浅论学习复调音乐的重要性

摘要:这篇文章从复调音乐的声部层次,曲调特点,练习方法几个方面概述了学习复调音乐的重要性。并通过列举复调大师巴赫的作品,强调在钢琴演奏中复调音乐的练习必不可少,只有重视复调音乐的练习才能加强双手演奏的独立性。

关键词:复调音乐 声部层次 独立性 创意曲 平均律

复调音乐是指两个或者两个以上各自具有独立旋律线的声部同时进行的音乐。或者说是由不同旋律线组成的一个纵向层次或者横向立体结构的手部运动。由于纵向结合的方式不同,所以复调音乐的类型也有多种,例如有二声部,三声部,或者四声部等等。在巴洛克时期,复调音乐占主导地位,是那一时期的主要音乐形式,即使后来主调音乐占据主流,复调音乐仍然渗入其中。复调音乐与主调音乐也经常结合在一起使用,它们的基本区别在于,主调由一条主要旋律线加上各种和声背景的陪衬和协调构成,尽管其中也包含有对位线,但是仍然有主次之分。而复调音乐则是由几个平行的线条构成,几乎每一条线都是重要的,即使需要突出其中某一个声部,也要保持别的声部同时独立进行,毕竟复调是由多线条多层次构成的。所以说学习复调音乐不仅可以提高演奏技能,也能增强音色辨别和乐感的培养。

演奏复调作品时,双手必须具有高度的独立性,耳朵也要能清晰的分辨出同时进行的几个声部的旋律。演奏中要学会用耳朵听辨自己弹出的声音,并用大脑对手指进行严密的控制,使双手可以将两个或者两个以上声部的旋律线清楚演奏出来。所以练习复调作品不只是训练手指,同时也训练耳朵和大脑的运用。由于复调音乐每个声部都好似在唱歌,所以说高质量的完成一首复调作品相对于主调音乐的演奏来说要稍微困难一些。因为你必须把所有声部同时控制在自己的手指之下,要让双手分别将不同声部的旋律独立又有表情的弹清楚,所以手指与声部之间都要相互独立进行,不能产生依赖,听觉上也要兼顾好复合的旋律线条。比如开始阶段我们都是练习两声部,如果一个声部是跳音,另一个声部是连奏,那么双手要各自按要求去演奏,使两个声部的旋律各自独立,不能互相影响。再比如练习三个声部时候就会发现,其中有一只手要同时弹出两个声部,那么就要将各个手指分配好,可能一指二指是连奏,三指四指却是跳音,这就要求每个手指各自独立,准确的去演奏连奏或者断奏。复调练习就是调动手,心,脑的高强度协作运动,各个声部之间既要各自独立进行也要相互配合协调,毕竟每首复调乐曲都是一首完整的作品,是一个整体。所以在钢琴学习中,我们要重视并且持续的进行复调作品的练习,它也是提高钢琴演奏技巧的重要基础。

练习复调作品也讲究一定的练习方法。首先一定要先分声部进行练习,因为分手分声部练习可以将注意力集中在这一个声部。每首复调作品在练习的开始阶段,就着重于对声部层次的掌握,有助于将每一声部的旋律,表情,语气尤其是其中的细节部分准确的把握住。如果一开始就几个声部同时进行,往往会忽略每条旋律线的细微之处,就会破坏声部线条的完美,所以说分声部练习可以为后面几个声部同时进行奠定基础,做好准备。如果是三声部或者四声部的练习,不仅要分单声部练习,最好将一支手同时进行的两个声部也单独练习一段时间,直至对声部的层次有把握再最后将几个声部合起来同时进行。其次,不同声部合起来演奏时有几点要求需要特别注意。首先就是指法,复调音乐对手的驾驭能力要求特别高,常常一支手要同时进行两个声部的演奏,若是指法不合理,那么声部进行中就会出现很多问题,例如一个声部该保持连贯的时候,却因为要进行另一个声部,手指无法转换时就会中断该保持连贯的声部而迁就另一个声部的演奏,这样就会造成一个声部的中断,打破声部的完整性。所以指法运用特别讲究,在演奏中我们应该科学合理的运用适当的指法,正确的演奏多声部旋律,做到既可以充分保持长音的时值,又能使演奏变得方便。第二点要强调下注意力。分声部练习时我们只专注于一个声部,而多个声部合起来时我们就要一心二用甚至三用,四用,难度可想而知。比如一首复调作品的主题句会在几个声部中交错出现,为了将每一个声部中的主题句都准确的表现出来,我们就要积极调动自己的注意力去配合。随着声部的变化,注意力也要跟着转移,只有注意力高度集中,才能将每个声部中的每一个细节都清楚的演奏出来。所以在多声部演奏中,注意力的高度集中也是至关重要的。在钢琴学习中,复调音乐的练习是必不可少的,而运用正确的方法练习才能高效率的提高演奏技能。

