传统元素是中国传统文化的精华，始终反映着中国各个历史时期的文化状态，具有强烈的时代特色、时代特征，所以要将中国传统元素以创新的手法运用到动画角色设计中，增加动画角色设计的意蕴，加强民族化的风格特点[2]。

（三）三维建模艺术

使用3D软件建模是角色制作的基本要求，布线是三维建模的重要组成部分，按照原理可以规范为流线型布线和环形布线，关节布线是动画的关键，为了更高的完成“曲臂”这样的动作，需要根据肌肉走势布线，解剖了解得越多就越能增加作品的艺术质量，可以制作出更加生动形象的角色。模型搭建与赋予材质贴图之间需要进行UV拆分，角色、场景、道具的UV制作要求不同，一般来说UV合理展开不重叠才能更好地绘制贴图，重点在于，既不能因为需要讲UV完全展平而将UV过多的拆分成小块，也不能为了保持UV的链接而使得UV扭曲变形过于明显。不论使用什么样的软件，贴图的好坏将直接影响模型的渲染效果，修补接缝非常关键，角色贴图制作有具体的要求和规范，采用手绘的方式绘制人物皮肤和衣服布料纹理，而在提高精度方面法线贴图尤为重要，它可以传递很多细节，比如汉服上的凹凸和纹理细节。

五、美术设计与前期宣传

（一）美?g设定与画面分镜

分镜师运用美术设定中的场景设计图和角色造型图作为参考来绘制完成所有的分镜头画稿，在分镜头台本中注明台词、角色动作、镜头信息等。本片画面分镜制作分为二维画面分镜和三维画面分镜以及动态分镜三部分，美术设定后分镜头组在导演组的监督的指导下工作。二维画面分镜被认可后交给三维组，三维组运用三维软件搭建三维分镜，按照2D分镜制作3D镜头，板式要保持一致，输出拍屏画面后后期软件合成动态分镜。Demo视频将用于前期宣传和中期制作的参考。

（二）美术设计与三维建模

在确定整体美术风格后，要确定角色造型风格，运用绘图软件绘制角色三视图，用于导入三维软件作为模型制作的参考图，开始制作标准模型，按照角色设定稿制作低面数模型，这个低模尽量减少面数，但五官和手部的面数也不能太少，因为面部涉及很多表情动画而，手作为第二表情也很重要。低模交由动画组绑定，同时角色设计师开始进行高面数模型的雕刻制作，这一阶段力求表现角色形体的全部细节，小到眉毛，大到衣服褶或盔甲，同时要尽可能地表现物体的质感。完成高面数的模型后，下一步是烘焙法线贴图、闭塞贴图和深度贴图，按照美术风格绘制基本的材质贴图，并重叠闭塞贴图和深度贴图来最终完成材质贴图，再根据材质贴图制作反射贴图，最后在三维软件中整合模型和贴图通道。

（三）美术风格与导演风格

动画导演赋予动画特有的特点和艺术风格，《哪吒闹海》和《小门神》的美术设计师都吸取了中国门神画、壁画里的素材，可以看出中国传统的绘画风格完全可以植入动画中，不论是二维还是三维动画。另外动画可以把观众带入一个虚幻空间，导演用离奇的故事给观众带来快乐，从娱乐角度来说有个性的动画形象更能给人带来愉悦，有特色文化的动画角色给人展示特色的文化。

（四）海报与前期宣传

其实动画影片在制片的规划中，人物设定并不只是导演，或者美术人员或是人物设定人员的工作，制片在人物设定也扮演非常重要的角色。一套成熟的动画造型还要考虑是否符合现代审美，夸张是否到位，是否适合动画表演，是否具有商业元素。角色造型出来时要去做一些调查，将造型直接商品化，小量生成然后拿到市场去，看消费者的反应，测试将来的目标人群，如帽子、T恤、公仔、文具等。

六、角色和场景融合

（一）气氛图与概念图

背景不仅能为动画角色的表演提供必不可少的空间条件，同时也向观众表达了更多影片表现因素，为动画情节的突进、情绪的表达、气氛的烘托提供必要条件。如故事中女主角玉兰的梦里出现了诡异和荒诞的“阎罗殿”，为角色提供特定的氛围，男主角为了村民去铲除“巫支祁”的晚上，绘制雨幕背景，以一种低调的浅灰色表达出温馨感人的雨幕气氛。

（二）角色与场景调度

角色调度注明角色运动方向，场景调度可以在单个场景和多个场景中完成，场景组接构成完整创面调度。对于设计师来说，调度同组合一样，角色处于场景中什么位置时至关重要的。适当的调度有助于画面分镜师确定场景中镜头的位置，为观众创造身临其境的感觉。

（三）道具的使用

道具可以是任何物体，包括影视表演中所有器具，如室内室外大物件、人物手持或随身佩戴的小物件，都是道具。道具内容包含比较多主要分为“陈设道具”和“戏用道具”两种，陈设道具是指体积大、移动性小的器具，如内景的床榻、衣柜、桌椅等，外景中的石碑、长椅、雕像等，他们推动着故事情节的发展。戏具道具是指角色使用的物品，其对人物性格、身份具有说明作用，同时在推动举行发展的过程中可起到引导作用。动画历史背景设定在唐朝中期，道具设计应该力求符合历史背景，符合当时的社会发展水平，通过查找和收集素材设，借鉴传统文化，有依据的设计道具。

七、总结

美术设计初期是绘制概念图，也是气氛图，场景气氛图，主要是根据剧情发展的重要节点绘制的美术概念图。角色初稿确定角色设计说明，场景初稿要包括场景调度图，道具初稿附带道具使用说明。

三维动画制作是一项高难度的艰巨的系统工程，不仅需要大规模的制作团队，需要一套完整的解决方案，从前期设计、故事版、模型制作、角色设计、三维建模、动画制作、编辑、特效、后期制作、合成等，需要完整的数字内容制作协作平台，还需要强有力的软件技术和硬件环境支持。

动画前期美术设计篇2

关键词：计算机辅助技术；美术领域；成功应用

1 计算机辅助技术概述

计算机辅助技术(Computer Aided Technologies)是采用计算机作为工具，将计算机应用于产品的设计、制造和测试等过程的技术。辅助人们在特定应用领域内完成任务的理论、方法和技术。它包括了诸如计算机辅助设计(CAD)、计算机辅助制造(CAM)、计算机辅助教学(CAI)等各个领域。

2 计算机图形图像技术的发展历程

1952年，美国的Ben ?Laposke利用模拟计算机制作出世界上最早的数码图形《电子抽象画》预示着数字艺术时代的到来。早期的计算机美术作品主要是由科学家和工程师在工作中偶然获得的，大多数作品是平面的几何图形。代表作品有1963年Kenneth Know Iton的打印机作品《》和1967年日本GTG小组的《回到方块》。1963年，美国《计算机与自动化》杂志社举办一次年度“计算机美术比赛”。又把计算机图形技术在美术领域的应用向前推进了一步。1968年英国伦敦举办第一次世界计算机美术大展“控制论珍宝”标志着计算机图形技术进入世界性研究与应用阶段，计算机与计算机图形技术逐渐走向成熟，大学也开始设置相关的研究课题，CAD应用系统和三维造型系统出现并逐渐得到完善。从1984年至今，以微型计算机和工作站为开发平台的个人计算机图形系统逐渐走向成熟，这一时期有大批商业美术应用软件问市。以苹果公司的MAC 机和图形化系统软件为代表的桌面创意系统被广泛接受，CAD成为美术设计领域的重要组成部分。

