手绘画范文

手绘画篇1

那么，它回归的价值有哪些呢？

一、弘扬传统民族文化

今日，国内的插画市场充斥着大量的欧美、日韩插画，这些插画倍受欢迎的原因最重要的一点是这些优秀插画作品中都蕴含了这些国家传统的民族文化及本土文化元素。

以日本手绘插画为例，它的绘画虽最先受到我国唐代佛教绘画的影响，但经过长时间的消化和融合过后，形成了大和民族特有的“浮世绘”插画形式。这种新的绘画形式反映了日本作为岛国民族的优秀民族特征，时至今在日本仍有许多插画师会运用“浮世绘”形式，稍加改良来创作手绘插画。

而我国，插画的全民认知度和插画从业者的专业程度不高，画风在吸纳国外新思潮的同时，出现了一味跟风的现象，影响了中国插画创作者的艺术审美，使得中国的插画风格变得不伦不类，既没有个性，也不具备本民族特有的文化底蕴，自然也不受大众喜爱。

中华民族的传统文化是针对文化的传承而言的，强调中国文化的渊源和需要保留的文化遗产。有着传统文化艺术韵味、又饱含作者自身切身感受与真实情感的、原创的手绘插画，往往是一种最能感染和打动人心的力量，让人们感到亲切的同时使人们在喧嚣的社会中得到心情的舒展和更高层次的精神享受。

二、使插画的整体风格得以不断演变和发展

在我国古代，印刷术的发明和广泛运用促进了插画的发展，那时的插画风格以手工刻板，转印成画为主。到了近代，除了在鲁迅先生倡导下兴起的黑白木刻插画之外，还出现了大量运用油画、国画、素描、水墨等不同绘画形式绘制的优秀手绘插画。

进入商业时代，运用“量产”的数字技术创作插画，成为主流。但这些数字插画都存在形态相似并且相互模仿的迹象，这种缺乏个性、缺乏生活体验和个人情感的作品非常不利于插画风格的创新，也不利于插画创作者自身的发展。

相比之下，一些插画创作者经过反思以后，怀念起手绘的魅力，开始回归到运用传统手绘技法绘制插画。

从国内现在小有成就的插画师阿阮、寂地等人作品中时兴采用的水彩晕染风格来看，由于清新温暖的绘画风格，富有感染力的色调，相互渲染、相互渗透的色彩所形成的特殊肌理，使得以水彩形式绘制的手绘插画也成为了时下最受大众欢迎的插画风格。当然，这种风格的形成追根到底都要归功于纯手绘的回归。

三、使创作者扎实的手绘功底得以运用和提高

一幅完全由手工绘制的插画作品，它成就的高低，取决于创作者本人手绘功底的强弱以及个人创作思维的好坏。因此，为了创作出优秀的手绘插画作品，创作者们需要不断进行训练和思考。

他们不仅要注意训练和提高自身基本的手绘能力，画面构图是否舒服，画风是否鲜明独到，作者主观的情感是否得到抒发并被观者感受到，素材的搜集、对基本构图和画面最终效果的呈现事先进行周密策划，还要熟悉各种手绘材料的属性和绘制方法等等都很关键。接下来还要学习对在排除周围不利的环境因素的同时，又要利用环境因素产生的偶然性对画面的最终效果进行调整，确保最终创作出的作品带给人美的感受，在创作过程中一边运用熟悉的媒材绘制插画，一边给所画的作品注入个人情感，从而达到打动他人的目的。

四、使人们得以亲近自然

现在让人们看世界、了解周遭的工具不再是心灵之窗，而变成了冷冰冰的机器。人们把自己固步自封起来，这对于手绘插画创作者来说，无疑是毁灭性的。

插画创作者要在自然的环境中、自然的状态下，感受世界的变化、触摸事物之感、找回自然纯真的自我，才能够创作出感染他人、影响他人、与他人产生共鸣的画作。因此，许多手绘插画创作者为了在作品中真实、完整地再现现实生活中的场景、人物、动物、植物等对象，往往需要亲自到类似的环境中去体验、去观察。

其实，回归到传统的手绘技法上来，本身就是回归自然的一种体现。这种创作方式要求创作者忠实的面对画纸，运用传统的绘画工具，凭着自身能力，以及对自然、对社会的感悟和体会，虔诚地将心中所想、脑海中的构图，用最原始的手绘方式呈现在画纸上。

五、可观的数字

其实，从手绘插画备受关注以来，手绘插画作品表现出的活力与灵气，已经使其具备了可观的收藏价值。

在我国，2014年5月3日第十届中国国际动漫节・漫画插图专场拍卖会上赵延年作品《阿Q正传连环画原稿》拍出178.25万元的全场最高价。

在国外，美国最富盛名的插画画师吉尔・艾尔夫格雷恩创作的“Pin-up女郎”插画《欢乐真情》，在2013年纽约拍卖会上被高价拍出，成交额137000美元（约合人民币83.8万元）。另外一位著名插画师诺曼・洛克威尔创作的插图《TheGossips》，在同场拍卖会上最终成交额高达850万人民币。

另外，据新华网最新消息报道，法国爱德拍卖行于2014年5月24日以约250万欧元（约合2125万人民币）的高价，拍卖了比利时插画家埃尔热1937年创作的《丁丁历险记》的一幅手绘插画，创造了插画拍卖的最高价格。

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手绘画篇2

素描作为锻炼造型能力的一项基本练习在教学中被视为基础，动画行业尤其注重手绘功力，因此将素描和速写纳入动漫教育课程体系中顺理成章。我国美院素描教学模式主要源于苏联，后经多次改革，方才形成大致稳定的格局。因其教学体系严谨科学，因此职院素描教学活动主要以美院标准来展开，从石膏像到静物、人物，早期作业结合短期作业进行。