复调作品中最伟大的音乐家当属巴赫,在钢琴演奏中运用的复调训练教材,主要就是巴赫的作品。从它的初级钢琴曲集开始,到最具代表性的平均律曲集,他的作品基本是贯穿我们整个钢琴学习过程中的。巴赫的键盘作品众多,在钢琴学习中我们练习最多最普及的是二部三部创意曲集以及平均律。二部三部创意曲集是复调中非常实用的练习教材,也是每个钢琴学生必备的基础教材。创意曲是巴赫为儿子练习所创作的键盘作品,多采取以和声为主的对位方式,同时加强了其歌唱性并用各种装饰音丰富了它的趣味性。二部创意曲较为浅显,15首乐曲各具特色,内容丰富,节奏变化繁多,比如第13首,主题只有一小节,所有八分音符在双手间轮流进行,而所有十六音符又以反方向在双手之间穿插交错,很有规律;再比如第14首,算是二部中结构最复杂的一首乐曲,其中包含多种基本节奏型,演奏时要求速度稳定均匀,持续,连贯,是对训练节奏非常有帮助的练习。将这15首二部创意曲练习好,会加强对复调作品的理解同时可极大提高音乐表现。三部创意的曲调不像二部那样生动轻快,较之二部在技术难度上也有大幅度增加,而且三部中15首乐曲之间的难度相差也较大。其中,12,14,9,5难度较高,可放在最后练习。三部创意曲既每首作品都有三个声部,不可避免的其中有一只手会同时进行两个声部的演奏,中间声部还需要两只手轮流配合演奏。在三部中,乐曲类型可分好几种,比如第13,15首是由三个不同音型构成的乐曲,演奏时双手需要在三个不同的音型中独立完成三个声部的旋律;再比如第1,第8首都是由一个音型构成的乐曲,这就要求在演奏中要将这一个音型从各个声部中都清晰的表现出来。而像第12首,或者第5首这种由三个以上音型构成的乐曲难度就比较高,最好在演奏水平达到一定高度再来练习,否则很难把握准确。巴赫的创意曲多是由几个乐音组成一个小动机,然后再形成一个主题,而每个主题基本都使用了各种对位技巧来进行变化和展开,所以说巴赫的创意曲不是简单的对比复调,每一部分都被精雕细琢的很均衡,很有特色,再行成一个完美的整体。要将这些特点细节完美的体现在钢琴演奏上,那么用眼睛看,用耳朵听,用心歌唱,用手指感觉,都是弹好创意曲必不可少的条件。

《平均律钢琴曲集》可是说是复调音乐作品的百科全书,这部作品结构严谨,无论在技术创造上还是音乐表现上都是其它作品无可比拟的。平均律共两卷,每卷24首,共48首。每首都是由前奏曲和赋格两部分组成。两卷创作时间相隔十几年,第一卷写于1722年科滕时期,与创意曲集差不多同一时间段,而第二卷直到1740至1744年莱比锡时期才完成。第二卷各曲之间的规模,以及对比因素都比第一卷加强了,在赋格主题的设计上也比第一卷创新突出,半音的运用更为广泛,所以两卷在风格上有很大差异。但是总的来说,平均律两卷48首乐曲中,每一首都有其独特的形式和特征。而每一首乐曲中的前奏曲和赋格之间也是有很多变化,多数乐曲中,两者采用了不同的主题材料,几乎是各自独立的乐曲结构。在前奏曲中,巴赫大部分都使用一个短小的主题或者一个乐句,一个有特点的织体,甚至一种音型,一种节奏模式来作为乐曲的主题,比如第一卷中第一首C大调前奏曲采用分解和弦的模式;而第二首c小调前奏曲却变成练习曲风格;第二卷第九首E大调前奏曲又类似舞曲中库朗特的风格等等。每首作品巴赫都采用一种鲜明的素材做主题,并贯穿始终,形成短小而又高度统一的乐曲,而且每首乐曲又能清晰体现其自身特点及性格。在赋格中,音型节奏变化明显丰富于前奏曲,而且巴赫同样将主题特征表现鲜明,每一首作品都具有典型特征来识别主要主题,比如第一卷中第九首E大调的赋格在节奏变化上可找到规律,有时是一种有原则的节奏,有时又是不断推动前进的节奏。另外,巴赫的赋格在情感表达上也是异常丰富,几乎每首作品都描绘了一种情绪,有忧虑有欢快。比如第一卷中第八首降e小调,赋格具有婉转浓郁的歌唱性,而第三首就比较欢快活跃。平均律是巴赫复调音乐创作的巅峰之作,在此之前几乎没有任何为教学而创作的作品能有这样高的艺术价值。可以说平均律不仅对钢琴演奏技术的训练至关重要,在曲式分析及作曲研究方面也是极大的财富。

复调是多声部有层次感的音乐,因为它是建立在多条旋律线结合基础上的织体结构,十分注重各声部自身的进行和相互之间的关系,并且能够形成一系列的逻辑思维和格律,加强这种格律和逻辑思维的训练,有助于我们培养自己对声部的层次感,提高对作品中抽象概念的想象。所以说如果想要提高钢琴演奏水平,那么学习复调音乐尤其是学习巴赫的复调音乐非常重要,可增强我们的和声思维或者说是我们薄弱的多声部音乐思维,只有将多声部音乐中的层次整理清楚并能清晰的在键盘上表现出来,我们才能真正的学会演奏钢琴。

参考书目:

林华.《我爱巴赫――巴赫钢琴弹奏导读》上海音乐出版社,2004年版

《怎样提高钢琴演奏水品》.华乐出版社,2003年版

罗萨琳*图雷克.《巴赫演奏指南》.人民音乐出版社,2003年版