静物油画的人文情怀

在现实生活中，静物油画常常以生活里使用的器物、花卉植物和动物作为描写对象而进行的绘画，不同时期的静物油画体现着不同时代的形式和风格，体现着不同作者的思想感情和审美意识。静物油画的人文情怀具体体现在以下几方面：

题材的选择。好的静物作品能够通过一些极普通的物品传达出一定的精神内涵，一盘苹果、几个樱桃、一束鲜花，可以唤起人们对甜蜜生活的无尽遐思；几个玩具使人仿佛又回到了童年的美好时光，还可以表现为父母对孩子的深情挚爱；干枯的石榴、大枣，古老的桌子，暗示出自然和文化的消亡与再生，特质和精神在消亡的同时也孕育出了新生与辉煌。

一些平常人家的不起眼的摆设，以静物的表现形式，可以看出这些平常人家的寻常之物的内涵，与平凡的心灵达成共鸣。构图上多采用低平视线或平视构图，与人们的生活习惯相一致，使观者能够进入作品，从而唤起观者对人们生存环境的更深层的联想；或通过现代绘画的构成形式，使这些寻常之物具有新的内涵，给观者一种启示或对文化现象的思考。

在静物油画创作中，由于题材不同，所画物体的实质含义也会有所改变。从构思与表现物体的目的性来说，静物题材大致可分为：1.风俗题材，以本意为表现目的，力求传达出特定环境下物体自身所应表述的实际价值，即使用性质、质地特性、自身阅历以及表象后的含义。例如静物油画《邦邦的座铺》，这是一幅风俗题材的作品，生活在豫西的人们看了都会有一种亲切感。它表现的是孩子生活的天地，围绕吃、喝、穿、戴、玩，每样道具都和孩子紧密相连。但每样物品都延伸出父母对孩子的爱与希望。虎头鞋、五毒图案的衣服，代表着健壮、勇敢，状元及第的银锁，则是希望孩子成才等。2.寓意题材。多以符号化为手段，不以物体自身狭义的使用性为表现目的，而取其广义将其延伸，作为某种现象或特定时空环境的产物，取其代表因素作为作品某一环节的符号图式，将本意外延化。如静物油画《彼时此时》，此作品是以表现文化现象为目的，所选道具在此都是符号化的，中间的椅子是传统文化的符号，坦坦荡荡、渊博大度。报纸是现代传媒的符号和胶带、绳子等包装用品绞在一起，用于两边，把传统包裹得面目全非。除了框架之外，已无精华可言。只有腐朽的根基还在，同时还带有现代文化人心理的骚动感。3.表现性题材。多以画家自身需要为前题，对物体采取多角度由外及里，有选择地提取适合情绪表述的某些方面，取形、取色、取意或囊而括之。如静物油画《花之梦》。画面采用清新淡雅的情调，朦胧中闪耀着有节奏的色点，像花季少女徘徊在现实与梦幻之间。

色调的设计。色彩，意味着五彩缤纷，充满情调、悦目和抒情美感，它是绘画艺术的语言，是刻画人物、表现自然、抒感、烘托气氛的独特表现手段。画家运用色彩去表现、强化自己的情感，表达、袒露自己的心灵与意识，并怀着真率的艺术热情和开拓心灵境界的强烈渴望，使自己的作品越过一般层次，而面向色彩的深层发展，抒发自己无限的激情与理想。静物画的色彩在写实绘画当中是可控性最强的。既可以根据主题或画面需要去摆设任何一块颜色，也可以人为地制造适合画面气氛的色调。

不同风格的静物画，在色彩上也有不同的要求和表现形式。古典风格的静物画多以固有色为主，色彩单纯、变化微妙，画面考究，刻画细腻精到，质感强烈。现实主义风格的静物画在色彩上则朴实凝重，不拘细节。印象主义画风在色彩上给画面带来了极具光感的斑斓的色彩空间。感性和理性色彩在画面上会聚成闪动的色彩世界，每块颜色都吐露着光的气息。带有表现性的静物画，在色彩上则以自己的思维方式去理解色彩的自然属性，根据需要去处理色彩的冷暖、强度、体积等，自然色彩只是一种参照。