20世纪70年代末计算机图形图像处理技术传入中国后，最开始是在国内各大高等院校开展研究，并迅速扩大到全国，计算机美术设计的发展给中国美术界带来了巨大的影响，艺术家用惯了画笔的双手拿起了形状上和使用方式上都完全不同的鼠标，进行绘画创作，对于多年养成的习惯很难在短时间内接受这一新鲜事物。80年代末，三维动画软件传入我国，并利用三维动画软件制作了第11届亚洲运动会电视节目的片头。从此计算机三维动画技术被广泛应用在电视栏目包装和影视广告制作中。90年代，随着个人计算机硬件技术的不断提高和Windows操作视窗以及大量应用软件的出现，计算机辅助美术设计广泛应用在平面的或立体的视觉艺术设计中。近几年，随着计算机软件技术的迅速发展，计算机辅助技术与美术结合得更加紧密，并深刻地影响着未来美术发展的方向。

计算机美术是一门计算机科学和艺术相结合的学科，是随着电子计算机技术日新月异的发展产生的，它要求创作者既要懂的美学原理又要懂计算机操作规程。它把计算机作为创作工具，按照美学原理，以图像和图形的形式进行信息交流和升华，有着自身的特点，创造了新的艺术形式。它的成果使人们得到美的享受，也为人类社会创造了新的文化形式。计算机美术又是一门新兴的边缘学科，它很好地将计算机技术与传统美术创作融为一体。根据创作的目的和功能不同，计算机美术也可分为应用美术与欣赏性美术。从作品上来看，与之相对应的也是纯绘画作品和实用美术作品两种。所谓纯绘画作品，也叫欣赏性美术作品，是指满足欣赏和娱乐等精神需求，以审美为目的的艺术，给欣赏者带来美的享受和艺术的体验。它包括类似传统油画、水彩、版画、国画等艺术形式，也出现了具有交互性、多媒体的新的艺术形式；所谓应用美术设计，就是以实用为目的的，实用与审美相结合的美术设计作品。包括建筑设计、平面设计、工业产品造型设计、服装设计、企业形象设计、广告设计、书籍装帧设计、动画设计、影视特效、游戏开发、虚拟现实等等。是计算机技术与美术设计相结合产生的广泛应用于今天的电脑艺术设计。其实，这种划分也是相对的，纯绘画并不排斥功利的目的，应用美术设计也追求审美的目的，只是侧重不同而已。［1］

3 计算机辅助技术在绘画中的成功应用

技术永远是艺术创新的催化剂。文艺复兴时期，艺术家使用投影装置进行画稿放大创作油画；19世纪，色彩理论和光学技术的进步，照相机的出现，促使了印象主义画派的诞生；20世纪初期，德国化工厂里生产出的新颜料，让现代派绘画狂热和充满想象力；今天，计算机技术迅速发展，公文包一般大小的笔记本电脑的运算能力却是以往大型计算机的上百倍，成为现代艺术创作的重要工具，计算机文化也是这个时代的文化最强音。计算机广泛应用到“摄影、互联网、艺术设计、虚拟现

实和传统绘画艺术”中，主要表现形式有数字摄影摄像、卡通动漫、网络游戏、虚拟现实、多媒体展示、广告设计、数字插画、数字电影特效等等。其应用范围之广，视觉效果之强烈，传播速度之快，是过去一切传统视觉艺术形式无法比拟的。当前，人们在利用计算机进行传统艺术绘画创作时，通常有两种方法：一是利用计算机绘画软件，操纵鼠标或绘图板直接绘制；二是把搜集到的绘画素材输入到计算机后，利用图像处理软件把所需图像进行拼贴、挪用、再次合成等手段制作绘画草稿。利用计算机图形图像处理技术制作的计算机美术作品，其震撼的视觉效果是传统绘画作品没有的，扣动了艺术家的心弦，驱使更多的从事传统绘画艺术的画家加入到尝试利用计算机辅助绘画创作中，探索新的艺术表现形式及语言。如日本天文插画大师“加贺谷穰”早在1991年就利用计算机进行插画构图和草图制作，后来就全部利用计算机来制作，开创了最早利用计算机绘画的先河，创作了“数字绘画”技法。其作品，常以宇宙空间为背景，结合神话故事，所描绘的少女纯洁而又美丽，肌肤光洁而散发着光辉，画面极其精细，给人以宁静深邃的感觉，非常富有装饰性。旅美台湾画家周心怡利用计算机绘制了百余幅装饰感极强的数字装饰绘画，其作品中“花影婆娑，仙子飞舞”，是传统与现代的结合，有点、线、面、与肌理的综合运用，平面与立体的混搭。画面意境优美，色彩艳丽，装饰效果极佳。画家程广把照片用计算机处理成马赛克效果，按照色彩数字编号把图像复制到画面上。荷兰籍画家田崴，回国后创作的多幅油画都充分利用计算机辅助技术制作初稿，在创作中期也经常把油画拍摄下来输入电脑进行再次的调整或添加新的视觉元素。

在这新技术、新材料、新的社会背景下，计算机技术与艺术的联姻，成为新世纪的时代特征。计算机辅助技术应用在美术领域，给那些古老的绘画艺术带来了新生，产生了新的艺术表现形式，并给艺术家进行绘画创作带来诸多便利和帮助，已经成为艺术家不可缺少的助手和有效工具。

参考文献：

［1］ 王宏建，袁宝林.美术概论［M］.中央美术学院美术史系美术理论教研室，高等教育出版社，1994.

［2］ 邱杰志.数字时代的美术［J］.美术界，2000(2)：35.

［3］ 乐齐弘.科技时代的美术［J］.阿坝师范高等专科学校学报，2003(1)：8890.

［4］ 姜涛.数字绘画艺术的发展理论初探［J］.美术大观，2008(9)：108109.

动画前期美术设计篇3

 

关键词：现代绘画；艺术形式；服装设计

19世纪末是整个西方历史上最大胆、最富冒险精神的时代。现代绘画在这个时期初露端倪．绘画史上出现了一个空前的裂变繁衍的阶段，这种裂变对艺术史所造成的分割，大于文艺复兴以来上所有风格的变迁；各种艺术思潮在这个时期萌芽、蔓延，未来主义、立体主义、表现主义以及与艺术传统彻底决裂的达达主义和超现实主义等艺术流派交相辉映，绘画到达了一个空前的激荡人心的高度。同时，现代服装开始从服装的普通含义中脱蛹，在法国巴黎——当时世界艺术家的活动中心．开始出现了高级时装店，标志着服装进人了一个新的纪元，这无疑是与当时的现代艺术活动有着紧密的联系的。20世纪初，在英美出现的POP艺术等更为新潮的艺术现象，在这些艺术思想和表象里已经宣告20世纪现代美术不同方向的特征成熟起来．与此同时，现代时装的概念也被C·F·沃斯的设计轰动初步定义。

绘画与时装虽不是一回事，但两者之间的联系已经历了很长的时间，而现在则愈发地深人和复杂，现代绘画的一颦一笑都影响着服装设计师的灵感动机。艺术家们将自己全新的艺术观念通过全新的艺术语言表达出来，推向社会，这些来源于现代绘画的艺术观念溶人欧美国家的各个社会阶层，并在社会道德方面、生活方式乃至言行举止都有着深刻的烙痕．服装在此方面更是有着明显的追随、呼应。

服装是人们生活状态中不可缺少的一种基本状态，作为人们生存的一个基本前提之一．它具有实用性、科学性和艺术性，因而服装本身是一门造型艺术．是区别于绘画、雕塑等造型艺术类别的一门新的艺术。同时，它与这些艺术类别又有着千丝万缕的联系．它包括其他艺术的各种特征甚至美学原理．如比例、节奏、平衡、对比等．因而服装设计本身就是一种艺术创作活动。

