现代艺术范文

现代艺术范文第1篇

《现代艺术》（月刊）创刊于2000年，由四川省文学艺术界联合会主管，四川现代艺术杂志社有限公司主办，CN刊号为：51-1582/J，自创刊以来，颇受业界和广大读者的关注和好评。

《现代艺术》面向全国公开发行的大型综合性文艺期刊，以传承巴蜀文化传统，促进文化艺术的繁荣和发展为宗旨，弘扬时代主旋律，与时俱进，开拓创新，立志成为四川文艺工作交流的一个重要窗口、文艺作品展示的公共平台，文艺界名家荟萃的殿堂、培养文艺新人的摇篮，积极发挥好党和政府联系文艺家的桥梁、纽带作用。

现代艺术范文第2篇

关键字：现代艺术设计减法设计抽象简约

中图分类号S611 文献标识码：A 文章编号：

20世纪的发展是史无前例的，各种艺术表现形式在后现代的基础上，呈现出千姿百态的景象，它们几乎很难用一种风格和形式进行描述，也很难用传统的观念进行分类。现代高科技术的迅速发展，不但对社会结构和社会生活带来了巨大的冲击，同时也改变着设计师对美的重新认识，对设计风格看法，对各种混杂的元素的从新序列。生活在繁复社会中的人们也想抛开一切纷杂环境，放慢生活的脚步，力求寻找一种“回归”，释放内心最原始的呐喊，所以“减”以成“简”。

减法设计是一种设计风格，感官上简约整洁，品味和思想上更为优雅。本质纯净，形式平衡，内在含义仍然是一种理想的象征与追求，不算是信念的向往也算是对混乱的逃避，是人们想要“简单”生活的表现。

一、什么是“减”与“简”

电影被人们称作是造梦的艺术，空间设计对设计者来说同样如此，设计师则需担当起“造梦师”的使命，把一切人们眼中的缺陷变成设想中的完美。所以设计师要真正的了解要设计的风格，正如减法设计。“减”原意是指由原有数量中去掉一部分，降低，节约，节俭。在设计中就是指原有物体的基础上进行消减，掏空。“简”古代是指用来写字的竹板，用在设计中是指不复杂，不繁琐。减法设计可以不拘泥于表面的装饰风格，追求一种且有建筑感的空间设计，简洁明快，剔除不必要的装饰，优化设计，用“最少”诠释“最多”。越简单越丰富，如果一套设计有太多的元素，欣赏者将迷惑于去看哪里或误解每个元素的优先级。一个极简主义设计将焦点正好放到正确的内容上。

二、减法设计无处不在

在绘画作品中的减法观念则是从艺术的角度，通过总结、减少、破坏等表现手法，从而形成简约的、抽象风格的作品。这就是所谓的“艺术中的减法。” 自古以来，人们就会利用概括的能力，用抽象、几何等方法来表现物体，为后来的抽象主义和立体主义等开了减法的先河。中石器时代，北欧岩画就出现了抽象的风格，他们把动物简化为抽象的图形，最后演变成几何形，反映出一定的抽象概括能力。在这里，概括成为几何图形就成了减法的一种方式。拉文特岩画就把人物、动物的运动和速度概括成形状，以剪影效果或带状样式来表现，构图虽然具有浓厚的情节性和生活气息，但忽略细节刻画，用色单纯，减法明显自然被表现出来。再例如蒙克的作品《呐喊》，也被称作 “尖叫”，看那扭曲的桥上人，双手捂面，目光无着，脸和嘴巴都被拉长，继而融入天空暮色的大旋涡里，作品用了大量的线条勾勒出人物环境，抽象的表现手法极度的反映着作者的内心世界。

在室内设计作品中，简约风格。简约不是简单，更不是简陋，它是经过深思熟虑后经过创新得出的设计和思路的延展。有人说简约起源于现代派大师,德国包豪斯学校的第三任校长米斯.凡德罗.他有一句名言：少就是多。这句话现在看来真是影响深远。现代室内设计提倡重装饰轻装修，过多的装修不但会造成浪费，还有可能让室内设计更加繁琐，几十年不能改变、更换，造成视觉上的疲劳，更加没有了审美的能力。要从实际出发，千万不要跟风而不考虑其他的因素。例如面积小的室内空间，就没有必要为了显得“阔绰”而购置体积较大的物品，相反应该就生活所必需的东西才买，而且以不占面积、折叠、多功能等为主。装修的简约一定即注重生活品位、注重健康时尚、注重合理节约科学消费。相反，装饰会给室内设计带来几分小清新，调节心情之余也丰富了室内空间。南方现在盛行室内软装修，其实就是更加重视装饰的表现，只有装饰对了、妙了才更能体现主人的“品味”不是么？

在建筑表现设计中，减法设计更是体现的淋漓尽致，在现代主义建筑形成、发展的历程中，受到过现代艺术运动的巨大影响，其中又以立体主义艺术运动最为重要。在此值得一提的是深深影响了欧洲现代建筑运动进程的美国建筑师莱特。还在欧洲建筑师苦苦探索“简化”方向之时，莱特已经有了“简化”之后建成的作品。上世纪最伟大的建筑师之一――勒・柯布西耶在他的一系列建筑作品当中都表现出了一种将建筑物的造型立体主义化倾向，并深刻的影响了整个西方的现代派建筑运动。威廉・克梯斯就在他的《现代建筑》一书中这样写到“没有立体主义与抽象艺术的影响，20世纪的建筑完全有可能是另外一番景象。”

在景观建筑中，立体主义表现为抽象概念和联合视点的产生。这一艺术手法首先在20世纪20年代由几个法国设计师――罗特・马利特一斯蒂文斯、安德列、保罗.薇拉和加布里埃尔・圭弗莱基安运用在庭园景观设计中。从20世纪50年代开始，一些美国景观建筑师如加勒特・埃克波、詹姆斯・罗斯和托马斯・丘奇，也都受到立体主义的影响。风格派有时又被称为“新造型派”，它表现在建筑造型装饰方面，最能代表风格派特征的是里特韦尔设计的椅子，像蒙德里安的绘画，运用水平和垂直线构成红、黄、蓝三色。马歇・布鲁尔1920年到包豪斯求学，对家具设计表现出浓厚的兴趣，对简单的原始主义设计也很感兴趣。他的作品具有很强的表现特征，特别受到荷兰风格派设计师里特维特的影响，家具具有明显的立体主义雕塑特征。当时他设计的椅子大部分是木头的，加上帆布坐垫和靠背，采用标准化构件，简单的几何外型。这也就是20世纪现在简约主义家具的起点。

在时尚的潮流中，时装的减法设计是由简约美学发展过来的设计概念，这种概念简化了不必要的设计元素，暗地里强化了线条、颜色、质感等设计元素。设计师们在设计总深思熟虑，利用剪裁、颜色搭配、布料质感、亦或是穿着方式去突出设计的精髓。

减法设计深入到设计的各个领域，带给我们的不仅是视觉审美上的享受，更多的是精神层面的领悟。

三、减法设计未来的发展

环境的破坏、城市生活空间的空气污染、生态保护的提出、绿色再利用的环保设计、可持续发展的提出都成为现代生活中热门话题。

我们又怎么将减法设计融入到生活当中是炙手可热的问题。减法设计

倡导节约，节俭，简化的生活方式。从你的起居环境开始改善，学习做一个极简主义生活者，也是一种自我表现的态度。

设计中，无论是建筑设计，室内设计等等，可以先从材料做起，可以选择环保材料，无污染可再利用的材料，避免太多新型材料的选择，许多材料中含有大量的有害物质和气体，对我们的健康是非常不利的。许多设计被简化了，但不是简单了，而是更简约了。当然，我们在设计中要利用自然，比如太阳能的使用。现在对太阳能的使用还是很局限的，比如北方冬季漫长，太阳能的使用就不方便，还有待发展研究。另外许多环保材料的价格比较贵，也是大家选择的一个阻碍。

生活中，我们可以倡导健康的生活方式来体现减法设计。比如，步行或自行车代替机车等等。

总之，减法设计在未来能不能真正实现还是一个有待发展的过程，就像历史上每一次设计的变革，都要经历一些磨砺一样。减法设计在传统精粹和时展之间找到了一个非常契合的交叉点。东西文化兼收并蓄，相互交融，实现了碰撞后的交织和传统上的现代超越。减法设计其极度纯粹的创作方式和艺术风格影响了许多的艺术门类，以其特有的面貌出现在各个领域。减法设计的出现给当今社会带来一种简单的、纯朴的、宁静的艺术感受，并深刻的影响了人们的世界观、价值观和审美方式。