但从实际的教学效果来看，通过此种素描教学模式培养出来的技能与动画行业的要求并不完全吻合，没有实现高效率的手绘能力的提升。

二、分析

1、对象问题

一为动一为静。动画研究的对象是一系列的有时间关系的造型，而传统素描研究对象是对象的一个单独的静止的画面。要表达一个动作只靠某一单帧画面是不够的，这一点上传统素描是无法满足动画行业需要。美院的高材生可以把一匹马的结构画得非常饱满，但要画一个马跑的动作，那便会很为难了。因为谁也没有办法在奔跑的瞬间让马停下来画上几个小时。那么这些传统教学关照不到的“滞空阶段”的造型问题如何解决？单单强调掌握对象的解剖与基本结构也未必能行。传统素描教学用几个小时甚至是几天几周的时间来画一个静帧画面，而动画行业要求一天之内画几秒钟，那就是几十个连续的静帧画面。教学与行业需求的脱节，导致了学生不能适应制作要求。这个问题的补救办法可以采用临摹优秀动画以及实景拍摄中的分解动作的方法。运动规律课中也会具体讲到这些内容，但是在动画手绘中重点在于造型、结构、比例，最终目标是掌握运动中角色造型基本规律和基本表达方法，从而能创造性地运用到实际项目中去。

2. 执笔方式

动画行业执笔之法基本上都是像拿钢笔写字一般（笔与工作面基本垂直可以称为竖式）。这种执笔方法对笔的控制相当不错，笔头的大小、轻重、粗细、虚实全凭自由，念之所至瞬间完成，特别适应于动漫行业细腻、精细的产业要求，因此不论是画CG还是画原画，竖式执笔大行其道。而传统素描，用的基本上是拇指与四指相对执笔，笔大体与画面平行。此种方式主要方便绘制大画，拉出长线以及排线上调子，在传统美院素描教学中用得最多。但是极少有人会用这种方式画画幅小得多的动画或漫画。所以既然使用率很低，为何不多花些时间投入到竖式执笔的练习中去呢？

3.临摹高下问题

美院传统之一是视临摹为下品，只有初学者才为之。因为从艺术的角度来说，大自然是最完美的，艺术是对它的一种复制加工。临摹别人的作品，直接将前人的处理方式据为己有，自然不会受到欢迎。而从动画行业上来说，动画角色大多造型夸张、奇特、纯系虚构，没有实体，如何来写生？动画前辈遗留下来的优秀画稿是大师们的结晶，通过临摹来学习，实在是再好不过的热身方式。何况动画产业是标准化生产流水线作业的行业，整本动画片的角色标准型、场景设定稿一旦定下来，就必须在片中保持一致，绝不允许同一角色在影片中忽高忽低，忽肥忽瘦。因此动画行业的要求是不光要临得像，还要临得能默得出来，会创造性地临摹。原画设计的动作就是要根据标准型来的，但具体动作中的角度的变形、转面、动态无一不是原画设计自身来确定的。没有创造性地加入了自己的想法的临摹，只知道默出几个标准型，那也无法做出优秀的动画。这种基于标准型的创作已经超出了传统临摹的概念所涵盖范围，但在动漫教学体系中这又是一块被忽视的盲区。

4.再现与创作问题

经传统素描教学后的学生不知何故，往往创作作品的激情不够，水平不高。动画片多半是针对青少年群体以及家长和心态年轻的成人，无论其风格是风趣活泼还是严肃沉重，都需要动画制作群体有灵活多变的思维和对创意的孜孜以求，缺乏新鲜想法和对世界漠不关心是动画人的大忌。着力于被动复制物像作范围有限的调整的传统素描教学无意中常常导致部分学生思维僵化，满足于再现的乐趣。这一点也许只是笔者的臆断，但是让生气勃勃的动画学子们日复一日地面对呆板的静物画作长期作业确实有些不妥，他们的压抑与失落是溢于言表的。

综上所述，传统素描教学中在许多重要方面已无法满足动画设计与制作的内在要求，因此，改良旧有素描教学势在必行。动漫教育涉及面广，学习时间较为紧张，因此要把有限的学习时间投入到高效率的更加有针对性的练习中去，

三、改良

首先从名称改起，“素描”和“动画素描”容易让人误会为传统素描教学。笔者建议改为“动画手绘”课程。

“动画手绘”的基本内容：

1． 以线造型，注重结构、透视、构成，作画速度；

2． 摒弃传统执笔，全部用竖式；

3． 速写课加大对人物动态写生的份量；

4． 大量临摹优秀原画、角色设定、场景设定；

5． 大力鼓励创造性临摹；

6． 加大创作力度，教学阶段中必须让学生有独立的手绘小型项目的安排；

7． 后期课程中融入photoshop，paiter手绘软件学习及实践环节，从纸上手绘过渡到在电脑上手绘。

手绘画篇3

世上有免费的午餐

这样的成绩，让从没做过生意的武向平当晚因兴奋而失眠了。然而这种幸福的失眠，他只享受了一次。

开业的热潮过后，武向平的生意日渐冷清下来。第一个月累计营业额才四千多元，算下来竟然是亏损的局面。

武向平是亏不起的。开店的两万多元投资，全是从女朋友家借来，租下店面并进行装修之后，他的手里几乎已经没有流动资金。

冷静下来分析原因，武向平发现，小店不在顾客出入的主要通道上，人流量大受影响。他也曾尝试着散发一些宣传资料，但效果并不明显。商场虽然有广告位，但对他而言是想都不敢想的奢侈。

又是一个颗粒无收的周末，武向平焦虑地坐在店里。满屋精美的手绘服饰，在他眼里好像都在流泪。正在这时，附近的一阵喧哗声引起了他的注意。原来是商场为了吸引顾客，邀请当地电台每周六、日在商场做节目，组织顾客和特邀嘉宾一起做游戏。当活动进行到颁奖环节，武向平灵机一动，他找到节目组导演，提出可以免费提供手绘服饰作为活动奖品。