每年在巴黎时装节会上的新艺术服装样式．就是从立体派、黑人雕刻、古埃及美术等艺术形式中汲取营养．其特征是多采用直线的、几何纹样的形式，新艺术样式本是来源于巴黎的装饰美术博览会．脱离新美术的趣味和装饰过多的倾向而产生的。它把艺术和产业融合在一起，深受大众的青睐，它给服装带来的影响．使女性们脱掉紧身胸衣，开始穿着机能实用的筒状服装；追求由于身体活动而展开现服装魅力；强调衣服的动感．这无疑是现代画艺术对服装所带来的一种积极的影响。但是．绘画毕竟是以画面表现为目的，而服装则是通过服装表现人．过份注意绘画的表现方式．往往会赞成喧宾夺主，追求形式的新奇也应有节制、分寸，如超出限度，就有可能流于怪诞，如崩克(Punk)服装．着装的颜色令人毛骨悚然，有给人以不快之感的攻击性。

抽象广义绘画一度是现代绘画的主流，它的色彩及构图、造型都给服装以巨大的影响．毕加索、马蒂斯、布拉克、蒙德里安等现代绘画大师还曾亲自参予过戏剧服装设计。他们的绘画作品也给时装设计师们以启迪，曾是他们设计时装的灵感源泉．如法国Y·S罗朗设计的蒙德里安式套装。另外，POP艺术也给罗朗以创作的灵感而发表了著名的一系列POP艺术之唇、之躯等裙装。

现代绘画的创作精神、技法、原则更是对服装有着巨大的影响与指导。这些技法在时装设计中屡用不鲜。最典型的莫如超现实主义对服装的影响了超现实主义(Surrealisn)的哲学定义是纯精神的、不受正规意识支配的行动。另一种解释是指摆脱理性的控制和审美及道德上的偏见，结合象征主义、浪漫主义思想。用夸张和反常的语言形式来追求神奇的艺术效果它在服装领域里的影响相当广泛，如曾经出现了西欧的E·夏帕瑞丽(Schiaparelli)及其影响下的K·拉加菲尔德，Y·S·罗朗等设计大师，他们都曾熟练地运用超现实主义的精神和技法设计作品倒置设计——将人们固有的视觉习惯或使用、欣赏习惯打翻，倒置而进行设计是超现实主义绘画的观念在服装设计中的典型表现形式之一。例如E·夏帕瑞丽受画家东根·达利等人的启迪，于l973年设计的一套上衣，前后反转的款式及倒置于头顶的高跟鞋帽子等。设计效果十分出人意料，从哲学意义上来讲，正是这种非理性精神的选择。使服装设计中渗入了一种前所未有的东西，使之面目一新。

E·夏帕瑞丽有很高的艺术修养，他与超现实主义画家的交往。使他对超现实主义绘画有着深刻的理解。因而能设计出一系列优秀的时装作品。对服装设计师来说，研究绘画是为能设计出独特而美观的款式。意大利的R．吉利注意文艺复兴的艺术。更注重R·劳森柏等现代绘画大师的作品。留恋于泰菲(Tate)现代绘画画廊．搜集艺术灵感。绘画艺术的素养是时装设计的根本素质。许多时装设计师本人就曾从事绘画艺术或别的造型艺术的。如P·拉邦奴、D·基旺什等．他们设计的时装较现代绘画更容易被人们接受和理解，同样对人们的审美情趣起引导作用在此时，人们对服装的精神性表现出更大的兴趣．更注重服装的审美的艺术性和象征性了。

现代文化的空前活跃。使人们对现代绘画的广泛活动有了较严肃认真的认识。人们的艺术素养普遍提高了。就促使人们有理由对服装设计提出更高级的要求。旧的形式，包括一些古典的或是不合时宜的款式正在大量地抛弃。而需求一些新的符合当代文化生活特征的、迎合人们审美趣味的形式。人们开始购买一些新奇的、前卫性时装了。这对现代的时装设计师们无疑也是一种刺激和鼓励；同时．现代绘画的广泛活动也为人们接受这些超前意识的时装设计作品作好心理上的准备。

动画前期美术设计篇4

“装饰画”是现代绘画分科体系下艺术设计绘画种类，但其发展历程却可追溯至几十万年前，当第一位原始人将捕猎动物的牙齿串成项链戴在颈上，准艺术产生了，审美情绪产生了，“装饰艺术”的原始概念也产生了。无论艺术的起源来自于何种原因：巫术、游戏、表现，这些却都促使人类在远古时期开始了“装饰”这一概念活动。在“装饰”一词中，“装”有着伪装、人为打扮之意，具有极强的动词特征和远古时期捕食行为遗留下来的人类伪装活动因素，“饰”则带有浓厚的审美情绪，表达了一种装扮之后的审美表现。装饰画作为一种公众艺术，一种“装饰艺术”，经历了雏形、草创、演化和概念明确这几个发展阶段，其艺术语言随着其发展历程不断丰富和创新。

一、装饰画发展历程

从艺术的角度上来看，装饰画艺术首先是作为一种特殊的文化现象而存在的，从人类最为原始的朴素的审美表现上来看，对装饰画的历史可上溯到史前艺术，捕猎动物的尾羽、牙齿都被原始人装饰在自己的腰间、头上和身体上，这种装饰同样存在于现代某些土著部落中，而最为直观的是对自我脸部的描绘，对称的构图、浓烈的色彩，无不带有装饰绘画的风格特征。中国远古时期的结绳纪事、古埃及的楔形刻字、北欧颇具意味的岩画和中国最为原始的甲骨文，这些文字的雏形都可作为装饰艺术符号语言的最初创造。在直观感受历史的演变之后，也可以从不同的角度看到象形文字的历史出处，那就是我们称之为“图形符号”。所谓“图形符号”即是装饰画的源头，也是它作为历史的产物，印证着不同的历史阶段装饰艺术的步伐。早期的那些装饰画，并没有摆脱掉文字符号的束缚和约束，在材料物质上的运用相对较少，只是在一些器物上、岩壁上、纸卷上雕刻、填充、绘画等。经历了原始时期装饰的雏形期之后，在草创期，装饰作为一种工艺手段不断出现在各个历史时期的工艺制作和审美表现之中，从青铜器皿狞厉的纹样到汉代流畅的云形图式，从唐宋时期的招贴小画到散见于民间的门神贴画，人们在美化自己周围环境的艺术形式上，创造了很多的艺术种类。艺术的历史长河不断地向前流淌，装饰画的生命也在孕育着新的生机与内容，从概念上来说，真正的装饰画概念和作品出现在西方19世纪末期的工艺美术运动之中。

以莫里斯为首的艺术家倡导的这次美术运动其实质是将视点投入到真正的设计领域中，在此之前，装饰画的概念是分散于各个其他艺术科目概念之中的，油画、浮雕、国画、水彩画都有着装饰室内和室外环境的功能和行为，却没有对此功能一个专门的指称出现。而工艺美术运动之后，这个概念诞生了，人们开始为美化居室和公共空间进行独立的有目的的创作，现代装饰画的概念产生了，产生了明确的“装饰画”词汇———“Decorativepainting”。现代装饰画与传统装饰画的区别，主要体现在时间上和功能上。现代不是指时间意义上的现代而是相对传统而言意义上的一种发展和创新。并且形式和内容倾向于理论化、造型倾向于抽象化。现代装饰画是基于现代设计和现代绘画的理论和实践的影响而出现的特定的一种艺术形式。整个装饰画作品都有一个共同而显著的特点，即独特的视觉美感和非凡的艺术价值，并且装饰画的首要任务是应该有“天然”的装饰性和装饰的美感。这种美感的过程是比较独特的工艺制作过程，是艺术家创作思维中理性和感性的结合。在表现形式上也不是现实事物的再现，而是选择提取和概括总结的过程。

