怎样提高钢琴伴奏的演奏水平

我于1972年到总政歌剧团担任伴奏工作。最初的十年，我参加了大量的演出、录音和排练工作。由于我技术基础较好，完成这些工作得心应手，得到了不少好评。但当初我和很多人一样，对伴奏工作没有足够的认识，觉得也不过如此，并没有太高要求，而在那个年代，能接触到的作品范围也很窄。直到1983年，接触了一些对我而言是全新的作品，才使我的认识开始产生变化。

1983年我国恢复了派选手参加国际声乐比赛，傅海静、梁宁受到英国邀请，参加本森，赫吉斯国际声乐比赛。当时我帮傅海静合伴奏，准备所有参赛曲目，并先要在中央音乐学院开一场音乐会。可以说这是我第一次接触这么多经典的声乐作品，有贝多芬、勃拉姆斯舒曼、、福雷等作曲家的作品，其中有艺术歌曲，有歌剧选曲。它们时代不同、风格不同、表现内容亦不同。对钢琴伴奏考进，应该要像演唱者那样，必须把这种种不同体现在你的演奏中。这就对技术和音乐表现提出了更高的要求。

应该说这次准备的过程，也是我提高的过程。通过准备，使我对钢琴伴奏从认识到演奏上了一个新的台阶，进入了更高的层次。以后，我又受文化部委派参加了几次国际声乐比赛及出国演出，也参加了很多国内声乐比赛，这使我有更多的机会，接触了大量的声乐作品。从巴罗克时期――古典乐派――浪漫主义时期以及一些现代的无调性作品，还有很多各时期的优秀的中国作品。这真是一个学习、提高、积累的过程，使我对钢琴伴奏的艺术价值、对钢琴伴奏演奏本身，有了进一步的认识。和任何工作一样，学会容易学好难。只要会弹钢琴的人都能弹伴奏，但是，要想成为一个好的钢琴伴奏者，绝非轻而易举。

在这儿我愿意把我多年从事钢琴伴奏的体会、经验，与大家交流。我没有高深的理论，也没有引经据典，只是力求从实用的角度出发，把我切切实实的感觉和认识告诉大家。希望对以钢琴伴奏为职业，尤其是在技术上、在艺术上有追求、愿意努力提高使技艺日趋完善的年轻同行们有所帮助。

一、关于钢琴伴奏的演奏

钢琴伴奏的演奏分为两大部分：一部分是自身的演奏，也就是前奏、问奏和尾奏，可以说是独奏部分：另一部分就是与演唱者的合作部分。

在谈这些之前，我首先简单谈一下关于钢琴伴奏曲谱创作的问题。

古今中外的作曲家们，写下了大量的声乐作品并且为其配了钢琴伴奏(谱)，而这些作曲家，比如舒曼、舒伯特、柴科夫斯基、拉赫玛尼诺夫等等，本身都是伟大的钢琴家。他们为自己的歌曲创作的钢琴伴奏谱，织体的变化、和声的色彩和旋律紧密联系在一起，互相补充，成为一个有机的整体。即使单独听钢琴伴奏部分，也像是一个小小的艺术精品，音乐形象生动，风格各异。这些出色的钢琴伴奏创作使作品的乐思表现得更加完整，感情表现更为充分、透彻，它们成为一首歌曲中不可缺少的一部分。但是，这些钢琴伴奏的创作再出色，也只是谱面上的东西，要想使它们变成活生生的音乐形象，赋予它们生命力、感染力，把其中的内涵充分表现出来，就靠演奏者的再创作。对这些伴奏在技术上和音乐上的要求，决不亚于一首钢琴独奏曲。

(一)钢琴伴奏的独奏部分

1，前奏

前奏就像一个小序，它的作用在于，为演唱者创造一个进入情绪的音乐环境、氛围和节奏。同时，前奏也能体现你作为一个伴奏者对风格的把握，对音乐的理解。

所以在前奏的演奏上要敢于大胆地表现，像独奏一样，要有鲜明的音乐形象，乐句的线条、声部的层次、音色的变化，都要有自己的处理。即使前奏只有两小节甚至只有一个和弦，都要弹得有内容。处理得越细致越讲究，就越能更好地帮助演唱者进入演唱所需要的情绪。也只有这样，才能做到当你的琴声响起，就能尽快把听众吸引到音乐中，把演唱者带到特定的情绪中。这就要求伴奏者有相当的音乐修养和技术水平，对音乐的风格、感觉，要有准确的理解，并用相应的技术手段表现出来。