这种合作给武向平带来了超出预料的收获，每次做活动，商场电台都会反复在广播中进行预告，作为奖品的提供方，武向平的小店一次次享受到免费的广告。与电台合作的第一个月，他就扭转了亏损局面，并一举赢利上万元。

美女，你想要什么

随着“零点涂鸦”生意的火暴，竞争对手也很快出现。有人在附近开起了类似的手绘服饰店，并且推出了优惠促销活动。

手绘是一项人工成本较高的生意，打价格战无疑是行不通的，只能走以特色取胜的路线。

当时，市场上的手绘服饰以卡通图案为主，“零点涂鸦”的产品，走的也是这种主流路线。武向平对顾客进行了仔细分析，发现这个商城里的顾客，大多是附近公司的白领，年龄在25――35岁之间，卡通的图案其实并不适合她们。

针对这些顾客的审美情趣，武向平调整了产品的图样，以国画和韩国插画为主，突出浪漫时尚的风格。南方的女性身材大多不高，因此更喜欢穿高跟的鞋子，而市场上的手绘鞋都是平跟鞋。了解到顾客的这种需要，武向平经过多方寻找，终于找到了高跟的白色帆布鞋，推出手绘高跟鞋。

产品定位的调整，使武向平的小店在竞争中具有了独特的优势，开业半年以后，小店的利润突破了2万元，并且开始有客户找到武向平，要求批发产品。

由于手绘服饰完全依靠手工制作，当订单数量越来越多，生产能力便开始出现缺口。2008年初，武向平接到一笔100双手绘鞋的订单，两天时间内必须完工。由于当时手中还有另外几笔订单，怕耽误工期，他便把这笔100双鞋的订单交给别人代为绘制。货虽然按时发出，质量却达不到要求。武向平主动提出赔款，才留住了这个客户。

有了这次教训，武向平开始着手扩大生产能力。他聘请了专职的画师，采取按件计酬的方式，同时又将勾线、上色等工序进行分工，建起了一条手绘流水线。

寻找财富的格子

2008年春天，开店不到1年的武向平已经拥有了十几个固定的批发商和六十余家加盟网店。然而他并不满足，让全国各地任何一个城市都有“零点涂鸦”手绘服饰，这才是他的目标。

2008年4月，武向平的小店里来了一位格仔铺的经营者，向武向平推销自己的格子。

从2007年下半年，格仔铺这种全新的店铺模式开始在市场上兴起。不用太多的资金，不用专人来管理，投资几百元，就可以在黄金地段有一个自己的格子，且经营的都是时尚创意商品。武向平敏锐地发觉，这不正是适合手绘制品的经营方式吗?

于是，推销者成了被推销者，武向平开始向那个格仔铺老板推销自己的手绘服饰，拥有了自己的第一个格仔铺加盟商。

这次推销让武向平看中了格仔铺的商机，他发现，一方面越来越多的格仔铺忙于招租，另一方面一些想尝试格仔铺生意的人又不知道该经营些什么。于是，他决定采用一种反其道而行的招商方式。通过互联网，武向平与全国各地的大批格仔铺招租者取得联系，提出帮他们寻找客户，条件是对经营自己手绘服饰的投资者，在租金上给予30％左右的优惠。2008年6月，他开始通过互联网发出“零点涂鸦”格仔铺招商的信息。全新的招商方式，加上租金上的优惠，迅速吸引了大批小本创业者，两周之内，武向平就签订了10份格仔铺加盟协议。

手绘画篇4

一、手绘插画的发展历史

手绘插画的历史是随着科技人文的发展而发展，不同的时代有着不同的绘画风格和形式。早期的插画可以追溯到洞窟壁画，中国最早的插画是以壁画和版画的形式存在的。最早的插画是随着佛教文化的传入，为了宣传佛教教义而在经书中用于图解经文。唐懿宗咸通九年（868年）的《金刚般若经》中的扉页画就是手绘插画。到了宋，金，元时期手绘插画就更多的运用到了医药书、历史地理书、考古图录书、日用百科书等书籍中，并出现了彩色套印插画。

现如今社会发展得越来越快，手绘插画也被广泛的运用到各行各业中。随着艺术的日益商业化和新兴的绘画材料与工具的出现，手绘插画艺术进入了商业化的时代，对中国经济的发展起到了推动作用。插画的概念已经不再是传统的概念，也不再局限于某一风格，某一种材料的运用。使得插画艺术的发展获得了更为广阔的空间与可能性。

二、手绘插画的独特价值

1、原创性

当代市场批量化生产的数字化设计是大工业化最明显的标志。在统一规范的操作下，所有的图案都以一种极其相似的姿态出现在大众的眼前。还有数码绘画的出现使得仿造成为自学的常用手段。各种绘图软件的图层功能使得仿造优秀作品变得更加方便快捷。高仿的泛滥让我们对数字化插画审美疲劳。

手绘插画具有原创性，因为它较少借助数码软件，仅凭借纸笔与其他平面媒介进行创作，这要求作者有扎实的绘画基础，在培养手绘的能力过程中，作者需要不断的进行观察和思考，收集各种信息与素材。在手绘的创作与过程中还存在了一些偶然的因素，例如颜料的饱和程度，浓淡，干湿，都会呈现不同的效果，偶尔不小心滴落的水渍，笔触，等一些偶况都会使最终的效果产生偏差。这些偏差有好有坏，可能会毁了一幅画，也可能使一幅画变得更加自然美丽。

2、唯一性

手绘虽然没有电脑绘图精准，但是它可以直接的表达作者的理念，能及时的记录创作灵感，把作者脑中一些模糊的，偶然的，不确定的思维在纸上延伸，手绘可以把这些稍纵即逝的设计灵感立马表现出来，这是电脑绘图不能做到的。

