论具象绘画中的形与神

摘要：形与神是绘画的两个方面，缺一不可。在绘画艺术创作中不能只强调“形是一切”的原则。但是在美术教育的基本训练阶段要求学习者准确反映对象形体、色彩的能力是可以的，而且是必不可少的。艺术不能只停留或满足于形的反映，重要是描绘对象给作者的感受，把这种感受通过画面反映出来，或给人以同感或寓意于其中。

关键词：形；神；兼备

中图分类号：J0　文献标识码：A　文章编号：1672-3198(2010)11-0259-01

绘画中的形与神是两种完全不同的两个概念。

形是绘画反映的对象的外在形象，是形体、形状、形式以及光和色等等对象外在的形状和姿态。神是对象的内在属性，是通过画面来表达对象的精神实质。

形与神的提法在中国绘画史上，是由来已久。战国时期，韩非提出：“夫犬马，人所知也，旦暮馨于前故易之也。”(韩非子外储说)“形具而神生”这是荀况在《天论篇》中提出的。这些都是强调形但也有人强调神；宋代袁文的《瓮脯阏评》说：“作画形易而神难；形者，其形体也；神者，其神采也。”坡的一首著名的论画诗：“论画以形似。见以儿童邻。作诗必此诗，定知非诗人。”他们都强调画要重神。但也有人强调神形兼备；明代朱同强调：“虽然徒取乎形似者，固不足以言画矣；一从事乎书法，而不屑乎形似者，与画亦何所取哉?斯不可以偏废也。”黄宾虹论画：“画有三：一绝似物象者，此欺世盗名之画；二绝不似于物象者，往往托名写意，鱼目混珠，亦欺世盗名之画；三惟绝似，又绝不似于物象者，此乃真画。”纵观西方绘画史，意大利文艺复兴时期的代表人物达芬奇创作了多幅传世佳作，其代表作品《蒙娜丽莎》就以其精湛的绘画技巧而展现出一位优美动人的人物形象，而更令人惊叹的是人物表情的刻画，神秘的微笑表情迷倒世人。

所以，在绘画艺术创作中不能只强调“形是一切”的原则。但是在美术教育的基本训练阶段要求学习者准确反映对象形体、色彩的能力是可以的，而且是必不可少的。可也不是“一切”，事实上很少有人能真正画得同对象一模一样，最多也只能是形似而已。

有年轻的学画者提出：“画得与对象一模一样，有什么稀奇，现代科学已经发明了彩色全息摄影，何必把艺术品降为科学的复制品，如果这样要求，我宁可学摄影也不学美术。”他的说法有一定的道理，一张优秀的人像摄影作品，也总是以摄取对象的神为重，风景也以表达一定的意境为佳。而在借助科学进行美术创作的过程中，也有很多探索者。美国的照相写实派的开创者之一查克，克洛斯(Chuck Close)，可以说他的作品让大家一看就以为是一幅照片摆在你的面前，而在这幅“照片”中却不难发现，其中传达着画家本人情感和所描绘对象的精神面貌。正如克洛斯所说的：“人，是有感情的，不是土，不是木头，也不是石块。”

绘画是视觉艺术，画面上必具有形象或影响视觉的一些因素。但艺术不能只停留或满足于形的反映，重要是描绘对象给作者的感受，把这种感受通过画面反映出来，或给人以同感或寓意于其中。为了达到反应这种感受的目的，作者仅仅如实地反映对象的形是不够的，因为这些感受，有的是无形可论，例如一瞬而失的表情和形态；闪电、寒冷、肃穆、舒展、兴奋、紧张等等感受则不能单纯的从形的准确与否而获得，它需要作者采取必要的绘画手段：如色彩的强调与变化，笔触的运用，材料的选择，构图的变化，画面的组织，等等。这些因作者而异的表现手法，去追求各自的画面效果。这些就不能用“形是一切”的理论说明得了的。绘画，往往是以物写意，借景抒情的，中国画的勾线，皴法，散点透视，都不似对象。中国的写意画中，更有笔到意不到的手法，岂不是更无形可论。不仅国画中重神似，民间的年画，金山的农民画，那更是以神为主，现代西方的绘画也强调变形，追求神趣。可见形不是一切。

我们说形不是一切，并非说形与神无关，画人则形体与性格，神态有关联，画风景则形与山石草木的特点也有联系。没有形，观者不知其所以然，会导致作者与观者无法交流，勾通。形与神是密不可分的，形是画面的最初体现，而神则是建立在形的基础上的。把“神”加以引深，则不仅仅是一个表面的眼神、表情、情感，更要表达的是画家本人的一种情绪，以及画家表达到画面上之后对观赏者所造成的一种视觉、心理上的冲击。这在西方的绘画大师中体现的淋漓尽致。荷兰画家梵高的作品更加能说明这一切。梵高最著名的作品是1888年8月完成的《向日葵》。在这幅画中，黄色是太阳的象征。他还不止一次地描绘灼目的太阳。同年10月所作的《夕阳剪柳》中那欢快明亮的色彩，大放光芒的太阳，使观众的心和梵高的心一起跳动。这一时期，他还画了《普罗旺斯的果园》、《阿尔的收割季节》、《圣玛利的渔船》、《邮递员约瑟夫・鲁兰》等著名的作品。他几乎用原色来描绘，强烈的色彩对比一下子攫住了观众的心；短促而粗壮的笔触，形成一种节奏感。色彩犹如镶嵌在画面上的宝石，闪闪发光。梵高用心灵感受光明，由荷兰古典画法、印象派和日本浮世给予的灵感，在绘画艺术领域里开辟出一个新的天地。而在弗洛伊德的作品中，则显示了人物内心世界更加神秘的色彩。作品《病室》中的男孩头像毋宁就是一种心理符号，它从日常情境中挣脱了出来，形成了超越物象的虚幻表象，使现实性与梦幻同事都变得难以捉摸。弗洛伊德的用笔是强有力的，交错相叠的笔触形成浮雕般的肌理，扇形光斑闪烁不定，陡增了画面的神秘意味。弗洛伊德后期的作品的画面奢华，饱满而富有生气。此时的弗洛伊德，对真实有一种特殊的真诚，他只在每日接触的对象上来感受，体察生命的表现方式，但早期的那种神秘的幻影仍在画面上浮动，他们与生俱来，仿佛到死方休。

观众在欣赏美术作品时，要得到美的享受和获得新知，这与作品的独特外貌，神态效果与题材选择等是至关紧要的。而这些得来，不仅仅与形状有关，也与形体的取舍，以及运用一些非形体因素，色彩的组合，构图的安排，黑白的对比，空间的层次气韵之生动等等有关。明代王世贞曾提出：“人物以形模为先，气韵超乎其表；山水以气韵为主，形模寓乎其中，乃为合作。若形似无生气，神采至脱格，皆病也。”绘画艺术不是为了再现现象，而是为了借景抒情，故能随意涂画，千变万化。清代查礼恂叔在《画梅题记》中写到：“画梅要不象，象则失之刻，要不到，到则失之描。不象之象有神，不到之到有意。染翰家能传其神意，斯得之矣。”所以，画家常说“写意，必须意到笔不到”才是。画要有达意之形，并且有传情直神；情从心生，因人而异，画才有千变万化，艺术才有存在和发展的可能。

形与神是绘画的两个方面，缺一不可。所以，今人作画，更应“神形兼备”，使观者既得美的享受，又获新知于眼前。

参考文献

[1]高未.艺术家安格尔[J].世界美术，1980，(2).

[2]黄昌海.论乐作品的审美意蕴[J].四川职业技术学院学报，2007.(1)