论西方音乐特征的历史透视和反思

摘 要：不同的国家和不同的民族有着不同的音乐类型，而每种音乐类型都有自己独特的特征。西方音乐与东方音乐具有明显的差异性，对西方音乐进行研究，可以深化当代学者的音乐内涵，加深对西方创作观念和审美意识的认识，因此我国的音乐学者应该用我们的音乐文化作为一个参照系，对西方音乐进行历史透视。本文将具体探讨对西方音乐特征的历史透视和反思，希望能对相关人士提供一些参考。

关键词：西方音乐特征；历史透视；反思

0 引言

我国对西方音乐的研究至今已有百余年的历史，在研究人员的努力下，我国对西方音乐的认识越来越深刻。西方音乐和我国音乐从传统的对立状态走向交融，并促使我国的当代音乐发生新变。研究的过程中，我国以西方音乐为对象，进行多次比较和争论，然而直到今天，我国对西方音乐的研究体系还尚未真正成熟。但是不管怎样，对西方音乐特征进行历史反思和透视都能促进本国音乐的发展，因此我国的音乐学者应该加快研究西方音乐的步伐。

1 西方音乐具有感性和理性结合的特征

1.1 古代希腊时期

西方音乐从古至今一直在寻找理性和感性的平衡，为了实现二者的协调统一，音乐家们付出大量的心血，最终才形成了西方音乐别具一格的特征。在古代希腊时期，人们开始对音乐有了一定的意识，并形成了哲学理论。随着历史的更替，音乐哲学的文献难以搜索，因此我们已经不能借助古代的文献来梳理西方音乐发展的脉络，只能根据现有的一些材料对西方音乐的发展历史进行研究。

在现有的音乐材料中，欧里庇得斯的悲剧是研究的重点。欧里庇得斯是古代希腊悲剧的三大代表之一，他对悲剧做出了卓越的贡献，而且在自己的歌剧中规定了单音的旋律。古希腊文艺带有极强的神话色彩，人们崇尚神力，把神作为一种信仰，因此在自己的艺术作品中也突出了神的力量。古希腊文艺虽然取材于神话，但是它反映的却是群众的意志，在欧里庇得斯的悲剧中，人才是悲剧的中心。在这种观念下，悲剧中的单音旋律一方面以营造悲剧氛围为最终目的，具有理性的特征；一方面以人的情感为表达对象，具有感性的特征。

在古希腊文艺中，最突出的两种精神就是“日神精神”和“酒神精神”。这两种精神在思想内蕴上是冲突的，但是深入挖掘会发现，二者也有着共通之处。“日神精神”是指文艺的理性，作家在创作文艺作品时要以现实世界作为依据，保持清醒的头脑来传达自身的思想观念。“酒神精神”是指文艺的感性，作家在创作文艺时要寄托自己深厚的情感，将主观自我投射到作品之中。为了实现这两种精神，作家在自己的作品中既要表述现实，又要寄予自己的情感，使作品的理性和感性共生共存。从“日神精神”和“酒神精神”两个方面来欣赏古希腊的文艺作品会发现，古希腊的悲剧和“日神精神”相互辉映，古希腊的悲剧庄严而神圣，具有强烈的理性思辨特征；古希腊的音乐和“酒神精神”相互衬托，人们创造音乐的大多数原因是受到了情感的催发，因此音乐就体现了这种感性的特征。

虽然古希腊悲剧是“日神精神”的代表，但是表演者在表达自己对命运不公的申诉、对祖国的赞美、对力量的崇拜时，还要应用合唱队这种表现形式。换句话说，悲剧在进行情感表达时，要借用音乐这种形式。但是当时西方对音乐的认识还不成熟，音乐还没有成为一个独立的艺术品种，因此对其的研究受到了限制。

1.2 中世纪时期

在西方的早期音乐中，感性和理性的平衡发生了变化。中世纪时期的人们崇尚神学，宗教音乐成为主流的音乐类型。基督教音乐在一定程度上抑制了人们主观情感的表达，它强调借助音乐来让人们忘记私欲，贬低人们的主观情感。在宗教看来，人的情感就是一种原罪，为上帝所不齿，人们想要在死后到达天堂，就要放弃自己的，以理性作为人生的唯一准则。[1]因此宗教音乐在风格、结构上都呈现出明显的单一性特征。

在西方的早期音乐中，理性和感性的冲突与西方人的现实遭遇密切相关。人们在战争的洗礼和社会的动荡中希望寻找自己的精神寄托，于是他们幻想出一个虚无缥缈的精神世界，想把这个精神世界作为生活的至高理想。但事实上，上帝并非任何人，只有自己才能做自己的上帝，人们没有意识到这一事实，使艺术的发展陷入了停滞阶段。