参考文献

[1]《外国美术简史》，中央美术学院美术史系外国美术史教研室，编著

[2]《西方文化艺术巡礼》，张延风著，中国青年出版社

[3]《反叛与超越－现代西方绘画艺术》，常宁生著，东方出版中心

[4]《欧洲现代画派画论选》，瓦尔特.赫斯著，人民美术出版社

[5]《世界现代设计史》，王受之著，中国青年出版社

现代艺术范文第3篇

关键字　传统　荒诞　现代艺术

19世纪末到20世初，随着西方社会的发展和人的思想、意识、价值观念的变化，人们对艺术的看法也发生了深刻的变化。美学界、艺术界出现了许多风格迥异的思潮和流派，给传统的美学思想和艺术观念造成了强烈的冲击。其中，以西方现代荒诞派艺术最引人注目。所谓西方现代荒诞派，是指西方国家从二十世纪初发展起来的现代艺术中某些流派——野兽派、立体派、未来派、达达派、表现派、超现实主义、抽象主义、波普艺术等的统称。

荒诞更明显的流淌在许许多多的现代艺术中，从荒诞派戏剧的经典贝克特的《等待戈多》、荒诞派小说的经典卡夫卡的《变形记》和荒诞派艺术的代表达达派艺术代表人物杜尚的作品《L.　H.　O.　O.　Q.》和设计作品小便池加以理解分析现代艺术中的荒诞之美。

贝克特主张：“只有没有情节，没有动作的艺术才算得上真正的艺术。”他的确把《等待戈多》的情节与动作减到了极低的限度，这出戏没有人们通常所理解的故事情节和戏剧冲突。

1953年，《等待戈多》轰动法国，连演三百场，这样一出没有情节，没有戏剧冲突，没有人物形象塑造，只有乱无头绪的对话和荒诞插曲的戏剧，何以具有如此艺术魅力呢？我想就是因为作者运用了荒诞的艺术手法表现了荒诞不经的社会现实。它演奏了一首时代的失望之曲，反映了一代人的内心焦虑。它使人们看到，人作为社会存在的支柱，已经到了无法生存下去的地步。社会的灾难，人格的丧失，个性的毁灭，以及自身的无聊绝望，已经使生存和生命黯然失色，使存在不具备任何意义。

以《等待戈多》为代表的荒诞派戏剧反映生活的毫无意义，及存在的荒谬思想。剧中人物大多生活在死亡和疯狂的阴影里，他们受尽痛苦却得不到荣光，得不到智慧，他们都是典型的在等待的人――他们满怀希望耐心的等待，越是虔诚越是绝望，表明了希望本身的荒诞性，也是理性的荒诞性。

荒诞派戏剧是对西方现代派文学中的“荒诞文学”的发展。荒诞最有概括性的含义是：人与世界处于一种敌对状态，人的存在方式是荒诞的，人被一种无可名状的异己力量所左右，他无力改变自己的处境，人与人、人与世界无法沟通，人在一个毫无意义的世界上存在着。这种“荒诞”观集中体现了西方世界带普遍性的精神危机和悲观情绪。这种普遍存在的危机和悲观情绪是西方荒诞文学产生的土壤。

其次，由达达派画家马塞尔·杜尚用铅笔在《蒙娜丽莎的微笑》上创作的，在蒙娜丽莎那美丽的脸上画上小胡子和山羊须。他给此画命名为《L.　H.　O.　O.　Q》。L．H．O．O．Q是法语elle　a　ehaud　au　cul的快读谐音，暗喻画面形象是、污浊的；杜尚将达·芬奇的经典名作当作公然嘲讽的对象，展示了他真正渺视传统、无视约束的品性。他把反艺术推向了极致，给后继的艺术运动以新的启迪。这种不可思议的做法让他宣泄了悲观主义的情绪表明自己反理性、反艺术、反传统的立场。《蒙娜丽莎》展现给我们的是美，是古典艺术的美，而《带胡子的蒙娜丽莎》让我们看不到美了，这种反传统艺术的特点恰好就是荒诞艺术的诞生，表现的是一种悲剧性色彩的带有情感的艺术作品，受战争的影响，达达派产生于混乱，又致力于创造混乱。在破坏一切的同时，也完成了它的历史使命——打破现成品与艺术品、创造者与欣赏者、艺术与生活之间的界限。

1917年，杜尚在独立艺术家协会展览上展出一个小便器实物，称之为《泉》，当时杜尚的同道瓦尔特-阿伦斯伯为这个《泉》作了一个辩护，认为杜尚是让人注意小便器的光洁透白的美，他说：“一种可爱的形式已经被呈现出来，摆脱了它的功能目的，很显然，人类做出了审美贡献。”自此，便有木头、垃圾等进入了展览馆。数年前，我看过这样一篇报道，说西班牙一艺术家在交流会上，当众将一把精美的小提琴摔烂，然后将碎片胡乱贴在一平面上，就将其称为一件艺术作品。如从中国人的观点来说，这简直就是破坏，但从时代精神的角度来看，我只得叹一声——无奈。

而当杜尚的小便池出现得越来越多，也许人们会开始质疑为这样一件信手拈来的作品花费大价钱是否明智。不过在1967年他去世前一年，他倒是曾提及版本数量的问题，“如果一个现成品做了8个版本，那不算太多。50、100、200个才算多吧。”也许在他看来，重要的不是自己给多少个小便池签了名，而是在当今大为兴盛的艺术市场，居然有那么多的人在关注着这个当年他恶作剧般签下名的小便池。

（作者单位：苏州大学）

参考文献：

[1]克莱夫·贝尔（薛华/译）.艺术[M].江苏教育出版社，2005.

[2]张法著.美学导论[M].中国人民大学出版社.

[3]张晶著.设计简史[M].　重庆大学出版社.

现代艺术范文第4篇

关键词：现代艺术；格罗皮乌斯；康定斯基

中图分类号：J504 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2015）18-0159-01

19世纪末到20世纪初，欧洲的许多国家和地区都出现了一种所谓的工艺美术运动，而这个运动包括了绘画，雕塑，设计，建筑，首饰，服装，瓷器等各个领域无不涉及，可以说是一次艺术全运动，对于艺术史是空前规模的。就在这次艺术运动中，出现很多知名的艺术家，享誉世界。

一、现代艺术的分类

现代设计包括范围很广，大致可以分为：

（1）工业产品设计。包括交通工具，机床，电器，家具，加工技术，新材料的开发，处理。

（2）视觉设计。像标志设计，商品宣传设计，电视电影设计，印刷美术设计等。

（3）环境设计。如室内设计，建筑设计，庭园设计，都市设计等。以上三点的设计是互有关联，互相综合的。现代设计是应用各种工业原料，应用一切科学手段，材料学，人体工程创造和制作能纳入工业生产轨道的美和用的设计。

二、格罗皮乌斯和康定斯基在艺术领域的成就与贡献

在20世纪的德国，出现了著名的包豪斯艺术设计，在其宣言中提出了让纯艺术的艺术家们和普通工匠们联合起来进行艺术创作，而他们结合的新产物就是建筑。确实如此，建筑其实就是造型艺术的衍生品，许多在绘画史上杰出的大艺术家们，都在建筑方面有很深的造诣，把绘画艺术与建筑结合起来，正如米开朗基罗一样。文艺复兴建筑如此辉煌，得益于当时的社会平和。到了20世纪，包豪斯设计艺术的出现，现代艺术从此又达到了新的平台，使艺术领域更加广泛，不再限制人们的原有思想。格罗皮乌斯对包豪斯的设想当中，他的其中一个思想非常的重要，可以说从本质上讲，美术和工艺不分家，只是两种不同的艺术形式，不同的艺术活动。包豪斯艺术没有明确的局限性，从而出现了像康定斯基，克利，穆希这些艺术家。包豪斯艺术大胆创新，思想前卫，对现代艺术产生了极大的影响。

