浅议音乐剧演唱方法的类型和风格

音乐剧(Musical)是20世纪初产生于西方的一种融合了戏剧、音乐、舞蹈的一种综合性的舞台表演艺术形式。对于音乐剧的概念和定义，有的音乐学家认为：“音乐剧的构成成分太过复杂，呈现出的艺术面貌极其多样，很难用一种定义来全面准确地加以概括。”而另一方面，一个多世纪以来各国的专家学者也曾尝试对其进行力求准确的表述。美国音乐剧研究专家斯坦雷？格林曾在《音乐剧的世界》，一书中写到：“音乐剧从根本上说是漂亮的服装、快乐的舞蹈和轻松、富有情趣的音乐与台词组成的戏剧。”《简明不列颠百科全书》对音乐剧的解释为：“音乐剧是戏剧表演的作品，具有激感而又给人娱乐的特点，简单而又与众不同的情节，并伴有音乐、舞蹈和对白。”而我国的戏剧家黄定宇先生认为：“音乐剧，应该是以戏剧(尤其是剧本Book)为基本，以音乐为灵魂，以舞蹈为重要表现手段，通过音乐、舞蹈、戏剧三大元素的整合来讲故事、刻画人物、传达概念的表演艺术娱乐产品。”如果我们将各种对音乐剧所下的定义进行分析和对比，最终可以提炼出三个最具有共性的词语：戏剧、音乐、舞蹈，可以说这三种原本属于不同领域的艺术形式有机地组合在一起，便创造出了一种崭新的艺术形式――音乐剧。

在西方音乐剧一百多年的发展历史中，从早期二、三十年代的《演艺船》、《引吭高歌》、《波吉与贝丝》，到五十年代的《西区故事》、《窈窕淑女》，六十年代的《屋顶上的提琴手》、《你好，多丽》、《啊，加尔各答》，七十年代的《耶稣基督超级明星》、《油脂》、《艾维塔》，一直到九十年代的《猫》、《歌剧院的幽灵》、《西贡小姐》、《悲惨世界》、《美女和野兽》，音乐剧一直处在不断的发展变化中。伴随着音乐剧的发展，音乐剧的演唱方法也同样走过了漫长的发展道路，音乐剧演唱的方法从最初的单一的、以类似轻歌剧的美声唱法为主到爵士、流行、摇滚等各种唱法并存，并且在这种基础上形成了一种以美声唱法为基础，融合了各种唱法特点的音乐剧主流唱法，我在这里称之为“音乐剧唱法”。西方音乐剧的大量经典曲目以及目前正在纽约百老汇及伦敦西区这两个世界音乐剧中心上演的音乐剧基本都是采用这种唱法在演唱。“音乐剧唱法”的演唱具有以下一些特点：(为了使概念的说明更清晰和便于理解，我们以美声唱法和流行唱法作为参照物。)

在演唱技巧上音乐剧唱法重视呼吸技巧的运用，大多采用与美声唱法相同或相似的深呼吸支持――也叫做“胸腹式联合呼吸法”，尤其是在高音区这种呼吸方法的采用具有很强的爆发力，从而可以比流行唱法采用的“胸式呼吸”具有更多的艺术表现力，往往具有震撼人心的强烈艺术感染力。但在很多抒情的段落和中声区，音乐剧唱法又往往采用与流行唱法相似的较浅的呼吸支持的“气声唱法”，这种呼吸的支持因为借助于话筒能使演唱者的发音吐字自然清晰、有亲切感，更容易被普通的观众所接受。在共鸣的运用上，音乐剧唱法主要使用较低位置的口腔和胸腔共鸣，因为有电声音响扩音的帮助，音乐剧演员不必象歌剧演员那样为了获得最大的音量而追求“全共鸣”，尤其是“头腔共鸣”。美声唱法对于歌唱共鸣的要求是全共鸣和保持声音的位置的统一，其中尤其涉及到美声演唱中的一个非常重要的技巧――“关闭”(close)，简单地说这一技术的目的就是要做到声音在高、中、低音区位置和音色的统一，而这一技术的掌握也是美声演唱中最难的歌唱技巧之一，尤其对男声部来说。而音乐剧唱法因为在中声区就多采用口腔和胸腔共鸣，因此进高声区时就不必采用“关闭”的技巧，借助话筒的帮助，音乐剧唱法在高声区往往采用“开放式”的唱法，主要依靠良好的深呼吸支持和声带闭合能力来完成这一技术，这种技巧的掌握从难易程度上比美声唱法的“关闭”技术也要容易很多，而且从另一个方面来说正是因为音乐剧唱法的这种“共鸣位置的不统一”反而增加了它的艺术表现手段。

总的来说，“音乐剧唱法”的演唱特点是：深、浅呼吸的支持的灵活运用，共鸣多采用口腔、胸腔共鸣，高音区多采用“呐喊”式的开放唱法，咬字比较强调字头、字尾的形状，比较注重音色的明亮度，善于运用麦克风进行多种音色的灵活变化，行腔、走句、润腔、装饰音的处理细腻、自然，在情感表达和艺术形象的塑造上很强的运用能力。

将音乐剧发展过程中的演唱方法进行归类和总结，大致可以分为：美声唱法、流行唱法(包括爵士、摇滚唱法)、音乐剧唱法。(有一种现象笔者需要提出来，在我国音乐剧的创作中对于西方音乐剧演唱方法的类型有了创造性的发展。从中国音乐剧的最早雏形――歌舞剧如60年代的《刘三姐》开始，直到我国原创音乐剧如九十年代的《秧歌浪漫曲》、《白莲》、《秋千架》、《中国蝴蝶》、《五姑娘》等作品，在唱法上将中国的民族唱法、民间原生态唱法、戏曲唱法都运用到其中，这些唱法的采用可以看作是我国音乐剧工作者对西方音乐剧演唱方法的大胆开拓和创新。)在音乐剧的表演过程中，上述的几种演唱方法往往并不是独立存在的，在大多数情况下，可以根据作品的题材和风格进行相应的组合。