中国绘画艺术论文范文

中国绘画艺术论文范文第1篇

2009年6月由江苏省书协主办，在江苏美术馆成功举办“诗酒风流・邱世鸿书法篆刻艺术展”，获得好评，“文化江苏”栏目进行了专题报道。2013年3月由现代快报、艺+美术馆举办“诗韵酒魂・壮此生邱世鸿书法精品展”。《美术报》、《书法导报》、《青少年书法报》、《神州书画报》、《中国书画》、《中国书法》、《中国美术研究》、《珍藏》、《艺术百家》、《艺术名家》、《华夏大家》等刊物多次刊登“名家访谈”专题。

出版专著有《邱世鸿书法篆刻集》、《抚云斋书法文集》、《魏晋书法的艺术精神》、《创作与理念》、《理学影响下的宋代书论研究》、《大学行书教程》、《诗酒风流》、《抚云斋诗稿》、《邱世鸿草书千字文》、《抚云斋艺术论评集》（正版）。

论文多次参加全国书学研讨会二十余次，多次应邀请在全国高校进行学术讲座。在各类刊物、文章100余篇。2004年论文《论新文书法与文化精神》获得“中国文联理论奖”三等奖，2008年艺术论文获得江苏教育厅颁发的“艺术教育论文评选一等奖”。2009年专著《理学影响下的宋代书论研究》获得“中国书法兰亭奖理论二等奖”。2011年论文获得大学生艺术节艺术论文“特等奖”。

参展，荣获奖项：

“全国高校师生作品展”（优秀奖1989北京。中国书协主办）

“全国第三届新人新作展”（1995北京。中国书协主办）

“全国第六届书法篆刻展”（1995北京。中国书协主办）

“全国第二届正书展”（1996北京。中国书协主办）

“全国首届篆刻艺术展”（2001山东。中国书协主办）

“全国首届南方长城杯书法大赛”（二等奖2002湖南。湖南书协主办）

“当代青年书画大赛”（一等奖2002北京。、中国书协主办）

“2005国际书法篆刻年展”（一等奖2005河南。书法导报社主办）

“全国第二届兰亭书法展”（艺术奖2007安徽。中国书协主办）

“荷之韵一全国书画名家邀请展”（2008山东。济南市政府主办）

“国大阅兵题联”（二等奖2009北京。中国楹联学会主办）

“全国首届篆书展”（2010贵州。中国书协主办）

“全国第三届扇面展”（2010湖北。中国书协主办）

“全国楹联书法绘画邀请展”（二等奖2010北京。中国楹联学会主办）

“当代楷书创新展”（入展2011年。中国书协、河北省文联）

“首届中韩优秀书画家”（韩国国会邀请展。2011韩国首尔）

“百名博士写百米长卷”（2011年天津某文化公司主办）

“国际简牍帛书邀请展”（2011年湖南。湖南文联主办）

“西南大学书法论坛暨全国名家邀请展”（2011年重庆文联、西南大学主办）

“中意韩三国名家书法邀请展”（2012年中、韩、意三国。《中国书画》杂志社）

“启功《论书绝句百首》书法名家邀请展”（2012年北京师大艺术与传媒学院）

“当代最具学术价值与市场潜力的艺术家作品展”（2012年北京国家画院）

“全国梅花书画名家邀请展”（2013年南京梅花艺术馆并任艺委会委员）

“全国兰花书画名家邀请展”（2013年贵阳阳明祠并任艺委会委员）

“中国青年书法名家邀请展”（2013年内蒙古四站展览，中国美术馆主办）

中国绘画艺术论文范文第2篇

关键词 现代社会 学生 自身素质 艺术素养 自身培养

中图分类号：G455 文献标识码：A

1 现代社会对学生自身素质要求

当今的艺术世界是一个充满挑战、矛盾、抗争和变革的世界。处于这个历史时空的中国传统绘画教育，也正以多元的价值追求和空前的形态变化策应着汹涌澎湃的文化冲突、波澜壮阔的社会变革和起伏跌宕的艺术思潮。千百年来，中国传统绘画教育在时代的文化大潮和中华民族后代的学习与成长中发挥着举足轻重的作用，它的发展与生存关系到我们传统文化的繁荣与兴盛；继承与创新，所以，无论作为中国传统绘画的教育者，还是学者，都必须担负起这个传统文化体系的研究工作和教育改革，以便使中国传统绘画教育的当代性具有更为正确的理性分析。