下面说说大艺术家康定斯基，康定斯基在包豪斯艺术教学中对几何形状的精妙运用，极大的影响了包豪斯的设计语言，但他一生的57件艺术作品被德国纳粹没收。康定斯基一生艺术多变，经历了不同时期，每一个时期都有不同的艺术的特色，印象派，野兽派，抽象绘画他都有所了解并且尝试，后来经过多变，从单纯的点线面的模仿尝试到后来的在二维平面上的几何概括图形，他在绘画上的一句名言是：客观物象损毁了我的绘画。如果要进行写实具象描绘，就必然放弃心灵上的自由描绘，由于他生活在包豪斯艺术之下，所以他放弃了写实手法。而蒙德里安，他主要是进行抽象创作。他在画布等二维平面上进行色块，线条的几何图形的组合，从而达到视觉平衡，逐渐确立自己的抽象画风。蒙德里安是抽象集团的中心人物。他的作品常给人一种神秘主义的超越感。蒙德里安的这种独特的画风，对于后来的艺术设计，特别是运用色彩和线条的组合方面，起到了很重要的作用。

进行现代运动的设计师想通过大规模的生产最终得出反对装饰风格的纯几何形式。最鲜明的代表就是包豪斯设计学校。他们致力于从事最新观念和最先进的设计，他们强调一种单一的现代运动的设计方法，即利用现代材料和工业生产技术，以原色红、蓝、黄和圆形以及方形为基础形成纯几何形式。在后来的发展中，现代设计也被称为国际风格。这是因为这一新方向产生的巨大影响而予以的美称。包豪斯设计中确实有很多值得我们国内设计师学习的地方，尤其是艺术家康定斯基的几何抽象绘画作品，比如色彩的运用，线条的位置摆放，线条的粗细对于设计画面的影响，还有颜色面积的大小对于作品平衡起到了什么具体作用，这些看似不是很重要，其实对于好的设计作品确实起到了决定性的作用，而且这些也是现代艺术和艺术设计之间的桥梁。

三、科学技术对艺术设计的影响

科学和艺术就像是亲兄弟一样，他们不可分割，他们相互影响，在一定条件下可以相互转化。在物质文明高度发达的今天，科学技术的快速发展为人们创造更舒适更便利的生活环境.世界似乎每时每刻都在发生着改变，而这些由科学技术的飞速发展而引起的人们行为，观念上的改变，也对传统意义上的艺术（音乐，诗歌，绘画，雕塑，建筑）造成了巨大的冲击.新的科技使得如今的艺术家能够以交快的速度完成一些前辈们所无法完成，甚至不敢想象的大型艺术品，而这些艺术品渐渐脱离了传统艺术的审美标准，变的越来越快速化，机械化，生活在21世纪的我们，要借助当下的一切有利条件，创作出更美好的艺术作品，那将会是人类在艺术领域的新的高度，期待那一天的到来。

参考文献：

现代艺术范文第5篇

关键词：纤维艺术 传统性 特性

一、纤维艺术概念的界定

当前学术界对纤维艺术并没有明确的概念界定，从一般意义上来说，可以从狭义和广义两种角度对其进行界定。狭义的纤维艺术，泛指编织艺术的延伸，侧重欣赏型艺术；广义的纤维艺术，既有欣赏型，也有应用型，既有织，也有印、绣，只要由细小纤维构成，都可以视为纤维艺术。笔者结合相关的文献资料对其进行界定，认为纤维艺术是指和人们日常生活密切相关，并以天然纤维、人工纤维、化学纤维、有机合成纤维等材质为基础，以编、结、缠、绕、贴、扎、缝、染诸多编制技法来实现纤维材质在形态、物理性质方面的变化，最终表现为纤维编织品和装置软体等的，都可以被视为是纤维艺术。纤维艺术作为一门艺术形式，是综合性、多元性以及边缘性的艺术学科，在现代人的生活中扮演着重要角色。

二、纤维艺术的发展历史

纤维艺术的产生和发展历史相对较早，在人类文明发展之初，纤维艺术就伴随着同时起源。纤维艺术在理论上无法找到源头，但在不同的民族古代出土文物里，都能够找到纤维织物。不同民族的纤维艺术具有一定的共同性，也使得现在纤维艺术品创作能够实现创作共识。

现代纤维艺术最早发源于德国包豪斯设计学院，并在西方发达国家得到了大力发展。创建于1919年的包豪斯设计学院，在办学过程中注重将该艺术与技术在教学中相融合，该学院专门设置了对工艺进行研究的纤维艺术研究所，研究所通过设备和材料供学生学习现代纤维艺术，现代纤维艺术的研究由此发源。之后，很多该学院的艺术家由于受到当时政治局势的压迫，移居美国，并将很多的现代纤维艺术研究成果带了过去，给美国的纤维艺术发展提供了良好的契机。而在法国，让・芒萨早在1938年就宣称与传统的精密复制绘画式的纤维艺术决裂，使纤维艺术在设计语言上呈现出独具特色的个性特征，同时在纤维工艺材料、开发技术等方面也进行了大胆创新，使其焕发出与时俱进的时代特征。纤维艺术由此开启了新时代，从传统的、以逼真程度作为评判标准，转到现代纤维艺术设计历程中。

现代纤维艺术在我国的发展始于“”后，当时华裔女纤维艺术家茹斯・高（Ruth・kao）来到中央工艺美术学院，从而使现代纤维艺术研究在中国得以发展。几年后，中国举办了壁挂艺术展览，展览会上，诸多的艺术家展出了丰富的作品。从2000年开始，清华大学教授林乐成以中国悠久的纤维艺术为根基，分析了当代纤维艺术的发展趋势，创办了“从洛桑到北京国际纤维艺术双年展”，该展会为中国及世界各国的纤维艺术家提供了交流与合作的良好平台，也使中国的纤维艺术逐步走向世界。

三、现代纤维艺术特性分析

现代纤维艺术在长期的发展和积累中表现出相对独特的一些性质，主要表现为形式和样式的多样性、材料和手法的丰富性等。

（一）形式和样式的多样性

同雕塑、绘画等传统艺术表现形式相比较，传统的纤维艺术主要是通过对毛、麻、棉、丝等材质进行艺术加工和创造。随着技艺的演变和发展，现代纤维艺术呈现出了与传统纤维艺术相区别的诸多特性，如现代纤维艺术逐渐趋于多样性，在传统的“地毯、壁挂”等纤维作品之外，还体现在立体软雕塑、空间装置等方面。现代纤维艺术的另外一个重要表现就是，它具有一定的雕塑性，并随着时代的发展呈现出较大的发展空间。传统诸如地毯、壁挂等纤维艺术形式表现出来的是平面性，而现代纤维艺术，自上个世纪60年代起，就从平面逐渐过渡到半浮雕形式，并逐渐发展演变为三维表现形式，其代表形式就是软雕塑，表现出较好的柔韧性和弹性。该形式的纤维作品的出现，使纤维艺术与建筑装饰得到了有机的融合，使现代空间装饰与自然得到了很好的协调，人类跟自然的接触也变得更加亲密。由此可见，现代纤维艺术在形式和样式方面，都随着时代的发展而发展，这种过程，实质是纤维艺术在人类生活中更加广泛的应用结果。

（二）材料和手法的丰富性

顾名思义，纤维艺术就是以纤维为材质进行加工和创造的，纤维材质同其他材质相比具有一定的特殊性。从材质来源来看，纤维材料有天然和人造两类来源，但是不管是哪一类，在色彩、机理、质感等方面都存在一定的差异。现代纤维艺术在材质来源上更加丰富，抑或是现代纤维艺术技艺的进步，都使得纤维材料在质量方面得到明显改进，同时也使纤维艺术的表现形式得以拓展。从某种程度上说，现代纤维艺术所用的材料范围，几乎涵盖了所有和纤维有关的材料，这一概念虽然有点夸大，但纤维艺术的发展预示着这是必然的结果。

从现代纤维艺术的表现形式来看，随着当前人们需求逐渐多样化，纤维艺术编制工艺也随着出现了较大的发展，在表现形式上呈现出多样化，花样翻新速度很快。传统的纤维艺术表现形式以缂织、高比林为主，所追求的是绘画特性。而现代纤维艺术则通过编制、环接、缠绕，抑或是拼贴等方式，都使纤维表现形式呈现出丰富性，而这些丰富性也使纤维艺术产品在形式语言上得到丰满。这种丰满性同时也在不断发展，诸多的艺术家仍在不断地探索新的纤维表现形式，现代纤维艺术在未来的发展中，将呈现出更多的表现形式，使其产品更加多样化。

结语

新技术、新思维以及新材质的不断出现，为现代纤维艺术的发展提供了巨大动力。现代纤维艺术将通过自身独特的材质、风格以及丰富的内涵，把人类与自然进行和谐融合，用新的纤维艺术加工创造工艺去实现材质功能与精神功能的协调和统一，从而促进纤维艺术工艺的可持续发展，这将有助于人与自然的和谐相处，也有助于现代纤维艺术的长远发展。

（注：本文为黑龙江省艺术科学规划项目：《中国现代纤维艺术创作理念研究》课题项目，项目编号：10c008 。）

参考文献：

[1]石海亮.纤维艺术的材料与创新[J].商场现代化，2009（12）.

