配音的技巧方法范文

配音的技巧方法篇1

【关键词】笙演奏；技巧配合；花舌；历音；复调技术；演奏表现

中图分类号：J632.12 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2016）07-0085-01

一、细花舌与历音的配合

花舌在民间俗称“嘟噜”，指的是通过气息冲击舌尖而引起震动，从而表现出快速频率的抖动音，类似于弦乐的抖弓，根据力度以及表现力的部分可以分为细花舌、粗花舌、爆花舌等多种。历音指的通过手指快速地级进上行或下行而表现出了音串，长运用在快速热烈的乐段或者是乐句中，有时在音头位置也运用历音，起到修饰性的作用。在董洪德、胡天泉创作的《凤凰展翅》中就运用了这种技巧的结合，表现出了凤凰抖动翅膀的形象，并在渐快的速度下通过音型的不断反复，栩栩如生地表现出来。谱例1

二、呼舌与打指的配合

呼舌指的是依靠气息与舌头的配合，以舌根作为支撑力和力度点，通过喉头的带动和舌头的伸缩运用表现出的一种类似于波浪式的音波，对于表现鸟类展翅飞翔的形象具有突出的作用。打指是借用了笙的和声效果并通过多指在本音孔上表现出的一种强调节奏的技巧。由于其和声性的音响而表现出一种节奏感，以上这两种技巧的结合既表现出了一种规律性的波浪式表现，又相应地凸显出了节奏因素。如上世纪五十年代笙演奏家阎海登创作的《孔雀开屏》，在第二部分的主题中就采用了两者结合的技巧形式，表现出了“孔雀振翅无蹁跹”的形象特点。此部分为四二拍的节奏，其中在强拍上要运用强打指，以突出节奏性，在弱拍上则需要软打指，起到衬托和对比的作用。谱例2

在笙演奏家孙友创作的《欢乐的泼水节》一曲中，慢板的主题发展上也同样运用到了两种技巧的结合。此部分是一个复乐段结构，虽然表现了同一个主题，但是在层次上却分为两个部分：第一部分为主题的呈现和陈述，以单音旋律的进行为主，第二部分由于和音元素的加入，为表现表现旋律上的丰富性，即采用了呼舌与打印的结合，将对少数民族兄弟姐妹的情感进一步升华。谱例3

三、复调与舌类技巧的配合

笙是我国吹管乐器中唯一能够演奏复调的乐器，其复调技术的发展也经历了一段漫长的历程，从早期的支声性复调到赋格技术的发展充分地体现出笙在演奏多声部方面的优越性。随着演奏技术的发展，在创作和演奏中除了在展现复调技术的同时，也相应地加入了许多口舌类的技术，通过不同技巧的结合，促进了笙的多元化的艺术表现力。如著名笙演奏家徐超铭创作的《故乡行》就通过运用复调与舌颤音、碎吐的结合，表现出了对故乡的赞美和深切的情感。谱例4

四、演奏体会

作为笙的演奏技术，在笙演奏中不再单一地运用，而是通过技巧组合的形式与作品的风格、情感的表现特点紧密地结合起来，对于演奏者而言，对于这些组合技巧的运用，应当从以下几个方面进行把握：一是要不断加强个人的基础训练，如果没有系统的训练则难以领会到技巧的奥妙之处，其次就是要善于掌握方法、运用方法，通过科学的理论阐释指导自己的实践。二是要注意技巧与作品风格的关系。作品的风格一般表现在两个方面，即形象与情感，一首优秀的作品是通过一定的音乐形象表现出来的，并在主题形象的基础上表达出作曲家内心的所想所感，无论是形象还是情感的表现上都基于一定的演奏技巧，所以演奏者不能重技而不重艺，必须对作品进行深入的分析，才能够掌握好作品的风格，进而在练习中加强风格与技巧的配合与表现。三是要不断加强个人的艺术修养，当前笙曲的创作基本上可以分为传统笙曲和现代笙曲两种类型，传统笙曲注重地域风格的体现，现代笙曲则很多都是中西结合的作品，两者的共同点都意在表现出笙的艺术表现力，不同点则在于创作技法和演奏技术的运用，这就要求演奏者在演奏作品时，对不同体裁的作品要有充分的认识和理解，才能在技巧表现方面运用得恰到好处。

参考文献：

[1]董青.笙的吐音与训练[J].天津音乐学院学报，1997（02）.

[2]高沛.笙的复调艺术解析[J].乐器，2006（06）.

[3]高沛，柯楠.笙的艺术流派初探[J].乐器，2007（12）.

[4]李光陆，高沛.笙的吹奏艺术―谈笙的呼与吸[J].乐器，2010（05）

配音的技巧方法篇2

【关键词】演奏技巧；音乐表现；小提琴艺术

小提琴拉出好的声音要有共鸣，震动好，声音通透，传送力强，这些主要是右手及右臂作用于琴弓后的力量和支配。而右手技巧主要涉及音色质量，而音色质量的好坏，直接影响音乐的表现力和感染力。小提琴是最接近人声的乐器之一，“人琴合一”则是达到小提琴演奏的最高境界。为了使乐器的演奏犹如歌唱般的优美动听，深入研究右手的各种技法对音乐情感的表达是至关重要的。所以，能够熟练掌握高标准的右手技法，决定着音色和音质的完美表现。让乐曲的乐思体现得更加细腻，情感表达更为丰富，使音乐表现出乐曲应有的张力，最大程度上的感染听众，右手技法的培养对于演奏者的表现起着决定性作用。

一、几种着重右手技巧的演奏方式

小提琴是炫技型乐器，而大部分音色的变化都掌控在右手上，所以技巧难度加大，能否突破，取决于右手的调控能力。众多演奏家们认为，掌握右手技巧的重要诀窍是“放松”。而我也赞同，一个“松”字突破了许多运弓瓶颈这种说法。以下是几种小提琴常见的弓法以及这些弓法所使用的右手技巧：（1）分弓；（2）连弓；（3）顿弓；（4）跳弓；（5）拨奏。

二、有利于音乐表现的右手技法

在乐曲表达中，音质直接影响感官和感染力，而小提琴音质的好坏就是靠右手的技巧直接决定。在小提琴演奏中：除了以上众多弓法外，还有从站立姿势、握弓手型、力度把握、重心转移等各方面深化了演奏难度，所以对于右手技法来说，必须将发音、运弓、左右手配合以及技巧、情感等综合运用。为了有良好的音乐表现，我们必然要做到运筹帷幄，将弓的控制达到最大化。

三、右手技法与演奏情感的表达

情感的表达一直是小提琴演奏者与曲谱作者的心灵对话，揣摩作者的情感内涵与表达自己的情感领悟同等重要。曲谱中每一个细微的变换、以及处理，都离不开情感的领悟，所以小提琴右手技能的运用要与情感的表达相协调，用情感带动力度的转换，将演奏与抒感充分融合，拉出灵魂中的乐章。

（一）想象力与右手的配合控制

除了对基本情感如忧伤、喜悦、痛苦、愤怒、激昂悲壮、喜庆雀跃……等的直接表达，还有一些如陈诉、低吟、悠远、想念等复杂情感的娓娓道来，需要的就是我们运用想象力结合右手的自控力来诉说。良好的演奏是将故事融化在每一个音符的处理当中，用音乐讲诉。例如，一个结尾拖音，它由强到弱再到无的渐行渐远声音的发出，完全依赖于右手和想象力的控制，如何拉得动人？首先得感动自己，如何拉得到位？自己必须先进入情境。这就要求我们调动丰富的想象力与深厚的情感积淀了。

