浅析苏轼的题画诗

摘要：题画诗是诗歌的一种特殊形式，北宋时期的苏轼创作了102题157首题画诗。通过这些题画诗，他不仅真实地展现出自己的人生体现和内心的真挚情感，还表现出理论上的真知灼见。

关键词：苏轼 题画诗 诗画理论

中图分类号：I207.22 文献标识码：A 文章编号：1006-026x（2013）04-0000-01

题画诗作为中国诗歌的一部分，因特殊的艺术形式使中国诗歌绽放出更加绚丽的光彩。北宋时期的苏轼以其高超的诗歌、书法、绘画才能写了很多的题画诗，在题画诗的发展过程中起着承前启后的作用。我们在品味文学语言的同时，还可以领悟到文字所承载的深厚的历史文化内涵。

《中文大辞典》第十册第五十五页中有“题画”条目，意思是“题诗文于山水画面也。”也就是说，题画诗是指画家或者鉴赏者根据绘画的内容所感而作之诗。有画家本人写的题画诗，也有其他人为画家的画写的题画诗；有画面题诗，也有画外题诗。广义的题画诗，除指题在画上的诗外，还包括咏画论画赞画诗。狭义的题画诗则是专指画家在画幅完成之后、抒发画中意境所赋、题写在画幅上的诗作。关于画和诗的理解，宗白华指出：“在画幅上题诗、写字，藉书法以点醒画中的笔法，藉诗句以衬出画中意境，而并不觉其破坏画景（在西洋画上题句即破坏其写实幻境），这又是中国画可注意的特色。”这些题画诗使诗和画相互融通，或为画题诗，或为诗作画，诗情画意相映成趣。好的画，也大都蕴含着美的诗情，好的诗大都呈现出美的画意。画面形象引起了诗人的联想和想象，诗人的创作灵感和创作冲动被激发出来。当诗人从画面中得到的感受和自己内心的情感相通的时候，诗人就借画吟咏性情，于是题画诗便应运而生。

北宋时期，文学与绘画之所以如此繁荣，与统治者“重文抑武”的政策是分不开的，加上多元文化的提倡。许多大家既是诗人，又是画家。在这样的文化大背景下，宋代题画诗出现了繁荣的局面。使题画诗经历了六朝的滥觞，在北宋这一时代兴盛起来。

题画诗的历史源远流长，清代王士祯《蚕尾集》云：“……六朝已来题画诗绝罕见，盛唐如李太白辈，间一为之，拙劣不工。……杜子美始创为画松、画马、画鹰、画山水诸大篇，搜奇抉奥，笔补造化。……子美创始之功伟矣。”从方薰的说法我们可以看出，题画诗成熟于北宋，苏轼的题画诗是其中的杰出代表，对后世题画诗的创造产生了深远的影响。

在北宋的诗人中，苏轼的题画诗题材丰富，数量很多，据清代王文诰辑注，孔凡礼点校的《苏轼诗集》统计苏轼题画诗共有102题157首，按所题的对象，有自题其画和题他人之画两类：其间涉及到诸多历代画家，如王维、阎立本、吴道子、韩干等等。按所题的画科，可分为人事类、山水类和虫鱼鸟兽花类。如《王维吴道子画》、《书摩洁蓝田烟雨图》、《王晋卿所藏著色山水二首》、《题文与可墨竹》、《风竹》等。苏轼写题画诗，绝非为题画而题画，而是借题画抒情言志，表达自己的性情和对于社会人生的体验和思考。

苏轼的题画诗内容十分广泛，可谓是宋代题画诗中的奇葩，除了抒情言志的作品外，还有表达诗人对文艺问题真知灼见的作品，值得我们重视。这些作品形象地体现了他的诗论、画论、美学理论。以苏轼为代表的文人画家，他们改变了中国绘画的画风，开创了一个绘画的新时代，同时也转变了自古以来的绘画形神观念。