下面举几个例子从不同侧面、不同角度来加以说明：

(1)风格的不同，要求触键、感觉上的不同。

要从你触键的感觉就能看出你对乐曲风格的把握。例如：亨德尔《绿树成荫》的间奏，它可以说是咏叹调的前奏，和声要求丰满、集中。触键应该比较直接，手感稳定，要松、通才能发出有共振、有立体感的声音。需要声音有厚度。旋律部分是连音，但触键仍是比较直接、准确。手指很集中，有深度。虽然旋律线条很清楚，但又好像是与和声融在一起，体现出一种平衡，表现出一种很庄严、高贵的气质。这也是亨德尔的风格。

再如莫扎特的作品《欢乐颂》。莫扎特的作品风格典雅，手指跑动要非常干净、均匀、清晰，乐句自然流畅。虽然要有颗粒性，但却不能硬。触键要快，要有弹性，不能有一个音含糊。每一个音都要弹到位。这些古典作品，有时看上去不难，但实际上还是需要一定的功力。这时期的音乐，音色音量变化不是很大，触键部位一般在手指尖，指尖的感觉要很灵敏。

舒曼的《月夜》富于幻想，带有浪漫色彩，触键要柔，但不能飘，要很连。柔中要有“点”，才可能有穿透力。连音触键有“拖”的感觉，没有音头。巴罗克音乐、古典音乐的声音音量、音色变化不是很大，触键颗粒性强，有弹性。触键主要用手指尖。集中下键比较快。对不同风格的把握，要靠积累，接触不同风格作品多了，多听多弹多体会，感觉就会比较准确。仅有理论是不够的。

(2)要有歌唱性，要有乐句线条，要有激情。

这一点是很多伴奏者所忽略的。当演唱一首作品时，首先展现在听众面前的是乐曲的前奏(无前奏的除外)，你要想把听众、把演唱者带到音乐的情绪中，首先要让自己的感情投入进去，要想感染别人，自己先要受到感染。强调一点，一定要有处理，否则容易很平淡。比如：《祖国，慈祥的母亲》一开始就是强和弦，有大句子大线条，要很大气；李斯特的《梦》《当我入梦》要有处理，不能平淡，注意音色；《黎明》前奏潇洒、自如，节奏感强，要有弹性，有活力。

(3)要有声部层次。

通过多年自己的弹奏和听别人的弹奏，感觉到这个问题非常重要。尤其弹一些乐队的作品更要注意这个问题，只有这样才可能把乐队的厚重感和层次感弹出来。声部的立体感。就如同美术中的透视，远近不同，主次色彩不同，就产生立体感和空间感。要想把声部弹出层次，音色就要有不同，因此触键也不同，有深有浅、有明有暗。这是个技术问题，只有提高这方面的技术，才能把握层次，弹得清楚，才能在演奏上提高 质量。其实，前奏中讲到的问题贯穿在整个演奏中，只不过前奏首当其冲，要格外注意。

有一点很重要，作为伴奏者，需要掌握不同的触键法，才能使演奏色调更为丰富，

2，间奏

间奏的作用在于承上启下，演唱者停下了，而音乐还在继续，这时你的演奏仍要全神贯注，前奏中讲到的歌唱性、乐句线条、激情等等，同样要在间奏中体现，这样才不致于使听众因歌唱的中断和演奏的乏味而走神，也不会使演唱者因为停顿而松懈。必须在间奏音乐的引领下。继续往前走。

间奏还有一个作用，就是完成情绪的转换。很多作品第一段的结尾和第二段的开始，情绪是不同的，而情绪的转换是在间奏中进行。这时的演奏要把变化的幅度拉开，转换层次要清楚、自然。像前奏一样，在下一段演唱之前进入演唱所需要的情绪氛围，这样你的音乐才能使听众得到满足。

还有一种情况，前一段是舒缓的，后一段节奏性较强，速度变快，或者反之，那么，第一段结尾一定要交代清楚，结束得干净，然后再重新开始下一段的节奏。

3，尾奏

尾奏比较难，由于这时演唱者已经唱完，听众，包括演唱者甚至伴奏者本人，都容易松懈，反正没人听了，就很草率地结束，实际上这样就更没人听了。我认为，只要你还在演奏，就仍然要全身心投入，用你的音乐吸引别人，直到真正的结束。这要说明一点。经常在一些“比赛”或“考试”的情况下，由于时间关系，尾奏可以删减。那么，你必须衔接得自然，不露痕迹，而在演奏上仍要保持专注投入的状态，直到最后一个音结束。这样才可能做到虽有删减。但音乐不因删减而松懈，从而保持乐曲的完整性。

