浅析油画色调之美

摘要：本文阐释了油画色调的含义已及色调在油画作品中的重要作用。并着重对古典主义和印象派画家作品的色调进行了分析和论述。

关键词：油画；色调；情感与意境

中图分类号：J213 文献标识码：A文章编号：1005-5312（2011）17-0182-02

作为一种艺术形式，油画作品中包含着许许多多重要的元素，构图、色彩、明暗等等都缺一不可，精彩之处也常常令人过目不忘，而色调更是重中之重。

一、无声的指挥家

色调是什么，是统领，是指挥。在音乐中，有许多关于作品调式的介绍，大调的恢宏磅礴，小调的婉转悠扬，音乐的调式具有统领全局的作用，整篇乐章的基调都是在调式的指挥下发挥着作用。对于绘画艺术来说,色调也有相似的作用，就是对审美对象全部色彩的总体感觉。更明确点讲，“色调”就是对象在共同光源和环境条件下，色彩间相互对比、相互影响而形成的物象色彩的有机整体。

大自然是丰富多彩的，色调也是多变的，光线不同产生的色调也肯定不同，因此，光源色和环境色对画面色调起着决定作用，所以艺术家也一直在自然界中观察和发现色调之美。绘画作品中的色调，种类繁多，调子的形成也与各地的气候，环境等具体因素有关，如欧洲北方的一些画派多用冷灰色调，而南部地区色彩明媚、热烈，色彩趋向有很大的差异。除此之外一个艺术家的艺术修养的高低，也决定这他的画面色彩色调的品味，高雅还是俗气，与众不同或者千人一面。

二、油画色调调和的方法

1.主色调调和――画面中的某种物体色彩占主导地位，与其它色彩处于次要、陪衬位置所产生的调和。

2.同类色与邻近色调和――以各种相同或者邻近的颜色组成的色彩基调。

3.光源色调和――把各种色彩统一在一个共同的光源下，比如在早晨、傍晚、以及各种光线环境下，物体会罩上一层光源的色调。

4.对比色的调和――在画面上采用色相上互相对立的颜色相互对比产生的色调，也能取得颜色上的调和。

5.运用中性色的调和――在画面上运用各种中性的、灰色来进行颜色的调和，让其它的颜色在比较的过程中有过渡和平衡视觉的作用。

三、抒情写意―― 色调与情感的关系

在艺术作品中，对色调的关注不应该只是简简单单的对客观自然呆板的重复,而应该是对作者内心情感的真实表现。不应该是冷漠的客观记录，而应该是艺术家的和客观事物的完美统一。如此,作为绘画语言的色调才真正具有艺术性。客观存在的色调本身,无所谓情绪与感情,但它能唤起不同的情绪,这是从人类世世代代的生活经验中形成的,如红色易唤起激越奋进的情感,黄色人们总把它与充满希望和朝气蓬勃等情绪连在一起,而阴暗灰沉的色调又与灾难和恐怖情绪相近。艺术家就是要善于在生活中研究和发现某种色调与某种情绪相联系的时间、环境、条件,以便恰当地运用色调抒感表现意境。它不能凭空捏造或主观臆造,只有那些确实反映了人们的共同感受的色调 ,才能得到承认 ,才能引起共鸣。观众在画面上看到的是形象的色调 ,而感受到的却应是作者的情绪和感情。所以绘画中色调应该是充满了作者的情感,表现作者的感情。例如，梵高的画多是强烈的暖调子，好似燃烧着的火一样的激情；东山魁夷的画多是偏冷的调子，以表现大自然的宁静、清新之美；毕加索从“蓝色时期”到“红色时期”的变化，也表明他的情绪与色彩表现的关系。人们经过长期经验的积累，借用色彩表现四季、早午、晚、夜以及轻重、软硬等多方面乃至时空以及质感的变化，以不同是色调对自然景物的描绘“寓情于景”、“情景交融”来抒发作者情怀。

欧洲古典油画大都是棕褐色为主色调，并且色彩的运用上多从物体的固有色出发，再逐步发展到条件色，这些古典油画色调变化很大程度上是依附在素描的明暗体系下的。在文艺复兴时期，佛罗伦萨的艺术家们在创作过程中，往往强调明暗关系和色彩的结合使用，色彩在造型中并非占有主要因素。提香，这位威尼斯画派最有影响的大师，使暗部透明暖色与厚涂的亮部统一在丰富而鲜亮的色调中。这种安排色调的方法后来占据了古典主义油画的重要地位。一般是先用素描确定轮廓，然后再有色彩把画面填充好，在这其中也有严格的规定。从色彩上分析，古典油画中不太重视色彩的冷暖关系，颜色在画面中的作用远不如素描。所以欧洲古典油画中，多是叙述性的作品，多以神话故事为题材才增加作品的趣味性。伦勃朗的《夜巡》中，全画采用土黄和赭石的暖色调，但其中又有许多点缀的地方，如上尉的披巾和右边持枪的士兵军装呈红色，后面的小孩和军官的服装呈浅朱黄色，加上旁边上尉的美丽的黑色的军服，在雪白的衬领的呼应下显得格外醒目。画家是使用光线的高手，在艺术家的精心安排之下，画面的两位主角醒目的如同被舞台灯光照射一般，加上他们大步迈向观众的神态，使此画在当时甚为出名，其色彩融为一体，并带有闪亮的黄金色调。其他成员则被安排在暗色调的中景和后景里，挥舞旗帜、手持长枪，紧张待命的气脱颖而出，使整个场景更生动、更具戏剧性、更激动人心。