审视20世纪以来的中国传统绘画教育，其生存的境遇几经沉浮，在近代内外交困的中国政治现状中，传统的中国绘画艺术深受西方强势文化的冲击，随之而来的状况则是废除传统，质疑教育。于是，中国传统绘画艺术的教育开始模仿西式教育而进行素描、色彩等西方艺术教育模式，中国传统绘画艺术的根本被义无反顾地抛弃了，这一状况的改变也殃及了文化教育的方方面面，其影响是可想而知的。然而，在艺术上有着真知灼见的进步艺术家们并没有为之而消沉，他们主张“以15世纪以前的中国画”为体，“取欧画写形之精，以补我国之短”这一理论来继续着中国画教育的“新文化美术”之路。20世纪70年代末至80年代初，以传统水墨为载体的中国画教育，开始以抵制既有的被神圣化了的创造方法为标志的“85美术思潮”为教学主体思想。

面对现代社会对学生自身素质的要求，高校艺术教育致力于解决现当代文化思潮多元发展下的传统文化弘扬发展问题，在此基础上进一步阐明高校艺术生对于自身艺术素养的培养的重要性和发扬传统文化艺术的特殊使命和意义，为提高国民的文化艺术素养，廓清艺术发展思路作一份贡献。

2 学生艺术素养自身的培养

传统绘画思想是学生艺术素养培养的必由之路。中国传统文化在21世纪有非常大的潜力，鞭辟入里，博大精深。老师既要把正确的观念灌输给学生，又要保持教学的稳定性和把握一定的依据性，让学生学有所长和学有所依，从而增加对传统文化的兴趣。怎么看待传统，也是艺术教学中要明确的问题。艺术的发展只有根植在传统文化的土壤里才能得到创新和发展，所以传统并不会束缚学生的创造，反而会提高学生的艺术素养，这样才能让学生具有健康的人格和高尚的情操，成为符合时代需要的人才。

基于现代社会对学生自身素质的要求，对教师培养好学生的使命要求有所提高，特别是对学生艺术素养自身的培养，这就需要老师在传统艺术教学中对学生艺术素质及基本技能培养进行精心设计，其具体参照表1。从举措一览表中可见，评价内容从评价项目、评价方法两方面来展开。其中，评价项目包括多读书、广闻见、有胸襟、勤习苦四项；评价方法包括静态分析、形成性评价、动态分析、终结性评价四种。静态评价的评价内容包括如下，艺术论文写作水平（多读书：即通过多读书提高艺术论文写作水平），艺术批评与审美、艺术作品鉴赏水平（广闻见：即通过多读多看多听所思考来提高艺术批评水平与审美、艺术作品鉴赏能力），道家哲学思想与现代艺术创作的融合（有胸襟：即找出传统文化及现代艺术的互补之处来加以融合），作业数量及艺术作品质量的通过率（勤习苦：即通过大量的练习来提高艺术作品质量），即在特定时空现实状态下的评价为静态评价；同时，更重要的是动态评价，即对被评价者的过去与现在进行比较，注意学生的发展，动态评价的评价内容包括如下，文化知识、理论水平（多读书：即通过多读书提高艺术文化水平），分析及解决艺术问题方面（广闻见：即通过多看多听增强分析及解决艺术问题的能力），艺术认知力度及创作力度（有胸襟：即通过学习传统文化来加大艺术认知力度及创作力度），专业技能水平（勤习苦：即通过勤奋苦练促进专业技能的增长）。

形成性评价指在教学过程中为改进教与学而提供频繁信息反馈而进行的评价。①它所包括的评价内容有，所学生需读的书有：古今论画之书（如各种画论等书籍）、金石碑帖、古人诗歌、笔记小说四部分；开阔学生的见闻：文人之神悟（意境）、作家之绳墨（规矩）、习俗之移人（群众需要）、师传之墨守、气质之褊弊、家法之渊源、物理之探究（造化与事物之规律）、地壤之区分（所居地区山川之不同）；加大学生的胸襟：不贪浮华、轻视图财、心无俗忧、自拟先哲（以前贤为榜样）；培养学生的品德；朝夕染翰（早晚练习作画）、多观名迹、着意临摹、到处写生、力祛褊弊（努力除去褊狭陈旧的成见）。