（二）真情流露

演奏者所演奏的音乐必须充满真情实感。例如一本小说，作者夸夸其谈，内容一定空洞乏味，乏人问津；如果故事曲折感人，内容真实可信，小说必定畅销。同理可证，一首动人的小提琴曲演奏一定饱含演奏者的真情实感与倾情投入，没有了情感的艺术都是空洞的、丧失灵魂的。在小提琴演奏中则表现在右手最为明显。再有，演奏技巧的演奏者如果右手没有投入感情，即使左手音准和音符要求都做到极致，也难以演绎触动人心的旋律。

（三）提高个人修养

演奏情感的表达体现了一个人的个人修养与情感积淀，文化修养是小提琴学习的基础与灵魂，是深层次的表达，人们常说：字如其人、画如其人、声如其人。这都是个人修养的外在表现，我们小提琴演奏者就是“琴如其人”要更好的拉琴，务必更好的学习知识，增长阅历，积累情感体验，将其转化为内在的修养，用琴音表达出来。有时伟大的小提琴家也会出错，但他们博大精深的技艺和修养足以遮盖这些瑕疵。音乐和艺术的学习，可以扩大到音乐的表现力，从而深化为自身内涵和修养。所以在生命前进的步伐中，我们要扎扎实实地走好每一步，做音乐人要先做好一个大写的人！

每一位小提琴演奏者都在寻找一把与自己天造地设的好琴，认为只有用那把琴拉出来的声音才匠心独运、得心应手！然而，也许在我们都专注于挑一把好琴的时候却忽略了挑一把适合自己的弓，也忽略了运弓及右手技巧对最美琴声的主宰。有时正确的把握右手也能让我们发出意想不到的好声音，我认为弓与琴的和谐才能产生最美的共鸣。所以即使在琴不理想的情况下，我们也不能放弃用弓和右手技巧挑战音质的极致。小提琴是需要左右手以及全身配合来演奏的乐器，但相比之下右手的表现力，无论从技巧和规范来说，右手的表现力都更倾向于高级别的探索与学习，想要更好的驾驭弓子，必须同时兼具基本功和情感领悟等，要求更高，并且相比左右手与情感表达的关系，我认为右手更为密切，左手的音符是曲谱与音准的固定要求，而右手则发挥着更为随性的作用，机械的上下弓也是情感（如初学者），跌宕起伏演奏轻重缓急也是情感。这就要发挥演奏者对乐曲情感的领悟能力，以及考验其技能的水平了。一次好的小提琴演奏，演奏者情感的表达是否感染听众，这才是最主要的好坏评判标准！所以，为了琴声更加深入人心，琴技更上一层楼，学习时一定要深入学习右手技巧、规范右手姿势、充实内在情感的表达。

参考文献

[1] 依凡・加拉米安著.张世祥译.小提琴演奏和教学的原则[M].人民音乐出版社，1991.

[2] 卡尔・弗莱什.小提琴演奏艺术[M].人民音乐出版社， 1960.

[3] 尤・伊・扬凯列维奇.论小提琴演奏与教学[M].人民出版社，2002.

[4] 西德尼・罗伯约翰斯.小提琴演奏技术入门[M].人民音乐出版社，1985（12）.

[5] 夏丹.右手技巧与小提琴演奏[J].音乐探索，2008（02）.

配音的技巧方法篇3

关键词：学习；小提琴演奏；基本技巧

中图分类号：J622 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）05-0120-01

小提琴音域广远，音色优美婉转，演奏技巧丰富多变，既可以在乐队中表演合奏，也可以由演奏者独奏，是人们热爱的乐器之一。小提琴对演奏者的演奏技巧要求较高，需要演奏者手指灵活敏捷，对音准精确把握，才能缓缓流露出动听的音乐。二十世纪中期出现的“连顿弓”，演奏者能在一个分弓中连续快速地演奏出许多断开的顿弓，一度被视为神技。不积跬步无以至千里，高超的技艺也是练习者从基本技巧开始挥洒汗水逐步熟练掌握的，下面本文对如何掌握小提琴基本技巧展开探讨，以使学习者更好地练习小提琴。

一、持琴的正确姿势

持琴是演奏小提琴最基本的步骤，良好的持琴姿势有助于学习者更好地发挥演奏能力，对于学习者演奏小提琴的长久技术发展和潜力发挥有着重要意义。

小提琴的持琴姿势分为站姿和坐姿，站姿采取两腿分开站立，双脚分开距离基本与肩同宽，挺胸直背，头部略抬高，全身放松，身体重心由双脚平均分配或交替分配。坐姿采取坐于椅子的前方1/2处，腰背挺直，全身放松，双腿自然打开，左脚向琴方向自然放于地面，右脚于其右后方，只用前脚掌着地即可。要注意右腿位置以在演奏E弦上半弓时弓尾不会碰到为准。

二、小提琴演奏运弓的技巧

运弓是小提琴演奏中重要的技巧之一，千变万化的乐曲从小提琴中流淌出来都是演奏者熟练的运弓技巧的功劳。运弓是小提琴演奏基本技巧中最重要的一个学习内容，所以小提琴演奏也被称为“运弓的艺术”。小提琴演奏的弓法繁多，主要有以下几种：①连弓：是指一弓中拉两个及两个以上的音；②分弓：每一弓只拉一个音；③波弓：一弓演奏多个波型分弓（波型分弓：相连几个音持续没有停顿地逐渐膨胀而后逐渐减弱）；④冲弓：是所有弓法中最基本的一种弓法，对右手技巧的作用很大，有利于分弓的演奏；⑤顿弓：顿弓是指演奏中各音符间有明显的分离，声音短促且干脆，有如敲钟；⑥跳弓：跳弓与顿弓一样，用于演奏短促分明的音乐，不同处在于跳弓是弓毛与琴弦摩擦所发出的声音，利用弓子的弹性使琴弦振动发出铿锵的声音。由于演奏者的右臂随着拉奏各琴弦时的活动角度不同，所以在拉G弦时大臂应与肩同高，肘部不高于手腕部。运功时手指应灵活把握，指根部掌握好手指力度，中指配合食指活动，各种运弓动作自然放松地结合在一起形成和谐的配合，才能使演奏出来的乐曲流畅优美。

三、勤于练习基础音阶

美妙乐曲的陶冶能舒缓人的紧张情绪，调节人的生活节奏，使人的人生态度积极乐观。音阶是组成乐曲的重要部分，音阶练习能协调学习者手指的配合能力，锻炼手指的灵活度，使演奏者熟练把握手指的力度、角度，手臂抬起的高度等，小提琴演奏者熟练掌握音阶的演奏是至关重要的。

四、小提琴演奏中的揉弦技巧

揉弦是小提琴演奏中重要的一项基本技巧，揉弦在不同历史背景、不同音乐文化思想中呈现着不同的特征，作为小提琴演奏的重要表现形式，它的意义在于充分将作者的感情表达出来，通过揉弦技巧的应用，使乐曲的风格得到更好地呈现。十七世纪，奥地利小提琴家莫扎特之父莱奥伯德・莫扎特在他的著述中将揉弦称为“震音”，将其解释为小提琴上的自然振动，充满着古典主义理想。揉弦有利于歌唱性的表现，美妙动听的旋律有助于作曲家和演奏者的情感表达，揉弦技巧不会掩盖原曲的风格，能较好地表达和发展作者的心声，所以，在小提琴演奏中适当运用揉弦技巧是演奏者表达情感的重要方式，揉弦技巧对于小提琴演奏来说至关重要。揉弦根据身体部位的弹奏可分为手腕揉弦和肘臂揉弦，根据弹奏动作可分为滚揉、滑揉、垫指滑揉等多种类型。不同的揉弦方式弹奏出的音色不尽相同。