(二)钢琴伴奏与演唱者的合作部分

1，钢琴伴奏与演唱者要合作得好。有诸多因素，其中很重要的一点，伴奏要熟悉演唱者的呼吸，也就是给气口要给得好。

呼吸是声乐艺术的重要技术手段，直接影响到音乐的表现力。只有呼吸掌握得好，气息才得以流通，乐句才能更为流畅。

我认为一个好的钢琴伴奏者不仅要熟悉和感觉到演唱者的呼吸，而且应该和演唱者共呼吸，这就需要在“心”中和演唱者一起唱。当然，做到这一点有一个重要前提：必须对作品有共同的理解，对乐句有一致的处理。演唱者根据自身气息的长短，根据乐句的需要，确定气口的位置。一般来讲，当音乐情绪达到高潮，尤其是在即将出现的高音之前，气口要给的充分，才能使演唱者有充分的准备，使高音唱到位，才能在音乐上给人以满足感。在正常的音乐节奏进行中，吸气是不能占时间的。这需要伴奏者把关。避免因吸气太随意，使音乐松散。而随着音乐的节奏、情绪的变化，气口的长短也会变化。有时呼吸深而慢，带出来的是悠长而宽广的旋律。有时呼吸快而短促，唱出的也许是快速活泼的乐句。呼吸应融在音乐表现中，无论音乐节奏、气息长短如何变化，伴奏者只有在心中和演唱者一起唱，气口才可能给得恰到好处，乐句才可能合作得更为默契。从而使演唱者在声音、感情上得以充分发挥。

2，必须从音乐的整体出发，“托得住，跟得好”。

前面说过，钢琴伴奏的创作和旋律紧密联系在一起，是一个整体。那么作为伴奏者就要把这一点表现出来，犹如一首钢琴作品，靠演奏者的两手把众多的声部组织起来，次要声部一定是伴随着主要线条，根据音乐整体情绪的变化，时起、时落、时松、时紧。声乐作品也是一样，不同的是由两个人来完成。

一首声乐作品，一般而言，主旋律在演唱者，这只是一个单线条；而丰富的和声、织体都在伴奏部分，它们帮助主旋律表现得更为丰满，也可以说是主旋律的依托。要想托得好，有两个问题需要注意：

①音量比例

有的伴奏者在这个问题上存在一个误区，认为既然是伴奏就一定要弱，生怕压唱。这种不从整体出发，只是一味地弱，实际上容易造成声部的失衡。必须从音乐情绪的整体需要和整体音响的比例出发来确定你的音量，例如，当音乐情绪达到高潮，而演唱者停留在高音时，作为伴奏要把情绪推上去，这时要敢于强，气氛烘托得越好，就越能帮助演唱者调动热情，使高音展现得更有魅力。而当音乐很安静或正常进行时，音量要适当控制，使伴奏和主旋律在音量上和谐。从我的经验来看，只要你能清楚地听到演唱者的声音，就不会压唱。要学会运用你的听觉，找到合适的整体音响感觉。

说到音量，我想提两个技术方面的问题。

第一：强时千万不能砸。不少伴奏者虽然是钢琴专业，但却不注意方法：只要是强音，尤其是强的和弦，就往下砸，造成手臂紧张，不但自己会引起疲劳，发出的声音也不是钢琴的共振声，而是吵闹声。这种生硬的声音，对音乐起干扰作用，即使不是很强，都会造成压唱的效果。

第二：弱时声音不能飘。当音乐要很安静的时候，必须控制音量。但有时候经常会觉得已经很轻了，为什么还是不够安静。我认为，问题不在音量而在音质上，越是弱，指尖越要集中，既要放松，又要会控制，使得音量虽弱。但非常清晰、集中。而有的人为了弱，力量不敢放下去，声音很飘，必然模糊一片。声部线条混浊，怎么可能营造安静的气氛呢?由此可见，触键的方法是至关重要的。

②心中始终要有主旋律线条

一要“听”唱，二要在内心跟着唱，缺一不可。只有这样，才可能“托得住”、“跟得好”，才可能保持乐曲的整体感。如果说“音量”“声音”是“表”的话，内心的歌唱、对音乐的理解就是“里”，是表现的依据，是根本。否则，你的“声音”只是一个没有内容的空壳，这一点必须贯穿始终。

当旋律在伴奏声部或者当伴奏的旋律和演唱的旋律一致时，必须仔细“听”，跟着“唱”，最重要的是音乐感觉必须一致，才可能整齐。这时你的演奏要有很强的歌唱性，心中的旋律要在手指间流出，因此在触键上要做到收放自如，保持旋律的连贯，才可能弹出如歌的线条。

当伴奏的旋律和演唱的旋律交替进行时，也只有“听”和“唱”，才可使旋律在交替处，衔接得天衣无缝。

在这儿我想特别提醒大家的是，当伴奏仅仅是织体时，更要在心中有主旋律，要注意听唱，使你手下的和声织体紧紧托着旋律走，伴奏和演唱表现的是同一种情绪，时而在极其安静的伴奏背景中衬托出演唱者优美的旋律，时而伴奏需要浑厚的音响、饱满的热情，烘托出演唱者的激情。这时你必须要有很强的整体感，从音乐的整体出发，弹出音乐情绪所需要的音色音量，使伴奏和演唱成为一体。