二、装饰画艺术语言特征

当“装饰画”作为专业概念被确立，其艺术语言特征的要求也就被确立了。装饰画在被确立概念之前，并不能有统一集中的艺术语言风格，但当装饰画的功能目的被明确的界定之后，装饰画的艺术语言特质即被确立。首要的艺术语言特征是“美”，而“美”的语言特征在现代有着更为强烈的表现特征，如现代装饰绘画与舞台的艺术或者是与一些戏曲和舞蹈表现一样，在多数情况下不追求局部特写部分的逼真酷似，以及面部表情方面的栩栩如生，主要关注这些形象和形体的突出表现力。所以，我们对自然形态的一些形象必须进行加工，这种艺术上的重点加工俗称为变形。因此题材内容能够变得更加丰富多彩、形式多样。一幅优秀的现代装饰画需要注意以下几种艺术语言特征：

1.创意与构图。创意是指创作从构图、造型、色彩、画面等处理有独特的与众不同的地方。创意的好坏也是衡量一幅作品内涵和格调高低的基本指标。装饰画创意构思过程中艺术家可以充分发挥想象力和创造力，敢于大胆打破常规，积极探索出新的表现形式、表现方法和表现风格。通常在装饰画创作过程中，常采用"饱满型构图"。饱满，是丰满、丰富、充实之意。顾名思义，饱满型构图是沿袭传统的构图方法，其画面的构成形式是在传统绘画的基础上再重新作密集、丰满的处理，使所要刻画描绘的物象丰满而充实，增强画面的感染力。

2．材质的利用。在现代装饰画中，材料的运用是最为广泛的，特别是在环境艺术的装饰设计中，以突出加强装饰构件的形态、质感、色彩、肌理等艺术效果。因此，现代装饰画创作中利用各种不同的材质或材料进行艺术作品的创造，尤其注重以质地来表现效果。所以艺术家利用不同物质材料与各种人文环境间的有机联系，创作出艺术作品，以最大限度地美化了我们生存的空间环境，提高大众的审美情趣。

3.色彩的美感。在众多的对比形式中，补色对比是装饰设计中运用比较广泛的一种对比形式。这种补色对比形式在视觉上能第一时间抓住欣赏者的眼球，也给视觉上带来更大的震撼。而且装饰绘画也是一种造型艺术，色彩、线、形、材质、二维空间是它的主要表现语言。色彩是其中十分重要而富有魅力的艺术语言，在自然色彩美的启迪下可以将美好的色彩意象融入装饰色彩的设计之中，感性的感受和理性的推敲二者相互结合相得益彰。由此可见观念中的色彩、理念中的色彩、意念中的色彩也就自然成为装饰画中不能舍弃的一种形式要素。当然这里面我们还要注意的问题是色彩与内容题材的协调统一，因为不同的题材内容需要与不同的色彩相互对应。这也是体现色彩带来美感的最基本的要求。

以上是对装饰画在基本的艺术技法语言特征上的总结和归纳，而在艺术构成语言范畴中，“装饰画”融汇了绘画艺术的艺术风格语言种类，形成了独具特色的艺术风格语言特征，主要有以下几类：#p#分页标题#e#

1．具象。具象是在自然表现的基础上，运用装饰画的变形法、夸张法、联想法等艺术造型方法进行再创造。

2.抽象。20世纪以来，西方现代主义的抽象形式几乎渗透到设计等各个领域，而且流行的时间也比较长久。自然界的抽象从表面上看它的造型元素与自然的形象没有直接的关系，但是无论从造型的元素还是形式结构上都与自然现象有着内在联系，人的设计也都是从自然界中获得启示的。

3.意象。意象是个性化的，它是客观物像同设计者的心灵相互碰撞、相互融和的产物，是活生生的、有生命力的形象。也可以说抽象化的设计是生命力的创造，是设计精神的物化形态。从设计方法上看，对于抽象设计的思维方式，东西方是存在差异的。西方人注重对客观世界的解释和对客观性进行分析，具有明显的客观性。而东方人则有着浓重的意象化理念，造型设计总是处在具象和抽象之间，表现出崇高的理想化意界。从淮南子里的“谨毛失貌”到苏轼的“见画与形似，见于儿童邻”，更直接响亮地阐述了“意象”之美的特质,近代艺术大师齐白石“妙在似与不似之间”的审美样式,正好体现了对形、意、神的观点、装饰画“意”与“象”的逻辑关系。从现代装饰画的发展状况看，抽象的形式和意象的感悟相互结合，才是现代装饰绘画艺术的最佳契合点，也是现代装饰绘画走出困境的必由之路。

三、装饰画现代艺术语言创新展望

当装饰设计进入现代主义时期，设计的观念发生很大的变化，属于艺术设计范畴里的公共装饰艺术也进入了观念变革时期，出现了很多新型的艺术观念语言特征。这些特征表现在装饰画的内容、表现手段、材料、制作工艺等方面的创新上。

1．材料和制作工艺的创新。在装饰画材料的运用上，装饰画创作切合20世纪初提出的“以人为本”、“绿色设计”等设计观念：大幅度降低材料的成本以适合大众消费，很少使用一些昂贵的材料。一些艺术家除了运用传统的绘画颜料以外，往往还会选择一些不同的材质进行组合。如像对一些立体的装饰画所需的材料进行重新选择，不断地赋予不同的材料一新的设计意念。当然选择材料和形式的统一是非常重要的，材质作为艺术作品的载体，它的美感和功能可以多方位地体现出来。在制作工艺方面现代装饰画亦表现出巨大的包容性：传统的重彩画法、也有外来的丙稀颜料、有陶瓷(高温、低温)、有大理石和种子拼嵌，还有马赛克和中国大漆等等，这些材料可以独立存在也可以相互结合或者结合后产生一种新的异变。

动画前期美术设计篇5

[关键词] 动画设计复合型人才教学体系培养思路

动画设计在我国起步尚初，但在国外却有着较长的发展历史，在美、日、韩等国，动画产业拥有广大的受众群体和较为完善的动画设计人才培养体系。随着我国经济的快速增长，人们生活水平不断提高，对影视、网络动画的需求越来越大。然而，我国动画设计人才的稀缺和专业教育水平的低下直接影响动漫产业的发展。因此，中国动画要占领市场，赶超国外动画的先进水平，必须要在动画设计教育上大胆突破“理论偏移”或“唯技术论”的思想桎梏，调动现有资源，合理课程设置，整合师资队伍，完善教学体系。并改变传统说教式的教育方式，将国外特别是欧美的先进动画设计理念以及设计实践快速同步的吸纳到大学的教学之中。

一、我国动画设计现状

自上世纪80年代以来，随着计算机技术、影视技术的迅速发展，数字动画应运而生，以数字媒体为基础的动画产业成为全球迅猛发展的朝阳产业，市场前景相当广阔。但是，与世界发达国家相比，中国的动画业尚处在刚刚起步的阶段。

本世纪最具有潜力的两个行业，是信息产业和文化产业。而动画设计与制作作为时尚而新鲜的行业，正以迅猛之势在全球文化产业中扮演着越来越重要的角色。据资料统计，全球最大的娱乐产品输出国是美国，其每年的动画产品和衍生产品的产值就达50多亿美元，特别是以Pixar，Dreamworks(PDI)为代表的美国二大动画巨头以及以Blizzard为代表的动画游戏巨头占据了美国乃至全世界动画的大部分市场旧本则通过动画片、卡通书和电子游戏三者的商业组合，成为全球产量最大的动画大国，年营业额超过90亿美元；即使是后起之秀韩国，发展势头亦咄咄逼人，以全球近30％的产量，荣居世界动画年产值第三位。

