光影,照片,油画

7月初，贝浩登（香港）画廊展出了比利时艺术家彼特.维米尔什（Pieter Vermeersch）在2015年创作的两个系列渐变色油画以及壁画作品。这是彼特第一个在香港举办的个人展览，共展出13件作品。

走近这些用色淡雅、温和的渐变画作，能感受到作品有一种特殊的吸引力，“引诱”着观者继续驻足欣赏。彼特告诉《21世纪商业评论》（下称《21CBR》）记者，大多数人看到他的作品，都会产生相同的感受。事实上，它们都是彼特临摹实景照片而成的作品。彼特希望通过他的特殊处理，模糊形象化、可触摸的空间，转向抽象空间的表达，但作品“虚中有实”，因为其画面最初仍来自物质世界。

15年前，彼特就开始创作单色画。他表示，之所以用照片进行创作，是他有一次见到光从窗外投射进室内，形成渐变的效果，场景非常柔美、和谐，启发了他的创作灵感：如果我把这光影拍下来，再用油画来表达，会是怎样一番效果呢？这十多年来，他一直围绕时间、空间、颜色等主题进行探索，他也表达了对绘画的执着，坚持作品尽量以绘画作为最终一环。

尽管单色作品的风格非常简约，但是背后的创作过程并不简单。彼特向《21CBR》记者介绍，最初始的照片来自很多不同场景的照片，比如建筑物的一部分、光影投射或是墙面等，如展览中两幅大型壁画的原型是日落场景。照片均由彼特所拍摄，挑选照片的一个重要标准是画面不掺任何“杂质”。选择合适的照片后，彼特会把照片上下调转，转成负片，再进行色彩还原，在原色上加画负影像，在帆布上作画。

彼特把自己的创作手法称之为“零度”，他认为这是具象和抽象两端的中间点。“具象那端所表达的意象皆来自于现实世界，呈现的是栩栩如生的视觉体验，而抽象表达需要把具体意象抽离画面，最突出的特征是语言无法表达画面。举个例子，抽象画中采用了黄色，我们可以通过视觉去理解黄色是什么，但用言语描述黄色的含义非常困难。我想为观众带来一种‘似曾相识’的感受，他们认识作品的意象，但又无法准确定义它。”

拍摄是具象的开始，彼得告诉《21CBR》记者，他的拍摄较为随心，在器材选择上没有固定的标准，他通常使用快照相机或者手机。“照片为我提供创作来源，但我不是摄影师，对照片质量并没有太苛刻的要求，有时散步看见美景，就直接从口袋拿出手机拍摄下来，快速捕捉当下美丽的景象。” 在彼特看来，画面本身并不是最重要的，他在意的是画作最后呈现给观众的体验。彼特对色彩非常敏感，找到正确的颜色于他而言并不困难，他有一套具有分析性且精确的方法，也不允许创作过程中出现色彩调配失误。

值得一提的是，除了两幅尺幅较大的油画，其他油画上都有着深浅不一的刻痕。它们是彼特用刻刀刮出来的，据介绍，刻痕的目的是，“希望借这一人为塑造的因素，记录时间流逝的痕迹，提醒观众回归现实”。大约3年前，彼特开始如此“破坏”画作。最开始他用木尺刮颜料，但木尺是钝器，操作不够干净利落，而刻刀足够锋利，效果更加理想。“用精确的工具把颜料刮掉的动作，可以视为一种意外的入侵、控制和机会之间的平衡。我第一次把油画表面刮掉的时候，获得了一直渴望从绘画中得到的体验，那道刮痕象征着对完美的破坏，但同时亦是一种创作行为。”彼特告诉《21CBR》记者。

彼特透露，此次展览的作品，总共花了大概2～3个月的时间，整个创作过程，都由他独力完成。平均而言，创作一幅油画用时一周左右，其中作画需要一天，拍摄和挑选照片也需要消耗时间。

而看似简单的刮走颜料是最困难的一步，彼特要趁颜料凝固之前完成，而且操作只有一次机会，一旦出错，画作就要被弃置，重新再画。把这视作获取创作快乐的过程，高难度操作令他更加集中精力、谨慎地使用刻刀。由于操作上的独特性，每份作品虽然传递的是同一主题，但又各有特色，彼特向《21CBR》记者表示，每张油画在他心里都独一无二。

为彼特举办这次展览的贝浩登画廊曾在2013年的巴塞尔艺术展上展出过彼特的油画。贝浩登画廊是法国顶级画廊之一，除了彼特，还为不少知名艺术家做过，比如达明安.赫斯特（Damien Hirst）以及日本艺术家村上隆、森万里子等。

谈及选择彼特的原因，贝浩登（香港）画廊负责人艾玛努尔.贝浩登（Emmanuel Perrotin）告诉《21CBR》记者：“彼特的艺术鉴赏眼光非常独到，同时其作品体现了出色的创作技巧，极具灵性。你看，画廊的空间都被他的作品转化为虚幻的空间了。” 贝浩登所指的虚幻，是彼特在画廊的墙上涂的0～30度的黑色颜料，营造渐变效果。彼特告诉记者，基本每场展览他都会结合展示空间的实际条件加以改造，让作品和空间更加和谐的融合，优化参观体验。

彼特的作品最终呈现颇为抽象，普通观众是否能接受？在贝浩登看来，虽然亚洲观众的口味仍然偏向传统和形象化，但仍然有不少观众喜欢观察彼特在艺术作品中耗损的实践，以及梦幻般的渐变色彩背后的沉思。