作者因生活环境经历所形成的绘画风格也是不可替代的，手绘插画能够更好地将作者的思维与灵感表现出来的艺术形式。不同性质的手绘插画作品的表现技法与风格也不尽相同，我们可以创造和运用更多不同的材质和表现手法来表现作品。手绘插画是体现作者自己的创作，具有社会共识价值的文学、艺术或科学性质的思维作品。

3、手绘插画的独特表现手法

手绘插画技法除了基本材料的表现技法外，还包括特殊材料的表现技法。比如说：褶皱法，刮擦法，油水分离法，拼贴法，肌理法，撒盐法，留白法。褶皱法是把材料揉皱，使其有一种天然的纹路。拼贴法是把需要表达的主题通过剪纸拼贴的方式表现出来。撒盐法是在水彩颜料或国画颜料在半干的情况下，把盐洒在颜色上面，盐和水的融合会出现很多像雪花冰晶的特殊效果，这种技法可以用来绘制大面积的插画背景。留白法，就是把画面中需要留白表现的细节涂胶，等大面积色彩上完以后，去除白胶，露出白色的纸张，再在留白的地方进行精细的绘制，多用于绘制水滴，露珠等。不同的绘画材料可以制作出不同的肌理效果与质感，灵活的运用各种材料可以赋予手绘插画不同的生命力。

三、手绘插画在现代设计中的运用

1、手绘插画在品牌设计中的运用

手绘插画拥有电脑插画所不能媲美的灵气，现代商业插画发展迅猛，手绘插画可以更好地体现“人”与商品的互动，制作一整套的商业推广以及延伸产品。

现在的许多品牌设计都与手绘插画相结合，因为手绘插画本身就具有很强烈的情感，已经成为许多平面设计中的常用的设计技巧与手段。它已经不再是简单的欣赏画，更能运用到实际设计中去，融入生活。

2、手绘插画在包装设计中的运用

在日益激烈的市场竞争中，一个企业及其产品想要在同类型的产品中脱颖而出，它必须给消费者一个独特的印象。手绘插画在包装设计中发挥了很好的亲和力的作用，手绘插画可以更好地表现人的情感，它不同于机械化，批量化的生产。它区别于电子绘图软件的插画，给人一种质朴的感觉，具有浓烈的人文艺术气息。市场上的手绘插画包装设计已经打破了传统模式，样式独特精美，运用了更多的装饰手法，能够更好地烘托出商品的特点，在促进市场消费的同时，满足人们的审美需求。

3、手绘插画在服装上的运用

手绘插画本就是最古老，历史最悠久的服装装饰工艺。现如今保留下来的手绘丝绸衣物，其精美成度完美的让我们看到了清代手绘工艺的辉煌。在织物上绘制的图画，是作者用独特的表现形式说出了它对生活中的自然美的感受与追求。

服装在人们的生活中起着非常重要的作用，它不具有功能美，它还具有装饰美，能直接的影响人们的视觉美感，思想，情绪，精神面貌。具有手绘插画装饰的服装，是把艺术穿在了身上。手绘服饰所表现出的技艺之美、象征之美、装饰之美，充分体现了我们民族传统艺术的审美特征。

4、手绘插画在文学作品中的应用

手绘插画是加插在读物文字中的用于图解文字内容，增加读物趣味性的方式。它不但能突出读物的主题内容，而且还会增强艺术的感染力。

手绘插画广泛的在小说封面、杂志、报纸、儿童图画书等地方使用。它可以使读者的心与文学作品一起跌宕起伏，牢牢抓住读者的心理活动，有着丰富的表现手法和形式。

小结：每一个人都是有情感的，情感无处不在，它是一切创作的来源，世界上有许多的艺术作品，它们能够经久不衰，很大程度上都是因为它们具有丰富的情感。赋予了情感的艺术作品，是最能够打动人心。在某酒店的外墙上，设计师把一些手绘插画家的作品，置于墙壁上作为装饰，传统的手绘插画就以更富感染力的情感，使人文更好的融入到空间中。有些手绘插画还代表了一代人的青春历史回忆，也许它们放在现代来说并不那么具有时尚的现代感，但依然受大众喜爱。这就是手绘插画具有广泛运用空间的独特情感体现。

手绘插画是一种及富个人诗性和文学内涵情感的艺术表现形式，讲究人与环境的协调和人文感受表达的特殊艺术类型，其丰富的情感与技艺的表达使手绘插画具有更广泛的运用空间和价值。

手绘画篇5

关键词：手绘动画 新媒体 艺术语言

当前，新媒体技术正在改变着社会，改变着现代人的生活观念、生活方式以及生活节奏，人们的生活正在随着网络、计算机的普及应用发生着翻天覆地的变化。而由于新媒体技术本身的特质，这种改变不再是如工业革命一样是单一方向的，而是多元的，互动的改变，各种审美趣味――娱乐的、低俗的、有品位的、富有情感的都交融在一起，产生了历史性的交汇。詹明信教授在《晚期资本主义的文化逻辑》一书中指出：电影、电视、摄影等媒介的机械性复制以及商品化的大规模生产，这一切都构筑了“仿像社会”。 也就是“虚拟世界”，人与人之间的交流互动、人对世界的感知都通过这个被模拟的虚拟世界。于是大量的娱乐性的、注重瞬间体验的信息应运而生，而三维动画正是凭借其空间感强、视觉效果强烈、成本相对较低、制作周期短等特质在这个虚拟的世界中被广泛使用。然而在广泛使用的同时，我们也不难发现三维动画这种工业化的动画产品在表现上越来越模式化、机械化，这不得不使人们对这一现象进行反思。

在新媒体时代是以比特来传播信息的，比特没有重量，没有时空障碍，能够轻易地被复制和被传播，并且可以被无限的人使用，衡量比特的价值正是由使用人数的多少来决定。比特的复制技术带来了艺术的民主化，这种民主化表现在动画领域有以下几点表现：