1.3 15世纪到18世纪

在文艺复兴时期，人文主义运动开始兴起，人们的生活和娱乐方式发生了巨大的变化。人们在这一时期开始对宗教神学进行批判，主张以人为中心，以追求现实生活的幸福为目标。因此西方音乐在此时开始睁开惺忪的眼，从理性的阶段进入感性阶段。文艺复兴运动打着复兴古希腊罗马文化的旗号，因此在思想内涵上，文艺复兴运动和希腊文化具有趋同性。古希腊音乐强调理性和感性的结合，文艺复兴则对音乐理性和感性的失衡状态进行了调整。[2]

在文艺复兴时期，音乐的创作者们一直在挖掘音乐中的情感内蕴，一直把平衡理性和感性作为自己的追求，这在很大程度上促进了音乐的发展。在巴洛克时期，重要的音乐家有巴赫、亨德尔等，他们兴起了一种新的理论形式，叫做“情感论”，要求创作者在作品中宣泄自己的情感。巴赫是“情感论”的集大成者，在他的作品中，听众能够感受到作者充沛的情感，其最著名的作品是《受难乐》。《受难乐》以福音书作为创作的依据，一方面，巴赫在作品中突出了理性的特征，注重了宗教音乐的和谐；另一方面，巴赫在作品中突出了情感特征，表_了个人强烈的世俗情感。因此《受难乐》可以说是感性和理性融合的完美结合品，使西方音乐到达了历史以来的最高峰。当然，感性和理性的融合并非简单的掺杂，它需要音乐创作者具备高超的音乐技艺和创作手法，巴赫对主调音乐已经展开研究，在他的《受难乐》中就体现了这种主调思维。这种主调思维对后世的创作家产生了非常大的影响，意大利在17世纪兴起了巴洛克歌剧，就应用了巴赫的这种音乐创作手法，并且取得了辉煌的成就。[3]

巴赫的创作挣脱了基督教音乐的限制，将西方的音乐推向新的发展阶段。巴赫首先融合了民间的调式，其次吸收了宗教音乐结构的精华，再次充分发挥了和声的功能，并将三者有机结合一起，使感性和理性真正达到了平衡。巴赫在西方音乐的发展史上是非常重要的人物，具体有以下的几个原因：第一，巴赫创作了永垂不朽的作品，如《受难乐》等；第二，巴赫创造了新的音乐形式，为后世创作者提供了参考；第三，巴赫音乐中的主调思维影响颇广，对音乐的发展起到了过渡性的作用。

1.4 18世纪到19世纪

在这一时期，大量著名音乐创作家不断涌现，西方音乐呈现出繁荣发展的趋势。海顿、莫扎特等都是这一时期的杰出代表，他们为西方音乐理性和感性的平衡作出了杰出的贡献。在这些音乐创作家的作品之中，宗教文化的影响痕迹已经逐渐消融，取而代之的是创作者个人的理性和感性因素。所谓的理性因素，是指创作者在启蒙运动中形成的理性精神；所谓的感性因素，是指创作者随时展而兴起的市民意识。[4]海顿和莫扎特在自己的作品中表达了对现实世界的不满、对宗教的批判、对市民阶层的赞美，在表达情感的同时，他们在作品中也寄予了一种豁达的人生理想，使理性和感性有机地结合在了一起。

启蒙运动对当时西方的音乐创作者们影响很大，启蒙运动宣扬理性，把理性作为衡量事物好坏的唯一准则。此外，启蒙运动强调自然本性的力量，要求人正视自身的情感。此时的创作家对音乐的认识更加深刻，并实现了复调音乐向主调音乐的转变，使西方音乐的形式结构更加明晰。[5]

1.5 19世纪到20世纪

在这一时期，感性和理性又呈现出失去平衡的趋势。在这一阶段，现代主义兴起，人们对现实社会失望，对理性不满，把主观情感作为主宰使音乐中的感性和理性出现分崩离析的情况。在19世纪到20世纪，“理性王国”的理想意境破灭，战争的洗礼使人们感受到精神世界的空虚，因此人们以不同的音乐形式来表达情感，艺术歌曲、器乐曲成为这一时期的代表。

2 西方音乐具有矛盾性和冲突性的特征

2.1 中世纪时期

在中世纪时期，西方音乐矛盾性和冲突性的特征并不明显。事实上，西方音乐是在矛盾冲突中产生的，矛盾是事物发展和前进的动力，音乐在矛盾冲突的张力下产生和发展，并不断地完善自身。在中世纪时期，宗教音乐占主导地位，音乐已经成为宗教文化的一种代表，因此音乐在这一时期体现出一种适应性和平稳性的特征。[6]