而不少伴奏者忽略了织体、和声和主旋律在音乐表现中的关系，仅仅是把节奏弹出来，而失去了表现的内容。不跟 着主题里的感觉走，这样必须使演奏变得死板、干巴巴地。而演唱者也似乎失去了依托，在自己干唱。有的人把这种合作形容成“两张皮”，互不关联。

乐曲在正常的进行中，不同的演唱即使对同一首乐曲也会有不同的处理。只要合理，作为伴奏要理解演唱者的感觉。这样就会跟得自然、贴切，使演唱者唱起来也会很舒服。

同样的节奏型，由于歌曲内容的不同，演奏的感觉就要完全不同。如《怀念战友》、《一杯美酒》。

总而言之，我要再次强调，心中必须有旋律的歌唱感觉，才能使单一的伴奏音型活起来，在为演唱者伴奏的同时，似乎也在为自己内心的歌唱伴奏。共同的呼吸，对乐句共同的感觉，使伴奏部分和演唱部分成为一个艺术整体，使二者合作珠联璧合，天衣无缝，达到完美的境地。

二、作为伴奏，接触的演员多、作品多，有时时间很紧，这就需要在实践中不断提高自已的能力。

(一)首先一点就是要“快”

1，视谱快

视谱能力强，可以节约很多时间，不用细说，有一点经验提供大家参考。在时间紧，也就是立刻需要视弹出来的情况下，你要学会抓住骨干音和弦，尤其是右手，首先要跟上唱，不可能每个音都视清楚，初合一下找到感觉再细练。

2，抓感觉快

当拿到一首新作品，不仅很快把音视下来，并在同时抓住这首作品的感觉。这一点需要积累。一开始从视谱到完成这个过程会长一些，随着接触作品范围的扩大、增多，这个过程会缩短。最好是达到在视谱的同时，感觉也弹出来并基本准确，这样练习的时间会大大缩短，当然如果有一些重要的演出，尤其是一些比赛的场合，还是应该用些时间了解作曲家的时代及歌词内容，才可能在风格的掌握、音乐的表现上，更为细致、准确。

3，反应快

主要是对独唱者在音乐上的变化。感觉要很敏感，一方面要“听”，一方面要“看”。这儿的“看”，是指要会看三行谱。这样可加强整体感，不至于埋头苦弹，脱节了都不知道。特别是在舞台上，演员经常因为激动会有些即兴的临场发挥，你通过听可以从他的呼吸感觉到乐句的变化(如长音的拍子)，有的演员也许对曲目不熟练，紧张而会出错。由于你看三行谱。就会及时发现并且及时跟上，尽量帮助演员弥补错误，保持乐曲的完整。当然一个水平高比较成熟的歌唱家，在准备好的情况下，是不应该发生意外的。在这儿主要是从伴奏的角度出发，应该要培养这方面的能力。

(二)要具有分析作品和处理作品的能力

当你拿到一首作品，除了要了解这首作品的风格、内容外，还要分析这首作品的结构。例如：分成几段，每一乐段要表现的情绪，它们之间如何衔接；在乐段中，乐句的线条、走向：当情绪达到高潮前。乐句的线条如何铺垫：还有和声色彩的变化、织体的变化与旋律的关系等等。这些问题，都要有自己的理解和处理，这样音乐才可能表现得更为细致，形象更为鲜明，音乐发展更有层次，作品才能更严谨、更完整。和文学作品一样，音乐也有很强的逻辑性。

如果你的合作者是一个成熟的歌唱家，你们可共同来分析作品，达成默契。而如果是一个年轻的学生，你可帮助他分析作品，提出你的处理意见，帮他理解音乐，使他在演唱时尽可能做到声情并茂。

总之，作为钢琴伴奏者，必须不断丰富自己的音乐修养，提高自己全面的技术能力，特别是要掌握不同的触键方法，使你的音色根据歌曲内容的需要而变化，使表现更为丰富。对音乐理解得越准确，技术越娴熟，弹奏就会得心应手。而如果伴奏者没有充实的内心感觉，对音乐没有丰富的想象，技术再跟不上，势必将伴奏弹得索然无味，影响作品整体的表现力。

钢琴伴奏应该是一个参与者，同样要用“心”去感受音乐，从头到尾要全神贯注，充满激情，让音乐从心里流出，该放的地方大胆放，该收的地方大胆收。要学会歌唱，只有这样才能赋予音乐作品生命力，增加作品的感染力，和演唱者共同塑造音乐形象，完成作品的再创作。

以上讲的内容，一定会有疏漏和不准确之处。希望得到同行们的指正、并希望我们共同为提高我们国家整体的伴奏水平而努力。