概念艺术设计浅析

摘要：概念艺术可说是实践的艺术，相关理论著述很少。本文主要从概念艺术主流领域入手，结合实例及图片对概念艺术做一概括的论述，并且从不同角度对概念艺术中一些具有普遍意义的问题进行了简要的分析。希望对国内概念艺术理论传播以及行业的发展能起到积极的作用。

关键词:概念设计；概念

中图分类号：J02文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2011）05-0064-03

一、 概念艺术的发展

新的技术往往孕育出新的产业，而新的产业又总能激发出新的需求，这种新的需求反过来又经常推动又一轮技术的进化。比如在飞机发明以前，绝不会有人想到要在机场的周围进行驱赶鸟雀的作业；又比如在手机还是硕大的模拟机阶段，也一定不会有人要求手机同时具有拍照或摄像功能，或甚至是GPS卫星定位的功能。近年来，就有“概念艺术”这一名词越来越多地出现在人们视野中。这也是一种由新技术带动的，新的需求催生的事物，从诞生初期的默默无闻转而开始活跃在大众文化的舞台上，为人们传递着越来越多的信息。究竟什么是所谓的“概念艺术”？

（一）概念艺术概述

概念艺术（Concept Art）或称“概念设定”，是一种插画艺术，其目的是为某一文艺作品――通常是影视、动画、视频游戏、漫画等构建虚拟的视觉形象。其中包括将该作品的主题、背景和感情基调等通过绘画等手段视觉化，往往是后续创作的基础。

以上是狭义上的定义。目前概念艺术已经在影视、动画、游戏等领域成为不可或缺的一部分而事实上，我们经常可以发现，在越来越多的场合，需要动用其更广义上的性质来描述概念艺术。往往在某一文艺作品或文化产品中，艺术家为观者呈现的是一个“概念”，而不仅仅是一个“形象”这么简单。例如在电影《哈利波特》系列中，出现过许多带有“脚踏板”一样零件的扫帚。如果脱离电影看，这是一个令人费解的“形象”。但是了解剧情的人都知道，在魔法世界里，扫帚不用来扫地，而是一种交通工具。而脚踏板在这样的语境下就显得十分协调，合情合理。片中也展示出了魔法师们如何驾驭这种带有脚踏板的扫帚在天空飞行。此时这些“脚踏板”已经不是简单的形象，它们给影片中所有的扫帚打上了深深的魔法世界的烙印，也在观众内心植入了“骑扫帚飞行”这样一个概念。

同理，在整部作品中，又有许多这样的概念，这一个个概念组合起来，就构筑起一个宏大的世界的视野，在本例中就是多彩的魔法世界。

（二）概念艺术的发展

1890年，美国人托马斯・爱迪生发明了摄影机，1895年，法国的卢米埃兄弟把活动影像搬上了大银幕，自此标志着电影艺术诞生了。而到20世纪初，也就是电影发明后不久，动画片也诞生了。1914年美国漫画家温瑟・麦凯为观众们呈现了第一个银幕上的动画形象――恐龙葛蒂。（图1）恐龙葛蒂的诞生，也是银幕虚拟形象诞生的标志，事实上概念设计也同时诞生。恐龙葛蒂的形象在原始的恐龙形象基础上经过了作者艺术手段的处理，造型上显得圆润可爱，活灵活现，并且适当概括使得其生动传神的同时又可以减少作画量。这之中的设计，无不体现出作者的匠心。只不过在当时，动画制作者同时兼任导演、原画、动画等，也包括概念设计。所以在相当一段时间内并没有所谓“概念设计”这一独立的门类。

自从电影发明以来，艺术家们就不懈的尝试在影片中运用各种各样的特效。从《月球之旅》到《金刚》。值得注意的是1939年米高梅出品的《绿野仙踪》。片中大量使用了特效技术，创造了一个幻想国度“奥兹王国”。其中不但有妙趣横生的人物形象，更有充满想象的各种场景，如芒奇金城、绿宝石城堡等。自此，电影中的概念设计也正式诞生了。并且同时产生了角色和场景等不同种类概念设定的划分，这在后来的各类文艺作品中也都逐渐地被普遍接受。