1、生产方式和技术复制化。动画的制作由个人化走向集体化，三维动画的创作从来都是集体合作的结果。并且这种技术复制的快速对画面质量没有损失。手绘动画的制作中重视的是突破，是超越，认为重复、模拟无法展现其艺术生命力。但在新媒体时代，三维动画像其他的工业产品一样是批量生产出来的，技术湮灭了美感，在审美上用霸道的技术逻辑覆盖了其艺术风格和个性，但这种技术又使原来一小部分人把玩的艺术变成了大众与艺术的联系，真正可以实现“人人都是艺术家”。

2、审美个人化。新媒体时代是真正个人的时代，个人有丰富的选择，个人与各种环境之间如机器也能和谐自然的配合，信息的传递使艺术融入人们日常生活中，过去泾渭分明的各种艺术之间的鸿沟逐渐被高速传递的“比特”填平，艺术不但向商业消费转移，也变成视觉符号转移到商业艺术中间，如广告、影视、平面设计、网络界面、服装美容等等。一方面人的眼睛无时无刻不受到视觉冲击，无需再为审美而跑博物馆、美术观这些高雅艺术的聚集地；另一方面，眼睛又无不很快厌倦而需要新的、更强烈的视觉冲击。比特的易传播易复制的技术特性正好符合了这种大量而浅表的视觉需要。

作为社会变革的力量，新媒体技术的发展是历史的潮流，不可抵挡。新媒体技术是一门综合性的学科，其促使了技术和人文科学、科学与艺术之间的差距日益缩小。其改变了人们的时空观念，形成了虚拟时空的概念。其次，在后现代语境下的社会处处充斥着市场的逻辑，所有的文化都成为符合市场机制、可供消费的商品这造成“日常生活审美化”现象，艺术也需要融入生活也成为消费品。但这项先进的技术应该更合理的使用，赋予美感和情感才是动画艺术的最终目的，而手绘动画的艺术语言有着包容性很强的艺术生命力，是随着技术和各种艺术思潮的发展而向前的。正如美国动画导演杰弗瑞・卡赞伯格所说，科技再成熟，鼠标也永远取代不了人类手中的铅笔，有一种神韵，是需要传统的绘画表现的。

进入数字化时代后，新媒体技术成为社会生产的主流，《数字化生存》中指出：“多媒体即是本质上互动的媒体，随着比特数字通用的出现而产生，同时，它与计算机成本降低、威力增大和呈爆炸式增长的局面息息相关。”新媒体是指高技术化的多种媒体的融合，集图、文、影像、声音和互动性为一体，新媒体的运行又依赖于多种专业的软件，如：平面软件Adobo Photoshop、三维动画软件3Dmax，MAYA，特效视频软件Flash、AE，其既包含计算机、信息等工程技术，又包含美术、音乐、舞蹈、雕塑、建筑等艺术元素，又包含影视、网络等传播媒介，“生产力决定生产关系”， 随着多媒体技术的飞速发展，计算机图形CG（Computer Graphic）的概念被引入到动画领域，计算机软硬件虚构的三维空间被广泛的应用，三维动画是整合了多媒体技术并且完全依靠多媒体而出现的一种新的动画形式，三维动画与手绘动画相比有以下优势：一、能够完成实拍不能完成的镜头。二、可修改性强，节省成本。三、无法重现的镜头可通过三维动画来模拟完成。四、不受帧数的限制，渲染程序可以自动产生足够的画面。三维动画不但大幅提高了动画的制作效率并且产生了新的影像美学。但由于强势的技术覆盖了美感，三维动画的发展状态倾向于模拟现实，过分追求视觉上的刺激和新奇，作品被内涵被炫目的技术掩盖，缺少了情感，这也就背离观众观看的初衷，很多作品都只是一种技术游戏。

就目前整个动画领域而言，基本形成了三大类动画的表现形式：三维动画、手绘动画（2D手绘动画）、定格动画。本论文认为在三维动画出现之前，并没有手绘动画的观念，手绘动画是相对于三维动画而言的。三维动画的出现使传统的动画成为了手绘动画，指在平面中绘制的动画。

一方面多媒体技术自身在不断更新技术，多媒体的发展也给手绘动画带来使用媒介上的拓展，目前有专门的软件如Adobo Photoshop、Painter模拟油画、水彩等绘画效果，而电子笔也可以对屏幕进行手写式的输入，这些硬件设施的开发趋势实际上是为手绘动画实现无纸化奠定条件，在多媒体技术与手绘动画结合后，手绘动画有了更多的选择，比如画一幅画面，可以单纯用眼睛和手直接绘画出来，也用像素来绘制，还可以将拍摄的影像通过软件模拟成为具有手绘形式的画面。韩国电影《青涩恋爱》中片头与片尾就是真人拍摄与手绘风格相结合的方式进行实验，此片表现的是现代男女纯真的爱情生活，影片基调清晰朴实，尤其是片头与片尾的动画对烘托影片气氛起到了关键的作用，动画采用的是真人实拍与CG技术结合的方式，呈现出的却是流动的、光影斑驳的水彩质感。此动画运用了图像处理、三维动画等技术手段，画面既有饱满的水彩质感和纸张的粗糙感，又有三维的景深和镜头语言。由此可见，多媒体技术也在改变对技术运用的观念，将技术的生硬质感蜕化成灵活多变的艺术风格。

另一方面手绘动画家也在探索手绘动画的美感与多媒体技术结合的方式。在宫崎峻的《千与千寻》中，他就使用了CG技术制作飞溅的千寻的泪花。日本的动画电影现在使用线条勾勒，背景则使用CG技术来表现，再经过电脑校色，使得背景空间感强，看起来十分逼真。

