试析时装画的发展可能性

摘 要：时装画在跨界融合时产生新的创作思路，这是设计史上不断出现的一幕。由于快速发展可能会有遗漏，本文希望通过一次归纳总结，在结果中找到被忽视的“点”，以这个“点”对时装画进行再发展。

关键词：画；技法；形式；主题；可能性

中图分类号：J05 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）23-0042-02

不管科技与技术如何超前发展，时装画始终是“画”，始终保持着画的艺术性才能被称之为“画”。

时装画，以图形或图案，使用“绘画”的形式与技法，采用不同的表现手段汇聚成图像展现在众人眼前。自16世纪时装画产生萌芽开始，至现在的时装画枝繁叶茂，这种艺术形态经过了大量艺术思潮，人文思想的洗礼。当然，16世纪时，“他”还不被人称为时装画，这个称谓是后人在时装画具有一定定义与可识别性时为区分于其他绘画主题而所下。在文艺复兴时期的后期到印象派中期这个时间段内，欧洲流行的各种流派是以写实，自然为主体，其他形式依附于主体而产生变化，即为了将画面表达的写实生动，为了能够体现人的美，画家们都会将人们的服装与配饰连带着表达出来，并且对服装因人物动态而形成的褶皱进行研究并进行写实性的还原，将布纹表现的非常写实与生动，配饰的光泽与大小配色都进行客观的表达，力求达到与对象保持一致。直到定期发行的时装杂志的出现后，从大批的画家中分离出了一部分人，他们专为漂亮的衣服去作画，去写实，并进行主观的调整美，改变美，并将广告的作用植入其中。

从以上分析来看，现当代时装画的版式，技法和形式，都与艺术和科技的进步分不开。我们可以这样来解析版式，技法和形式：版式，可以说是构图，排版方式；技法与形式，即笔触和色彩运用，各种画种的诞生形成，表达方式的异性变化。

从版式上看，中世纪人物画的构图已经出现大体定式。单人和双人位主体的人物画，竖向构图，人物全身或半身像，坐姿与站姿。三人和三人以上的人物画，横向构图，人物全身像，各种姿势（主要以站姿与俯卧为主）。其中细分又出现：1、主要人物在画面垂直中线的位置；2、主要人物出现在画面横向水平中线以下，黄金分割线左右的位置；3、根据光源方向，主要人物出现在靠近或远离光源的画面竖向黄金分割线的位置。4、混合式的，即主要人物出现在几种画面辅助线相交形成的点上，类似于地图坐标的概念，如画面中水平偏下的黄金分割线与垂直远离光源的黄金分割线相交的点，我们从历史中不难发现这样的规律。巴洛克时期的委拉斯凯兹与伦勃朗，他们的人物画多以第1种方式去构图，如《教皇英诺森十世》和《伦勃朗自画像》，新古典主义时期的安格尔也经常使用第1种形式的版式构图，如《布洛格利公主》《莫特西埃夫人》等，第1种版式构图，人物颇具威严与庄重，给大众一种典雅，高贵的感受，当然了这与当时人物的神态，动作有关，将这种形式代入现在的时装画会产生怎样的效果呢？来自西班牙的Sandra Suy的作品中，不乏这样的构图形式且所取得的效果如同前人所得到的效果一般，给人以强烈气场的同时又现优雅。第2种版式构图的形式，在时装画的领域里，从古到今所呈现的比较少，如新古典主义时期的达维德的《朱丽埃特・雷卡米埃夫人像》，洛可可时期布歇的《奥摩尔菲小姐》，这样的形式会让人产生一种双向的感受，轻松与调皮，温柔与优雅。纯粹的艺术品但有很多，这是因为当时的画家们在日常绘画训练时，会练习到很多的躺着的模特。在现代时，美国的Gabriel Moreno的作品中，第2种构图形式运用的较为频繁，他的作品常常带给人简约与繁复之感，简约在构图形式，繁复在画面内容。第3种版式构图形式从古代到现代是运用的最为丰富与成熟的，这是因为受西方美术的影响造成的，人们的视野中，都蕴含着光与影的关系，是有着体积的，即使是装饰主义，平面式涂色填充，画面也是蕴含着体积关系与明暗关系的，再加上黄金分割线的运用与变化，这样的时装画就版式构图来看，是带着古典的美感出现在观众视野中的。诸如英国的David Downton的作品，日本的浮世绘美人画和中国的古代国画人物或多或少的都会优先采用第3种版式构图。第4种混合的形式运用的比率次于第3种，与第1种持平，比第2种要高。多用于装饰风格的时装画，这样的作品往往将服装和人物作为图形来处理，着重的表达着纹样，图案与色彩。整张画面中除却颜色外，只有图形（服饰与人物）。这样的时装画给人以花哨，具有很强的戏剧性，类似用着绘画的手段来讲一个关于图案纹样的故事。泰国的插画师ISE绘制的时装画多用这种手段来表现自己独特的风格，每副作品既有着时装画的味道，同时又有着海报的意味。这样来看，为何时装以竖向的构图形式为主？因为杂志都有着竖向的封面。