[2]张威媛.浅谈现代纤维艺术在建筑空间中的应用[J].电影评介，2008（7）.

[3]王晓蕾.现代纤维艺术的材料语言特点[J].湖南中学物理・教育前沿，2009（8）.

[4]卢晓.论影响现代纤维艺术的审美因素[J].浙江艺术职业学院学报，2005（4）.

现代艺术范文第6篇

关键词：现代艺术；古典艺术；发展；社会功能

爱德华•泰勒在他的《原始文化》中有一个观点，文化的不同阶段是文化发展和进化的不同阶段，而一个阶段都前一阶段的产物，并影响未来发展的进程。正是古典写实艺术的不断发展，才最后确立了西方艺术的精神直接承受古希腊罗马艺术和文艺复兴的陶冶，直接承受希伯来文化及其宗教精神，科学理性、思辩哲学和人文主义、资本主义观念的影响，理性、严谨、准确。而现代诸流派固然由工业文明直接引发，但在看似反叛的面目里却保持着与其古代文化艺术，古典艺术一脉相承的西方传统精神的内心逻辑，因此，现代派艺术不可能从根本上与传统决裂。

艺术家是一个时代的视觉好奇心的产物，我们不能脱离过去的艺术杰作来谈论现代社会的画家、雕塑家。虽然，现代派艺术一直打着与传统决裂的旗帜，但事实上，有部分现代实验艺术家从禁忌的诱饵中寻求古典大师杰作的艺术养料。同时，在特定的时期和环境里也有艺术家或艺术家流派从时代潮流中分离出来，而在古代艺术大师遗留下来的杰作中寻求灵感，在十九世纪末和二十世纪初建筑艺术大师约翰•索思爵士和卡尔•弗里德思克•辛格尔的影响下，后现代主义艺术以各种古典主义的艺术形式出现。后现代主义风格的建筑艺术成为古典主义的表现形式以来，一些绘画艺术也受其影响，在表现手法上出现大同小异。这些流派风格全部借助于古典艺术大师的精华，尽管其中各种表现形式均被解释为借用了基本的讽刺手法。

既然在艺术精神上，现代派艺术与古典艺术有着其传承性，而在绘画的形式语言上，古典艺术也一直在被现代艺术学习、借鉴，所以，不管对于现当代绘画艺术的任何流派，古典大师的巨作都是一片沃土留给后辈充足的养份。盲目的与传统决裂既不科学也不事际。特别对于具象绘画，古典艺术更是它坚实的根基，不论绘画艺术本身，还是从欣赏的角度来看，在五百年的发展过程中，都给创作者、观赏者先入为主的概念。所以具象艺术的发展是必然的．虽然对于后辈具象艺术家，古典艺术的成就象一座高峰难以超越，但也只有攀上巅峰，才能领略到最壮丽的风景。

“艺术不是发展而变化”，它是随着时代变化所产生的心理变化及欣赏口味的变化。它是一个高峰随着一个高峰，相互不能替代。到了十九世纪，由于当时官方艺术界的专横和学院派、官方沙龙对艺术的控制，典型的沙龙绘画渐变为假古典主义的“机器”。自从塞尚翻来复去捣弄他的那些苹果为事物探求永恒秩序时，就预示着美术史翻升了新的一页．从这开始，造型就跟情绪联系起来了，形式变得重要。正如吴冠中先生所说的“形式即内容”。现代艺术主要研究由形式体现一种精神和情绪，不象以前，通过写实来说明一个事情，或说明宗教，或说明历史．艺术的功能从实用到欣赏。不管怎样，在纯抽象艺术主义产生前，现代派艺术或多或少对形象有着依赖，换言之，便是充分利用了形象以达到宣泄内心的情绪。例如，表现主义大师蒙克，在绘画主题上迷恋于描述死亡的恐惧和性的烦忧，常用梦幻般的线条勾画形象，在造型上追求色彩的强列对比，形象的痛苦扭曲和形式的粗野放纵。他的画中，无论痛苦还是欢乐，都是实在的形象而加以夸张。因此，被赎予一种带狂热激情的色彩，让人更易体会，感到不安。再看超现实主义画家达利的作品，地平线的界定消失了，空间变得虚幻而无限，画中人物形象倾向于写实的古典主义，画中内为更为复杂，场面宏大辉煌，因为传统与超现实主义的接合而显示出一种全新的理念。他的作品包含了非常复杂的艺术美学信息，而这些信息正是通过具体、逼真、实在、在生活中常见的物体，安排在一个荒诞、错乱的空间，产生了超于现实的感觉，人们能够深深地为它吸引。由此看来，不管任何绘画因素，只要被积极调动起来，便能获得到新的艺术自由。

现代艺术发展到今天，由于它一开始就被烙上时代的印迹，所以从二十世纪以来至今这个不平衡的时代里，现代艺术发展似乎有些走向极端，过分重视表现自我，忽视表现客观世界。砚代派强调自我，强调“发泄’，也可以说，是对资本主义大生产束缚自我，消灭自我的抗议，是对社会生产关系不重视人的个性的反驳。但是，从文艺复兴时期兴起的人文主义思想以人性对抗中世纪的神性，在艺术上表现为古典主义，面现代派反对古典主义也就是反对人道主义，这违反了人类的习惯道德标准。而且现代主义片面强调感性或片面强调理性，产生不同形式的形式主义，僵化沉闷或是一片混乱。有的现代派艺术家认为艺术仅仅是艺术家个人的、群众能否看懂，艺术是否有知音，他们是不管的。当然，艺术品的好坏也不是以群众能否看懂作为评价的唯一标准，但如果认为观众越是看不懂，水平就越高、越好，那就未免大玄乎了。过分强调个人主观感受，漠视艺术的社会功能，必然导致忽视群众的审美习惯和审美功能。有的艺术派别昙花一现，这本身就说明其脱离了社会群众的审美能力。不少现代派画家提出“与传统决裂”的口号来标榜革新精神，强调随心所欲的主观表现，否定主观要受到客观的制约，无视群众的审美趣味有传统的继承性和持久性．其实，现代美术各流派本身都直接间接地受它前期画派的影响，是有继承和发展的。（作者单位：湖南工艺美术职业学院）

参考文献

[1]魏娟.油画创作中的构成形式[D].石家庄:河北师范大学,2010:20-21

[2]宋小青.论西方油画中主观性色彩的发展与特点[D].石家庄:河北师范大学,2007:13-14

[3]谢光跃.浅析中国意象油画的装饰性色彩[J].美术教育研究，2012,11:44-45

现代艺术范文第7篇

初到世界艺术之都巴黎，最渴望阅读的是“前卫艺术”，但这却又是最令人困惑、尴尬的阅读。

当年毕加索请马蒂斯看他的立体主义开山作《亚威农的少女》，马蒂斯坦率地说出自己的真实观感：“我像是被一个擦汽车的纱团蘸上了汽油塞进了喉咙!”可是，倘若我在观看时也产生“蘸汽油的纱团塞进喉咙”的感觉却绝对不敢说，因为我自惭，觉得自己孤陋寡闻，太疏离新潮。

然而，当我发现披熏陶了近百年的法国观众甚至法国画家在观赏现代艺术时，也像我一样如坠五里雾中，我狐疑了：莫非现代主义艺术是个和物理学中的“以太”问题相类似的伪问题?

那是我在读了《爱因斯坦传》后冒出来的壮胆怀疑。

17世纪至19世纪的物理学家，为了解释光的传播以及电磁和引力相互作用的问题，把古希腊哲学家提出的一种媒质――“以太”――作为光的传播媒质。这期间几代科学家都在穷其毕生智慧研究“以太”的性质，写出了汗牛充栋的论文，直到企图证明以太真实存在的“迈克尔逊－莫雷实验”失败之后，爱因斯坦建立了相对论，确定了光的传播和一切相互作用都是通过各种场在进行的，根本不是通过机械的媒质“以太”。宇宙中根本没有“以太”，它不过是人们子虚乌有的假设。

“以太”这个伪问题，整整空耗了五六代物理学家的智慧和生命!