1、好的揉弦动作应是娴熟而流畅的，这就需要演奏者勤于练习，熟练掌握揉弦的理论和基本技巧。揉弦时应以按压琴弦的指腹为中轴，根据乐曲进展随时调整手腕与按压指的位置，使手腕与手指尽量垂直接近中轴。要获得好的揉弦效果，应合理调整食指、中指、无名指与小指的距离，使它们分别与手腕的轴心构成不同角度，及时调整不同的揉弦方法。

2、食指揉弦的方式比所有揉弦都使用无名指发出的音色更丰富多样，用食指揉弦时应将食指稍微放平，将手指根部作为琴颈上的支撑点，其余四根手指自然摇摆，从而弹奏出动听的揉弦效果。

五、结语

音乐是一种超越不同语言文字，直接与听者情感沟通的艺术形式。音乐可以通过动人的旋律向听众传达作者的思想感情，使听者与作者在不同时空产生强烈的情感共鸣。小提琴演奏在音乐表现中发挥着缺之不可的作用，是美妙乐曲的创造者和发展者。演奏好小提琴不仅使学习者自身受到熏陶和感染，善于发现生活中的美好，更通过旋律向听者传达着美好的希冀。

参考文献：

[1]李曼.如何准确把握小提琴演奏技巧[J].青海教育.2011，46（06）.

配音的技巧方法篇4

关键词：心理调控；声乐教学；作用；联系

在声乐演出时，心理调控能力影响着人的意志、情绪以及演唱水准，提高心理调控能力，可以提高声乐表演的能力，影响着演唱着情绪的支配。如果在演出前歌唱者过于紧张，而且没有对情绪进行有效的调节，可能无法正确表达歌曲的情感，无法控制歌唱者歌唱的行为，这影响了演出的效果。在声乐教学中注重对学生心理调控能力的培养，可以提高教学的水平，可以帮助学生掌握声乐的技巧。下面笔者对心理学与声乐学的关系进行简单的介绍，以供参考。

1 心理学与声乐学的联系

心理学包括多项内容，其中较为主要的有心理暗示、心理活动以及意志力等，在声乐联系的过程中，人的心理可以支配器官以及神经，影响着大脑的支配能力。在发声练习的过程中，学生需要用到肌肉、发声器官以及感觉神经，而大脑对身体的各个器官有着操纵支配的能力，而在心理活动的影响下，大脑可能会发出错误的信号，这支配着学生的歌唱行为。在声乐教学时，教师将心理学融入教学中，可以控制大脑支配的意识，在大脑发出指令后，可以保证指令的正确性，培养学生心理调控能力，可以更好的贯彻与实施大脑发出的指令，大脑受到神经反馈后，可以对行为进行调整与支配，从而提高学生声乐表演能力。

2 声乐教学中的心理调控技巧

2.1 咬字吐字的技巧

不同的民族有着不同的语言，民族音乐是声乐表演的内容之一，由于民族音乐在发音与咬字方面与传统的演唱咬字有着一定区别，为了实现咬字吐字的清晰性，必须对学生进行培养，在咬字方面对学生高音以及音频的变化进行调整。在声乐表演的过程中，歌唱者咬字的方面不但与平时说话有着一定区别，在不同的歌曲中，发音也有着一定区别，尤其是在咬字的力度以及位置方面。提高演唱的水平，必须对发音进行锻炼，应用心理调控技巧，可以调整学生的心理反应，在演唱的过程中，咬字吐字一定要清楚，不能使发音出现残缺，利用心理调控技巧，可以对学生进行提醒与调整，在发音记忆时，学生可以通过联想或者设想的方式，对字词的发音进行记忆，这样才能保证演出的质量。

2.2 共鸣感觉的心理调控

在声乐歌唱的过程中，最佳的状态是产生共鸣效果，为了达到共鸣，需要应用一些心理调控技巧，首先，在演唱时学生要对呼吸进行调整，还要找到正确的发音以及共鸣的位置，要对心理进行适度的调整，如果学生心理比较紧张，可能会出现顾此失彼的问题。为了锻炼产生共鸣的技巧，学生要对相关生理知识进行了解与掌握，还要在平时的课堂中多练习，共鸣主要分为三种类型，一种是胸腔共鸣，一种是喉部共鸣，另一种是鼻腔与头腔共鸣，只有掌握这三种共鸣，才能真正掌握这门技巧。

2.2.1 胸腔共鸣。胸腔共鸣属于大气管共鸣，比较适合低音，在音域中发挥着基础的共鸣作用。在胸腔共鸣心理调控时，可以利用心理表象方法，学生可以想像自己的胸腔是一个化学试验用的小口大肚的瓶子，你的横膈膜就是瓶低。这样的心理感觉应该始终存在于歌唱者的心中，发挥它的引导作用。在歌唱时想像自己的胸部有口，声音就是从这个口里唱出来的。

2.2.2 喉部共鸣

喉部感觉是声乐学习中的矛盾焦点所在。对于喉部共鸣，心里调节在这里仍然能够发挥良好的作用。首先要保持积极的身体状态，这是唱好歌的前提。同时要有放松的心态，这是保证身体保持正确积极状态的关键。要能想到甚至是“看到”喉部在打开。

2.2.3 鼻腔与头腔

鼻腔共鸣与头腔共鸣的关键是如何打开头腔。在高音区演唱时，应该在心理上首先想到小舌头后面就是鼻咽口的位置，在内心听觉和内心视觉的监督与引导下找到把声音投射进鼻咽腔的角度，同时向后面哼唱，打开头腔的同时，在心理上要想像声音集中成点状，越到高音，感觉这个点越亮越集中。

3 良好歌唱心理的培养

3.1 重视情绪和情感的培养

情绪是建立在生理基础之上的一种主观心理活动。包括演唱者的喜、怒、哀、乐，这些直接或者间接地影响着他们的演唱。虽然人体的其他器官状态很正常，但是由于心理情绪异常甚至是有抵触、害怕，那么在这种情况下要乡演出成功，几乎是不可能的事情。我们经常可以看到有些平时唱的不错的学生，在台下练习的挺好，但是一上台，心跳加快、气息上浮、声音发抖，大脑一片空白。因此，对于一个声乐学生或者声乐老师来说，丰富的情感和稳定的可控的情绪是重要的心里品质之一。只有良好地运用情绪情感具有的调节和监督功能，才能提高学生声乐水平。

3.2 重视技巧的培养

良好的歌唱心理的形成，需要从心理的角度入手。更需要在歌唱技巧上下工夫。古语云：艺高人胆大。作为教师，必须认识到，歌唱技巧是演唱好歌曲的内在原因，根本原因。因此应该通过艰苦的反复的练习，使科学的发声方法成为学生熟练的技能。心理学告诉我们，由于反复的训练，能够形成条件反射式的技能。它的生理基础是：由于在大脑皮层的运动中形成了巩固的暂时的神经联系系统，在一定的条件刺激下，一系列的运动就会幻灯片播放一般一个接一个地产生出来。