总结性评价（终结性评价）是一门课程或一个学期结束后，为判断学生是否达到教学目标或评定教学方法的有效性而对教学结果作出的综合总结和成绩评定。②在终结性评价中，主要体现鉴定功能，以课程目标为参考。③它所包括的评价内容有：增加学生的勤习苦练：考察学生素质、学养、格调、文化、境界的综合，实现量的积累；考察学生吸收、继承、体悟、理解、分析的艺术学习态度之综合能力；考察学生人格魅力、执着精神、谦虚为学的思想品德及行为操守；考察学生学习兴趣、眼界、技能及创新的个人发展能力。

通过以上举措一览表可见：传统艺术教育对学生艺术素质及基本技能培养符合现代社会赋予高等艺术学生的时代新要求。在艺术形式百花齐放的现当代社会，各种艺术思潮层出不穷，学生学习艺术传统必然会很好地廓清艺术发展的思路，同时更好地对不同的艺术形式进行正确的鉴赏，从而提高自己的艺术素养。

艺术理论教学有利于学生综合艺术素质的培养。学生在艺术技能的学习中重视传统文化及绘画理论的学习，能很好地将实践技能与理论相结合，更好地指导实践，同时也更进一步提高学生的综合文化水平和艺术修养。

注释

①②王大根.美术教学论[M].上海：华东师范大学出版社，2004：173.

中国绘画艺术论文范文第3篇

>> 钱就这样贬值 在认识“钱”之前 你认识钱吗 血汗钱这样讨回 《钱经》杂志这样看 我就这样爱上抓钱舞 微信,钱可以这样赚 有钱男人这样活等 钱 如何让小孩子认识钱 来，认识一下钱 区域营销：很耗钱，但这样做很值 有钱人就应该这样消费 我是这样嫁给了有钱人 这样的生活多少钱一斤 压岁钱，我是这样用的 这样的钱，你见过吗？ 当前所在位置：中国论文网 > 艺术 > 顾长卫这样认识“钱” 顾长卫这样认识“钱” 杂志之家、写作服务和杂志订阅支持对公帐户付款！安全又可靠！ document.write("作者： 陈降龙")

申明:本网站内容仅用于学术交流，如有侵犯您的权益，请及时告知我们，本站将立即删除有关内容。 《Z169》：大约为几十万元人民币的侧面

近期，人民银行发行了新版百元人民币。与此同时，一个基于人民币创作的当代艺术作品“视介――顾长卫当代艺术展”正在中国美术馆展出。展览展现了人们未曾注意到的人民币的细微之处。其实顾长卫这个系列作品去年曾参与过北京三影堂的实验展，之后又在上海当代艺术馆举办过个展。此次中国美术馆的展览辅以雕塑、视频等形式为观者带来更多体验。

从微观视角来观看百元钞票是顾长卫很久以来一直萦绕在脑中的想法。顾长卫在这些年的创作过程中，有时不得不去思考人与钱的关系，在从容且对于钱有着热情的同时还要保持自己的理性。他希望以一个方式，让钱传递出积极的能量，使它成为一个艺术品，变得价值连城。 《F-X006Y006X72》：由拍摄人民币局部的素材设计而成，其中小字为中国古代大数量级计数单位

人民币既是一种符号也是一个天平，它代表着“什么”也衡量着“什么”，其中各异只有通过观众的眼睛、观众的心去体验深思。谈及办此展览的初衷，顾长卫这样说道：“我想通过100元钞票这个符号去映射出每个人的命运，它跟人的梦想、现实有着千丝万缕的联系。微距变化不只是一张小小纸币的变化，他会带给观众一次重新回望和解读自己内心的机会。”