我联想：现代艺术各种流派所宣称的艺术圣条，是不是也是类似于“以太”的人为假定呢?

西方写实主义绘画遭遇两大克星

一场发生在巴黎的关于现代艺术大争论才使人们恍然大悟，原来在19世纪下半叶，西方画家遭遇到了两个最可怕的克星，其杀伤力就像当年让恐龙灭绝的撞击地球的小行星!

第一个克星是照相机的发明。1839年，法国学者达盖尔发明了银版照相法，宣布了人类第一架照相机的诞生。发明伊始，只有极少数人摆弄这个玩意儿，而且照出一张清晰度很差的照片还要花很长时间，所以西方画家并没有感到有什么不妥。然而到了1891年，美国伊斯曼一柯达公司发明了胶卷并生产了普及型照相机，这时西方画家感到大难临头了。西方绘画一直是以在二维平面上精确地画出人类三维视觉经验为最高美学标准的。为了做到二维精确表现三维，文艺复兴时期的大师们建构了四个“学”――透视学、色彩学、光影学、艺用解剖学，由此把西方惟妙惟肖的写实绘画推到了顶峰。没想到，这个在工厂流水线上成千上万生产出的照相机，不管什么人，只需拿它“咔嚓”一下，就把所有伟大画家的写实“武功”给废了。是啊，纵使你是画界泰斗，你也绝不敢说画得比照相更像、更准确。于是画家们仰天长叹：今后我们还怎么画呢?

“怎么画”，就成了一个西方写实主义绘画存亡的大问题。

另一个克星是德国哲学家尼采宣布“上帝死了”。这使得从柏拉图哲学到基督教伦理的西方形而上体系濒临崩溃。这个形而上体系一直是历代西方画家表达形而上精神的根基与源泉，是“画什么”的全部“什么”。当你走遍西方博物馆和教堂，就会感受到满目皆是表现基督教教义题材的作品。就算是提倡人本主义、反神权的文艺复兴三杰――达・芬奇、米开朗基罗、拉斐尔――他们所画的全部作品也都与上帝相关。当尼采把上帝“弄死”之后，19世纪末的西方画家们就无比迷茫与失落，并痛苦地发问：今后还能画什么呢?

“画什么”，也成了西方造型艺术一个生死攸关的问题。

被这两个克星弄得惶惶不可终日的西方画家们，重新探索形而上的追求(画什么)和形而下的表达(怎么画)，在痛苦彷徨十多年之后找到了对付这两个克星的无奈策略。

“变形”与“表现自我”成了新圣经

现代主义开山鼻祖们想，你照相机不是照得无与伦比地像吗?那好，咱们来个逆向思维，画什么不像什么。法国达达主义的代表人物杜桑证实说：“为了和摄影相区别，野兽派、立体派、达达主义、超现实主义等派别的画家，都把希望寄托在一个概念上，那就是变形。”所谓变形，就是不像绘画客体，就是反透视学、反色彩学、反光影学、反艺用人体解剖学。现代主义鼻祖们提出了“怎么画”的五花八门的新法门：打碎再组合、色彩平涂、色彩主观化、绘画音乐化、潜意识自动绘画……于是一下就涌现出了野兽派、立体派、抽象主义、达达主义、超现实主义等林林总总的新流派。

与此同时，现代主义鼻祖们又喜出望外地从“弄死”上帝的尼采那里找到了解决“画什么”的金钥匙。他们发现，尼采在宣称“上帝死了”的同时说过：“上帝进了坟墓，人类中的创造者才得以复活。”啊，这下有救了，上帝死了，咱艺术家的自我复活了，艺术家的自我就是上帝!于是“表现自我”，就成了现代主义所有流派的形而上新圣条。当阿猫阿狗皆可成为艺术家后

现代主义艺术经过约一个世纪的实验，媒体造就出了毕加素、马蒂斯、康定斯基、达利等许多大师。当然也不乏有杰出的作品流芳于美术史。然而，万万没想到，对付两个克星的无奈策略却导致了吊诡的逻辑后果。

首先来看“怎么画”。

变形、色彩的主观化、自动绘画等，完全由各流派的画家凭着自己提出的假定来挥洒，确实是颠覆前人所有艺术规范的最痛快的解放。毕加索宣称，创造乃是一切破坏的总和。现代艺评家们说得更哲学：没有规范便是现代艺术的规范。后来发展到波普艺术、集合艺术(又称“拼合艺术”)等，干脆提出要“消解艺术和非艺术的区别，消解艺术家和非艺术家的区别”。这两个“消解”可是法力无边，意味着任何人――没有受过任何艺术教育的阿猫阿狗，只要他们愿意，全都可以像“放下屠刀，立地成佛”那样“拿起画笔，立地成家”；意味着世上任何物品，哪怕是垃圾废物，都可被赋予一个观念就摇身一变成为艺术杰作。纽约的精神病人的随意涂抹，台湾的从来没有学过绘画的道士、退休工人一时兴起画出的“素人艺术品”，都一夜间离奇地成了高价位的艺术商品。

如此作画(“怎么画”)的逻辑发展结果是，艺术的被欣赏机制被消解了。道理最简单不过：既然人人都是艺术家，物物皆为艺术品，为什么我还要到画廊去欣赏你那些我也能立刻做出来的“现代艺术”呢?为什么我还要掏腰包去买你的让我的直觉感到难受的东西呢?

至于在作品中表现“替代上帝的自我”(“画什么”)，由于现代艺术根本没有共通的判读规则，别说是大众茫然不懂，就连高端社会精英以及画家同行都是一头雾水。通常的补救办法是，由艺评家或画家自己出来用千言万语加以诠释，终于使观众明白了一点那个恍兮惚兮的“自我”；可是，话得说回来，在这价值多元的时代，你有你的自我，我有我的自我，彼此都是等价的，凭什么让我悦纳和欣赏你艺术家那个常常是诡谲、变态的“自我”?

因此，无论是当代的通俗艺术消费

者(一般大众)，还是精致艺术消费者(高端的精英)，均对现代艺术默默地疏离而去。为什么要默默地走开而不大声地说出“不喜欢”呢?因为从商业利益出发的大众传媒，早把现代艺术炒作为当代最高雅最深奥的艺术了。法国当代哲学家福柯说，当媒体和专家把欲灌输给大众的观念标榜为权威的“科学的论说”后，就变成了让人不得不服从的话语权力。倘若有人敢违逆，等着吧，马上就会受到比警察还厉害的“论说式权力”的制裁。你若敢实话实说现代主义艺术的不是，就会被戴上“当代文明盲”的帽子拉出来示众!

在现代主义艺术之前，艺术的推陈出新，都是新规范涵盖旧规范，是艺术的加法，是艺术精致度的不断提升；而现代主义艺术的“没有规范就是规范”却解构了一切规范，是艺术的减法，是艺术的精致度在沉降。

从“变形”与“表现自我”到“人人皆是艺术家，物物皆成艺术品”，这样的一些现代主义艺术假定，是不是很像物理学用“以太”解释光传播的假定?

艺术比翼鸟的失衡

有趣的是，现代流行艺术却受工业文明之赐，“风景这边独好”，而且疯魔般地好。

本来在田野、街头唱的民歌民谣，借助于高功率、高保真音响以及激光、数码等高科技设备，进化成了可以面对几十万人演唱的流行歌曲，并借助激光唱碟而风靡全球。本来是供少数说书人用的传奇话本，如今借助现代印刷术，摇身成为发行千百万册的畅销书。连环画、漫画等通俗绘画也是洛阳纸贵。电视肥皂剧成了亿万人最喜闻乐见的“快餐艺术”消费品。歌星、电视明星、畅销书作家等现代俗艺术生产者，成了亿万富翁。不仅如此，民主政治国家的当权者们，为了选票，对那些凡是大众崇拜的俗艺术明星偶像，必做秀表示特别的尊重，这就使得俗艺术明星的社会地位畸形般地显赫。英国甲壳虫乐队的列侬被歌迷枪杀后，众多国家的首脑发唁电致哀，其哀荣远远超过诺贝尔奖获得者。

诚然，俗艺术与雅艺术是社会审美需要的“比翼鸟”，没有孰重孰轻。然而当下，却是流行之翼过分肥壮、精致之翼肌肉萎缩。何故?