和动画产业前三强相比，我国的动画产业仍处在非常稚嫩的阶段。主要体现在三个方面：首先是专业人才匮乏，中国动画从业人员不足?万人，只达到韩国的1／3；其次是人均拥有动画的时间短，日本人均拥有国产动画5-8分钟，而我国只有区区0．0012秒(年总产量2．5万分钟：年实际发行量7．1万分钟)；第三则是动画产品的受欢迎程度，国外动画在中国曾一度创下90％以上的市场占有率。据调查，高达80％以上的中国青少年，最为推崇的是日本动画，而国产动画少之又少，精品难觅踪影。

纵观我国的动画产业，动画设计人才缺口巨大，尤其是创作兼技术优异的复合型设计人才更弥足珍贵。有关数据显示，目前我国游戏动画人才不到3千人，而市场缺口达到60万人：影视动画人才只有7千至1万人，而全国需求多达15万人。动画人才的极度匮乏，已经成为制约我国动漫产业及网络游戏产业发展的瓶颈。市场需求量巨大与动画设计人才匮乏，形成有市无人的状况。

社会对动画产业庞大的需求，引得不少学校纷纷开设动画专业。据中国教育在线公布资料，目前国内共有19家高校设有动画设计专业，而在艺术设计专业内设置动画设计专业方向的则有百余家，并且各种动画短期培训班更不计其数，大部分都涉足数字动画。而动辄万元的学费也挡不住学生们热情的脚步，不少院校一招就是近百人，不少其他专业的学生也慕名转到动画专业上来，使得动画设计教育呈现出一派欣欣向荣的景象。然而，这种欣欣向荣的景象只能使人喜忧参半，喜不必言，忧在教育质量不尽人意。多数院校匆匆上马，课程设置和师资配备都存在很大问题；由此产出之毕业生的质量也就可想而知。

能够培养具有创意、想象和个性于一身，同时在制作技术上优异的复合型人才是非常不易的。目前我国动画设计教育在教学上充斥着两种思潮，一种是“理论偏移”，另一种则是“唯技术论”。在“理论偏移”的作用下，教师往往更加注重对动画设计理论和动画设计演变过程的教学，这样单纯偏重务虚的教育方式，忽视了动画设计作为一门应用性较强的学科的特性，造成学生“好高骛远，眼高手低”，一旦走上社会，缺乏动手能力的弊病就会暴露无疑，从而产生一方面人才奇缺，一方面很多动画设计专业毕业生难以就业。主要原因是学校在开设课程上，实践方面能力欠缺，难以将最实用的技术传授给学生：而另一种“唯技术论”的思潮，则是要求一切以掌握动画设计技术为核心，一味要求学生掌握设计技术而忽略了对学生审美、文化素养以及逻辑思维的培养。这样的学生尽管能够在一段的时间内满足用人单位的需要，但随着工作的深入，个人人文素质以及逻辑思维的缺失将成为学生进一步发展、提升的瓶颈。因此，“唯技术论”只能培养出低级作业的操作匠，很难能够培养出具有自主创新思维、具有丰厚人文情怀的设计师，而目前我国最为缺乏的恰恰是这种类型的设计人才。因此，从目前人才培养的角度出发，尽管学校不遗余力的在创办或开设动画设计专业，但能够真正派上用场的设计人才仍然千金难求。

二、动画设计人才应该具备的素质

因为动画设计专业是为全国务电视台、动画公司、游戏娱乐研发机构、电影制片厂、网络公司、建筑可视化设计等行业培养高级专门人才，动画设计专业毕业生必须能够生产制作：动画电影、电影特技特效、三维游戏、数字动画片等。

因此，掌握动画专业的基础知识和基本理论，具有较强的较高的艺术素养和敏锐的艺术鉴赏能力，具有很强的美术基本功，掌握三维动画的造型设计规律及具备造型设计能力，掌握数字动画的场面设计规律和方法，掌握数字动画动作设计规律和方法，掌握相应的计算机动画制作技术，熟悉数字动画片制作流程，这些都应该是动画设计人才具备的素质。另外，要对计算机有强烈及浓厚的兴趣，善于将人、景、物用绘画的方法进行表述，拥有很高的色彩涵养，善于运用颜色来表述画面主题，善于组织画面中的色彩氛围。

三、动画设计人才的培养思路

培养动画设计人才不能一蹴而就，不能简单的理解为培养动画设计人才就是教会他利用电脑完成复杂操作，而最重要的应该是培养学生的创意、想象力和个性特色。因此，要明确动画设计人才的培养思路，完善教学体系，改善教学方法。

不能因为市场上热闹，学校就盲目地扩大招生。这一新专业的发展方向、人才培养模式尚处在探索之中，缺乏一定的系统性和针对性。学校在人才培养方面，一定要有前瞻性，注重实用，打造创作与技术兼备的复合型人才。

(一)完善教学体系

教学体系应该包括招生规则、教学环境、设备设施、课程设置与师资配备等等。其 中课程设置和师资配备是研究的主题。科学的课程设置和合理的师资配备是培养合格人才的保证。并且培养合格甚至优秀的动画设计师并不是仅仅依靠一个学校的能力就能够完成的，它需要整个社会的关注与重视。任何一个开设动画设计专业的学校都应该和行业的专家、学者达成良好的合作关系，并邀请这些专业人士参与制订培养方略，形成一套较为完善科学的教学体系。

培养拥有独特创造力的动画艺术设计人才至少需要四年的时间。首先，至少进行两年的基础课程训练，包括艺术和技术两方面的。特别是数字动画专业，是全新的动画领域，是美术学、影视艺术学和设计艺术学以及计算机图形图像技术的高度结合。要求具有扎实的美术功底、丰富的艺术理论知识以及熟练掌握电影语言的内在规律。数字动画设计者应当有严谨的思维能力，良好的外语基础以及相当的数学基础，因为数字动画是艺术与科学的完美结合，如果想要在这个行业内具有发展后劲，外语和数学基础是非常重要的。因此，除了开设好艺术基础课程之外，开设数学、物理、人体解剖学、人机工程学、逻辑学等技术基础课程也是十分必要的。同时在应用上掌握计算机动画制作工具和制作技术，是毕业生走向岗位的关键。作为全美最早开设动画设计专业的伊利诺伊大学，制作技术教学两年的安排是：第一年学生必须经过三个阶段的严格训练：第一阶段是三维动画基础入门，包括3DMAX初级、电脑美术等，培养学生的电脑艺术修养和造型能力；第二阶段是三维动画中高级阶段，包括3DMAX中级、角色建模、角色绘制、案例实习等，培养学生的电脑表现能力；第三阶段更高一级，使学生进入专业游戏设计、影视编辑领域，包括三维动画设计软件，卡通绘制等。而且三个阶段学生各有一个月的实习时间。第二年的课程安排的更加丰富，在软件培训方面由浅入深，不仅有雕刻艺术、人物写生、还有各种如MAYA特效和影视片头命题设计、后期合成等方面的培养，经过如此系统化、专业化的学习，才能达到直接参与动画设计制作的水准。