中国绘画艺术论文范文第4篇

>> 金属热处理之退火 模拟退火算法探讨 遗传模拟退火算法 LED产品退火工艺优化 基于固态相变的退火技术 胀接管道管端退火工艺 CrWMn球化退火工艺的分析 浅谈均匀化退火炉组 连续退火炉安装技术 汽车齿轮模具的退火工艺漫谈 硅钢连续退火炉安装技术 全氢罩式退火炉氢气用量对退火时间的影响分析 非晶合金退火后硬度变化的实证分析 不锈钢冷轧退火酸洗线生产工艺 全氢强对流罩式退火技术 金融危机“退火”中国钢铁业 基于回复及再结晶过程退火的分析 罩式退火炉翻卷机的优化改造 镀锌线退火炉的电气安全措施 浅谈连续退火炉的施工要点 常见问题解答 当前所在位置：中国论文网 > 艺术 > 《退火》过往已是温和宁静 《退火》过往已是温和宁静 杂志之家、写作服务和杂志订阅支持对公帐户付款！安全又可靠！ document.write("作者： 唐安")

申明:本网站内容仅用于学术交流，如有侵犯您的权益，请及时告知我们，本站将立即删除有关内容。 流动的风景2013，纸上墨本 消逝的风景2013，玻璃，茶 高地回声2016，玻璃，茶，银箔，木 朝暮2015，玻璃，茶，石粉土 等候觉醒2015，玻璃，樱桃木，茶 晓 2013，玻璃，综合材料，茶

这些作品来自杜蒙于2016年6月25日至8月7日在纽约否画廊举办的个展《杜蒙：退火》，呈现九组以玻璃为主要媒介的艺术作品，表达艺术家对于个人化瞬间与记忆的认知。

本次展览作品涵盖玻璃绘画、雕塑以及装置等不同形态，试图展现杜蒙对于玻璃艺术的多样化探索。2010年起，杜蒙将速写与插画手法融入玻璃创作，形成一种独立而细腻的语言，用以叙述那些恒定存在于思想之中，却难以用具体词汇表达、转瞬即逝的状态。这些带有强烈叙事性的玻璃作品，是她重现往昔，表达对特定时空感念的美妙通路。这些闪烁迷蒙光泽的玻璃体，不仅仅关乎着艺术家的个人体验，也描摹出一个崭新而深邃的世界。在杜蒙充满想象与期许的作品中，梦境般的过往与现实交织，司空见惯的场景倏忽变幻，未来的栖身之地变得可见而真实。正如艺术家迈克尔・罗杰斯对杜蒙作品的评论 ，“从这个意义 ， 艺术家成为一个导体，过去现在未来在此相遇。”

中国绘画艺术论文范文第5篇

摘 要：架上绘画与现代设计是有差异性的，现代设计不同于架上绘画作品的是，现代设计是一种与特定目的有着密切联系的实用艺术。架

>> 绘画与平面设计的差异性 关于传统绘画素描与设计素描的差异性研究 浅析日本与德国现代设计的差异性 关于反腐报道与娱乐消息的差异性 感性设计中的文化差异性分析 论基础素描与设计素描的差异性 浅谈设计素描与基础素描的差异性 健身锻炼与运动训练的差异性分析 表扬与积极评价的差异性分析 差异性教学的课堂设计 舞蹈与武术的差异性 关于智能变电站与常规变电站在维护上的差异性分析 浅谈现代防雷技术的有效性与差异性 关于本科生与研究生教学模式差异性的思考 关于税务会计与财务会计的共同性和差异性探讨 关于学生数学差异性作业的应用 中国和国际建筑装饰设计共同点和差异性的研究分析 部门决算与部门预算差异性分析 海报设计中的文化差异性与同一性 海报设计中的文化差异性与统一性 常见问题解答 当前所在位置：中国论文网 > 艺术 > 关于架上绘画与现代设计的差异性分析 关于架上绘画与现代设计的差异性分析 杂志之家、写作服务和杂志订阅支持对公帐户付款！安全又可靠！ document.write("作者： 汪洪洋")