宗教音乐的适应性体现在以下两点：第一，宗教音乐要满足宗教空灵超脱的精神境界，不能流露创作者的主观情感；第二，宗教音乐注重自身的和谐，即把音乐和教义统一起来，在音乐中宣传基督教的文化。

宗教音乐的平稳性体现在以下几点：第一，在这一阶段基督教音乐是主流，因此西方音乐没有获得较大的发展空间；第二，宗教音乐本身的变化较小，因此在中世纪没有发生重大的变化。

所谓的冲突性和矛盾性，是人意识到现实世界和内心情感世界的冲突而产生反抗的觉悟，然后将体验转换为自己的艺术成果。中世纪的人们在基督教的精神统治之下已经丧失了自身的反抗观念，他们的整体心理趋向一种和谐，即追求宗教的幸福――在死后能够到达天国的彼端。因此音乐的冲突性和矛盾性被削弱，西方音乐无法在矛盾冲突中获得成长。[7]

宗教音乐的代表如格列高利圣咏，其在结构上就趋向一种平衡和定。当社会不断发展，一些站在时代浪潮上的预示者提出了新的音乐形式，创造了多声部的音乐，这种音乐体现了人们内心的情感，对后来的音乐创作有着重要的启迪作用。可是这些伟大的创作家们却被视为异端、背叛宗教教义的邪恶者，而受到社会的批判。于是人们不敢再进行独立创作，其内在的反抗心理被不断削弱，使这一时期的西方音乐缺乏动力和朝气，更缺乏感染能力，让听者获得审美体验。

2.2 15世纪到18世纪

在这一时期中，西方音乐的矛盾性和冲突性已经得到了初步的体现，其中最突出的代表仍然首推巴赫。巴赫的音乐都是建立在矛盾冲突的基础之上，矛盾冲突创造了动力，推动了音乐自身的完善。巴赫自小受到宗教文化的熏陶，因此在他的音乐中体现了这种宗教文化，但是巴赫自身又有反抗意识，因此在音乐中突出表达了自身的情感。宗教文化和世俗文化属于两个对立的范畴，巴赫把两种不同的文化糅合到音乐之中，形成强烈的冲突矛盾，使音乐创作呈现出巨大的张力。对于受众来说，巴赫的音乐非常容易接受，他的思想处在由中世纪向新世纪过渡的阶段，其音乐也体现了过渡性特征，可以让听者获得更好的听觉体验。

我们在听巴赫的《受难乐》时，能体会到巴赫内心的矛盾：一方面，在《受难乐》中体现了宗教的教义，充满了信仰上帝的哲学意味；但是另一方面，《受难乐》中体现了作者对现世幸福的向往，希望收获人世间的美好情感。从这个角度来看，《受难乐》体现了作家心中强烈的思想冲突和情感矛盾，这也是他成为西方音乐发展奠基者的重要原因之一。[8]

宗教音乐追求一种稳定与和谐，在15世纪到18世纪时，人们的自我意识不断增强，在音乐形式上表现为致力于打破宗教音乐的和谐。在很长一段时间内，宗教思想在精神领域上是处于统治地位，因此时代的发展不可能完全消灭基督教在人们心中的影响。就以今天为例，基督教仍然是人们信仰的宗教之一，人们在现实生活中遭遇了不幸，便把自己的愿望寄托于宗教之中，以坚强的信仰支撑自己继续生活。因此，宗教文化是无可厚非的。在15世纪到18世纪，人们以自我为中心，想要追求爱情，满足日常物质需求，致使自身的理想和宗教文化形成一种对立状态，为西方音乐的发展起到了基础性的作用。这一阶段的音乐家们创新了音乐手段，调整了音调的体系，并最终确立了和声的功能，使音乐在矛盾中获得新生。

2.3 18世纪到19世纪

海顿和莫扎特是这一时期的杰出代表，他们在自己的音乐作品中创造了矛盾冲突，形成了强大的内在张力，促进了音乐的蓬勃发展。具体来说，促使矛盾冲突加大的原因有以下两个：第一，主调思维逐渐上升至统治地位，简化了音乐创作的结构程序；第二，主调音乐更加活泼生动，打破了传统平稳和谐的格局。以奏鸣曲为例，奏鸣曲中有两个主题，而且主题相互对立，会使音乐呈现出明显的不稳定状态。[9]

此外，和声在这一时期开始兴起，音乐创作者们在自己的作品中充分发挥了和声的功能。和声是由几个不同的结构进行组合，本身就体现出一种矛盾对立的状态，因此和声能够通过矛盾来创造张力，促进音乐的不断发展。以交响曲为例，在交响曲中，大量的和声形成了强烈的矛盾冲突，使交响曲产生了震撼人心的表演效果。

