浅谈长笛作品中音乐演奏研究

摘要：如何演奏长笛作品以及对各个时期音乐演奏风格的掌握，这是国内长笛教学中长期以来困扰的一个难题。音乐的表现是多种多样的,并没有一条放之四海而皆准的演奏原则。

关键词：长笛；音乐演奏；研究

中图分类号：J621文献标识码：A文章编号：1005-5312（2011）15-0137-02

什么是真正的音乐演奏技术与表现手段呢？如:怎样正确地分句、力度的变化、速度的变化、怎样演奏装饰音等，记谱的空白与随意性不代表没有表情，而是给其他的音乐家们在演奏时有表现的空间。

一、演奏前的准备

（一）准备工作――身体的状态

长笛只是演奏者所能依赖的乐器其中一个部分。利用好身体的各部分对你同样大有裨益(如：呼吸器官、嘴唇、舌头、喉咙以及双手)。要让身体与笛子一样进入最佳状态。

（二）乐谱上的音符

严格的说，音乐是无法被写在纸上的，它仅仅可以“从字里行间被解读”。乐谱上的音符本身不是音符，只有当它们被完美演奏时，才形成美妙的音乐。不过相对来说，乐谱还是最接近作曲家原意的媒介。因此，当演奏者演奏一部作品时，要遵从乐谱上的一切指示。自由化的诠释、个性化的演奏必须建立在服从乐谱的基础上。

（三）研究乐谱

研究完整的乐谱或总谱，了解作曲家的原意，理解相互之间的关系。制定练习方案。对练习所要达到具休的日标应有一个清晰的设想。选择合适的练习方法，朝你的目标前进。练习的时候，要注意：宏观上，你必须进行全而的练习。微观上，对于个别问题采用专门性的训练。

（四）音色的训练

在任何练习时，都要把音色作为一项重要的目标。演奏者必须时刻清楚所想要达到的目标，并且时刻仔细倾听自己吹出来的每一个音。无论是在练习呼吸、手指和吐音，还是演奏乐曲时，演奏者都要注意保持对音色的想象和控制。

（五）关于“个性化”的诠释

在演奏一部作品前，先要仔细研究乐曲的风格和特性，不要急于任何不成熟的、甚至是无意识的自我表现欲。然后仔细鉴别你认为“正确”的诠释，一旦确认是正确的，那么努力地去完善、实现，来表现作曲家创作的原意。

二、音乐演奏的技术与表现手段

（一）颤音

颤音发展源与特定音的重复，或者特定音的Vibrato。在大多数情况下，我们从主音上方的小音符开始演奏颤音。一般出现的有两种情况：第一种主音上方的小音符可以演奏成倚音；第二种可以把颤音演奏成“由慢到快自由渐进”式。

一般而言，作曲家都会在谱例上把颤音明确表示出来。当无法确定演奏颤音时，颤音的演奏取决于演奏者对作品时代风格的把握。

（二）乐句和短句

在给学生上课时，经常会说一句话，理解乐句的结构并用自己的情感表述之。对于一个作品而言，想要更好的演奏出作者想要表达的情绪，就一定要划分“乐句”。尤其是器乐曲中的乐句，有的类似歌曲比较清楚，但有时就不那么一目了然，这就是“器乐化”了的乐句。“乐句”是由若干个音符组成的小的音乐单位，能表达出相对完整的意义，如同文章中的一句话一样。这若干个音符往往由小连线组织在一起――也可以更加准确的称之为“短句”。

给乐曲划分“句子”，是一种艺术，同时也是一种对结构的研究，在旋律进行中作用是非常重要的。可视为旋律间歇，也可以说是逻辑暂停，就像人在讲话时的自然停顿一样，音乐旋律也必须有进行中的逻辑间隙。对于管乐的演奏者来说，划分“句子”还有一个重要的作用，就是最合适的换气时机。

（三）节奏、节拍

“节奏（rhythm）”就是在某个音乐片段中，每个音符存在的时间，音乐运动中音的长短。随着节奏越来越多样化，对节奏精确控制的要求也越来越高。我们可以通过以下几点练习来获得更加精确的节奏。（1）把乐曲中出现的较复杂的节奏型单独拿出来练习。练习的方法可以通过打拍子、唱节奏以及结合乐段中的上下句演奏。（2）与别人共同演奏时，一定要把乐曲中最小的节奏单位演奏清晰。（3）不要把不一样的节奏演奏成相同、或者趋于相同的节奏型。例如在乐曲中的三连音、十六分音符与三十二分音符之间的差异。

