李乃蔚:绘画是天性使然

李乃蔚

1957年生于重庆，1978年毕业于湖北美术学院中国画专业，现为武汉画院院长，国家一级美术师，享国务院津贴

与印象中的艺术家相比，李乃蔚显得相当友善和客气。

在李乃蔚近十平米的办公室内，摆放着一张4米长的画桌，铺着白色的绒布，画桌的左侧摆放着一些绘画书籍、古典音乐CD及两个小音响，近百只不同型号的毛笔则整齐的罗列在右边，有几只浸着水墨斜倾于墨盘沿上，等待挥毫。洁白的墙面贴着四幅近已完成的水墨画，在一排排白炽灯的照耀下，本就干净素白的画室，显得更加淡雅非常。

不会画连环画的

猪倌不是好画家

大凡在专业领域修成正果的人，都是从爱好开始。“绘画是人类的天性，随着年龄的增长，最后成为了我的职业。”李乃蔚说道。

从小，李乃蔚就不像一般男孩一样爱闹爱玩，而是喜欢安静的坐在一旁，拿笔在纸上画画，在“娃娃书”上看到喜欢的，就顺手临摹下来。花、鸟、鱼、虫……各种事物，寥寥数笔，就能有七八分神似，此时他才是一位10岁的孩童。

16岁时，李乃蔚在报刊中读到一篇小文章：在内蒙，有个叫乌兰的小女孩，能唱歌会跳舞，但是却是个哑巴，最后在医疗队的帮助下，她真能放声歌唱了。他被这个小故事感动，决定将其画下来。

在断断续续的时间里，李乃蔚完成了处女作《乌兰的歌》，作品在中国美术馆展出，并引起关注，这使得17岁的他，少年成名。

李乃蔚还清晰的记得，1975年时，他的作品被送到了省里参展，省美工队的老师们并不相信是出自学生之手，就出题考验了一番：这批送选的作品集差一个封面，需要他来画。李乃蔚在众多老师的面前，拿起笔就开始画了，没过多久，乌兰拉马绳一跃而起的画面跃然纸上，纯熟的画风让一旁的老师们啧啧称赞。那本“全国年画·少年儿童美术作品展”的入选画册，至今还完整的保存在他的书房中。

18岁时，李乃蔚被下放到阳逻区的双柳公社双铺大队，进行农业劳作。湖北人民出版社美术组的编辑看到他的作品后，几经周折，终于找到他，向其约稿。队里的小队长平素十分严肃，和其商量之后面露难色，但省里的约稿，也不好推辞，小队长就让李乃蔚喂猪，做些轻松的活计。

当上猪倌之后，每天早上4点，李乃蔚就开始在猪圈里忙活起来。烧猪食、熬猪食、再摊凉送到猪圈，早上喂食一次，下午三四点再一次，趁着中间零星的空挡，李乃蔚开始了《火红的战旗》的创作。

一年之后，《火红的战旗》出版，在绘画一栏，写着李乃蔚的名字，后面还有标注“知识青年”四个字。李乃蔚凭借着这些作品，顺利的被推荐到了湖北美术学院中国画班进行系统的学习。

8年的连环画经验，为李乃蔚之后创作极致工笔画打下了夯实的基础。时至今日，李乃蔚评价连环画说：“连环画不是独立的个体，要有剧本、分镜头等各类元素，和现在的影视差不多。”

夹缝中求生存的

极致写实工笔画

李乃蔚很早就接触到了中国画，了解其发展的清晰脉络。“鲁浮曾出过一本书介绍中国技法画典，囊括了从汉代到现代各类画家优秀的绘画手法，我很赞同他在前言中说的，中国画是本土的古老画种，无论是学子还是大师，都是从规范中走出来的。”

在李乃蔚看来，中国画的规范离不开四步，线描、工笔，兼工带写（工笔、写意），小写意，大写意，好的画家都是是从这些阶段逐层修炼而成。

中国美协主席刘大为评价李乃蔚是位多面手，既会画极致的工笔写实，也会抽象的水墨写意，两种风格迥异画作置于眼前，很难相信是出自同一位画家之手。

“我画连环画，研习工笔，尝试水墨画，都是本性使然，热爱绘画。”李乃蔚说道：“中国画的本质是用线来塑形，而我画连环画恰恰是用线，工笔和水墨在技法上虽是两个画种，但有着融合与联系，一个成熟的画家，应该兼会线描、工笔、水墨。”