2.4 19世纪到20世纪

在这一阶段，音乐的内在张力进一步强化。现实世界和精神世界的巨大冲突使音乐创作的冲突性不断加强，其所创造的张力也相应加大。这一时期的音乐代表如肖邦，他创作的《诙谐曲》《幻想曲》等表达了自己对现实社会的不满，在音乐中寄托了自己的个人情感，使音乐呈现出独具一格的风貌。在这一时期，社会动荡不安，一些具有民族情感和民族意识的音乐家在进行音乐创作的时候，其作品中的对立特征更加明显，使音乐的矛盾冲突性更加突出。

3 西方音乐具有个性化和多元化的特征

3.1 中世纪时期

西方音乐在中世纪时期，个性化和多元化的特征并不能得到突显。音乐作为宗教仪式的一个部分，只是进行教义普及的辅助。宗教音乐的创作者们一般是修道士或者是笃信基督的教徒，他们更多地把音乐创造视为工作，而不是情感宣泄的途径。因此在这些创作者们在创作音乐时，更多的是考量音乐的结构、声律的和谐等问题，而把主观情感的注入抛之脑后。[10]

从某种意义上来说，西方音乐的创作规范就是从中世纪开始确立起来的。中世纪的基督教对所有的艺术形式进行了严格的规定，音乐也不例外。在音乐格式的建构中，创作家们会把眼光聚焦到格式和规则上，而不会把眼光放到个性化的表达上。我们在聆听西方中世纪的音乐时，会发现规则性的特征，即使是伟大的创作者如马肖等，也没能挣脱宗教的束缚，实现音乐的高度个性化。

3.2 15世纪到18世纪

在这一阶段，西方音乐的个性化特征得到了突显。人们以自我为中心创造音乐，使音乐成为情感表达的一种途径。虽然从整体上来看，创作家们仍然会受到宗教音乐的束缚，但是这种束缚力已经被削弱，创作家有更多的时间来关注内心的情感世界，以个人体验为依据来创作音乐作品。

音乐的创作家们在这一时期存在两种倾向：第一种倾向是为教会作曲，第二种倾向是为自己作曲。因此西方音乐的个性化特征开始逐渐突显。以巴赫的《受难乐》为例，其中体现了作者对宗教的信仰，也体现了作者世俗情感的表达。以亨德尔的《弥赛亚》为例，作品体现了对神的崇拜，也体现了对现世幸福的向往。

这一时期的西方音乐在个性化上已经达到了历史上的最高水平。不同国家的社会文化背景不同，音乐创作家们的生活经历和情感体验都不同，在这种背景下，不同的音乐创作者在个人风格、音乐气质上都呈现出较大的差异性，推动了西方音乐的个性化发展。

3.3 18世纪到19世纪

在这一阶段，莫扎特是音乐个性化的最杰出代表之一。莫扎特生于启蒙运动的时代，因此他的思想是全新的，他能够挣脱宗教音乐的束缚，在自己的音乐中自由宣泄情感，表_内心的主观感受。从这个角度来看，莫扎特的音乐是难以模仿的，后世的创作者们只能在其音乐模式、音乐结构等方面加以借鉴，却不能模仿莫扎特音乐中的“神”韵。[11]

从莫扎特开始，西方音乐越来越注重个（下转第页）（上接第页）性化和多元化的特征。以维也纳的古典主义乐派为例，这些不同的乐派形成了自己的音乐风格和独特的音乐形式，使表演成为自我宣泄的平台，极大地促进了西方音乐的发展。

3.4 19世纪到20世纪

在这一时期，西方音乐呈现出高度个性化的趋势。在体裁方面，音乐创作者们创造了不同的形式，如交响乐、艺术音乐等；在音乐风格上，不同的音乐创作人有不同的风格，如冷峻新奇、柔和轻缓等等；在音乐创作上，创作者们创作了大量的歌曲，而且每首乐曲都体现了个性解放的追求。人们在这一时期标新立异，不仅推动了西方音乐的发展，更是为世界音乐的进步指明了方向。

4 结语

从中世纪到20世纪，西方音乐的发展从未间断，通过对西方音乐特征进行历史透视和反思，我们能发现西方音乐的突出特点：理性和感性的结合、矛盾创造发展动力以及个性化的日益突出。

参考文献：

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[10] 朱丽娟.西方音乐的发展演变――评《西方音乐简史》

[J].当代教育科学，2015（04）：67.

[11] 陈洁.一个伟大历史时代的光彩――浅谈19世纪末至20世纪初西方音乐风格的发展和演变[J].艺术教育，2011（01）：20-21.