由此可见，油画静物在色彩上有两个方面的因素，即客观色彩和主观色彩。每一种绘画风格都含有这两方面的因素。由于审美情趣和个人对色彩语言的要求不同，则两者的倾向性有所差异。有些作品以客观色彩为主，有些作品以主观色彩为主。所谓客观色彩指的是光色和物体的固有色，没有光也就没有色彩，光源的冷、暖、强、弱都会对所表现对象产生影响，光源强，物体色彩的反差就大，反之则弱。暖色的光源会产生暖的色调，暖色的灯光下红色会变得更暖，而翠绿色则会带有暖绿的味道。冷色光源下(如天光)物体的受光部，则会带有淡淡的蓝色，如以茄瓜为主体的静物作品，这是一幅采用室内自然光的静物画，整个画面充满着清淡的冷绿色，所有物体都笼罩在流动着的淡蓝色的自然光下，茄瓜散发出的田园的清新之气充满画面。在写实静物画中一般都是以客观色彩为主，但是在画面整体色彩的控制或部分、局部物体色彩的调整上需要一定程度的主观把握。如果在一组静物当中抛开物体的自然色彩或只是作为参照，根据自己的感受和画面需要重新经营色彩，加强或减弱某一物体色彩的强度、增加色彩的对比度甚至改变某一物体的色彩等等，这就是主观色彩。主观色彩在绘画上自由度比较大，构成和设计因素较多，一般需要在对客观色彩表现上有一定的熟练程度的基础上进行创作。

静物油画创作中，对整幅画的色调设计是应赋之于情感的，色调设计必然是由画面中组合的所有物体的色相合成。唐代张彦远认为“经营位置，则画之总要”，因而在构图时，不同色相的物体摆放穿插组合需要周密考虑，不仅要考虑物体之间的高与低、宽与窄、方与圆的搭配，还要考虑物与物之间的色彩冷暖对比、色彩和谐、色调情趣等综合因素。例如，后期印象派画家凡・高的静物画《向日葵》之所以有独特的艺术魅力，就是因为他的画面里总是洋溢着一种发自内心的呼喊。凡・高一生画了多幅向日葵静物油画，但都表现出了生命对金黄色的日出和日落的光芒的向往，对太阳的光明的迷恋。对他来说，黄色就是太阳的颜色，就是光和热的象征，是光明和辉煌的象征。他通过绘画告诉了人们，他一生都在追求一件世界上最简单、最普通又是最不平凡的东西，这就是太阳。在他的静物画里，他把颜料中的黄色“家族”运用得五彩缤纷、绚丽夺目。他的《向日葵》似乎把自己的爱情都灌入静物画里，让我们看到他仿佛在怀着火一样炽热的感情在描绘静物。我们可以看出，凡・高的静物画很注重自我精神的抒发和对创作主体的客观写意，因而在他的静物油画创作中，色调设计是重要的环节。

技法的选择。从油画这一表现力极强的画种出现之时起，画家们便积极利用其独特的材料特性为表达自己的情感与思想服务，并且在艺术创作中，使油画的表现方法与技巧得到了丰富与发展。他们进行艺术创作的过程，也就是利用这一特定的物质材料与表现方法来传达、抒感，使头脑中的审美意象物化的过程。如印象派画家莫奈(1840年～1926年)的静物油画把注意力放在表现形式和光与色上。如1882年画的《白色餐桌》，内容十分单纯：两块隔热的暖色圆形草垫，一把长长的黑柄小刀，一个装有橘红色饮料的圆形细颈玻璃瓶和一块白色的作为衬景的桌布，但却安排得十分巧妙，占画面主要部分的是成斜线放置的两块草垫，而小刀和一小块深色背景则在画面另两个角遥相呼应。细颈瓶是必不可少的，它使画面丰富、活泼起来。俯视的角度、饱满的构图，都十分近似电影特写镜头，产生了强烈的艺术效果。这种构图在荷兰画家夏尔丹、马奈等人的静物画里是不易看到的。后期印象派画家塞尚、凡・高、高庚的静物画则更加强调了作者主观情感的抒发，对象本身外形的表现已经成为次要的目的。1905年在巴黎秋季沙龙出现的野兽派画家亨利・马蒂斯(1869年～1954年)在印象派和后期印象派画风的基础上独树一帜，引起了人们的关注。他的静物画色彩明快响亮，吸收了印象派的长处，用线造型又受后期印象派的影响，但他的画又不同于前二者，具有自己崭新的面貌。马蒂斯强调画面的单纯，构图布局的巧妙，色彩强烈，线条、笔触奔放，追求平面的装饰效果。虽然物象的质感、明暗、体积、空间深度等的表现对他来说都已无足轻重，但他用线勾画的经过变形、夸张的物体的轮廓和结构仍然是基本符合对象的固有形象的，野兽派画家还未离开对物象外部特征的描绘。

总之，静物画虽然是以日常生活中静止的物体(如水果、蔬菜、花卉、桌椅等)为表现对象，但却是一种主题性视觉传达语言。这些物体经过艺术家自主选择的经营，通过点的大小排列、线的疏密组织、色彩的冷暖对比、调子的和谐统一等手段，将整个二维画面构造成一曲有秩序、有节奏、有韵律的交响音乐，使观众在凝视画面的过程中震惊、赞叹、共鸣、质疑……从而使画面成为观众与艺术家情感交流的媒介。通过画面物体使观众了解艺术家对生活的体验，对美的感知，对时代课题的发现和揭露，对个性人文情怀的传达。

(作者为洛阳师范学院美术学院教授)

编校：郑 艳