3.3 重视心理暗示的作用

实践证明，在声乐教学过程中，教师采取多肯定、少否定的办法是培养学生良好歌唱心理的有效办法。好学生是表扬出来的。教师可以抓住学生演唱中某个好的声音、好的乐句，提醒学生注意，这是他的闪光点，并进一步要求他对这个闪光点进行总结，上升到理论的高度，对其他部分的演唱形成指导作用。

结束语

综上所述，心理学与声乐学有着密切的联系，心理调控能力在声乐教学中发挥着重要的作用，只有培养学生心理调控能力，才能更好的发挥声乐水平，才能提高演唱的技巧。心理调控能力包括情绪、意志、感觉以及记忆等等，只有掌握心理调控技巧，才能在演出出发挥最佳的水平。为了提高声乐学习的效率，教师一定要提高教学的水平，在声乐教学中增加心理学教学，使学生可以灵活调整情绪，是自己在演出前可以达到最佳的状态。本文对心理调控能力在声乐教学中的作用进行了分析，希望对声乐教师提供一定帮助，从而提高学生的成绩。

参考文献

[1]薛晓燕.声乐教学中歌唱心理调控能力的培养[J].北方文学（下旬），2012，11.

[2]谢华丽.声乐教学中心理调控能力的培养[J].中小学音乐教育，2008，6.

配音的技巧方法篇5

关键词：声乐学习 心理活动 心灵的歌声

声乐艺术是人的艺术，它通过人的思想、感情利用声学上的各种技能而获得成功。它的整个过程，既是技能方法上的过程，又是充满了心理意识的过程。声音的高、低、强、弱、快、慢、长、短，共鸣的嘹亮，声音的优美，色泽的圆润，以至个性、风格、色彩，激情演绎，无不从心理意识上打动人心。声乐学习从开始学习发声到表演，处处都离不开思想意识和心理准备。本文从心理学角度谈笔者对声乐学习的几点思考。

一、声乐学习从感觉入手是很有效的方法

模仿的运用

歌唱与发声技能技巧离不开歌唱者的感觉。对于初学声乐的学生来说，有些歌唱发声技能技巧很难用语言描绘，即使语言能描绘清楚，初学声乐的学生也很难理解。此时，就需要有一种最初级最直接的、让学生认知和理解声乐学习的方法——模仿的运用。

对于声乐的学习来说，模仿是其中一种常见的手段，恰当的模仿可以很快达到学习的目的。早在2000年前，古希腊哲学家德谟克利特就认为艺术起源于对自然的模仿。他说：“从蜘蛛那里我们学会了织布和缝补，从天鹅和黄莺等鸟的歌唱我们学会了唱歌。”亚里士多德认为模仿是人的本能，只是模仿所用的媒介不同，所取的对象不同，所用的方式不同。教师的示范极其重要，一些只能意会不能言传的技巧，如“声音位置的感觉”“声音共鸣的感觉 ”“气息控制感觉”等，如果从心理、意识上着手，运用模仿手段，就会变得简单、容易，心理意识使复杂的肌肉运动过程自动实现。WWW.133229.coM通过教师的示范、学生的模仿，学生才能对“难以理解”“难以控制”的复杂过程得到感知。由此可见，模仿这种学习方法不仅出自人的本能，而且能最大限度地适应音乐艺术的规律和人的心理特征，它是通过视觉、听觉、动觉等感觉产生的，也是人类“呀呀”学语本能对位性的显现。

灵敏的听觉训练

初学声乐的学生，总是要不断认识歌唱的科学规律，一切声乐技巧都靠意识来统治发声器官，使它按照预定要求进行动作的结果。意识指导正确与否，通过声音效果和演唱效果来进行判断，耳朵最先对这种效果进行感受，通过听觉反应，经过思维的分析、综合，便形成一个正确的心理及科学意识，进而指导肌体动作。有些学生在声乐学习的过程中，学习的热情非常高，歌唱的欲望非常强，张口就唱，对听觉反应没有任何心理意识，没有内心的自觉意识，演唱盲目，这是非常错误而有害的。灵敏的听觉反应是声乐之舟的导航器，它可以让你感受声音的刚、柔、强、弱，节奏时值的长、短，声音的喜、怒、哀、乐。灵敏的耳朵不但要聆听“优美、动听”的科学声音，还要听紧张、虚散等不对路的声音，通过这样的对比，找到正确声音的路子和方向。不但要听自己的声音，还要听别人的声音，分析别人的缺点自己是否存在，别人的优点自己如何学习借鉴。通过灵敏耳朵的聆听来进行自我观察，逐渐提高对歌唱发声技能技巧的认识能力。

声音既不像文学所用的语言那样具有清晰具体的语言性，也不像雕塑所用的形体那样具有鲜明实在的造型性。声音在现实中缺乏原型，造成了它的朦胧性，看不见、摸不着，但是通过听觉，我们却可以掌握它的一些基本特征，从而可以根据相应的感受作出肌体的反应。所以，耳朵的听觉反应，是声乐学习者的良师益友。

二、声乐学习要注意分配技能的培养和训练

声乐学习中的注意是心理活动对一定对象（歌唱技能、发声技巧等）的指向和集中。在同时进行两种或几种活动的时候，把注意同时指向不同的几种对象叫做注意的分配。实践证明注意分配是可能的。如歌唱家在舞台上表演时，眼睛看着观众、耳朵听着伴奏、嘴里唱着歌词、手在表演，注意还指向速度、节奏节拍、技巧、情绪和情感、人物形象等等。

声乐学习中要合理分配注意的能量，没有反复的、长时期的训练是不可能做到注意能量的分配进而达到自如运用。认知心理学家把注意的能量分配看作“聚光灯效应”，即：“在灯的瓦特数不变的情况下，聚焦大小与灯的亮度成正比”。 当注意心理指向多种活动或一个系列的运动时，注意的能量就会有意识地出现不同程度的分配问题。

人的注意分配技能是后天培养和训练出来的，我们能否在同一时间内把注意分配到几种活动上，必须依靠一定的条件。同时进行着的两种或几种活动中，必须至少有一两种活动是已经熟练和自动化了的，只有这样才不至于顾此失彼。声乐学习是多种活动的训练，如呼吸训练、打开喉咙训练、吐字训练、表情训练、放松下巴训练、歌唱姿势训练、表演训练、情感体验训练等等。当这些活动都很生疏时，把注意同时指向各种活动肯定是不行的。因此，必须分别练习、各个突破，经过长时间的磨练，在头脑中形成一定的反射系统，演唱时才可以不费力气地同时完成各种活动。

三、声乐学习离不开丰富的想象与积极的联想

想象与联想是一种特殊的思维形式，通过积极主动地想象与联想，能生动形象地间接概括歌唱的发声特点。在声乐的学习过程中，想象与联想的空间是无限的，它是一种无形的力量，推动着声乐学习者的进步。

积极主动的想象与联想是声乐学习的必需方法之一。音乐家史开勒斯说：“在唱一首歌的时候，是思想把歌儿唱起来。”歌唱者本人就是自己的“乐器”，在操纵自身乐器的过程中，人的声音看不见、摸不着、难以观察，是种抽象的物理音响。教师为了让学生理解声音、习得演唱方法，会用上许多具有启发意义的教学语言，例如用比喻性词语、某种场景的写实或夸张性的描述等等。学生依据教师的启发与引导，展开想象与联想，想象与联想越丰富，对音乐、发声技巧的感觉力就愈加敏锐、愈加强烈，对抽象声音、技巧的概括重组就越快。