1977年，另一部划时代意义的电影《星球大战》上映。这部影片不仅开创了电影特效的新时代，同时也开创了电影概念艺术的新局面。本片导演乔治・卢卡斯甚至为该片成立了专门的特效制作公司――工业光魔（iIndustrial light and magic）而该公司为日后电影特效及概念艺术的发展奠定了坚实的基础。而本片的概念设计则请到日本著名画家生赖范义。相应的在该片的概念设计中日本文化的元素可谓俯拾皆是。（图2）比如最著名的“光剑”，以及片中的服饰（最典型的要数黑武士的头盔，可以明显见到日本武士盔甲的影子）设计等。从此，电影中的概念艺术成为电影特效制作当中重要的一部分而固定下来。

这一时期日本的概念艺术则是存在于具有独特风格的所谓“特摄电影”中。日本60年代开始流行这种由演员穿着橡胶戏服表演的，应用大量特技拍摄的动作电影，往往取科幻或奇幻题材。在日本当地有广泛的受众群体，也有一大批特色鲜明的代表作。对于其电影特效技术的发展助益颇大。

80年代末随着任天堂家用游戏系统风靡全球，游戏软件业开始蓬勃发展起来。由于新的硬件系统有着更强的图像功能，屏幕上的游戏角色变得越来越复杂，游戏美术在一部游戏中占据了十分重要的位置，而游戏概念设计也逐渐成为游戏制作团队中不可或缺的一环。

迪斯尼和皮克斯在1995年合作推出了全CG动画电影《玩具总动员》。全片完全使用电脑图形图像技术来制作。标志着CG时代的来临。而这种崭新的形式也大受好评，之后该类影片的制作呈稳步增长的趋势。正如前文所述，这也是新技术催生的新需求。

随着各种文艺作品创作中大量虚拟形象不断涌现，概念艺术，以及从事这一行的概念艺术家已经广泛进入到包括电影、动画、视频游戏、漫画等各个领域中。

二、概念艺术的特点

如前所述，概念艺术主要的功能是为文艺作品构建其概念。同其他的艺术设计门类也有着许多共同之处。在早期概念艺术的成长的确直接从其他艺术设计门类中汲取营养，之后慢慢同自身的特点相结合，而逐渐走上了规范化，专业化的道路。这样的发展是必然的。由于其特殊使命，概念设计天生具有一些特点。这里我选取其中最有代表性的两对矛盾作为切入点，对概念艺术这一形式的特点做一简要的分析。

（一）合理性与观赏性的平衡

现实生活中合理性很容易理解。比如现实中的建筑要严格符合结构力学的规律，无论外观怎样漂亮设计过程中优先考虑的是稳定与安全。而现实中的工业产品设计，比如汽车等交通工具，不但要考虑结构的合理性，而且量产型汽车还要考虑到材料、配件等的成本以及使用寿命等一系列问题。总之现实生活中的人造物最重要的特性之一就是“合理性”。在合理性的约束下设计出的造型显得严谨，稳定并且平淡无奇。

在概念设计中，由于是为虚构的世界构建概念及形象，合理性的考量也不再至关重要。虚构的建筑物往往并不真的建设出来，而建造出来的部分往往也不会供人居住。因此不需要过多考虑结构、承重等问题。同样的，虚构的世界中交通工具，也只是以图像手段表现出来，所以这一类设计当中也可以较少机械以及空气动力学方面的思考及论证。留给艺术家更多空间将精力聚焦在作品的观赏性，充分发挥想象力为观众们呈现一个异彩纷呈的世界。

然而过分超脱于常规的设计，或忽视了一些重要的现实规律而做的设计往往令观众难以认同，无法产生共鸣。于是对于整部作品的感受也会大受影响。好的概念艺术家就能够在合理性和观赏性之间找到完美的平衡，让观者在赞叹作品奇思妙想的同时又感到其中的合理性，让人感觉有存在感，真实可信。以科幻电影《银翼杀手》为例，在本片之前的科幻电影表现未来世界，都非常干净漂亮整洁，一切都像是从工厂刚刚生产出来的。而该片呈现了一个破败的未来城市（图3），累年的建筑外表早已经破败不堪，用过的飞船表面坑坑洼洼。

