戏剧舞台空间的运用

摘 要：空间的利用是舞台设计的核心。在当代英国，舞台设计师们已经学会不再沿袭传统戏剧展示舞台事件细节的追求，而是着力于表演者本身的身体能量，从而在相对小范围的舞台空间内，激发观众的想象力，创造出不同的戏剧审美体验。

关键词：空间感；戏剧张力；戏剧舞台

戏剧可以发生在任何一个空间：教堂或者街道、宫殿或咖啡馆、阁楼或者大剧场或展览大厅、医院或监狱、帐篷里或酒馆的后院――只要这个空间允许演员和观众共存。然而，前提是――戏剧的演出应该发生在特别为演出的目的而建造的建筑物――剧场里。事实上，过去两百年多的文化习惯加强了这个前提。

理论上讲，这样的建筑扩展了戏剧设计的潜力，因为它提供了声音、灯光和空间的完美理想环境，把所有分散观众注意力的因素都排除在外。然而在实践中，这样的建筑物往往限制了戏剧本身，把戏剧圈在建筑物这个“茧”里，这个茧有意识或无意识地代表着已经建立的文化和政治态度。文化宫殿的经营，无数次实践残酷地证明，是非常昂贵的。而且，从艺术上来讲，也是很僵化而不灵活的，不能够及时反映观众的需求和时代的变化。

近年来，戏剧工作者已经寻找到了替代品――更现实、更现代、更便宜的环境去演出戏剧作品。这样一来，艺术家们不但创作了替代的戏剧作品，也创作了替代的舞台设计。有些此类的设计是即兴创作或在临时场地创作的；有些情况下是具备了戏剧因素的环境，因而被艺术家创作成为戏剧。英国艺术家汉默・史密斯的录音工作室“河畔剧社”，以及伊斯灵顿的艾尔美达小教堂――都成为了艺术中心，这里的空间非常具有挑战性，是与传统完全不一样的戏剧空间。这些一直在刺激着戏剧的舞台空间设计。类似的还包括斯特拉福德的其他地剧院和考文特园的多玛大厅。最有趣的是，近20年来英国新建的主要剧院都包含了小型而灵活的小剧场。国家剧院的科尔斯罗特别为此而建，巴比堪中心的皮特剧院（原本是排练场）也因此而改建。这些小型剧场在过20年里创作了新颖独特、制作精巧的舞台设计――毫无疑问，这要归功于有限的舞台空间。有些情况下，这些小剧社的创作非常成功，甚至超过了主流大剧团。其他剧场演出的许多皇家莎士比亚剧团创作的作品，其所具有的兴奋性和直接性使艺术家们清楚地看到了大剧场――皇家莎士比亚剧场创作的困难，这些认识促使了艺术家们建造了另外一个剧院――天鹅剧院，这个剧院由排练场转换而来，空间紧凑亲密，现在用于上演莎士比亚以及同时代的戏剧作品。

传统的剧院向相应的演出场所的转变，向设计师发出了挑战：设计师必须要面对、再思索，并对他们固有的职业思维重新定位。自乔登・克勒律治和阿道夫・阿皮亚的时代以来，“从本质上来说，戏剧是诉诸于视觉和听觉的奇迹，而不是用于阅读的文本”，已经成为不言自明的至理名言。谈到戏剧空间，舞台设计既要充分利用不断变化的舞台空间，也要确定整个戏剧空间、地理位置以及舞台同观众的关系。在这样的情况下，导演和舞台设计师之间那种僵化的等级分工被打破，他们需要进行共同努力合作来创作出舞台的空间感和想象中的三维立体效果。这样一来，在作为替代品的小剧院里，舞台设计师的作用加强了――具备了与通常意义上的高科技的“设计舞台”完全不同的意义。这主要表现在20世纪80、90年代的一些重要戏剧作品中。重要的是，不能忽视这些看上去虽然不具有很强的视觉效果，但却非常具有革命性的发展。

那么实践“贫困戏剧”方法的设计师，如何完成设计戏剧事件的任务呢？设计师的任务开始于既定的戏剧空间的戏剧特性，或者说，去寻找那种适合于戏剧事件的建筑物。设计师也可以遵循克律芝的创作原则：“设计要脚、眼并用”。沿着舞台走，感受它的大小和空间感。然后，可以塑一个模型，塑些人物来代表演员。设计师所感受到的所有东西要与导演、剧作家，演员、作曲家、编舞家共同分享。由此，整个团队紧密联系起来，挖掘所有的可能性，使文本充满了新鲜的感受和视像。这样做的目的，自然是找到讲述故事最简单的方式，帮助演员展现艺术技巧，并发现能够触动观众心灵和想象力的视觉途径。