师资配备上，文、艺、工多科兼容，力求上什么课就什么专业教师来教。专业课要引进社会资源，力求课程与社会专业发展状况同步。

(二)根据需要发展多元化培养方式

就目前我国动画业最为缺乏的动画设计人才的状况，学校在课程安排和就业指导方面应该分三个培养方向，首先，是以培养有丰富经验的高级合成特效师、特技指导、视觉效果总监为目标的长期课程体系，旨在培养高级影视特效师；其次，是培养具有丰富动画制作经验的高级动画设计师、动画指导、制作总监，学生毕业可以进入动画设计公司，游戏公司，走上职业化设计道路；第三，是培养具有丰富经验的电视台制作部在职人员或电视动画制作设计人员，可以进入电视台和广告公司，从事电视动画制作工作。

动画业的飞速发展，必将带动其他相关行业的发展，包括动画教育行业也会朝气蓬勃。但是，动画教育必须遵循教育规律，不能盲目跟风，如果学校仅以盈利为目的，不是立足于培养真正的动画设计人才，那么迟早会被社会和市场淘汰。

四、结语

动画前期美术设计篇6

[关键词]电影美术；动画电影美术；艺术特征

动画是一门较古老的艺术，而影视动画却是一种新兴的艺术形式，人们对它的喜爱不受国别、种族、性别、年龄的局限，影视动画可以说是人们成长中不可或缺的玩伴，它和人们一起成长与完善，最终形成了一套完整的体系，具有丰富多彩的艺术风格，成为艺术研究中备受瞩目的焦点。在影视动画中，美术占有极其重要的地位，是人们接触影视动画最客观、直接的视觉元素，影响着影视动画的艺术风格，因此需要对其进行深入的研究。

一、电影美术与动画电影美术

（一）电影美术

电影美术，即利用电影的时空理念在银幕上对影视画面、人物造型等进行设计，使其在一定空间上构成某种关系，是一种造型艺术形式。同时，它也是一种综合性艺术，汇集了如文学、绘画、音乐、摄影等艺术元素，单纯地通过视觉效果来展现艺术魅力，主要影响着影视作品中造型设计的效果。电影美术主要通过视觉与听觉来传递信息，因此其构成元素包括造型、光影、色彩、场景等，以美术为主要的创作形态，因而美术造型的理论广泛适用于电影美术造型中。为了使电影产生预期的视觉效果，导演会依据剧情需求对电影的后期制作提出相关设计意图，通过美术进行场景设计，使现场设计达到视觉上的冲击力。现今，电影美术在电影制作的实践中逐渐发展与完善，形成独特的艺术特征（即综合、逼真、运动），使电影美术造型设计在电影艺术中越发重要。

（二）动画电影美术

动画电影美术，是指在影视动画中的美术设计，其宏观概念指对设计动画中的角色、背景、场景、分镜头等所有与动画制作有关的内容。整部动画片中美术设计占有不可替代的分量，是动画创作的主要成分。导演的思想创新、美术设计者的别出心裁是产生动画美术设计风格的主要因素，动画美术设计者通过采用多种绘画元素，使其发挥综合效果，从而创作出新颖独特的动画作品，满足观众的审美情趣。动画美术设计的风格代表着整部动画的艺术风格，具有两种风格特征，即静态与动态的风格之分，以此来更形象地传递动画作品的独特之处，而动画美术设计的创作风格决定着动画作品的设计水平与受欢迎程度，是动画作品在多元的世界动画产业中一展风采的有力保障。

（三）电影美术设计的要素

对电影美术设计要素的把握决定着设计者的制作水平，影响着电影的视觉效果。其中，美术基础是电影美术设计中最重要的要素，既要求美术设计者具有过硬的美术绘画实力，更重要的是要求设计者具备图形语言表达能力，发挥创新思维使作品更加形象化、立体化。若美术设计者不具备美术基础，那么就不能将他的创新思维具体的表现出来，不能形成自身独特的美术设计风格。同时，文学基础也是电影美术设计中较重要的要素。动画剧本的内容影响着动画美术的设计风格，因此设计者需要深入地研读动画剧本，在理解的基础上对动画美术设计形成风格定位。定影基础，也是电影美术设计中重要的要素。动画电影是一种三维立体化作品，在制作过程中会使用到诸多的电影镜头语言，所以要求动画美术设计者深入学习电影的镜头语言，进而提高动画美术设计的整体水平。

二、动画电影美术的影响因素

（一）文化因素

戏剧在中国具有较长的发展历史，京剧中的脸谱是中国独有的文化艺术形式，这些古老的艺术文化对我国动画电影的发展具有较深的影响。脸谱不在是纯粹的装饰手段，如今已演变成中国独有的文化符号，中国人通过脸谱来塑造人物形象，区分人物的善恶真假。在传统戏剧中有“生、旦、净、末、丑”五大人物角色的划分，人们根据角色的身份、性格、地位来设计脸谱造型。坏人角色通常用丑角脸谱来表示，如周扒皮（《半夜鸡叫》）、地保（《张飞审瓜》）等；戏剧中脸谱也可用来表示人物的地位与形象，如李靖（《哪吒闹海》）、玉皇大帝（《大闹天宫》）等；脸谱中“净”的形象还可用来表示人物的性格与命运，如张飞（《张飞审瓜》）、天兵天将（《哪吒闹海》）等。这些戏剧文化对中国动画电影美术的设计产生极大的影响，在美术设计中将这些传统的美术元素融入动画造型设计中，赋予动画作品深厚的中国文化韵味。

（二）创作者的审美意识

中国的动画作品极具中国特色，其艺术形式丰富多样，如剪纸、山水画、皮影、刺绣等，使之与世界其他风格的动画作品形成鲜明的区分。但这些独特的艺术形式却并没有使中国本土的动画作品大受国际动画市场的欢迎。究其原因主要有：其一，我国动画创作者只是单纯的照搬国内外动画作品的艺术形式，没有对此进行深入的探究，又由于自身素质能力低下不能很好地借鉴其他艺术形式为我所用；其二，动画剧情乏味、幼稚，故事叙述结构不合理，对动画的镜头与剪辑没有把握好，拍摄水平仅局限于低级阶段；其三，动画创作者缺少文化内涵（包括美学修养、创意、镜头感等），其绘画水平较高能够创作出唯美的动画画面，但画面缺少文化的点缀，不能达到良好的视觉效果。因此，需培养创作者的审美意识，深入探究中国传统的民族美术内涵，始终发扬本民族的动画美术风格，借鉴当代动画艺术形式与风格的精髓，推动中国特色的动画产业发展。

三、动画电影美术的艺术特征

动画与常规影视作品最大的不同之处表现在，常规的影视作品无论是人物、物体、动作等都是真实、具体的，而动画作品用平面二维形式表现，所有的事物都是通过图画来表达，利用绘画工具、材料、绘画技巧等先在纸张或透明板上绘画出图像，然后通过后期制作产生最终的动画作品。

（一）道德美与艺术美的和谐并存

一部优秀的动画作品应具有道德美与艺术美，使其不仅具有艺术价值，更具备道德价值，肩负起道德宣传的职能。而动画电影中的道德美具体表现在将人世间的真善美展现给观众，进而对观众产生道德规范的作用。这种道德美一直是我国动画电影所追求的目标，是我国动画电影艺术中美学风格的具体表现。

动画电影艺术始终追求道德美与艺术美的完美结合，动画电影中的道德美体现了一个时代人们的内心品质及精神内涵，它源自生活同时又超越生活本身，实现了精神意境的升华。如《三个和尚》，这是我国20世纪80年代较经典的动画作品，其创作灵感源自中国人熟知的一句谚语，即三个和尚没水喝。该动画作品所传达的思想主旨是人们在做事时要全心全意，不能相互推卸责任，要树立集体主义意识，应相互协作进而提高办事效率。同时，该动画作品也向人们传播了相互帮助的德美，实现了道德美与艺术美的和谐并存。