相对于之前一尘不染的观感，这样的景色的确令观众更有亲近感和投入感。影片选择了更为真实，合理的设计而不是过分理想化，完美的形象。事实证明《银翼杀手》的概念设计是成功的，其塑造的未来城市已成为影史上的经典。

（二）视觉效果与实现成本的平衡

视觉效果与实现成本这一对矛盾从最原始的概念设计产生时就已存在。最著名的例子就是迪斯尼动画角色的设计。米老鼠、唐老鸭等经典形象都是只有四根手指。视觉效果上四根和五根的区别微乎其微，然而就是这一简单的改动，从五根手指减少到四根，为迪斯尼动画工厂节省了数以万计的作画时间，也即是节省了大量成本。这是一个视觉效果与成本之间寻求平衡的完美案例，不只在动画的行业内被传为美谈。

同样的问题在各种文艺作品中都存在。电脑图形技术的飞速发展推动视频游戏全面进入了3D时代，从最早的《德军总部3D》简陋的模拟3D画面到近年来画面几可乱真的《孤岛危机》等大作。视频游戏中所呈现的图像越来越精美，与来越复杂。而游戏玩家的期望也日渐提升。制约游戏画面飞速发展有两个主要问题，其一是游戏制作者方面，更精细的画面意味着更复杂的角色模型，更清晰的纹理贴图等等，也就意味着花费更多的制作资源，更高的开发成本；其二是，要在用户的计算机上再现这种精美的画面，依靠的则是用户端计算机的运算能力。越复杂和精美的画面对于运算能力的要求也越高。

在这对矛盾之间的寻求平衡贯穿于整个游戏制作的流程，然而好的概念设计师善于在视觉效果与实现其的成本之间取得良好的平衡，往往能在概念设计阶段就预见到后续制作中应对的问题，用相对简单、经济的元素来组成令人叹为观止的画面效果。如2003年育碧出品的3D游戏《XIII》就是一个典型的成功案例。《XIII》是一部改编自同名漫画的射击游戏，制作方活用漫画改编这一点，大胆在游戏中使用了当时颇为少见的卡通渲染来表现，呈现出一个栩栩如生的漫画世界，视觉效果令人赞叹，而更是得益于卡通渲染方式非常节省运算量的特性，该作几乎是同时期作品中对硬件要求最低的。其在高素质的视觉效果和实现成本方面取得了良好的平衡，该作品本身也成为一部经典，之后的效仿者甚众。

三、概念艺术的现状和展望

概念艺术发展到今天，经历了最初诞生的阶段，共生于文艺作品的创作过程中，例如前述的恐龙葛蒂一例；到简单分工的阶段，像早期电子游戏的制作就简单分为程序和美工等部分，美工的中重要的工作环节就包括概念设计；再到今天以专业团队或公司为主体，拥有完善的流程及详细分工的系统化作业的阶段。可以说概念艺术向着系统化，专业化的方向发展迅速。在这样的发展过程中有些值得注意的特点及趋势。希望这里对于其中一些具有代表性的问题的分析将会对于展望概念艺术未来的发展有所帮助。

（一）跨界联合发展趋势

俗话说“隔行如隔山”。然而从概念艺术的角度看，电影、动画、游戏等概念艺术的主要载体之间似乎不存在如此显著的隔阂。当然这只是从特定角度的认识。回顾概念艺术不长的历史我们发现其从诞生时期就较少受到行业间的区别造成的局限。比如前文提到的工业光魔最初组建时，主要成员包括建筑设计师、工业造型设计师、模型师等等，大部分并未从事过电影相关工作或概念艺术。当时年轻的艺术家们凭着热情和才能不断摸索最终完成了《星球大战》这一当时的视觉奇迹。后来工业光魔逐渐壮大，今天已经成为世界上最大的电影特效制作公司。这是从技术层面讲，概念艺术的出身，同其他艺术设计行业有着天然的联系。