音乐中，时间被分成均等的基本单位，每个单位叫做一个“拍子”。一般来说，以拍子作为一个单位进行考虑，节拍韵律表现为诸如小节中的“强”、“弱”拍。另一方面，以小节作为一个单位进行考虑，在乐句范围内（乐句往往包括数小节），节拍韵律表现为诸如整个小节的“弱”和“强”。

（四）重音、力度

当一个音符、动机或者和弦需要被特别重视时，重音就出现了。重音大致分为两类，一类属于节奏重音，另一类是提示作品旋律、和声上的变化。节奏重音最具代表性的就是“切分音”；旋律、和声变化重音包括“不协和倚音”以及“不协和和弦”两种情况。

重音只是力度范畴的一个特例。在音乐中，没有绝对的力度层次，关键在于不同力度层次间的调配。力度对比是演奏的关键，音乐的本质和表现手段都要求力度的变化，在演奏大幅度的力度变化时，一定要注意一点：当渐强开始时，先“弱”（piano）奏；当减弱开始时，先“强”（forte）奏。

（五）速度

法国长笛大师格拉夫将速度的标记分为两种：一种为“相对”标记，另一种为“绝对”标记。也就是说一首乐曲不可能存在一种正确的速度，无论是作曲家创作的作品，还是演奏者对作品的理解，所谓“真实”的速度是由乐曲特性决定的一个速度范围。格拉夫认为“寻找乐曲的最快和最慢速度，正确的速度一定介于两者之间。正确的速度可以使乐曲的每一部分都具有正确的音乐感觉，从而符合作曲家的原意。”

关于渐快渐慢。音乐中的渐快与渐慢其实就是在演奏作品时，根据音乐性格，把音符的时值拉长或缩短。 渐快和渐慢可以是突然出现的，所用的时间很短，也可以是渐进式的。总之，在作渐快和渐慢的时候，要符合音乐的逻辑。

（六）呼吸

“随着音乐呼吸”这句著名的格言提示我们：音乐的分句和演奏者生理上的呼吸之间存在着某种关系。音色是管乐演奏的生命之本,没有美的音色,就失去了艺术感染力。要想演奏出美的音色,正确的呼吸方法就是演奏好管乐的根本。所以管乐呼吸的方法非常重要。小提琴家、钢琴家、指挥家有的时候会“随着音乐”呼吸，虽然从生理上来讲，他们不必如此。但管乐演奏者必须处理好生理需要的呼吸和音乐分句之间的关系。在演奏中，我们可以有三种不同的情况需要呼吸：

乐句的呼吸。呼吸要严格认真地服从于乐句结构的特点,对所吹奏的乐曲,预先设计好在哪些地方换气。换气的安排要服从音乐的需要,不合理的换气将会破坏乐曲的整体效果,就如朗诵课文时不能在一个句子里随意停顿一样；生理需要的呼吸。

三、结语

音乐作为最抽象、最无形的艺术形式，既无助于全部记录在句法、力度、曲式、感情等诸多方面细微而多端的变化，也无法完整地体现一个艺术家在演奏实践中对这些方面所表达出来的感受。音乐演奏不是对某一认可的模式进行机械的模仿，在演奏中，演奏者个人的气质、想象力、理解力，以及对音乐的敏感程度是非常重要的。我们不应该拘泥于硬性的规则。如果想要演奏出符合时代、符合作曲家原意的作品，还需要演奏者长时间的反复练习和揣摩。我们应该善于在每个人不同的个性与艺术体验中发现和归纳出真理，要成为一个好的音乐诠释者，先决条件是“人”的发展，即心、脑、灵魂的发展――这不正是我们的目标吗？只有这样才能使我们逐渐地触摸到音乐的真谛。

参考文献：

[1]彼得―卢卡斯・格拉夫.音乐风格演绎指南[M].上海音乐出版社，2006.

[2]钱芑.长笛技巧强化训练[M].上海音乐出版社，2000.

[3]陈建华.外国著名管乐演奏家词典[M].人民音乐出版社,1999.

[4]玛德琳娜・布鲁瑟尔.邹彦、伍维曦译.练琴的艺术如何用心去演奏[M].上海音乐出版社,2005.