本论文认为这些都还是CG与二维动画结合的浅表尝试，希望保持手绘动画的画面质感又增加画面的维度空间，但依然将手绘动画的制作工艺看成是手绘动画的精髓，用CG只是作为进行辅助手段。

相对来说，中国对于手绘动画这一新的发展方向的探索更加彻底和深入， 2007年，中国中央电视台播放了一部探索纪录片《大唐西游记》（见图），这是中国动画的一次突破，非常成功的实现了手绘与CG的互动结合。这部影片全部由手绘后经由CG处理的画面构成。没有一个实地拍摄的镜头，这在全球的纪录片的历史上还是第一次。人物造型以中国传统彩塑的造型为表现形式。《大唐西游记》从破解中国神话故事《西游记》中的人物来历开始，讲述公元7世纪唐朝僧人玄奘一生的传奇经历。在叙事画面的表现上采用了的唐卡表现形式，唐卡是一种历史悠久的藏传佛教中的绘画艺术，从公元七世纪发展至今。以唐卡为造型符号又暗合了印度佛教在中国的传播过程这一主题，选用彩塑和唐卡的结合，既是两种艺术形式的结合，也是艺术和技术的结合。

《大唐西游记》创作的实践意义在于：首先从技术的角度看, 《大唐西游记》没有对CG技术无节制地滥用，而认识到艺术风格才是传播主题的最核心信息，它突破了二维和三维空间的界限，产生了一种虚拟的时空感，并且产生了一种新的美学影像。《大唐西游记》是中国人第一次将手绘、CG、纪录片‘三位一体’的影像试验。是一次科技和艺术的成功结合。在如何正确利用先进的技术，如何使人类悠久的历史文化和艺术在新的时代焕发生命力这一命题上给当代动画人以启迪。

综上所述，我们可以看到：手绘动画还没有到成熟的阶段，手绘动画的艺术语言以及表现形式还在不断的充实丰富。手绘动画与新媒体技术之间并不对立与矛盾，而是可以相辅相成的。三维动画与手绘动画最大的矛盾在于思考的方式上的差异，三维动画师需要具备物体三维形状的能力，会先“画”出真正存在的东西，理解所画出东西的立体构象并且要灌注设计的理念，视作品为产品。而手绘动画师是以平面二维空间的概念进行构思，一方面有万千种材料、表现手段、风格进行选择作为媒介，倾向于反理性和反智性的思维。另一方面，这些媒介的选择最终是以体现动画师的个性与世界观为原则的。手绘动画的艺术语言探索还远没有到尽头，关于手绘动画与新媒体技术的互动性开发还有待开发，也许有一天，我们打开电脑就会有一幅水墨画打开，触碰画轴就会有朵朵的墨花绽放。手绘动画在整个动化领域将以其独特的艺术语言绽放出奇异的光彩。

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5、 孙立军.动画的数字时代[J].电视字幕・特技与动画,2004,(8).

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绘画的直观性、形象性、生动性及富有吸引力的特点，可以唤起学生潜在的意识，激发学生的思维积极性，创设一种使学生心理亢奋、激动的情景，从而让学生产生对诗歌欣赏的欲望，去领略画意诗情，感受美妙意境。

一、用绘画作为是个教学的辅助手段效果有哪些呢

有利于理解、背诵诗歌；有利于欣赏诗歌的美境；有利于培养学生的创新能力；有利于给学生插上想象的翅膀；有利于培养学生的审美情趣。

二、在诗歌教学中，如何进行绘画教学呢？

（一）激励法。

就是激励学生读诗画画儿的方法。使学生产生爱好诗歌的兴趣，产生积极主动的绘画欲望，把诗画融为一体，有诗既有画，有画就有诗，长久培养学生的入情入画的情趣并形成习惯，学生的审美意识就会不断完善、提高。

1．用竞赛法激励学生参与绘画。

全班同学把对一首诗绘制的图画拿出来，学生共同评比。看哪一幅画对诗歌理解的透彻，绘画得想象、逼真,搭配得和谐、得体。按这些标准学生分组评比讨论(可在课下进行,也可在课上进行),上课老师分析诗歌后,对诗歌理解得好的,绘图合理、生动的进行表扬,对凡参与者肯定,鼓励下次成功。

2．用展览法激励学生完善绘画。

把学生的绘画,在墙壁上展示。在展览中让学生相互挑毛病,挑出对诗歌理解不当、绘画不完善的毛病。通过学生间互改、自改,不断完善之后再展览,直至合乎要求为止。

3．成功法激励学生出版诗画作品。

好的图画作品，让美术教师加以指导，配上诗歌在报纸、杂志上或校报、班报上发表。这使每位学生都有一种成功感，“我行，我比别人行”的意识，激发学生的积极性和学习情趣。长此以往，教师的诗歌教学便顺理成章。

（二）加深印象法。

就是加深对诗文的理解力。可分三步走：

1．预习绘画法。

上的课前一天，让学生预习诗歌时，交给中等学生一个任务：看文绘画。中等学生有一定的理解能力，对诗文的理解也许不很透彻，绘出的图画就会出现这样或那样的错误，在讲解诗歌时，教师就利用这些图画，形象、生动、直观地让学生欣赏诗歌。

2．课堂绘画法。

在教师用“预习画”欣赏诗歌时，学生就会发现绘制图画的某些地方与诗文语意不相吻合。这时，就让善于绘画者或上等学生在黑板上即兴画图，教师再加以点评，学生对诗的理解就又加深了一步。此时，让学生看着绘制的图画直观、形象地背诗，效果会更好。可分四步进行：第一步让个别上等学生背，第二步让个别中等学生背，第三步齐背。第四步差生背。在课堂完成教学任务，减去了课业负担。