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文献标识码：A

文章编号：1005-5312（2010）18-0134-01一、基本概念的认识“艺术”的大致分为纯艺术和实用艺术两类。所谓“纯艺术”是相对具有实用功能的艺术形态而言的那部分造型艺术，具体的说即绘画、雕塑、书法一类的艺术。所谓“实用艺术”是一个比较大的概念，它既可以包括现代大机器工业的产品设计，又包括了手工生产的实用工艺品，建筑设计和服装设计等等，其评价和确定标准只有一个，即实用的同时又具有艺术质的产品。文中讲的“架上绘画”是纯艺术的一种，就是指放置在画架上绘制的画的总称，区别于装置艺术、雕塑艺术等艺术形式。本文中提到的架上绘画是相对商业意味浓厚的绘画而言，与商业交易中的绘画应有一定区别。根据以上概念表述“现代设计”应归结为实用艺术的范畴是毫无疑义的，古代那些实用工艺产品也同样属于实用艺术范畴。本文中讲的现代设计是指商业范畴内的现代设计。二、架上绘画与现代设计的差异性架上绘画与现代设计是有区别的，现代设计不同于架上绘画作品的是，现代设计是一种与特定目的有着密切联系的艺术。其受到来自文化、地域、教育、市场等客观环境的控制和影响。与架上绘画相反，现代设计必须要和市场接轨的，在具有自身艺术审美的同时更需要迎合并接受商品受众(也就是客户)的趣味习惯和要求。面对商业化的市场规律，设计师设计处的每一个作品都是对市场的附和并接受市场的验证。现代设计者所担任的是多重角色，需要知己知彼，又需要调查对象。你应成为对象中的一员，却又不是投其所好，夸夸其谈，你的设计代表着客户的产品，客户需要你的感情去打动他人，你事实上是“出卖”感情的人。认识和把握市场，有助于设计找准目标对象，心中有数，可以瞄准靶心，有助于自己的设计定位。设计师就需要用最少的投入，创造最大的利润。因此设计师的工作要与社会价值相联系，与人的需求相联系。架上绘画更强调主观情感的表达，艺术家可以完全按照自己的欣赏方式，体现强烈的自我意识与自我表现 ，更侧重于自身风格和精神内涵的呈现与现代设计最大的不同就是绘画可以尽可能的少考虑市场和社会因素，客观的约束力比现代设计要小很多，艺术家的创作空间更为自由。这方面，后印象主义巨匠梵高无疑是最具典型的代表意义。梵高的创作无疑是极具个性化的，个性的作品中能看处他的狂妄不羁和苦痛挣扎，他生前极其艰苦的条件下所创造出的大量个性化作品从未卖掉过，就是因为其作品的极端“个性化”，以致在当时的社会环境中不能被人们所接受。设计是一种交互式沟通，是传达，而纯艺术中的架上绘画则更侧重表现，是情感的流露。两者在重视程度和倾向性是有较大差别。设计师做设计作品是不能完全凭感觉做的，在做的同时要考虑各种方面的因素，要寻找最佳的表达方法，要把自己的感觉翻译成大众能够理解的有效视觉语言。如香港著名的国际平面设计大师靳埭强先生所言：“设计异于绘画的地方是，设计师要顾及客户和市场的需求，不是纯粹个人的表白。”三、架上绘画与现代设计的关联虽然架上绘画与现代设计之间存在着各种差异，但不能否认两者同属于一根藤的瓜，有着千丝万缕的联系。如：早期绘画与设计的起源、艺术规律的相似性、形式美法则的相似性、设计必须具有绘画审美意识的基本特征等等。现代设计也是一种综合性造型艺术。既然是造型艺术，就要具备绘画创作的审美意识。准确、充分地理解架上绘画的艺术内涵，是提高现代设计师自身艺术素质和修养重要部分。现代设计教育的摇篮――包豪斯设计学院的建立，绘画艺术与设计就有密切关系，一大批画家从事设计教学，现代主义的画家康定斯基、伊顿、克利、蒙克等人，以基础课程教师的身份主持包豪斯设计学院的基础绘画教学，从而也创造了设计的基础课程――三大构成，同时培养了一大批著名的设计师，也为今后的设计教育体系奠定了基础。在两者的结合上，靳埭强先生就是最好的证明，他把现代设计思想和中国传统水墨有机结合，突出了设计的民族特色，从而立足于国际设计之林，再次证明了“民族的就是世界的”经典。画家与设计师都需要有很高的绘画功底和艺术素质，具有高水平的审美情趣，追根溯源二者往往是彼此间相互渗透，相辅相成。四、结语架上绘画与现代设计既存在区别又有千丝万缕的联系。我们做为创作者只有准确、充分的理解二者间的差异和关联，掌握适度的分寸关系，运用二者之间共性的基础理论才有利于我们的创作和认识水平的提高。