（二）形式美是内在美的外在表现

动画电影中的形式美是指动画作品具有独特的审美属性，而美的形式是一种外在表现，属于感性体验。两者具体区分表现在：其一，内容不同，美的形式与其所要形容的对象有关，这对象是具体存在的；但形式美与所形容的对象本身没有关联，仅是描绘形式自身的内容，纯粹展现形式的内在朦胧美，是一种广泛的寓意；其二，存在形式不同，美的形式是对外在的感性认知，审美对象不具备独立性；而形式美是一种审美属性，具有独立性。

如《宝莲灯》是我国一部较成功的动画电影，在表现战斧出现的场景时，动画美术造型设计采用了罔画类、灯光图形类相结合的表现形式，使当时的场景具有形式美。之后随着三维动画制作技术的产生，使动画场景表现得更加逼真、更有视觉震撼力，如在动画电影《龙卷风》中，通过三维动画技术设计龙卷风，使其具有独立的审美特性。

（三）意味美是形式美的内涵

意味美，即指动画作品中所具有的文化内涵，能够折射出一个时代文化的发展历程，将沉淀中的社会内容美展现给观众。一部成功的动画电影应具备形式美与意味美，这样才能使观众产生情感共鸣，因为动画电影源于生活又高于生活，它反映了生活中的现实存在，并融入文化内涵使其具有深厚的意味美。而这也是我国动画电影创办的宗旨，动画电影不仅是为观众带来乐趣，更重要的是传播本民族的文化内涵，甚至是为国家政策作贡献。如动画电影《铁扇公主》就是这样一部经典之作，这部作品取自《西游记》中唐僧师徒路径火焰山与铁扇公主斗智斗勇的故事，最终降服了铁扇公主，火焰山的大火得以扑灭。这部作品的播放时间正值日本侵略中国时期，动画内容激励了中国人民要团结一致共同抵抗日本侵略者，最终中国人民共同努力将日本侵略者赶出了中国境内。

动画电影的“意味美”又表现在通过简约的形式表现动画中的事物。如《平衡》（荣获奥斯卡最佳动画艺术短片奖）在角色造型设计上讲究简约美，因此在服饰、表情、运动节奏等方面尽量呈现出简单、大方，进而增添了动画的审美基调。又如《冰河世纪》是一部经典的三维动画作品，其设计风格也注重简约，通过简洁的线条、干净的画面来表现动画场景，采用白、蓝为动画的主色调，并通过精妙的电脑特技营造一种寒冷的氛围，为观众带来不一样的视觉感受。

四、结语

我国的动画电影艺术正在不断的发展与完善，如今已形成了自身独特的美术艺术特征，道德美、艺术美、形式美、意味美使我国的动画电影艺术焕发出夺目的艺术魅力。特别是处在现今这个多元文化的发展环境下，我国动画电影要想在国际动画市场保持竞争优势就必须充分发挥本民族的文化特色，深入挖掘动画电影美术的艺术特征，增添动画作品中的文化韵味，通过动画电影作品来传播我国优秀的历史文化。同时，动画创作者需要提高自身的文化修养与审美意识，吸收本民族特色的美术设计精华，借鉴国内外优秀的设计理念与风格，并结合高科技的动画后期制作手段，积极发挥创新思维，进而推动我国动画电影的稳步前进。

[参考文献]

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[2] 王启中.中国动画电影美术造型设计艺术[J].科技文萃，1999（01）.

[3] 刘杨，王卓敏.湘西民间美术在现代动画艺术中的应用[J].陕西教育，2008（12）.

[4] 张辉.本土的根与时代的苗——重审民间美术在动画艺术中的人文价值[J].西北大学学报：哲学社会科学版，2011，41（01）.

动画前期美术设计篇7

关键词：数字绘画；二维动画；技术

数字绘画技术又称为CG（ComputerGraphic），数字绘画技术的表现形式呈现多样性，广泛应用于电影电视、游戏美术设计、动画设计、数字广告设计、海报招贴设计等。数字绘画技术为艺术家进行创作提供了全新的创作手段。随着科技飞速发展，数字绘画技术的成熟，数字绘画技术已经广泛的应用于二维动画创作，现在的二维动画设计师大多数运用数字绘画技术高效快速的进行动画创作，由于数字绘画技术大大的提高了二维动画制作的工作效率，丰富了动画的表现手法，同时也是一种具有鲜明特色的艺术表现形式，把传统的二维动画制作从纸上解放出来。快速的推动了动画技术的发展。

1 数字技术在二维动画制作中的应用

早期比较传统的二维动画创作方式是使用一张张静止的、连续动作的画面，通过逐格拍摄或者扫描进入电脑，以每秒24帧或25帧进行编辑播放从而形成动画的效果。而数字绘画技术以电脑为平台，以动画软件为载体，直接在电脑上进行动画的创作，大大的提高了工作效率增强了动画的表现力，节约了动画的制作成本。

美术设计对于一个动画影片来说是非常重要的，从《喜羊羊灰太狼》到《摩尔庄园》，再从《岳飞传奇》到《小鲤鱼历险记》等片子中都有很经典的角色动画造型设计，其中可爱的造型设计，唯美的场景设定令人印象深刻。无论是商业动画还是原创实验动画制作，都不能忽略造型的重要的性，在传统的二维动画制作中，角色设计和场景设定大多都是手绘的，而现在有了数字绘画软件的出现，使用Painter、Flash等绘画软件结合数位板可以很轻松的模拟出传统手绘的素描、油画、水彩等艺术表现手法，可以很好的完成二维动画制作的前期准备工作，大大的提高了工作效率和画面效果。

二维动画设计的主题是动画，所以原画设计对于动画设计来说是属于核心技术，动画片中动的好坏都是靠它实现的。传统的原画制作是依附在拷贝透台上，按照分镜剧本要求，结合运动规律的知识以及原画师的经验和技巧进行设计绘画。想观察最终效果都得反复的翻页或者扫描进电脑内进行检查，耗时耗力。

传统的二维动画在绘制原画时如果遇到需要修改的原画时，需要使用动检仪进行总检，发现错误需要退回相对应的工作者进行修改，数字绘画技术的发展，为原画设计提供了扎实的根基，很多软件都可以实现以前在透台经行原画设计的技术。其中TBS软件最为快捷方便，它的兼容性很强，在绘图上完全是传统手绘动画的生产模式，在软件完成一组原画动作后，能马上对其进行检查动作的流畅，是否符合原画要求，是否能表现动画角色的姿态等问题，并能及时更正修改。数字化的生产模式，修改删除错误的原画动作以及检查动作十分直观。

通常在纸上进行角色动作设计时需要原画师依靠自己丰富的制作经验和导演的讲戏，一张张的反复比较翻页进行动作检查，对每张角色的动作及比例要无数次的检查和比对，常常耗费大量的时间用于角色动作的修改和比例的调整。而数字绘画技术里针对二维角色动作的设计开发出了骨骼绑定的概念，通过骨骼绑定角色的相关控制点，使用时间轴添加关键帧进行动画制作。通过Flash的骨骼绑定可以使一个二维的静止的动画角色做出丰富的动作表演，保证了形体的准确性和造型的比例统一，合理的应用数字技术可以大大的节约了原动画的中间画制作时间。

使用数字技术对二维动画创作的影响还体现在后期合成上，使用后期合成软件AffterEffects可以很快捷的把运动的角色动画和场景根基分镜的要求分层叠加制作，利用丰富的特效功能可以实现很多传统手绘无法完成的效果，通过图层之间的属性与位置变化来实现画面的空间感和视觉效果，对于时间的把握可以通过时间轴来进行直观的观察和修改，镜头与镜头之间的衔接可以随时更改变化，与传统二维动画用胶片来进行合成的方式来进行比较，数字绘画技术更加直观、方便，大幅度的降低了制作成本，提高了工作效率。