人类的原始艺术全是俗艺术，如民歌民谣、民间故事(传说和神话)、杂耍、洞穴画、民间舞蹈等。那么人类是怎么生产出精致艺术的呢?个中有个奥妙。

一般丧葬的坟属于俗文化，但一旦被古埃及法老当作“灵魂的永久居所”，并投入全国的劳力、财力、精英的智慧之后建成的金字塔，就成为精致建筑艺术而留名于艺术史了。古希腊的城邦执政官调动巨大的社会资源从事雕塑、创作悲剧，才会有辉煌的古希腊雕塑艺术和戏剧艺术。如果不是能支配强大的秦国所有资源的秦始皇热衷于墓葬，就不会有被称为古代吐界第奇迹的兵马俑。政教合一的能调动全欧洲1／3社会资源的中世纪教皇，不断地向文艺复兴时期的米开朗基罗、拉斐尔等发出定单，才会有登峰造极的文艺复兴造型艺术。盛唐时期，由于唐明皇对艺术的偏好，在他的开元盛世才出现了诗仙李白、诗圣杜甫、诗怫王维、画圣吴道子、塑圣杨惠之、书法草圣张旭与怀素、大作曲家李龟年等。由于17、18世纪欧洲各国王室对音乐的独钟，才会涌现出巴赫、莫扎特、贝多芬等旷世天才哥响乐艺术、歌剧艺术……

列举了上述世界史上产生精致艺术的发生过程后，可以做如下一点归纳了：凡能支配最大社会资源的人倾心某种艺术，投资于某种艺术，那么，某种艺术就有可能被造就成为精致艺术而留存于人类的文明史。

为此，历代生产精致艺术的艺术家们，都懂得对待雅艺术的资助者和消费者要全力投其所好，并在此前提下表现艺术个性(“自我”)，张扬自己的才华。

生产现代俗艺术的艺术家们更懂得竭尽全力去投俗艺术消费者(大众“粉丝”们)所好，如此才能名利双收。

可是现代主义艺术家们似乎极傻，他们根据“表现自我”的形而上假定，对观众侵略式地表现“替代上帝的自我”，把投他人(当代精致艺术消费者)所好看作是对艺术的极大亵渎。于是，他们中除少数被媒体炒作成“大师”而成为富豪外，其他大多数人成了要向政治家求补助的准乞丐。巴黎就多得是这样的现代艺术准乞丐。

当代那些能支配最大社会资源的政治家和大企业家，不热衷也不资助现代艺术，他们敬而远之。这就使得现代主义艺术丧失了成为当代精致艺术的必要和充分条件。

当代政治家和企业家所面对的都是高度风险的系统。以往的国王或皇帝，有血统上的终身统治的合法性，系统较为稳定。当代的国家首脑，时时面临国内外种种高度复杂和风险极高的问题，若处理稍有失当，就会有被弹劾下台的危险。他们的闲暇时间极少，这一点不可与过去的国王、皇帝相比。当代大企业家的市场生态系统也是风险系数极大，他们随时都可能因经营不善而破产，因此他们的闲暇时间也是空前地少。这些当代的能支配最大社会资源的各国首脑和跨国集团总裁们，只能用极少的闲暇时间去打高尔夫球或进行其他体育活动，省时又加强体质。他们不能像历代的先辈那样为生产当代雅艺术开定单，而是极力扶持他们热衷的体育，因此当代体育成为现代文化中的最大的幸运儿，奥运会成了各国首脑和大企业家鼎力支持的盛事。可惜的是，体育只是对人类体能的开发，不可能内含任何形而上的内涵，因此，怎么也不能替代艺术。倒是奥运会的开闭幕式需要大型的多媒体声光电艺术为它装扮。倘若政治精英和企业精英一时有兴致想欣赏雅艺术，他们大多数会选择过去的高雅艺术――听歌剧、看芭蕾舞、欣赏印象主义绘画等，以前辈的精致艺术聊以填补，而不会去观赏那些令他们的感官被恶性刺激，而且还大伤脑筋又不知其然的前卫艺术。一言以蔽之，他们没有前辈同类那般呼唤、催生和享受当代精致艺术的强烈的内驱力了。

现代艺术范文第8篇

从以上可以看出，现代陶瓷雕塑创作，不外乎解决传承与发展、传统与现代，抽象与具象的关系问题。而解决这个问题的关键，就是处理好陶瓷雕塑艺术设计问题。提起景德镇的艺术设计，大多会认为是陶瓷产品的设计包装，抑或是日用陶瓷产品的普通设计，而鲜有人把它与陶瓷雕塑挂钩。陶瓷雕塑艺术设计是陶瓷雕塑艺术创作的重要途径，雕塑是以造型艺术展现艺术美，同时兼容色彩学、材料学、建筑学、美术学诸多学科要求，陶瓷雕塑还兼具了陶瓷学与陶瓷文化学科等。它的材质从软到硬，由冷到热，从平面到立体，从形体到意像，它实现了陶瓷从泥到火的涅磐。陶瓷雕塑设计通过形体造型的构思、变化，通过雕塑题材的涉及与使用升华，将美术中绘画拓展延伸、将建筑中力学平衡，实现了人类造物的梦想。陶瓷雕塑艺术设计具有极大的构思空间，它可立据传统雕塑模式，借鉴石雕、牙雕、木雕等技法精华，同时摒弃其不足，陶瓷雕塑可以在其烧制时修改完善，同时它丰富的可塑性，为艺术家提供了极大的创作思维空间、制作施展空间，在艺术技巧上、个人品味上，也为雕塑家布设了重重障碍，提出了诸多的挑战。

当今景德镇陶瓷雕塑无外乎两种模式，一种是走中国传统的路子，另一种是走西方的雕塑路子。传统陶瓷雕塑在景德镇具有深厚的根基，在国内外有着深远的影响，景德镇许多优秀的瓷雕艺术家继承发扬景德镇优秀的传统雕塑文化，将传统瓷雕赋予新的艺术生命力做出了杰出的贡献；另一批艺术家则大量借鉴吸收国际上新的雕塑创作手法，有些甚至抛弃传统雕塑造型模式，以新的类似中国画表意手法，创作出一批抽象、前卫的瓷雕艺术作品，这些艺术家有中年的，但更多的是年轻艺术家，他们观念更新，思想更激进。后一批艺术家作品更强调新颖或直白说逆古、叛逆，这些雕塑作品强调装饰性与造型的抽象以追求其表意性。现在风起云涌的现代陶艺如陶艺墙，其实根本还是陶瓷雕塑浮雕、堆雕、雕刻等技法的表现，但这种司空见惯的雕塑手法被冠以时尚的词汇“现代陶艺”，景德镇现在已有许多著名的陶瓷雕塑家，在继续探讨瓷雕艺术创作的同时也在不断地研究陶瓷绘画，并且还有一些著名的陶瓷绘画家又是陶瓷著名雕塑家的现象。景德镇陶瓷雕塑艺术设计与审美新要求，又造就了一批将传统与现代结合的陶瓷雕塑家，景德镇由于以上雕塑家的与时俱进，使得瓷都景德镇雕塑艺术异彩纷呈。现代陶艺的呼唤，很多原来从事陶瓷产品设计的陶艺家也通过作品走向陶瓷雕塑，现在很多城市陶艺雕塑造型，其实有不少不擅雕塑的陶瓷设计人员参与进来。这充分说明陶瓷雕塑在走向大众的同时更是走向不少艺术家的内心。