中国绘画艺术论文范文第6篇

>> “亚洲新锐艺术家”入围揭晓 2015年“HUGO BOSS 亚洲新锐艺术家大奖”入围艺术家揭晓 眼镜如是说 安全如是说 老虎如是说 如是说同行 阿甘如是说 沉默如是说 医者如是说 幽默如是说 领袖如是说 青年翻译家“借镜观看”如是说 一个自主品牌悲观论者如是说 易中天如是说 如是说课改 职场交谈如是说 “老女人”如是说 帕斯卡尔如是说 楚汉往事如是说 白纸如是说等 常见问题解答 当前所在位置：中国论文网 > 艺术 > 六个亚洲新锐艺术家如是说 六个亚洲新锐艺术家如是说 杂志之家、写作服务和杂志订阅支持对公帐户付款！安全又可靠！ document.write("作者： 王诤")

申明:本网站内容仅用于学术交流，如有侵犯您的权益，请及时告知我们，本站将立即删除有关内容。 1.“弹坑水塘”系列 2009年2.《向我所栖身的社会提五个问题》 2015年3.杨心广《无题（牢笼）》2015年4.“无题”系列 2012-2015年； 《我看，它感》2015年5.《生产线》 2012-2015年6.《纪录片：地心穿刺》 2012年

“赚钱是艺术，工作是艺术，好的生意是最好的艺术。”当代艺术领域最具争议的艺术家安迪・沃霍尔的言论如是我闻，可谁都知道艺术品是精神产品，而不是生活必需品。个人日常生活消费属于私人的事情，不能进入公共领域和历史，而艺术品则是人们在温饱甚至富足以后寻找精神交往和沟通的方式之一，所以也就进入了公共生活领域。就像是罗马硬币的两面，生意与艺术还是上帝的归上帝，凯撒的归凯撒的好。

自2013年成功举办“HUGO BOSS 亚洲新锐艺术家大奖”后，2015年10月30日，HUGO BOSS与上海外滩美术馆携手主办的第二届大奖又如约而至，本次入围艺术家作品展于10月30日至2016年1月3日向公众开放。

本次六位入围的新锐艺术家分别为：关小（中国内

地）、黄博志（中国台湾）、Vandy Rattana（万迪拉塔纳，柬埔寨）、Moe Satt（莫萨，缅甸）、Maria Taniguchi（谷口玛丽亚，菲律宾）以及杨心广（中国内地）。这其中如杨心广的创作以雕塑为主，也不乏对于录像和行为等形式的应用，在他的作品中，材料是一个格外显著的载体，强调了不同材料之间质感的关联与冲突。关小的创作涉及不同类型的媒介，其中最为突出的是她的雕塑、装置和录像，她的创作素材有着强烈的私人痕迹和偶然性。来自缅甸的莫萨，以身体作为最直接的实践媒介，在一系列与之有关的行为和表演作品之外，还通过录像和装置对这一主题进行延续。

与欧美已然蔚然大观的当代艺术相较，亚洲国家的当代艺术由于限于经济发展与观念渗透的代差而呈现出更为多棱的光谱。生活和工作于中国台湾的黄博志在其多元化的艺术实践中，着重探讨的是有关生产、农业、制造业、消费等议题，并以此为基础进行政治经济层面上的批判。他的装置、表演作品《生产线》不仅探讨了“生产”和“消费”这两个概念之间的关联与距离，也通过处于社会工厂底层的两位女性如同镜像一般的经历，捕捉到了一个工业时代给个体留下的亲密而感性的记忆和余味。来自柬埔寨艺术家万迪拉塔纳的创作以摄影和录像为主，作品有着新闻摄影纪实性的冲动。他的“弹坑水塘”系列作品于宁谧静穆中，展现了几十年前留下的弹坑如今变成了被水草覆盖的池塘。在这样秀美的田园中，磨灭不去的是战争暴力的痕迹与记忆，以及被时间和自然修复后仍难掩的伤疤，这让意识到照片中所为何物的人们感到不安……