集体为一个特定场地创作的舞台设计须深深根植于此，并且不会轻易改动。想要转移或挪走这些设计必须要仔细斟酌。彼得・布鲁克的作品《摩诃婆罗多（Mahabharata）》，最初上演于巴黎的Bouffes du Nord，是个音乐厅。当这部作品在英国格拉斯哥老交通博物馆上演时，进行了重新设计，非常成功。另一方面，有些小创作特意为流动演出而创作，布景的搭建也可以调整以适应不同的情况。皇家莎士比亚剧团一直给予舞台设计师足够的自由去设计适合移动的布景和整体舞台，可以搭建在休闲的场馆或运动场里，这样，在那些没有很多剧场的小镇里也可以看到他们的作品。皇家莎士比亚剧团流动演出的《驯悍记》，导演德・特维斯（Di Trevis）和舞台设计师帕米拉・哈罗德（Pamela Howard）的舞台设计，着重于使演员小范围聚集，设计思路和导演思路对此考虑得非常多，使作品看上去从通常意义上讲，毫无设计可言。但是，为了吸引观众的注意力并领会作品的深刻内涵，必须要做非常细致而仔细的工作来创造出准确的环境气氛。观看这类演出作品的观众应该感受到文本的内涵由单纯的身体语言和演员的张力所表达出来，只是因为表演者的身体特性是舞台设计中的基本因素。

对非正规剧院的设计者来说，表演者的身体能量、正确利用演出场所的建筑结构来增加戏剧气氛和道具的精良制作，都是非常重要而且互相影响的因素。这种着重于表演者的张力和表现力的舞台设计在布莱希特和他的设计师卡斯帕・奈尔（Caspar Neher）的创作中表现得尤为突出。他们一起重新界定了演员作为叙述者的戏剧艺术。设计师卡斯帕・奈尔（Caspar Neher）是剧院里的画家，他非常精确地理解了如何进行“人物绘画”，以最经济的方法在舞台上创作了震撼人心的戏剧人物形象。非正规大剧院的设计在最开始采用绘制各种不同的演员群体的形式来创作，这样之后可以更仔细地选择道具或舞台意象。

最重要的是，非正规剧院的舞台设计提供了逃避戏剧舞台空间的幻觉的限制的机会。国家剧院的外墙阳台在演出《》（The Passion）第一次上演的时候发挥了巨大的效果，这部作品根据比利・伯顿（Bill Bryden）的《神秘》（The Mysteries）改编，文本托尼・哈里斯（Tony Harrison），舞台设计威廉・达德利（William Dudley）。在国家剧院演出之后，这部作品移到了科特斯洛剧场演出，最后又移到了洛克厅和老利西姆剧院的舞蹈厅里上演，但舞台设计的魔力效果一直都存在。分享体验剧团（Shared Experience）前身是谢菲尔德克鲁西波剧团，现在于伦敦soho区一栋旧洗衣房里创作演出。爱丁堡特维斯剧团很小，舞台很灵活，启用了很多新艺术家，并尝试创作了一系列清晰、形象、让人印象深刻的舞台设计。格拉斯哥老交通博物馆也因同样的目的得到永久改建，使英国拥有了另一种国际舞台的表演空间，可以供给国外大型剧团的演出，同样也上演英国自己的戏剧作品。

当戏剧观众进入一个新鲜的与传统风格戏剧不同的演出空间时，这种体验是新鲜的，观众期待着新颖的感受。通常，观众并不期待舞台上展示出所讲述的故事的所有细节，也不期待舞台上充满了大型制作的产物：令人炫目的布景、魔幻般的道具、耀眼的服装。相反，有些非传统剧院的舞台上呈现出的简约风格，使观众感受到了与以往不同的审美体验，在观众的心底里产生了更震撼的力量。非传统剧院常常提醒观众，重要的是戏剧本身。只要抓住了观众的想象力，观众很容易接受那些非现实性的画面。《神秘》中，圣母玛丽亚仔细地把一条普通围巾围成一束，放在胳膊围成的摇篮里，让观众相信这条围巾就是刚诞生的耶稣基督。

这种最古老的戏剧魅力正是戏剧最伟大的力量。从正规的戏剧传统中解脱出来，在与众不同的戏剧空间中观看，加上演员高超的艺术技巧，观众被转化了， 能够理解到比听到的更多的东西，能够想象出比看到的更多的东西。

作者简介：李高华（1970―），女，吉林艺术学院戏剧影视学院副教授，硕士生导师。研究专业方向：戏剧表演理论，戏剧美学，比较戏剧学。