3．课后绘画法。

讲完了一节课，学生对诗歌大意就已了解透彻，可以让学生结合诗的意境，加上想象，尽力丰富画的内容，扩展、添加，任意在想象的王国驰骋。如“无为在歧路，儿女共沾巾”一句，除画叉路、两人外，还可画柳树、花草、太阳、青山等陪补景物，加以衬托。充分发挥学生的想象力和创新意识。

常用绘画进行理解，背诵诗歌的训练，学生就逐渐有了绘画能力，有了看画诵诗的能力。把诗画看成了一体，有诗就有画，反之有画就会有诗。于是，诗歌教学的有效辅助手段——绘画，就起到了至关重要的作用。这就达到了一个高层次，进入了课堂教学的拓展阶段——看图写诗。

三、看图写诗，拓展教学

1．图画的来源。

来源于生活：教师、学生从生活的感悟中绘制图画。来源于知识：教师、学生从已有知识和有关资料的相关知识中编织成画。来源于语文课本上没有讲过的诗歌：教师、学生对未讲诗歌所绘制的图画。图画的来源可从多方位、多角度摄取。

2．看画写诗的目的。

学生看画写诗，由形象的图画到抽象的文字，目的在于开启学生的思维空间，启发学生的创新意识，提高学生组织语言、锤炼语言和借景抒情的能力，开启学生智慧的大脑，使之?出灿烂的火花。

3．看画写诗的步骤。

第一，看图写诗可写比较散的自由诗、信天游，甚至顺口溜，只要有一定的押韵，有诗歌的分行形式，有和图画的一个或两个景物相吻合就行。

第二，要求学生能写三言两语的古诗。要求押韵，和图画结合合理，语言要精炼。

第三，要求学生写一首完整的小诗，现代诗、古代诗都行，押韵得体，语言凝练，与图画相一致。

第四，结合学生自己的情况，看画写诗、填词，也可不看图写诗。

这四步练习，是个比较难的过程。可以这样安排，前两步练习对象主要是中差生，后两步练习对象主要是中上等生。四个步骤的练习时间要长，不要操之过急，得有四个学期的练习时间才行。

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关键词：民俗创作；设计理念；社会评价

1项目背景

伴随着国内旅游经济的发展，在延边大地快速流行起来了朝鲜族特色餐饮连锁店，如米村拌饭就是近些年从延边开始开到东三省现在正开向全国，现国内已达300余家。在餐饮店里的手绘画，无论是设计师、画师还是商家，在首选商业目的的同时，兼顾传播地方特色、民族特色文化为己任，使来延边旅游观光者，在享用地方民族特色美食的同时，通过手绘壁画了解朝鲜族的民俗风情文化。米村拌饭的手绘画的创意以该店“品质拌饭从米开始”的经营理念为切入点进行手绘壁画项目的创作与实践。

2业务洽谈

到现场了解和充分感受米村拌饭馆的装修风格。手绘设计师需要静听商家欲用春耕、插秧、丰收、碾米的4个故事画面来进行视觉传达的要求。共画4幅画，规格为长2.2米、高1.8米。

3设计理念要点

民族餐饮连锁店的壁画要注重体现地域特色、民族特色。利用每个季节农耕文化和季节的变换为主线渲染画面气氛，传达意境美感。时下餐饮业流行把餐饮空间打造成个性化与本土化、商业性与知识性、美食性与消遣性集于一身的集合体。绘制的整体画面和空间情绪要饱满且生动形象。让消费者在享用美食、吃饱喝好的同时，在视觉上也要大饱眼福；更有商家在听觉上精心布置，从而达到口、眼、耳均都得到高品质的享受。打造有内心震撼和视觉冲击力的作品。甲方定4幅画，乙方需要出6～9张设计草图，开动脑会议第一次讨论后剩5张，第二次动脑会议从中选出4张。有经验的设计师就可以从选出的4张构思草图中继续丰富画面效果直至完成。在这个程序中，需要注意的是选出4张，并不意味着要再次把草图移到正稿上的过程，而是继续需要画师的灵感和创意思维的动脑过程，甚至还需要画师根据灵感的不断涌现，继续丰富和完善画面效果，以达到手绘师在创意和技法上的极致表现和能量的突破。首先收集与创作主题相关的元素，不断地汇总资料，引发创作灵感。然后组合为主题服务的营养元素，主题部分画面需要二度甚至三度、四度创意才能不断地丰富画面效果。这里包括主体人物在主要位置的放大、二级主题在二级位置的稍微缩小、三级主题在三级位置的再缩小等依次排序。副题在次要位置逐渐会经过绘画透视原理形变得越来越小且朦胧些，才会把画面空间感拉大。耕地的人物着装和人物形象要突出表现朝鲜族男性的勤劳、善良、朴实的性格特征。插秧的人物宜多些，通过近大远小的绘画透视进行深远处理，有空间感场面会显得大些，显得有气势。表现秋天丰收的场景时，要家庭式的一家3口，喜气洋洋。表现碾米的画面场景，需要设计有小孩和小鸡雏一家，这样的构思和创意会多一些柔美和嫩嫩的情感，会更加显现出和谐美好的生活气息。

4项目实施

首先在4开水彩纸上完成设计草图，草图合格之后进行绘制。步骤一：起稿。正稿采用规格长2.2米、高1.8米的水彩纸，用3B铅笔起稿，先找出画面对角线的交点，这个位置作为画面的视觉中心点，以中心点安排主体人物，副题安排在主题人物的周边，作为中景起到陪衬主题的作用，最后安排远景人物，这样整个画面就有了主、副题的区分和画面的空间层次感。步骤二：上色。用水彩着色，水彩的特性是透明的，有其他颜料无法达到的效果。部分需要在水彩的薄画法基础上结合水粉的厚画法来表现。步骤三：后期处理。主要包括高光提亮、处理反光、画出投影。因为是表现外景的创作画面，所以环境色看起来尤为重要。有些着装虽然是白色的，但由于是蓝天下插秧或耕作，白色的服装上一定要体现出稍带偏冷味儿的高光色和环境色，才能和大自然浑然一体。这次绘画作品的背景处理，因为关系到大米的生长季节在气候环境方面的变迁等问题，所以后背景的情景和色彩对烘托主题气氛方面显得尤为重要。