19世纪，随着科技的发展，和光学上进步，室外写生风气盛行，印象派画家开始走向历史的舞台，描绘阳光下的景色，着力表现光在空气中颤动的感觉，并将色彩的运用发挥到了极致，逐步摆脱了古典时期油画固有色对画家的束缚，并多使用纯色和色相上相互对比的方法来安排和组织色调。

《睡莲》是莫奈晚年的作品，画家以出色的技法，在二维的画布上描绘出了池塘水面向远处延伸的立体效果。在画面中，睡莲的叶子是纯绿色的，其中点缀着各种颜色的睡莲，黄、红、蓝、白和攻瑰色，红的如同火焰，蓝色如同高级的丝绸幕布，颜色之间着强烈的色彩对比，互相协调，和谐的构成了整幅画面。而画家看似信笔由来的彩色线条如同浮光掠影一般，似乎让水真的流动起来。参观者站在画旁，竟能感同身受，如同真的置身于池塘边。观者能领略到“接天莲叶无穷碧，映日莲花别样红”的意境。睡莲开在水里，淡定从容的面向天空，没有纷扰，无忧无虑的仰望苍穹。可以说是莫奈一生对光影色调的精彩概括。

梵高曾画过许多副《向日葵》，在这些艺术作品当中，观者眼中的向日葵，或绚烂多彩或枯萎凋零，或隐忍或现媚，画面多以淡黄色为背景，以深黄色为向日葵的主调，再加上一些含苞欲放的花骨朵，少许黑色点缀其中，视觉上给人以一种强烈的色彩对比。画面总体上给人一种明亮而又强烈的生命力的震撼。人们在画面上能够看到作者强烈的对生活的希望，在明媚阳光照耀下，在广阔的天空下，生活是那样的充满激情。纯净或调和的t黄，涂抹在各种不同的背景上，我们可以看见在各种不同的蓝色油画底子上，最淡的蓝色到最高级的蓝，闪闪发光，在阿尔炙热的阳光的烧烤下，画面的色调和艺术家的精神情感彻底是融为了一体。

在印象派的另一位大师高更身上，我们也能够看见色调带给人们的震撼和力量 ，《雅各与天使的搏斗》是他的代表作，在画面中牛显得很小，布列塔农民的白色软帽却画的很大，画面以一种对角线的构图方式呈现，人物在整个画面当中已经没有具体清晰的轮廓线，并用平涂色彩来变现形体，背景被压缩，强烈的红色夺目，跳跃。红色、蓝色、黑、白组成的图案、都超出了正常范围的强烈色彩，背景的红色与前景的软帽红白对比强烈，线条弯曲起伏，这种大胆随意的色调变化，把色彩本身做为表现目的，而不是对大自然的被动描摹，是极度个人化的，又带有启示性的。他在自己的生涯中寻求和找到了生活与艺术二者的平衡，并保存了自然真实存在的一面。艺术对于他来说已经是一种独立于自然之外的东西，这才是他最本质的追求。在《田园诗》中他描绘的不是客观自然而是梦幻景象。天空的蓝色、云彩的黄白色与橙黄色，前景略染一点带玫瑰色灰色，黑色，和棕色。颜色配合紧张之至。这是听任画家的感官支使而或隐或现的一大片一大片的颜色。形体已经没有轮廓线，放纵的色彩激发着欲望。而早期的塞尚就以其热情洋溢的幻想摆脱着现实主义，预示着野兽派、立体派、表现主要的出现。塞尚让形体服从于光和色彩，让深度展开的空间服从了颜色的平面配制。这种意识为以后艺术的发展做出了重大的贡献。色彩融汇成音乐，艺术家的激情渗透在色阶与色调之中。画家在把自己的感觉译成他所特有的光学语言时，就给了他所再现的自然以新的意义，他画的是尚未画过的东西，他创作着绝对的绘画，也既是他创作的是现实而不是别的，而这也不是庸俗的模仿了。

四、诗情画意――色调与意境

油画虽然是个老画种，但是依旧拥有很强的生命力，我们观看毕沙罗的风景画色调，仿佛还能闻见几百年前林荫道上树叶的芬芳，我们在莫奈的作品中，也能够体会到五光十色的莫奈花园中的生活。好的艺术作品肯定有它存在的意义，我们走在山野之间，田园之中，也难免会想到古人作品的画面，黄宾虹笔下的富春江，两岸景色逶迤，绚丽无比。大自然生机勃勃，万古长存，万古长青。每张画面都有作者自己对于大自然的思考，容不得松懈走神。

中国传统绘画中有“笔墨当随时代”一说，所以色彩的理论与实践也不能停留在已有的程式上，要不断探索新的表现方法、运用和创作不同的手法和色调来描绘丰富而绚丽多彩的现实生活。

通过油画色调抒情或者表达意境，是油画的一大特长，也是油画家应该具备的高超技巧。画面的技巧虽然重要，但是技巧不是目的，运用色调的目的是更好的抒情写意。历史上的艺术家之所以伟大不是因为他们丰富感情，而且因为他们能够化感情为意境。当今的时代艺术之花遍地盛开，各种思想，各种观点交相互动。古人云；“大匠诲人以规矩，不能使人巧。” 艺术家在掌握了色彩规律之后，就要通过实践来丰富色彩的表现力，在艺术品中融入艺术家自己的绘画语言，自如的表达，方能达到艺术的理想境界。

参考文献：

[1]田军.外国绘画大师画风系列[M]. 重庆出版社，1992.

[2]周长江.解读色彩[M].上海书画出版社，2003.

[3]石涛.苦瓜和尚画语录[M].山东画报出版社，2007.