遥想前年大奖归于香港的新锐艺术家关尚智，他的作品往往旨在反思和批判，并善于针对展览的空间及语境而创作。今次荣获2015年“HUGO BOSS亚洲新锐艺术家大奖”的菲律宾的女性艺术家谷口玛丽亚则无论是绘画、雕塑和录像作品，都展现出了对形式的高度崇尚。她的雕塑作品在空间中建立起体系明确的存在，并为它们建立了观看和参与的秩序及逻辑。她的录像作品中镜头语言的运用，拍摄对象的状态，其中都贯穿有节奏和规律。凭借着这种逻辑和秩序，玛丽亚剖析并且连接起物质文化、科技和自然的知识与经验，也在考察这些对象所处的时空、社会和历史语境。

中国绘画艺术论文范文第7篇

>> 超现实主义的伯乐 超现实主义的旗帜 超现实主义的现实性 源自于内心的超现实主义 超现实主义的奇幻与玩味 雨果与超现实主义的渊源 超现实主义中的日本悲情 论超现实主义的美学核心 寻找摄影里的超现实主义 解析招贴设计中的超现实主义 梦幻的世界――超现实主义画派 生错了年代的超现实主义鼻祖 浅析超现实主义绘画的情感表达 动画的超现实主义情怀解析 超现实主义绘画中的诗人诗性 超现实主义就是我 超现实主义与复制 超现实主义波普 超现实主义摄影 迷幻与超现实主义 常见问题解答 当前所在位置：中国论文网 > 艺术 > 吃的超现实主义 吃的超现实主义 杂志之家、写作服务和杂志订阅支持对公帐户付款！安全又可靠！ document.write("作者： 莫兰")

申明:本网站内容仅用于学术交流，如有侵犯您的权益，请及时告知我们，本站将立即删除有关内容。 “空中餐厅”十周年纪念特别盛宴将于6月初在比利时布鲁塞尔的原子塔附近展开

在距离地面50米的高空用餐，你是会恣意享受，还是会食不下咽？今年6月在比利时布鲁塞尔原子塔附近，将要上演一场独特的空中盛宴。

其实在高空中吃饭早就不是什么新鲜事了，早在十年前比利时人戴维・吉赛尔斯就提出了“空中餐厅”的概念，他之前接受媒体采访时说，“空中餐厅”的创意有点“超现实主义”，满足了人们对天空的向往，而卖点就在于独一无二的就餐体验。经过许多年的发展，“空中餐厅”出现在了全球40多个国家和地区，从巴黎到悉尼，从迪拜到开普敦，从波哥大到圣保罗，它出现在了各大城市地标的上空。 想在这上面吃饭，首先你必须没有恐高症

虽然非常高大上，可是空中餐厅也得面临很多“不可控因素”。用餐时顾客必须系上四点式安全带，只有在工作人员帮助下才能解开，如果想去洗手间，也要花几分钟降落至地面。更重要的是，餐厅营业前一定要看好天气。如果遇到大风天，玻璃杯容易下滑，就会增加用餐不便。而且出于安全考虑，平台上面不允许使用炉火烹煮食物，唯一能使用的是电磁炉，不过只要食物的烹饪不直接用火，菜单都可以依据顾客的要求定制。另外，平台最高只能升到距地面50米的高度，所以餐厅周围不能有太大的障碍物，否则起重机就没有空间可以安放。在空中吃一顿晚餐全过程需要耗费8小时，光是吊起平台就需要2小时，如果就餐者掉落餐具或是想上厕所，就要降下平台，那意味着所有人都得下来。

中国绘画艺术论文范文第8篇

英国能成为世界上重要的前卫艺术中心，均与20世纪80年代英国崛起的新一代艺术家――“青年英

>> 当代艺术的视觉盛宴 当代艺术 视觉盛宴 当代艺术的狂欢与符号的盛宴 “推动中国当代艺术”的“视觉盛宴” YBA与英国当代艺术的崛起 余震――英国当代艺术展 从英国当代艺术看英国文化 当代的艺术与当代艺术 很像“当代艺术”的当代艺术 当代艺术的承诺 当代艺术的隐私 泛滥的“当代艺术” 当代艺术的拜物教 当代艺术的先锋 《当代艺术的主题》 当代艺术的跨界重生 当代艺术的社会性 当代艺术的快公司 当代艺术的亚洲争锋 当代艺术收藏的拐点 常见问题解答 当前所在位置：中国论文网 > 艺术 > 英国当代艺术的盛宴 英国当代艺术的盛宴 杂志之家、写作服务和杂志订阅支持对公帐户付款！安全又可靠！ document.write("作者：未知 如您是作者，请告知我们")