为了在中国画的门类里，探索出一条新路，李乃蔚花了整整十年的时间来钻研工笔画的极致写实。直到1997年，一幅《山菊》破茧而出，一位清秀的土家姑娘，近靠山石，凝视远方，画面明快清亮的调子，给人淡雅怡然之感。这幅作品一举夺得“全国中国画人物画展览”银奖，并使李乃蔚在中国画坛一鸣惊人。

作品《银锁》耗费了李乃蔚2年的时间，画的也是一位土家姑娘，身带银锁。李乃蔚回忆，当时画这幅画时值夏季，天气燥热，就干脆光着膀子，穿着裤头在家里画，2米3高的画布，必须站在凳子上拿着毛笔一遍一遍的描。

2000年，在九届美展中《银锁》获了奖，赴日参展，并被日方选用为“招贴（展览海报）”。当时，日本人看后竟不相信这是一张中国画，不相信画面能如此写实，甚至还用手去摸是不是纸本，是不是用的中国画颜料。

这种中式的极致写实，在李乃蔚其他的画作中也有淋漓展现。《清音》中少女手持琵琶，琵琶上木头的纹路，颜色的深浅在经过层层渲染之后，视力所及足以以假乱真，《聘》中少女衣服上的上万颗点纹，是手工一笔一笔点缀，头发也是一丝一丝叠加而成，让画中人物仿若就在眼前。

中国画颜料是薄中见厚，为了达到颜色的饱和度，往往需要一层一层的渲染叠加，少则几十遍，多则上百遍。作品《红莲》一度画了4年，人物按照一比一的比例仿真，人物手上脚上的青筋、肌理全部清晰可见。这幅画与李乃蔚以往的画不同，画面内容不再是单一的人物，而有场景，莲蓬、船板、荷叶，这也是李乃蔚的一次探索，看看能否用中国画的方式画鸿篇巨制，结果还真成功了。

在北京举办的艺术双年展上，作品《红莲》被挂置在第四位，两位印度画家看见了，连连惊叹，拉着李乃蔚的手，热切的询问绘画的技法。

“仕女”与“春姑”，是李乃蔚画中最常出现的角色，体现的是市民生活的小情小调，而仕女图是中国历代画家长画不衰的题材之一。李乃蔚说：“我试图通过表现东方女性的含蓄、内敛、温文尔雅的特性，从而表达出中国文化的含蓄与内敛，包括我们所学习的一些道教和儒家的东西，都是静态的，一脉相承。”

画中没有光源，没有环境色彩，没有画面的固有色，没有明确的高光，不是三维立体，而是二维式。李乃蔚的极致工笔画，既符合了中国人的审美情趣，又选择其他人没有做过的内容，是在夹缝中寻求的一次创新和生机。

但李乃蔚的画又是地道的中国制造，在坚持中式传统技法的基础上，适当吸收了西方古典油画上的一些感官的东西，是中国画不断改良、创新和发展的又一次证明。无论画面如何写实，只要技法和材料恪守着传统，就是地道的中国画。

李乃蔚认为：“中国画的改良与创新，都不是一个人或者一代人能够做到的，而是秉承其自然的特性，过程是靠时代来推进。画人物，要随着时代的不同而反映不同的风貌，画时代，不仅要画表相，还要画精神内核。”

很多年前，李乃蔚在网上看到一篇文章，是评价九届美展的作品，其中评价《银锁》是在中国画传统的边缘又有新的拓展，他很认同这个观点。前些年，一位朋友送李乃蔚一本《尚辉文集》，才知道这个观点是他提出的。

天份使李乃蔚抓住机遇，而成功在于个人执着。正如一位友人评价道：“李乃蔚不受时尚影响，特立独行的艺术追求，和他创作的人物形象传达出来的宁静优雅的情怀，温和含蓄的意蕴与丰润活泼的神采，与我们时代的精神十分吻合，从而显示出难能可贵的艺术家风范。”