二、景德镇现代陶瓷艺术的文化特色

景德镇的现代陶艺人，正在把瓷与五千年中国文化结合成现代陶瓷文化，如笔者瓷绘的四大名著之一《红楼梦》，作品以242幅全过程讲述《红楼梦》的故事情节，人物多达3800多人次。历经5年之久，采用明末清初宫廷重彩渲染，每件所绘物体，反复加色，6次烧制成品。为烘托出陶瓷特色和质感，运用了古彩、粉彩、新彩、墨彩描金等多种用彩技术相互结合，穿插使用。其程序是：1.破土、压坯、吹釉、高温烧瓷坯；2.定稿、构线、第二次烧制；3.粉彩打底、渲染底色、补线、三次烧制；4.全面渲染、粉彩点苔、四次烧制；5.整理补色，第五次烧制；6.墨彩描金、补色、六次烧制；7.玛瑙笔刮金。其程序禁然，工艺复杂，烧制中风险性不言而喻，其中表现内容涉及服饰学、建筑学、园林学、民俗学、礼仪学等多种美学问题。构图继承传统，采用散点透视，打破时间定律，将不同时间、不同场合的故事情节，巧妙地组合在同一幅画面上。创作者精确地把数以千计，不同身份、性别、年龄、形体、性格、容貌的人物在瓷板上刻画得惟妙惟肖，把不同场合人物的各异表情、姿态体现得生动、细微、贴切；将宁荣二府中的亭阁楼榭、山水拱桥、古树名刹、奇花异草绘制得生动而逼真，葱郁而鲜活，完整地再现了《红楼梦》的主要故事情节，使我国博大精深的文化内涵为世界叹服，丰富地展现了中国封建社会的历史人文长卷，使《红楼梦》这一不朽的中国古典名著得以在瓷板画这一全新的艺术形式传世，为景德镇现代陶瓷艺术的发展另开渠道。

三、景德镇现代陶瓷艺术百花齐放

景德镇现代陶瓷艺术如雨后春笋，百花齐放、种类繁多。如釉上装饰有古彩、粉彩、墨彩、新彩、广彩、电光彩、刷花、贴花、喷花、戳印花、描金、腐蚀金等。此外，还有圆雕、堆雕、捏雕、镂雕等技法；各种颜色釉更是五颜六色，仅一个瓷厂就能生产100多种色彩缤纷的釉彩，其中青花釉里红更是托出景德镇艺术陶瓷的特色。又如鲜红、桃红、翠绿、玛瑙红等高温釉和金星绿等低温釉都已超过历史水平。目前，景德镇已建成一个拥有陶瓷原料、机构、生产、教育、科研、机构等比较完整的陶瓷工业基地，发展前景可想而知，也得到了政府的大力支持。如著名书画家张玉东先生还被邀请到景德镇在陶瓷上作画。张先生深厚的书法、国画功底，及其在青花上表现得如鱼得水的精湛技艺，使南北文化在陶瓷上得到了完美的融会贯通。

四、结论

景德镇陶瓷雕塑是景德镇陶瓷艺术的重要组成部分，在目前市场经济的冲击及国际金融影响下，陶瓷雕塑艺术收藏受到了一定的影响，但大多数雕塑艺术家仍然继续思考、创作，他们在艺术造型、表现内涵等表现社会意义上，均有一定进步。景德镇陶瓷艺术的教学也不断吸收国际新观点新思想，广开讲学交流。总而言之，景德镇陶瓷雕塑界要树立信心，坚持传统瓷雕与现代结合，立足本土优秀的传统文化，继承优秀的瓷雕传统，不断钻研瓷雕技法，景德镇陶瓷雕塑的春天又将灿烂展现在我们眼前。

【参考文献】

［1］严维明.景德镇粉彩瓷艺的历史与现状,景德镇陶瓷.2008（4

［摘要］景德镇陶瓷自古以“薄如纸，声如磬，明如镜，白如玉”的四大特点享誉世界，备受收藏家的青睐。文章论述景德镇现代陶瓷艺术的艺术特色，以及景德镇现代瓷艺的收藏与发展。

现代艺术范文第9篇

关键词 ： 本质 ； 审美情趣 ； 发展；

陶瓷，是人类文明史上的一项重大的发明，更是中国科技发展史上最为引人注目的一项。早在新石器时代，人类便开始了陶瓷的利用，在人类漫长的文明史上，陶瓷逐步地脱离了实用主义，从日常生活用具向着装饰性方向发展。而今，随着现代科技的发展，现代陶瓷逐渐成为我们生活中必不可少的原料。

现代陶瓷艺术，已经逐渐成为当今社会发展的必备材料。陶瓷属于新型无机非金属材料，包括结构陶瓷、陶瓷基复合材料、功能陶瓷，现代陶瓷已经成为社会生活中不可或缺的重要材料，包括像高温材料陶瓷，生物陶瓷，超导陶瓷等新型陶瓷材料，已经逐步融入了我们的日常生活，陶瓷的特殊性质可以将陶瓷制成特殊的非金属材料，用来代替常用的材料，既可以提高材料的利用率，而且还可以提升产品的质量和性能。

一、现代陶艺的本质

现代陶艺同传统陶艺有本质的区别。现代陶艺是现代艺术的重要载体，它不是传统陶艺的简单重复和延续。从本质上讲，现代陶艺是对传统陶艺的一种“离经叛道”的行为，它把陶瓷艺术从“器”的概念中，从古老的、已经定型的工艺模式中解脱出来，重新审视陶瓷的本质和内涵，并加以挖掘和发展，开拓成富有时代精神的纯粹个性化的艺术形式。因此，现代陶瓷艺术比古老的陶瓷艺术更具有强烈的生命力和感召力。

现代陶瓷艺术已抛弃了传统陶瓷艺术产品必须“使用”的观念。现代陶瓷艺术并非泛指现当代所有陶瓷艺术，而是一种在艺术上具有明确指向性和相对独立性、以陶瓷材料为媒体进行试验性探索艺术样式。它以反叛传统为起点，直接反应现代社会中人的本能，反应人与人、人与自然之间的新兴关系。它强调个性、感性、自身情感，用具有独特的、自由的、变形的、不受约束的艺术形式，摆脱了多年来传统审美标准制约的思想，成为现代艺术创作者来挑战自我、标新立异的手段。

二、现代陶艺的审美情趣的表达

现代陶艺创作经过几代人的不懈努力正进入一个转型期。所谓转型期，不仅是新老艺术家的交替，也包括艺术观念、审美价值和创作思想的转变。艺术家开始意识到一味移用西方现代艺术趣味并不能代替个性的创造，对自身传统的完全否定则将带来失去立足之本的危险，唯有把握陶瓷艺术创造过程中精神与语言的统一，从精神层面出发，寻求语言的自然表现，才有可能产生富有文化内涵和个性特征的作品。他们追求的不再是表面的形式趣味，而是与自己心灵、情感相对应的语言形态，他们关注的不再是空洞的作品主题，而是寄寓在造型中的精神价值。在这个层面上，艺术家开始依据自己的生活体验和从艺经验，从某种角度探向现代艺术陶瓷个性的生成。

三、现代陶艺走进室内环境中

陶艺既是物质的产品，又是精神的产品，既是一门古老的艺术，又是一门现代的艺术。在历史中，陶艺在中国历史上与人们的生活有着不可分割的联系。随着社会的发展，人们物质生活丰富起来，审美观念也发生了变化。陶瓷艺术作为一种古老而又时尚的艺术，陶冶情操影响心灵，并给人以纯朴、回归自然的感觉，于是具有浓郁文化气息的陶艺逐渐走进人们的视野和生活环境、家庭办公场所的设计中。

家居空间提倡利用艺术和技术的手段，依据现代人的生活特性，创造出符合人们生理和心理需求的居室生活环境。现代陶艺独特魅力与家居空间的广泛协调性，是其走进今日家居空间的良好前提。现代陶艺以自然而然的艺术表现形式开始介入家居空间环境，展现家居空间环境的自然化、艺术化和多元化。陶瓷艺术已经逐步成为美化家居空间的一种文化载体，亦是品味不俗的室内环境的点缀与装饰，这既是现今都市人的追求，又是时展的必然结果。

四、现代陶艺融入生活的发展

陶瓷因生活需求而产生， 生活因陶瓷而丰富多彩，陶瓷与生活紧密相连，陶瓷的社会属性不言而喻，探究现代陶艺的人文精神，离开了当代社会生活就等于无源之水，可以说现代社会的发展和生活的需求成就了现代陶艺的快速兴起与成熟，让更多的人参与到玩陶、赏陶、爱陶和制陶氛围中去，陶艺设计因此从专业化走向大众化。

随着当代经济的高速发展，人们的物质水平有了很大提高，人们已不满足于吃饱穿暖的生活模式，而乐于追求更高的精神生活。茶道的兴起、饮茶之风的盛行刺激了陶瓷茶具的生产设计。当一件陶瓷艺术成为生活用品，它同时就具有了社会属性。陶瓷艺术在不知不觉中适应了社会生活的这种需求，把当代人的文化精神、艺术思想、审美情绪悄悄地渗入到现代陶艺设计中去，提高了现代陶艺的艺术性和品位性，从而使得陶艺社会属性与艺术性融为一体。

五、结论

在诸多的艺术种属中，中国陶瓷是最传统又最现代并具有国际语言的造型艺术，不仅是由于陶瓷这种融艺术与生活于一体的艺术形式的起源和发展在世界古代文明史上有着许多惊人的相似性，也由于构成此门类艺术的基本要素水、土、火与人性的天然亲近感，正是这种与人性共通并为生命所依赖的基本要素，构成并创造了陶艺的神奇魅力。玩泥弄陶所带来的愉悦和健康不仅让艺术家迷恋忘返，其泥土的质朴表现和火烧的亲切感，也为欣赏者带来直入心灵的关怀。

参考文献：

[1]王忠.现代陶艺设计[M].湖南人民出版社，2008.