想象与联想为建立正确的声音概念、掌握正确发声技巧提供了更多的可能。例如“哼鸣”练习，要求口腔里像含着一小块糖，脸部保持含蓄的微笑，声音靠前，集中在鼻腔，像小声哭泣般送出来，学生通过以上的语言引导，通过积极想象，联想“伤心、小声哭泣”的情景，便可以很快找到声音的位置以及面罩感。再如“闻花式”吸气，为了让学生在吸气过程中能充分打开鼻咽腔而又不至于提气，要求“把花的香味闻到肚子里去，甚至更深的丹田周围去”。通过这样的引导启发，学生加以想象联想的积极配合，不但能打开鼻、咽、口腔通道，还能很好地稳定气息，达到更好地演唱的目的。

四、声乐学习需要坚强的意志行动和自信心

意志行动

“意志”在《辞海》的解释是为达到既定的目的而自觉努力的心理状态。在每一个声乐学生的心中，都有一个共同的目标：学好，唱好。在这个艰难而漫长的过程中，所谓“自觉努力”，应该是指在声乐的学习过程中，始终保持强烈的歌唱欲望和积极的学习心态。来到声乐课堂，看见老师，看见钢琴，内心就要进行积极的心理暗示“我想唱”“我很想唱”，把老师所讲的歌唱方法在内心进行意念式练习，从无声的气息练习开始，从简单的发声练习开始，就要表现出这种兴奋状态。在演唱或发声之前，演唱和发声的效果已经作为行动的目的存在于大脑之中。通过意志的心理调控，带动意志的行为调控，促使肌体肌肉微妙恰当协调，这样，口、咽腔打开了，气息顺畅了，声音通道建立了，声带的张力精确了。随着音高的逐渐增高，意志的支配力量也越强。

实践证明，意志坚强的歌唱者克服歌唱发声中缺点和错误很快，接受正确方法也较快。意志力薄弱者，不仅克服歌唱发声中的缺点和错误较慢，接受正确方法也较慢。歌唱家卡鲁索毕生刻苦磨练，意志坚强，被誉为有史以来最伟大的男高音。男低音歌唱家夏里亚出身贫苦，小时候做过鞋匠、艺徒及商店抄写员，还在流动剧团当配角，由于酷爱声乐，刻苦好学，毅力超人，唱作俱佳，表达歌曲入木三分，刻画人物栩栩如生，具有崇高的国际威望。声乐学生运用意志心理进行声乐学习，是一种极为重要的方法。

声乐学习是一项艰苦的劳动，不但要付出辛勤的汗水，还要求学习者有百折不挠的顽强毅力。一般来说，基础训练并无速成的诀窍，一个技术、技巧的获得，声音观念的树立，需要花大量的时间和精力。歌唱的技术、技巧只有在实践中反复训练，在对与错中反复感觉、分辨，才能理解进而掌握。

“自我意识”与自信心

声乐学习保持良好的心态，有强烈的歌唱欲和表现欲是十分重要的，没有信心就不会有饱满的热情，更谈不上学好声乐。多唱（歌唱欲望）、敢唱（表现欲望）对声乐的学习是十分必要的。随着学习的逐渐深入，在歌唱的“不自然”阶段，有些学生的心理会产生微妙的变化，意识到自己的声音离老师的要求较远、有差距。一段时间内仍没有找到理想的声音，缺乏学习声乐应有的耐心、恒心，以至逐渐失去了歌唱的信心，认为自己唱不好，对自己的声音没把握，便不愿去练，不敢开口，纵使是开口唱了，也是被动、消极应付，久而久之便产生歌唱恐惧心理。这里需要指出的是，多唱、敢唱的目的，并不是去炫耀你的声音有多么好，而是通过多唱、敢唱来发现自身存在的问题，这就是歌唱中的“自我意识”。通过这样的自我意识，接受他人对自己的评价，总结自己的优点与缺点。当自己的心理意识评价与老师对自己的评价相矛盾时，学生就应该对自己的心理意识进行实事求是的检查，从而朝着正确的方向发展、进步。

多唱、敢唱为别人和自己提供了正确评价自己歌唱能力的良好途径，这对于提高学生歌唱发声的认识能力，培养和发展歌唱发声正确的心理意识是非常重要的。

五、多种记忆方法的运用有利于声乐技巧的提高

学生在声乐学习过程中，通过演唱实践感知过的技能技巧、思考过的内容、练习学过的动作、体验过的情感等等，在演唱完毕后，并不会消失得无影无踪，仍会在大脑皮层留下演唱兴奋过程的痕迹。根据遗忘先快后慢的规律，多回忆演唱感觉，勤做声乐学习笔记，不失为声乐学习的好方法。笔记的内容是多方面的，可以是唱某个高音的肌体感受，对好与不好的声音色彩的听觉感受、气息运用的控制感受、酝酿某种歌唱情绪的心理过程、咬字吐字方式方法、自己的某些演唱发声想法等等。通过多回忆、勤笔记的方式，就能使在声乐课堂上习得的歌唱技能技巧得到进一步强化。歌唱神经联系的形成，就是要依赖反复的练习，反复强化才能暂时巩固神经联系，识记的东西才能得以保持。声乐笔记可以很好地帮助学习者进行歌唱技能技巧的重现、再认、巩固并保持下来，逐渐积累成演唱经验。

正是由于音乐记忆，才使声乐学习者的歌唱技能技巧从无到有，从少到多，从浅到深，从单调到丰富。在声乐学习中，必须运用各种记忆方法，把知识巩固起来，否则永远是个“新生儿”。

六、声乐学习需要加强情感体验

音乐艺术不是反映事物的具体形象，而是侧重表现自我内心的情感、精神体验。在艺术实践过程中，人们必须通过各种音乐表现手段才能实现自己的艺术目标。假如把歌唱完善的技能技巧比作一棵大树，歌唱者的文化素养就是装饰这棵大树的绿叶，它对于歌曲演唱的内涵表达起着十分重要的作用。相同的一首歌曲，为什么有些人唱起来像一杯白开水，而有的人却唱得叫人回味无穷？这正是文化素养体现在歌曲中的理解力和表现力。

随着声乐学习的不断深入，学生建立起稳定的声音通道，声音色彩调整俱佳之后，在歌曲演唱方面的要求更多的就是怎样表达歌曲的思想情感，表现这种“自我内心的情感体验”，在这种“自我”的感悟过程中进行二度创作。此间二度创作过程正是检阅歌唱者文化素养以及综合素质的过程，一个优秀的歌唱者不仅要有精湛的歌唱技能技巧，更要有丰富广博的文化知识修养。演唱一首声乐作品，只有深入地分析其内涵，理解其内容，才能把作品表现得淋漓尽致。例如演唱歌曲《黄河怨》，为了恰当准确表现“国破家亡”“妻离子散”的深重苦难以及“清算血债”的决心，演唱者首先要深入了解中国的抗战历史，了解此音乐作品产生的时代背景以及作曲家的生平，甚至要去欣赏相关的影视资料，如《南京大屠杀》等，激发强烈的爱国热情，在演唱时通过内心积极想象联想，心潮澎湃，在这样的情绪之中就一定能很好地表现这首声乐作品。

可见，学习声乐不但要有好的嗓音、乐感和良好的声乐基础训练，还应有较高的音乐素养、艺术修养和相应的文化水准，这里且将其统称为文化素养。要通过文化素养来加强情感体验，提高声乐学习者的悟性、理解力和表现力。因此，声乐学生在歌唱技能技巧提高的同时，不要忘记提高自身的文化素养，让歌声真正成为“心灵的歌声”。

参考文献 ：

[1]邹长海.歌唱心理学[m].广东:广东高教出版社，1993.