2 数字化的设计制作平台对动画制作的影响

数字化的设计制作平台对动画设计的制作方式来说可以是一个革命性的改革。传统的二维动画制作需要使用大量的纸张、画笔、透台。工作形式以团队合作为主，涉及绘画工作分工种类很多，场景设计、原画设计、动画设计、描线上色、扫描、后期合成等。可以说制作一部动画作品需要在前期投入大量的资金投入用于耗材和各个动画制作环节的协调工作。而数字绘画技术的出现就很好的解决了这方面的问题，在进行无纸动画制作时直接在电脑上进行创作，节约了动画制作的生产成本，降低了制作耗材预算，使各个环节的制作更加流畅，提高工作效率。

使用手绘动画制作的方式，一个原画师月产量是2000张左右，工作相当繁琐，而采用了数字绘画技术后，一个优秀的原画师一个月可以绘制5000张左右。修改更加方便，传统的场景设计在制作绘制时借助数字绘画设计平台可以实现资源共享、公用，素材和画稿的传递通过网络更加高效快捷，制作动画时借助素材库进行复制修改动作，实现风格统一，大幅度的提高了动画的生产速度，避免了动画制作过程中的资源浪费的问题。

数字绘画技术已经成为二维动画制作的主流表现手法，在动画制作的应用中，有着它特殊的艺术表现力。数字绘画为动画设计师进行原画设计、场景设计以及角色设计的效果表现提供了良好的交互平台，数字技术的迅速发展加快了二维动画制作技术的进步，新的制作技术包涵了传统动画制作的前期设计、中期动画、后期合成以及动画项目管理。在较短的时间内制作出精良的动画作品，有了数字绘画技术的支持，二维动画制作进入了一个崭新的数字动画的时代。

参考文献：

[1]张福昌.现代设计概论[M].华中科技大学出版社，2007.

[2]乔惠萍.计算机二维动画处理编辑技术综述[J].科技情报开发与经济，2009.

动画前期美术设计篇8

关键词：动画；角色；设计

1 国内外动画角色造型的发展状况、发展水平与存在的差距

1.1中国动画造型发展

1.1.1中国动画早期角色造型设计的写实化

中国早期设计师对角色造型的创作偏于写实化，不单是因为有可参考的原型人物或事物，同时也反映着他们对现实的一种态度，往往一些角色在现实中有着完全对应的关系，这些设计并不是偶然产生的，完全是主动而为的。因此我们不难发现，早期的中国动画角色造型设计中常常渗透着当时社会中的各种事物与思想状态。

1.1.2中国动画发展时期角色造型设计的转变

随着时代的变迁及动画观念的发展，动画角色造型设计也开始发生转变。设计师们纷纷把头脑中的梦境或想象，在动画中折射成现实，而角色在各类题材的动画片中充分的发挥了其性格特征及心理变化。

例如《鹿与牛》（1990 年）为难得一见的竹偶动画片，造型设计上以简单的竹片加以固定，却意外的增强了角色个性色彩的表现力；《魔力画板》（2004 年）是上海美术电影制品厂与加拿大联合摄制动画集，该片故事精彩，情节流畅，画风简练，想象力丰富。

1.1.3新时代的中国角色造型设计

第一：动画造型的创新意识。创意是一种创造性的思维活动，只有新奇富有创新的画面才会有强烈的视觉效果，才会吸引观众的注意力。形象设计直接体现动漫产品的艺术风格和文化内涵，对于受众或玩家有着直接的吸引力。如何通过形象设计展现中国民族文化特色，在动漫市场中独具一格，这是我们面临的重要课题。

第二：动画角色造型设计的商业化。从1995 年起，结束了计划经济政策的中国电影放映公司，动画片的生产状态和经营方式也发生了改变，逐步确立社会效益和经济效益双赢的观念，动画片作为艺术产品实现了它的商业价值，由此带动了人们从事动画的热情及创作质量作为商业化的影片，达到经济效益的胜利是主要目的，往往设计者优先考虑影片的制作成本内容与造型设计要符合大众化题材新颖、丰富的趣味性及幽默性。

1.2国内外的动画造型设计风格对比

1.2.1中西方思维方式的差异

中西方的艺术风格各异，这是由两种截然不同的思维方式决定的。从主客体的角度分析，东方语言追求迂回宏观的解释客体，而西方语言则追求直接微观进入客体。这两种截然不同的思维方式，导致了东西方几千年艺术形式的差异。

1.2.2与美国动画角色造型设计的对比

与美国对比：从《狮子王》、《兔宝宝》、《海底总动员》、《冰河世纪》、《加菲猫》等大批优秀作品可以看出，通过对动物毫无顾忌的、夸张、稚气和个性化、卡通化的角色造型设计，是美国动画片中共有的元素特征。

2 中国动画角色造型存在的问题

《2007年中国文化产业发展报告》显示，近年来在进口动画片的冲击下，中国动画片产业经济损失十分严重，动画衍生产品的80%以上的市场价值流向美、日动画形象。导致这一问题的主要原因有：

2.1盲目模仿国外动画角色造型丧失民族文化特色

在改革开放后，外国动画大量“入侵”中国市场，而互联网的普及也加速了观众对造型、风格、内容、形式迥然不同的动画的接触。这使得国内动画观众的观影心理受到影响，外国动画明星角色形象成为他们审美的参照标准。因此，许多国内动画制作公司迫于生存压力和强势文化冲击，为了满足观众审美与市场效益，在动画制作前期工作中缩短了动画角色造型应有的时间，而采取大量模仿美、日动画风格和经典角色造型来减少投资、缩短制作周期，从而忽视了本土文化特色的挖掘和应用，结果导致目前中国动画中的角色造型既不及“中国学派”笔下的艺术神韵，又缺乏美、日动画角色鲜明特殊及技术含量。而对美、日动画角色形象的模仿，不但没有成功收复国内市场，反而加固了外国动画在中国市场的主导地位。

2.2缺乏对角色造型的准确市场定位

由于缺乏对本土文化的深入认识和发掘，在角色造型设计上很难创作出符合国人审美要求的题材和故事情节，导致动画作品的受众有限，影响力大大下降。此外，更重要的是目前国内大量的动画作品角色造型的设计方向主要是面向少年儿童，非常缺乏符合成人欣赏水准的角色造型，加上角色设计水平粗糙和故事情节简单，甚至可以用弱智形容，从而导致对市场的把控力和影响力都很弱，这也影响了动画产业在国内的发展。其次，国内不少动画作品在角色造型设计上缺乏趣味性，应该根据不同年龄段观众的心理及审美观，创作具有不同风格和形象的动画角色，以适应不同需求的人群。

当前我们国内在动画角色造型设计上存在的劣势比较多，但是受到论文篇幅的限制，不能一一列举和阐述，只能列举部分具有代表性的问题。目前我国的高等教育是大众教育而非精英教育，每年都面临着巨大的就业压力，加之教育的大众化伴随着的教育机构泛滥、教育水平越发低下，作为教育的主体――高校，关注最多的是如何就业，根本无法做好与实践的结合，更不能为学生提供持续的实践平台，所以，本论文才根据这些客观情况提出了加强实践锻炼，扩大校企联合办学层次和深度的观点。

参考文献：

[1]张晓明，胡惠林，章建刚.《2007年中国文化产业发展报告》[M].社会科学文献出版社，2007.02

[2]凌清.《动画造型设计》[M].苏州大学出版社，2006

[3]杨晓军.动画角色造型设计[J].安徽美术出版社，2007.11