[2]江伟贤.现代陶艺在环境艺术中的运用[D].武汉理工大学,2004

现代艺术范文第10篇

关键词：现代纤维艺术、建筑空间

对材料的选择和技法的运用在壁画创作中非常重要，实际上对材料的选择本身就是一种创意，是艺术家的表达构思的集中体现，对壁画材料的综合观察、选择和思索，能够起到确立材料在壁画中的作用和地位，创造新的意念和灵感的手段的作用，尤其选择能与建筑环境相融合的材料，给观者自由联想的天地。由此可见，壁画的材料及其表现技法已经成为现代壁画创作中不可忽视的重要方面，成为非常具有个性化的表现语言。人们所处环境与空间应该是自然和谐的，然而由于长期以来保守落后的审美习性约束，加上现代建筑材料充斥着居室空间，显得无比压抑与沉重，给我们造成了一种难言的枯燥感和紧张感。纤维艺术随着建筑艺术的发展越来越被广泛应用于现代建筑装饰，用于缓解现代建筑带给人们的冷漠单调。在与现代人类生存环境中，内涵丰富，风格独特，能烘托着人与环境的和谐氛围。

一、现代纤维艺术产生的因素

1.纤维艺术材料选用范围逐渐拓宽。随着各种新型工艺材料的开发应用，纤维艺术表现的材料领域被扩展并得到新的认识和完善。

2.现代建筑装饰需要这种表面柔和、质地松软的艺术品来增加建筑空间里的“人情味”。在许多现代纤维艺术作品的装点下，钢性建筑材料似乎增加了一层柔软的皮肤让人们感觉更加亲近和舒适。

3.各种现代艺术流派的影响，从观念上打破了艺术与生活、艺术表现手段之间的传统界限。

二、现代纤维艺术的结构美、材质美及其新的价值。

纤维艺术已经有几千年的历史，“纤维艺术”的划分在学术界虽没有准确的界定，但一般有两种概念：一是狭义的，泛指编织艺术品，具有艺术欣赏价值；另一种是广义的，既具有实用性能，又具有欣赏性。既有服饰型也有装饰，既有编织也有印、秀，只要由细小纤维构成的，都可以称为纤维艺术。一位著名的建筑大师说过：“现代建筑中的纤维艺术，是温暖人心的设计，是体现材料美、工艺美和功能美的设计。”所以，我认为纤维艺术应从美的本质出发，通过特有的纤维质感与密度来表达自然之美，纤维艺术以其特有的艺术魅力，体现了作者的生活感悟和对艺术的理解。纤维艺术创作非常注重作品的外观及制作工艺上的需要，它使用天然纤维、人工纤维、化学纤维、有机合成纤维，通过编、结、缠、绕、贴、扎、缝、染等综合技法构成，如编织品，装置软件等。它的形式美也是特殊的，不同的编织技法会呈现不同的肌理和图形，不同的肌理效果会导致触觉、视觉与心理效果的不同，给人的审美感受，视觉冲击力不一样。

大凡看画，远观其势，近看其质，壁画创作也应注意这一点。虽然壁画作品大部分篇幅巨大，但是不注重整体效果，对细节的表现也不够到位，其肌理效果对于作品的视觉影响非常重要。许多美术作品为了做到“近看其质”，不惜花费很大功夫制造肌理，以求达到画面丰富的效果。在这一点上，纤维艺术可以说是有得天独厚的条件的，它具有比其他艺术形式更强的秩序之美，它具有坚硬或柔软、沉静或律动、影射或吸光、平直或曲隆、艳丽或暗淡、竖立或凸凹等不同质感、肌理感、色彩感，在这种秩序中你可以看见节奏、韵律、重复、渐变等多种秩序美，可以远看其形色，近看其线绳的阴阳交替，纹路肌理。

现代纤维艺术在材质方面的突破首先在于观念的变化。传统的编织追求绘画性，将一根根纤维仅仅作为勾形铺色之用的材料，这在某种程度上限制了纤维材质的表现力。现代纤维艺术从对绘画性的追求中超越出来，开始注重于表现材质本身的美。一根根具有不同的弹性、光洁度、自然形态和质感的纤维材料，相互之间存在的刚与柔、直与曲、杂与纯、明与暗、轻与重的对比是纤维艺术独特而又丰富的形式美语言。正确的运用这些材质的对比关系可以激发出欣赏者快乐、紧张、宁静、激越各种情感、从而给欣赏者带来丰富的什么感受。这正是纤维艺术魅力所在。

三、详细阐述现代纤维艺术与建筑空间的关系

德拉克洛瓦说，我们的目的是要利用色彩来创造美。人们在观察景物时视觉的第一印象乃是色彩的感觉，色彩常常具有先声夺人的魄力。现代纤维艺术与现代建筑装饰要做到紧密结合，色彩因素必须要注意。色调和室内环境融合渲染，交相辉映，就能使装饰因素与空间因素紧密结合在一起，形成一个完美的整体。纤维艺术品会因为其表面肌理的不同而显示出不同的色彩的影响。早在20世纪20年代，芬兰女艺术家露加・荷林尼也针对平面壁挂形态表达局限性曾断言：壁挂艺术是可以以更丰富空间的形式而被展现的。现代纤维艺术品的材料丰富，色彩多样，同建筑用材形成鲜明对比。纤维艺术品的色彩与建筑环境应相适应，选择同类色、邻近色，在色相、明度、纯度上求得协调统一。

纤维艺术品还应与建筑空间整体色调，风格相统一。纤维艺术不仅点缀着建筑的外部环境，而且还装饰着建筑的内部空间。建筑师常借助纤维艺术品来营造温馨优雅的空间氛围。现代纤维艺术品内容丰富，形式多样，能够适应不同建筑风格。将色调显示淡雅含蓄的壁挂作品悬挂于休息室，卧室等休闲环境中不仅可以使室内言谈轻松平和，而且还可为使用者交流或休息营造一种抒情环境。不同的建筑环境、空间、结构，要求不同的装饰题材与之相适应，并使它加快了发展和演变的速度。早期美国纤维艺术运动的代表舍拉・希克斯创作的公共纤维艺术作品，使得法国人类学家克莱德・列维-斯特劳斯评论道：“这是一种治疗我们对必须居住的、功能的、功利建筑的厌恶情绪的极好的良药。它凝聚着深厚的人类手工制作的情感。”事实上，纤维艺术成为了建筑师改变现代主义风格建筑的灰暗，无特征等缺陷的标准方法。从80年代初开始，一些艺术家群体开始探索纤维，光线与风的关系，并同时将采用重量轻又坚固的材料，极具张力结构的作品用于建筑空间。

黑格尔说过：“艺术家不应该先把雕刻作品完全雕好然后再考虑把它摆在什么地方，而是在构思时就联系到一定的外在世界和它的空间形式和地方部位。”现代室内空间的形态结构的多样性使得现代纤维艺术设计有了从未有过的广阔天地。设计者按实际空间的形态外观特征，因材施艺，随行就像的创造出更富表现力度的崭新作品，从而力求纤维艺术品与建筑空间在形态上的珠联璧合。

“一切以人为中心”这几乎是当代艺术设计界最响亮的口号。相对于现代建筑内部环境的其他构成要素而言，纤维艺术品是与人的身心最为接近的物质介质。所以现代纤维艺术能够最大限度的满足人们物质与精神的双重诉求。就现代纤维艺术的发展趋势来看，在不远的将来，纤维艺术将会大放光彩。

参考文献：《现代纤维艺术》 诸葛雨阳 邬烈炎 江苏美术出版社

《现代壁挂设计》 施慧 浙江人民美术出版社