配音的技巧方法篇6

    一、字音辨析题答题技巧

    1.对多音字的把握,掌握“音随义转”的原则。在吃不准的情况下,可多考虑从词语具体意义的角度入手解决问题。常见多音字标“次读音”正确的可能性大,标“常读音”正确的可能性小。形声字标“不同声旁读音”正确的可能性大,标“同声旁读音”正确的可能性小。常见字标音正确的可能性小,生僻字一般不会标错音。一般考辨析,不考拼写,不考查汉语拼音方案。

    2.善用排除法。如果题干是全部不相同的,就把有两项相同的去掉;如果题干是与所给字的读音全部相同的,则去掉一个不同的一项;如果题干是读音全都正确,就去掉有一个错误的一项;如果题干是读音有错误的一组,就排除肯定无误的一项。总之,用排除法是一种比较好的方法,当然也需要一定的知识积累。

    二、字形辨析题答题技巧

    1.音辨法。逐个审读容易出错的字,从中可以辨析出一些“形近而音不同”的别字。

    2.形辨法。如果怀疑某个字是别字,可以写出几个同音字来比较或写出几个形似字来比较。

    3.义辨法。通过掌握的词语意义,或通过分析形声字的形旁来推导这个字的含义,再放到这个词语中去判定是否相符。

    4.结构辨析法。对于独体字或形声字中的形旁已失去表意功能的形声字,可以通过分析词语的语法结构来确定它是不是别字,还可以通过对整个词语的理解来寻找不合语境的别字,还有一部分就只能依靠我们平时的积累了。如果题干是有错别字的一项,就排除肯定无错别字的;如果题干是全对的一项,就排除肯定有错别字的;如果题干是有两个错别字的一项,就先排除有三个错别字的一项。总之,可以多使用结构分析法:一是字形本身结构,二是词语结构。辨析字形要注意把字的音、形、义结合在一起来考虑,看词语不宜太长久,要善于回想什么时候在课本或课堂上接触到这个字的。如无把握,可放放再说,但必须用记号来提示自己。

    三、词语运用题答题技巧

    主要是近义实、虚词的分辨。通常是用几组近义词进行辨别,这里要特别注意具体的语境,析同辨异,把握细微区别。要做好它,平时就要有语言准备,但是在考场上如果确实拿不准,就要凭语言感觉去选择自己认为的最佳答案,一般有两种类型:

    1.实词辨析题答题技巧:对词义的理解,有相同语素又有不相同语素的词语,重点是分析理解不相同语素,可以通过组词来理解,也可以找出反义词来理解,还可以分析形声字的形旁来理解。语素都不相同的词语,重点从用法方面考虑。对词语的运用,一定要在上下文中找到相应的信息,重点是使用场合上的搭配。注意采用排除的方法,将最容易辨析的词语先排除,逐步减少选项。

    2.虚词辨析题答题技巧:虚词在语句中起着调节各种语言关系的作用,在口语尤其在书面语中使用频繁。在中考中做虚词题目,主要是凭语感,要通读全句,整体感知,认准关键,准确把握;也可以造一些结构相似的句子来分析它的正误。其次是找出配套的关联词语,前后联系来确定虚词的含义;如果配套的关联词语在句中只出现一个,应该将它补全分析;再将关联词语与句子内容结合起来分析,在关系上保持一致。总之,注意采用排除法,将最容易辨析的词语先排除,逐渐减少选项,同时也要做记号。

    四、成语辨析题答题技巧

    第一,逐字解释成语,运用成语结构特点把握成语大意,但要注意不能望文生义;第二,注意成语潜在的感情色彩;第三,注意成语使用范围,搭配的对象;第四,弄清所用成语的前后语境,尽可能找出句中相关联的信息;第五,四个选项权衡比较,选出认为最符合要求的。一般是选择正确的一项,但也得注意是不是选择不正确的一项。总之,要正确理解成语的整体意义,要注意语境的组合与搭配情况,越是想要你字面理解的成语越要注意陷阱,特别陌生的成语往往是对的。另外要特别注意两用成语的意义和用法,如,想入非非,灯红酒绿。

    五、病句辨析题答题技巧

    病句类型一般有:语序不当、搭配不当、成分残缺或赘余、结构混乱、表意不明、不合逻辑等。

    答题技巧:认真细致审读每个选项,重点注意分析并列短语作句子成分与其他成分的搭配,可以将并列短语拆开逐一与其他成分搭配,验证其当否。对于句式杂糅的句子,先凭语感判定其不协调,再分别造成句子,再放回原文中,验证其当否。对于语序不当的句子,先也要凭语感检测,再将不协调的词语或句子调换位置,看是否通畅自然。有多重否定或反问的句子,要将否定换成肯定来理解。对因不明词义而造成前后矛盾的语句,应尽力推敲出这个关键词语的含义,推敲方法是拆字组词。对逻辑概念方面的不协调,可以凭事理推断。注意题干的要求,究竟选择的是有语病的还是无语病的一项。判断病句用排除法居多,必须用记号来提示自己。做题思路通常是:检查句子的主干,是否缺成分推敲词语运用,是否搭配心里默读,是否有不同的句式混用综合思考,是否符合逻辑思维,特别注意以下几种情况:

    1.介词“关于”“对于”“对”等开头的句子,注意主语的残缺。

    2.类似于“A”是“B”的句子,注意“A”“B”的协调,也可能是句式杂糅。

    3.动词后有很长的修饰词语,注意是否宾语残缺。

    4.用“和”“或”以及顿号连接的并列成分,注意歧义及内在逻辑顺序是否适当以及意义的从属关系。5.前半句使用了“能否”“可否”等双面词语,注意后半句是否与前半句协调。

    6.反问句及疑问句注意是否表意相反。

    六、语言连贯题答题技巧

配音的技巧方法篇7

关键词；即兴伴奏；技巧；和弦；音型；视奏能力；

劳动创造了人类，也创造了音乐。晟初人们所使用的音乐是没有规定好的曲谱，而是即兴的说唱、乐舞、演奏。随着人类生活的发展。音乐由最初的随心所欲，发展到为了使其更加悦耳产生理论上、技术上的规定和约束。即兴伴奏就是建立在乐器演奏技巧、和声基础和演奏者创造力三者之上的。它是根据即定的歌曲旋律，在键盘上即兴弹奏出包括一定的和声与织体的伴奏声部。

歌曲手风琴即兴伴奏是手风琴伴奏形式中一种最实际、最常用、最快捷的演奏技能。它要求伴奏者将手风琴演奏技巧、键盘和声手法、作曲理论知识结合起来，在旋律的限制下，在事先毫无准备的情况下进行瞬间的艺术再创作。它是一门集技艺性、实用性为一体的基础课。因此演奏者对键盘技能与作曲技法应用的高低好坏，对演奏水平能达到何种程度起着决定性的影响。