我们都知道，随着科技的进步，包豪斯的出现，新艺术运动和装饰主义运动的诞生和发展，世界美术中的绘画技法已不仅仅是单纯的“画”了，时装画紧随“潮流”，也不再单纯的用画笔加颜料去描绘对象，随着主流画种绘制手段的革新，出现了各种各样的方式去处理画面，有一种为了达到目的，可以不择手段的意味。我们通过对油画笔触的研究发现，肌理是可以制造的；通过对水彩与国画的画面对比，发现两者可以在某些方面进行融会贯通，钢笔淡彩结合了两位“大哥”的优点，形成了新的画种，这些等等变化都将时装画这种跨越几个专业方向的派别提升到一个新的平台，在这个平台上，我们透过这些变化，又能找到新的角度与起点再次发展时装画。塑形胶的堆叠效果制造肌理，直接运用实际布料去拼贴画面，在平面的世界中出现浮雕阴阳双刻等等效果，这些都是人们在技法上的突破。越来越不拘泥于传统，越来越善于开拓思维，让新生代的美术工作者，画家对新的绘画技法，表现形式产生无比强大的欲望，不断探求未知的领域，以期将时装画的跨度拉的更开，从而有更多的机会去表达自己的想法与愿望。带着“帽子设计之王”美称的Philip Treacy与装置艺术家Moritz Waldemeyer合作，将LED灯装在了模特的帽子上出现于2012时装周上，当作品出来的那一霎，我相信全场已经震惊，紧接着Marion Lefebvre就将一块绸布放在了他的时装画上。Marie O`connor将扣子，鞋垫，塑料，棉线直接在白纸上缝纫，粘贴，Julia Griffiths Jones以各种型号柔软的铁丝进行焊接，喷涂，上色，固定在各种媒介上，各色铁丝编成的各种服装的外形，结构与纹样，让平面的变为立体成为可能，他们都走在我们的前面，是先驱。可以用NIKE公司的广告词来形容形式的变化，“一切皆有可能”。但综合来看，时装画的技法与形式的变化如何丰富与前卫，最终让大众所接触到的，依然是“画”。

从形式与技术上进行创新仅是一方面，在题材与主题上，不妨进行一些猜想，总会有“新大陆”被人发现。在人们的意识中，时装画可能表达的是一个人或是一些人打扮时髦，穿着得体，品味不凡，处于一个特定的环境，表现出不同的精神状态。可是，这仅仅是人们在进行联想时下意识的臆测，现在，有更多的艺术家愿意去舍弃并敢于丢弃画面中的主体之一――人。没有“人”的时装画还能是时装画吗？其实是可以的，忽视掉“人”的作用，可以将“物”聚焦，无限放大时尚。对“物”的时尚切入点开始情感宣泄，不断强调“物”的时尚精神，同样也能起到广而告之的作用。因为忽视掉了次，才会凸显主；放弃了某部分，剩余的部分才会更加明显并且对观众有更加强烈的冲击。艺术家因对象产生冲动而去表达对象，这种冲动越是强烈，表达出的情感就越是激烈，其中的针对性也就越强，画面中的冲突随之更加明显也就更为显眼，这样的画面也就越容易被观众所熟知，所产生的连锁反应就是，观众记住了这张画上所表达的“物”，这个“物”很流行，所以只要有了这个“物”，就可以说明我很时尚，时装画的次要作用就得到了体现。

时装画凸显时装，时装要应“时尚”，时尚不仅仅是流行，也应蕴含着进步与美。科技的美，形式的美与之结合，必能带动时装画进一步发展。