5项目总结

注意倾听商家的诉求，提炼与主题相关的元素，经过筛选排序，营造出主题画面的意境之美，是保证把握和突出主题命脉的关键。充满意境与品质的用餐空间，不仅使消费者增长了知识、丰富了阅历、陶冶了情操，也体现出店家的品位和用心。

6社会评价

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1971年生于济南。任教于中央美术学院实验艺术系、山东艺术学院美术学院国画系，副教授。中国美术家协会实验艺术委员会委员，中国美术家协会会员。现生活工作于北京、济南。

主要个展：

1999年，“孙磊作品展” （山东艺术学院名人画廊，济南）。

2013年，“‘转喻之境’孙磊岩彩画展” （绘通当代画廊，北京）。

2014年，“‘画入诗境’孙磊水墨作品展” （济南美术馆，济南）；

“‘妙得安’孙磊水墨写生作品展” （方圆画廊，济南）；

“‘转喻之书’孙磊岩彩作品展” （绘通当代画廊，北京）。

2015年，“‘低调朗诵’孙磊、宇向双个展” （山东广播电视台美术馆，济南）。

主要策展与参展：

2015年，“艺术巴黎国际艺术博览会” （法国巴黎大皇宫，巴黎）。

2014年，策划并参加“首届70后水墨大展” （金陵美术馆，南京）。

2013年， 策划并参加“纸度―当代水墨学术展” （绘通当代画廊，北京）。

2012年，“水墨奥运―中英奥运文化艺术交流展” （27号画廊，伦敦）。

2011年，“白兔美术馆十年展” （白兔美术馆，悉尼）；

“‘词场―诗歌计划2011’当代艺术展” （华美术馆，深圳）。

2010年，“修辞―中国当代诗人画展” （纯萃画廊，北京）。

2009年，“‘水墨聚焦―走进印度’当代水墨展” （泰姬陵饭店艺术中心，新德里）；

“‘北欧中国艺术节・多重身份实体’当代艺术展” （三里屯VILLRGE，北京）。

2008年，“北京国家画院21世纪水墨学术展” （中国国家画院美术馆，北京）。

2007年，“山东当代青年艺术双年展” （山东东方现代艺术馆，济南）。

2006年，“中国画名家邀请展” （山东省博物馆，济南）。

主要出版：

《演奏―孙磊诗集》《孙磊画集》《独立与寂静的话语》《中国当代新锐水墨经典―孙磊卷》《去向―孙磊近期诗作》《处境：孙磊诗歌》《无生之力》《孙磊诗文集》等。主编民刊《谁》。

一个诗人来画画时总是会与众不同的，尤其是这个诗人还是专业的画家，尤其他还是一个非常优秀的有着自己语感的诗人，那么他如何把他的诗意语感带入到绘画之中？诗意的语词如何以色彩和形式来说话？孙磊就是这样一个真正让诗意语感进入绘画的当代画家，他的设色作品让我们看到了某种绘画的语感，当我注意到他这几年绘画的名称竟然全是两个字，除了《城市山水》系列作品外，其余都是一种异常美妙的诗意连接，比如：繁荫、碎声、停风、暗翔、应声、杜鹃、升、琴鸟等等，声音的质地、景色的界域、时间的风度、视觉的平现，在色域块面的建构中，不同的元素开始诗意地汇聚，这些诗人自己有意无意强化的语词，让我们“看到”了一个诗人的“语气”，他的命名本身已经塑造着绘画的精神指向，绘画之名与雅色之语，让人流连其间，能够让中国设色绘画的命名如此具有诗意性，孙磊也许是第一人。

把现代生活的场景一个个局部分解之后，转换为有着细微色差的色块，有着空间的凸凹起伏，打开画面的空间层次，这些色块的连接看似有着浮世绘的装饰性，但却在紧凑而有着节奏的块状中，以一种内在的诗意来罩染，使之都退回到一种朦胧淡雅的色调中，似乎诗人本身在吸纳诗歌中朦胧诗歌以来的那种气息，但更为强化色域（即诗歌语词）之间的韵律节奏，而且让青春的朦胧走向了淡淡的秋意，似乎是飒飒秋风所涂染的一层轻薄寒意，以此心境来控制颜色可能的燥气，走向清雅而有着思致的韵调。

这思致是含蓄的，但却让人动容，因为这是秋染的碎语，这是时光消逝之中的悠悠挽歌。现代性的绘画只可能在破碎之中寻找诗意，孙磊2008年左右的作品就是把形体破碎分解后，开始诗意的重建。如何把这些破碎的景致―既是传统山水画的碎影，也是风景的破坏，还是都市生活的杂碎，如何以诗意的色调把这些碎语融合起来？并且形成一幅完整的画面？这是孙磊形成自己画面语言的开始。

孙磊找到了自己的方式，在他眼里，这是一个色块的世界，不同的色块被他编织起来，按照一种诗意语词的秩序，五颜六色似乎在梦想的空间中漂浮着，如同孩子们的七巧板，颜色的七巧板可以反复组合，但有着错开的美感，色彩在弱调子的控制中，在这个诗意的组合世界里，树木的形态与山石的肌理都被简化，有着平涂的光滑。诗意的空间中事物并非按照现实方式组装起来，而是有着梦幻般的气息，树木可以倒着生长，道路是倾倒的，这个世界是按照魔方一般空间可以反复翻转的。画面上的元素似乎来自于一场还新鲜的梦语，但都依然只是碎语，是一些离散的片段，但都被画家很好地组织起来。