一、歌曲手风琴即兴伴奏特征

歌曲手风琴即必伴奏由于事先毫无准备，好象“即兴发言”或“即兴演讲”。所以一般说来，歌曲手风琴即兴伴奏不大可能完全采用歌曲的伴奏谱所采用的那样复杂的表现手法与技巧，而更具有实用性、即时性、灵活性等特点。这就需要伴奏者具有扎实的音乐理论知识和较好的键盘弹奏能力。

歌曲手风琴即兴伴奏，这不仅仅只是一个技术手法的处理问题，还应从作品的内容和整体结构出发，经过精心的艺术构思。激情地将它表现出来。所以必须具备敏捷的创作思维能力和丰富的想象力。

歌曲手风琴即兴伴奏，是音乐作品的有机组成部分，它虽以“伴”为主，但它与其伴奏对象共同塑造了一个完美的音乐形象。但是毕竟是“伴”，所以必须要注意以“伴”为主，不能“喧宾夺主”。

综上所述，歌曲手风琴即兴伴奏是手风琴艺术综合能力的反应。它不仅需要伴奏者具有敏捷的思维、灵活的手指能力、熟练掌握和声编配的理论知识，也将丰富的伴奏音型、织体及各种表现手法储存在大脑中。在键盘上正确的弹奏方法、设计合适的指法、在各常用调上移调弹奏等综合能力也是不可缺少的。

二、歌曲手风琴伴奏的技能、技巧

手风琴既是一件和声性很强的乐器，同时也是一件富于歌唱性的乐器，但不是每个人都能使其歌唱。你除了要有一双聪明灵巧的手和一个优秀的头脑，还要拥有坚实的基本练习基础。手型非常重要，它不但利于完成乐曲，而且利于表演和谐统一。手型不是固定不变的因为乐曲的本身也是高低起伏、强弱变化的。手型的原则应是尽力发挥手的积极性，培养指尖弹奏的准确性。要编配好的伴奏，首先要对这首乐曲进行全方面准确的分析研究，然后才能将各种技法使用得恰到好处。

(一)分析歌曲的内容，体裁、调式、调性以及曲式结构的特点

任何歌曲都有自己的音乐内容，它不仅仅体现在旋律中也体现在歌词当中。因此。在为歌曲编配伴奏时，应要先熟悉乐谱，通过歌曲的旋律和歌词来确定歌曲的题材、体裁以及调式调性、速度力度等诸多因素，从而来设计伴奏的手法与和声的织体。

(二)配置和弦

和弦的配置是重要的环节之一。不同的和弦连接可以表现不同的思想内容，塑造不同的音乐形象，在开始时，可以先学用I、IV、V级三个正三和弦，慢慢随着学习的进一步深入可以逐步扩大和弦的选择。编配和弦最重要的一点是强调歌曲的调式调性。开头和结尾和弦大多数是主和弦，这样才能够明显地体现出歌曲是大调、小调或民族调式。结尾部分往往是正格、变格等终止形式。歌曲的中间部分或一个乐段结尾处常常有半终止的出现，这时往往落在属和弦、下属和弦等。和弦确定下来后，接下来就是琴上实际弹奏，根据弹奏的效果改变部分不协和的和弦。为旋律配置和弦时更换和弦的频率要由歌曲的性质来决定，比如：活泼的、节奏轻快的歌曲和声较疏，几个小节配一个和弦。慢速抒情的歌曲，可以一个小节配一个或两个和弦。总的来说，和弦的使用要以“少而精”为主要原则。

(三)确定伴奏音型

伴奏音型是即兴伴奏中和声进行的具体形态。音型是和弦的形态，和弦是音型的灵魂。所以，必须从和弦的角度去归纳音型的基本型态。柱式和弦的音型使用无论是在传统艺术歌曲，还是在现代通俗歌曲中都广为应用，在不同的类型、速度的歌曲中所造成的意境也迥然不同。如《掌声响起》的第一乐段仅用几个柱式和弦便造成一种轻静抒怀的味道。同样是柱式和弦如果用在《没有共产党就没有新中国》、《中国，中国鲜红的太阳永不落》、《国际歌》等歌曲中，就会使这些进行曲式的歌曲更为有力度，共产党的光辉形象就生动地树立起来，也有了震撼人心的内在力量。

因此，在选用音型时，一定要从充分表现音乐内容的前提出发，充分发挥每种伴奏手法的内涵表现力量。

(四)歌曲的前奏、间奏与尾声

许多歌曲都有前奏、间奏和尾声，用以补充、发展或是烘托歌曲的内容与感情，成为整个歌曲不可分割的重要组成部分，艺术效果也非常显著。

那么怎么样才能更好的处理歌曲的前奏、间奏与尾声呢?

1、前奏是乐曲的序幕、开场白，它应该造成听众的期待心理。前奏一般应该是短小精练、个性鲜明的。

1 提示主旋律材料的前奏

以歌曲的末一句作为前奏的较为多见。由于首尾相通，可以自然地引进主旋律。乐曲结束句的和声进行大多都有终止式进行，用在前奏中能充分地揭示出调式的和声功能，肯定调性。同时，还可以将主旋律中节奏型、音调等最有个性的句子或片段抽出来作为前奏。这种手法可以使一首乐曲的精华部分更加醒目、难忘。

2 用新旋律材料写成的前奏

用不同于主旋律的曲调做为前奏可以增加变化。它受主旋律的限制比较少，创造性想象的余地就更广阔。不过也不能随心所欲，可以是旋律型节奏型和主旋律类似，也可以是风格意境与主旋律融合。比如《我们的明天比蜜甜》，就是用主旋律的片段加装饰变化和紧缩的反复手法写成的，左手与右形成二声部模仿。

2、间奏与乐曲高潮的处理

间奏是指歌曲中长音或休止符以及乐段之间的伴奏处理。它的作用是为了更鲜明地衬托出音乐的情绪发展，伴奏可根据歌曲或乐曲的性质采用一些适当的手法来使音乐更加流畅、完整。

1 节奏性的填补；当主旋律声部是长音或休止时，伴奏中持续着特性的节奏律动。

2 音型性填补：将乐曲的主要旋律音调与和弦音进行有机的组合，写成具有一定规律的音型进行填补。比如《军港之夜》。

3 尾声的处理

尾声是指在歌曲主体部分结尾以后，或是在最后的结束音上弹奏的那一部分旋律。它可以使歌曲的主体更加突出、集中，并达到更高的境界。同时也使演唱者的情绪随着尾声的进行推向高潮或渐渐平息。手风琴可以奏出持续且渐强的音响，因此当歌曲的结尾是在激情中结束时。用震音式最恰当，特别是在震音后再用和弦做结束更显得整齐有力。

三、嘉庆视奏能力的训练，掌握正确的弹奏方法

手风琴是一种技艺性很强的乐器。正确良好的弹奏方法、富于层次感的触键方式、较好的音阶、和弦技术，都是弹好歌曲手风琴伴奏的基础。

从弹奏技巧来说，技巧不等于伴奏技巧，二者有本质区别。前者是以机械练习为主来再现乐谱的，而后者是以创造性的劳动完成歌曲伴奏的伴奏任务，使之成为与歌曲相辅相成的整体。因此不必作大量的机械性技巧练习。但要练习脑的反应，不论何时何地，反复思考弹配方案，在内心视觉的“键盘”上配弹，用心听觉感觉、感受配弹的音响，最后上琴检验配弹的效果。