第一，苏轼在题画诗中谈到了形似和神似的关系。

形似是中国画最基本的要求，强调如实地描画客观对象。神似是艺术形象的灵魂。道了宋代，文人画开始兴起，出现了新的绘画理论，即新的形与神观念。

从东晋顾恺之到唐代吴道子，这一时期的绘画着重强调了画的形似。顾恺之的“以形写神”，谢赫的“应物象形”、姚最的“心师造化”、张躁的“外师造化，中得心源”，以至于唐人张彦远的“象物必在于形似，形似须全其骨气”等观点，都试图寻求形、神关系的恰当解释。然而，以苏轼为代表的北宋文人画兴盛以来，随着他们文人绘画主张的兴起与高扬，使形与神之间产生了一种突变，彻底改变了形神关系的本来性质。苏轼极力强调神似，强调绘画的抒情达意作用，从而成为北宋时期文人画理论的代表。

他在《书鄢陵王主簿所画折枝》一诗中写道：“论画以形似，论画以形似，见与儿童邻。赋诗必此诗，定非知诗人。诗画本一律，天工与清新。边鸾雀写生，赵昌花传神。何如此两幅，疏淡含精匀。谁言一点红，解寄无边春。”这几乎成了后世文人画的所遵循的典范。苏轼认为好的绘画作品不仅要形似，更重要的是要做到神似，以充分表达画家的意图。苏轼在形神关系上并不是否定形似，强调神似；而是注重作品的两个方面，他指出绘画作品不要局限在形的层面上，而要深入到神的层面中去。

第二，苏轼在题画诗中提出了作画写诗要真实、自然。

好的诗和画应该是深入人心的，它有一种莫名的力量，可以引起我们内心的共鸣。一幅画或是一首诗，不管它以怎样的表现手法，其动人之处，必定是真实、自然的。苏轼在《书鄢陵王主簿所画折枝二首》其一中曾提出：“诗画本一律，天工与清新”，着重强调了写诗作画要贵在自然。他反对贾岛、姚合式的苦吟雕琢，而追求“不饰雕琢”的自然之美。苏轼是豪放之人，他的创作主张是情由心生，有感而发，是真性情的自然流露。在创作的过程中，可以通过艺术手法的运用使真性情得以抒发，让作品看不出雕琢的痕迹，达到美的至境。此外，苏轼在《高邮陈直躬处士画雁诗》中写道：“野雁见人时，未起意先改。君从何处看，得此无人态。无乃槁木形，人禽两自在。”在这里表达了苏轼的一个主张，即创作要真实、自然。

第三，苏轼在题画诗中提出了一个评画标准：诗中有画，画中有诗。

苏轼诗《书摩诘蓝田烟雨图》云：“昧摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗。”苏轼称赞王维巧妙地把诗歌和绘画恰如其分地结合起来，创造了诗情画意的境界，一种自然、清新的境界。《书鄢陵王主簿所画折枝二首》中提出了“诗画本一律”的观点。作为文人画的最早倡导者，苏轼提出的“诗画本一律”将中国文人画提到了与诗歌同等重要的地位，进一步促进了诗画理论的融合。“诗画一律”追求抒情方面的含蓄蕴藉，通过有限的笔墨来表现无限的情感，引发欣赏者无限的联想和想象。诗和画虽属于不同的艺术门类，但这里我们主要强调的是诗和画有着共同的创作规律，把美的意境体现于诗画当中。诗人把绘画美转化成诗艺美，从诗歌语言中体会到一种绘画美；画家把诗意转化为画意，从平面的绘画艺术中体会到作者的真挚感情。

苏轼是富于激情和理性的人，所以他的诗词经常把抒情、议论和禅悟融为一体。苏轼这类咏画诗，激发诗人触物感事。诗为画注入诗人的感情，并增添时代生活色彩，使诗的立意高出画面的立意，因而这样的咏画诗具有较为强烈的社会意义。

苏轼的作品具有相当的广度和深度，具有广阔的视野，丰富的精神内涵和伟大的人格魅力。苏轼用题画诗的形式，表现出对人生的思考和对社会现象的精辟诠释。作为一名伟大的诗人，苏轼站在历史的高度用笔墨引起读者的共鸣，唤起人们追求生命和人生的热情。