而从内容上讲，大量应用到概念艺术的漫画、电影、游戏等基本都是科幻或奇幻题材，首先题材上是共通的。

比如奇幻文学开山名著《指环王》（图4），以小说为母本，有插图绘本，漫画等，有电影《指环王》三部曲，而负责电影概念设计的艺术总监正是长期创作指环王系列题材插图的画家艾伦?李。在电影大受欢迎之际，主创方不失时机地先后推出了数款《指环王》游戏，游戏中的大量设定就直接承袭自对应的电影，甚至制作团队人员方面都有重叠部分，之前电影视觉主创团队中很多人加入到游戏的开发制作中，再负责游戏中的概念设计。这样跨界联动的好处是，一方面节省成本，后开发的项目可以从前期项目中继承很多成果，许多资源可以共享，从而大大提高生产效率。另一方面，短时间内围绕同一主题在不同领域堆出作品可以形成联合造势的效应，电影带动游戏的需求，而游戏反过来促进电影的票房，互相激励。类似的例子还有很多，如《生化危机》游戏和电影系列，《蜘蛛侠》漫画和电影及游戏系列，等等。目前看这是一套比较成熟有效的模式，尤其在近期类似的作品呈逐年增长趋势，相信在未来相当一段时间内会成为商业作品概念设计主流的发展方向。

（二）符号化创作趋势

现代符号学以及符号论美学为美术理论的发展研究提供了强有力的方法论工具。符号美学家苏珊?朗格曾经指出“艺术是人类情感符号形式的创造”这一精辟论断阐明了古往今来各种艺术作品其符号化创作的本质。而概念艺术家也同样会自觉地利用视觉符号的象征性进行创作。也是概念艺术未来一大发展趋势。

《辛普森一家》是美国颇受欢迎的动画电视剧，以虚拟的美国小镇斯普林菲尔德（Springfield）为背景，呈现一个普通美国家庭平凡生活中的喜怒哀乐。该剧常用辛辣的讽刺针砭时弊。现实中的白种人在剧中全部被以黄色表现，而黄色人种则以白色呈现，体现出对种族问题的调侃和反叛的态度。而主要角色一律引人注目的黄色已经成为本剧最大的标志。

《千与千寻》是日本导演宫崎骏近年来的作品，影片描写的是小女孩千寻成长的故事，但是背景放在了奇异的神明的世界，在这多彩的幻想世界中，导演多用符号化的视觉语言，令人印象深刻。千寻父母在一间料理店大吃，结果变成了猪，其象征用意显而易见。如同千寻被剥夺名字，变成猪则是被剥夺了自我的强烈的表达。给人印象深刻。而另一处“无脸男”也是象征意味十足的设定。“无脸”暗示找不到自我，而变出金子，是因为别人喜欢金子，是对人的曲意逢迎。类似寓意深远而又出手巧妙的地方不胜枚举，整部影片让人在视觉享受中不知不觉中受教，其概念设计上的巧思可谓功不可没。

四、结语

严格讲概念艺术还是非常年轻的艺术门类，然而在短短几十年间发展迅速，无数才华横溢的艺术家在此探寻自己的道路。然而实践需要理论的指导，通过对本身的剖析和对相关领域的学习，才能助年轻的概念艺术持续向系统化、专业化方向发展。我希望这一翩粗浅的见解可以算作丰富相关理论做的有益尝试。为中国概念艺术健康发展和繁荣略尽了绵薄之力。

参考文献：

[1]【美】克莉丝汀・汤普森.世界电影史[M].北京大学出版社，2004.

[2]【美】苏珊・朗格.情感与形式[M].中国社会科学出版社，1986：51．

[3]孙白英.游戏之王：纵横电脑游戏世界[M].科学普及出版社，2002.

注：“本文中所涉及到的图表、公式、注解等请以PDF格式阅读”