除此之外。还要坚持做移调练习，熟练掌握常用调的基本和弦配置，建立起键盘上的牢固的调性思维。所谓“台上有一分钟，台下十年功”。掌握正确的弹奏技巧是需要长期艰苦、坚持不懈的努力方能巩固和完善。

四、丰富的想象力合创造力思维是关键

歌曲手风琴即兴伴奏有它的即兴性，但它即不能漫无边际的海阔天空，也不是要绝对遵守严格的公式格律。要根据各自的想象力，创造性的编配，使每个人的灵感和才能在逻辑的轨道上创造性的充分展现出来。要信赖自己的听觉，只有自己听了觉得美的音响，听众才会获得美感和共鸣。同时要根据音乐形象及思想感情的变化、乐曲背景与和声运动的需要来考虑钢琴伴奏的织体。如右手可以用琶音来模拟自然界的流水、单倚音来模拟鸟鸣声声、以此来借景抒情。也可以汽车的鸣镝声、琵琶的弹拨来渲染气氛，当然也可以汲取人民生活中熟悉的音调与节奏。用这种创造性思维与整个作品有机地结合为一体。

配音的技巧方法篇8

小提琴有精美外观和细腻的声响，同时还有宽广的音域.多为人们喜爱。众所周知，学习小提琴是不容易的，它不仅需要长时间的练习，而且还需有一定的领悟能力。

雷锋也曾说过：做好事不难，难的是天天做好事。这个就像学习者要坚持不懈的练琴一样。从左手技巧来讲，它包括揉音、换把、双音、和弦、拨弦、泛音、颤音七个方面，想要掌握这些必须经过长时间的练习和科学的训练方法。

左手手指的独立性就是一个突出的问题，在学习的过程中，我们会发现，活动一根手指时很容易牵动其他手指，例如三指与四指，其中一个活动就会带动另一个，完善手指独立性就需要不断练习和改进。音乐是用来表达内心情感的，只有通过左右手的协调配合，才能做到情琴融合，当学生有了一定基础，懂得辨别美的音色就会根据音乐的表现加入揉弦，但是每人习惯不同，其揉弦的特征也会有所不同。具体表现在揉弦的快慢，持久性。

当我们遇到一系列长音时，需要做不间断的揉弦，对于揉弦的频率与保持的耐力，将会是一个很大的考验。如何保证均匀有力并持久的揉弦呢？就左手练习而言，可先不用琴，将左手手型保持并做手腕前后摆动动作，不用弓。将手指放在弦上，手指往琴头琴码方向做前后运动，即手指的第一关节做凹凸运作，或者利用半音的上下滑动来获得揉弦的感觉，然后固定在某一音上练习。

有些人在演奏中带给听众一种呆滞迟钝的不适感.这种缺乏美感的揉弦是因为左手没做到彻底的放松或者是过分紧张练习所致。可用上述方法进行练习及放松练习予以克服，最后将揉弦技术加入乐曲去体验美的音色。可根据情绪的不同由快至慢或由慢至快做不同力度的揉弦。

任何一首乐曲都需要左右手的配合才能清晰、流畅的将它完成。在开始一首新作品时，首先要对指法要进行分析，尽量的保留手指。由于四指天生的软弱性，演奏时常自然的将其带过。这样设计的好处是：保留手指可减轻手指的运动疲劳感；减少换弦时带来的杂音；树立手指的相对位置利于音准的把握。若不保留将导致节奏不稳定、精确度大打折扣。因此，遇到四指的情况时要有意识的保留。这要求我们加强练习曲的四指练习。这样才不会在快速的乐句中造成漏音，当然保留指在应用时需要灵活的适用性，应用辩证的观点去看待。

完美的演奏，少不了刻苦练习，坚定不移的意志和信念，要相信自己一定可以。在保证量的基础上注意质量的突破。我们的一切动作都受大脑控制，用脑分析乐曲找出难点重点，集中精神花在难点，有主次的各个突破，提高效率.对于已经掌握的技术技巧也要经常学习巩固.

在平常的练习中发现，容易感到左手的困乏的另一技术是颤音，对于乐曲中偶尔出现的小篇幅颤音，还是可以按要求完成，当大篇幅长时值的颤音出现，手指起落就不在像平常一样均匀而有弹性。颤音必须要做机械练习，要增加左手力量，利用手指自身的重量有弹性的起落，节奏均匀。手指慢而均匀的抬起，保持固定高度，保持手型，克服肌肉软弱不能急于求成，要逐步累积（例：克莱采尔36首小提琴练习中颤指这一技术 作为循环排列第15课开头）在这一小节中，三指用来打颤音是非常灵活的颤两下就可以同时加重颤音使他变得华丽干脆开始要慢练不能因为颤指而破坏音符时值。在练习中大拇指必须自由，以便于速度的变化，此外，左手练习颤音还有克莱采尔第十九，二十，二十一，二十二课。

技巧是为乐曲服务的，无论技巧怎样困难，都不应该迁就于它而去牺牲旋律的设计，纯粹的技术会被具有真正音乐内容的作品所取代。技术从属于乐思，如斯波尔《柔板》旋律优美充满生机，令人咋舌赞叹，为揭示作品的内在精神，发掘实物，演奏者则不得不全力以赴的去达到宏大宽广的音响要求。

学习小提琴就如逆水行舟，不进则退，手指的耐力将是完成它的基础，无论是高超的技术还是平常的按弦都少不了本身的基本功，为保证自己的技术技巧不衰退，必须不间断的坚持练习，只有将基础打好才能在实际的演奏中逐步提高技术，脑海中所要求的完美，手上却不能完成。这种心手不一的练习过程，对于学习来说将是一个极大的打击，无法做到和谐满意的技术处理，对自我能力产生怀疑，为了从心理和技术两个方面能同时掌握某一技术，必须反复不断地练习，这种有目的性的训练是成就完美演绎不可缺少的必要条件。

我所说的技巧练习，仅仅为了实现应用并非为了培养技术而破坏音乐的感受能力，正确的练习时间，练习材料.分配自己和理的练习方法，有机结合才能使我们在潜移默化之中得到全面的训练.

为避免机械性的技术重复再练习方面，应注意不断地训练原则。

首先是练习材料的比重，在技巧掌握的基础上正确应用于作品之中，研究音乐作品本身，将二者融合；重现该作品，找出最省力的方法，指法。做好准备，将开始练习时的有意识的动作，变成下意识的动作，不同年龄阶段的人也应有不同的练习方法，在幼儿时期，较浅的做重复练习不容易至烦，当其长大并有了一定的技巧基础，会对单一联系产生反感，此时则重点则需要多花费与研究纯音乐的内容方面，精神与灵魂的抽象交流，在音乐这条路上，我们追求的是完美，人们都会存在弱点，因此对于自己的弱项一方面进行单独的目的训练，不断地完善。

小提琴之所以动人，就于音质的迷人，在演奏快速的乐段时，短分弓较容易产生杂音，这就是我左右手配合的问题，左手的按弦动作在与右手的拉弓动作不完全一致，接触全不稳定，此时片面的追求速度，就显得有些鲁莽，以为只要拉的速度快就可以得到掌声得到喝彩，这种拙劣的演出，也许技巧很多但去速度之外别无他物，不会有共鸣不会有感动，这种纯技术上的罗实音乐上的失败，毫无感情的卖弄技巧，没有音乐灵魂，只能是拉琴的工具，演奏前需要分析乐曲的曲式，各段的表情，速度，力度等.