浅谈关于中提琴在交响乐队中的演奏

【摘要】中提琴这件乐器的音色有别于小提琴的明亮和大提琴的雄浑,它温暖动人的独特魅力深受作曲家的青睐,在交响乐队中发挥着重要的作用。那么我们应该如何在交响乐团里演奏中提琴?怎样演奏才能达到好的效果?本人工作于职业乐团近七年,很荣幸能借此机会与大家分享一些在交响乐团里演奏中提琴的心得。

【关键词】中提琴;交响乐队

1节奏的准确;在演奏音乐时,我们经常会遇到几个声部需要用同样的节奏运行的情况,但是只要有一个人在其中演奏时的节奏不稳定,那么其他的声部立即就会受到影响,牵制了整体节奏的运行。在贝多芬《第三交响曲“英雄”》第一乐章的赋格里(见下图)

我们在演奏这度音乐的时候,为了保证节奏的均匀(长音与短音的均匀),一定要在心里打小拍子,特别要当心第四小节带附点的四分音符和八分音符,这些音符在实际演奏当中演奏者很容易受到情绪影响,演奏时往前加速,因此千万要注意这些音符演奏的时值。

2 音色的统一:中提琴在柴可夫斯基《第六交响曲》,肖斯塔科维奇《第五交响曲》,柏辽兹的《罗马狂欢节序曲》,《本凡托切里尼序曲》,拉威尔的《达芙妮与克罗埃第二组曲》等这些乐曲里,都有著名的旋律片段。这要求整个中提琴声部在演奏时,要有统一的音色。例如:在柏辽兹的《本凡托切里尼序曲》中(见下图)

从一开始的带装饰音二分音符进入,就是DOLCE的表情记号,P的力度记号;这要求所有的演奏者要非常地富有表情,并演奏出柔和的音色,揉弦多一些;POCO CRESC之前一定不能有渐强,之后一定要做充分的力度渐强,把整个旋律带起来,然后迅速渐弱到P,并且迅速换到第三把位演奏~~~。这些细节在乐谱上已经清楚告诉大家了,因此要求演奏者为了表现作曲家乐句中细微的情感变化,一定要按照乐谱上所标记的表情记号认真演奏。

前不久,我从刘韵杰老师(美国旧金山交响乐团中提琴首席)那里学习到中提琴的音色不能像小提琴靠拢,应该像大提琴的音色靠近,这样才能把中提琴的音色发挥出来。不要为了方便,,只用简单的一把位和三把位,应该多用第二把位,第四把位,这样出来的声音才会浓厚,温暖。色彩才会更加丰富。用他的话来说“为了追求好的音色,有时一定要给自己制造必要的麻烦。”

像第八小节当中的这一乐句,如果是用第一把位演奏,音量就会太响,色彩也就没有了,此时无论你再怎么控制右手都不会有好的效果。但是如果选择在第三把位上演奏,色彩完全不同,音乐更加的引人入胜。

3 乐句的走向与力度的变化:

《贝多芬:科里奥兰序曲》

在这段音乐当中,用一个P的力度保持SPICCATO演奏,并且能够随着音乐的走向轻微地调节演奏的力度,而不是一味死板地演奏。为了突出的两个重音(F力度),其他的音符需要演奏更轻一些。

4 分清主次

不要只顾着自己的声部,要多听其他声部,主动寻求配合。特别在一些赋格乐段中(见下面的贝多芬第三交响曲《英雄》的赋格乐段)

当演奏这段旋律时,一方面要准确地按照速度演奏,一方面要听其他声部的和声及节奏,不能情绪一激动就忘乎所以,否则就会出现整个乐句全部被打乱,不能正常进行下去的局面。演奏完这段旋律后,要主动撤回到P的力度演奏,仔细聆听下面其他声部的乐句演奏。要做到有来有回,“当好红花的同时也要做好绿叶。”这样演奏出来的音乐才会有层次感。

5 乐句的衔接

在《德沃夏克第九交响曲》第四乐章,有这样的衔接乐句,在演奏时一定要注意与下一句乐句的衔接(即与后一句大提琴声部的交接),包括音色,音量,节奏等等。尾音要处理的特别小心,不能认为演奏完没事了,就把最后一个尾音像“垃圾一样扔掉”,要把接力棒小心地“捧”给下一个声部。

6 演奏的状态

交响乐团的演奏除了要演奏出好的声音,更应该注重舞台的表现力。当今的社会快速发展,日新月异,电视媒体的出现已经大大地改变了观众的观赏能力。走入音乐厅的观众除了用耳朵欣赏音乐,也更加愿意用眼睛感受现场演奏的气氛,包括演奏员与指挥的眼神交流,肢体语言的诠释,富有激情的演奏,而不是背靠着座椅一成不变地演奏音符。因此我们在演奏时,需要注意演奏的状态,眼睛要多看指挥,与指挥有眼神上的交流,当出现自己的旋律时要主动用肢体的语言传达,多参仿柏林爱乐乐团的演奏状态,提高舞台表现力,达到赏心悦目的效果。职业交响乐团的工作强度一般都很大,每天排练的时间达四五个小时,演出时间一般都在两个小时之久。由于工作的性质,演奏员必须长时间坐着演奏,久而久之会对身体造成一定的影响,包括肩部,背部,腰部。中提琴的体积往往都比较大,所以在演奏时更加要小心,不能一味地蛮干,应该用科学的方法,放松的状态来演奏,特别要放松肩部,颈部。腰不要靠在椅子上演奏(长期下去腰部会受到很大的伤害)。下班之后有时间一定要加强锻炼,保证身体健康。这样才能增强演奏的活力,永葆艺术的青春。