申明:本网站内容仅用于学术交流，如有侵犯您的权益，请及时告知我们，本站将立即删除有关内容。 英国当代艺术的盛宴

英国能成为世界上重要的前卫艺术中心，均与20世纪80年代英国崛起的新一代艺术家――“青年英国艺术家”(Young British Artists，简称YBA)有关。1988年，达明安・赫斯特、翠西・艾敏(TraceyEmin)和克里斯・奥菲利(Chris Ofili)等一群年轻的英国艺术家在伦敦东部的个仓库里面展示了他们的作品。他们创造出的作品大多无视艺术定义下的传统惯例，充满强烈的视觉冲击力和心理挑战性。在接下来9年的时间里，他们精彩的、富有创造力的作品在全世界范围内引起了股热潮。20世纪90年代中期，英国当代艺术品市场因经济衰退几近崩溃，很多商业画廊倒闭，羽翼已经丰满的“青年英国艺术家”们成为艺术品市场的救星，开始在英国艺术界呼风唤雨。他们同时也是角逐特纳奖(该奖于1984年设立，是对英国最佳当代艺术进行的奖励)的主角，对媒体和公众有了重要的影响。此时，所有因素综合在一起，使得英国当代艺术前所未有地拥有了大量观众，这些观众之前对视觉艺术并无体验或了解。换句话说，当代艺术不再仅限于少数受过良好教育的精英，变得平易亲切，成为社会生活的一个主流活动。而今英国新代的艺术家们带来了与“青年英国艺术家”不一样的表现，他们不在对喧闹轰动的表面感兴趣，相反在主题上强调多样性，从浮华更趋于朴实和节制。

对于远洋之外的中国观众而言，并不是很多人都能留意到英国当代艺术的发展及变化，大部分人对其了解甚至都知之甚少。去年12月开始英国大使馆文化教育处与国内多家美术馆、博物馆及艺术馆合作举办了“英国制造――英国文化协会当代艺术展1980-2010”的巡回展览，则为我们打开了了解英国当代艺术的一扇窗户。英国文化协会收藏了超过1650名英国艺术家的8500余件绘画、雕塑、素描、水彩、版画、摄影、装置以及摄像作品，它们反映了20世纪初至今英国艺术的成就和发展。藏品大都是现在享誉世界，成绩斐然的艺术家。此次展出的艺术作品是英国文化协会从近20多年收藏的当代艺术作品中精选出来的，包括了50位英国艺术家的100多件绘画、装置、摄影、影像作品。其中，有相当多的艺术家都曾经获得或者被提名过特纳奖，如道格拉斯・戈登(Douglas Gordon)、达明安・赫斯特(Damien Hirst)、理查德・赖特(Richard Wright)和吉莉安・威尔金(Gillian Wearing)等。

达米恩・赫斯特：奇思怪想的天才

1965年，赫斯特出生于英国布里斯托，从小在英格兰北部的利兹长大。他是YBA里面的主要代表人物。他主导了20世纪90年代的英国艺术发展并享有很高的国际声誉。赫斯特在1986年9月就读于伦敦哥德史密斯学院，1995年获得英国当代艺术大奖特纳奖。他的艺术一大特点，就是对科学和艺术之间的联系很感兴趣。他常常往自己的作品中注入医学的元素，比如药品、药橱和药片等。

加里・休姆：二维概括的演绎者

加里・休姆是英国青年艺术家群体的成员之

，因他简洁率真又雅致独特的艺术作品而享誉英国。他的作品研究色块和形式之间的关系，研究材质在艺术作品中的运用。作品来源于生活，提炼出对生活的热爱态度，赋予作品以艺术的思想和姿态。

查普曼兄弟：一对恶搞大王

杰克・查普曼和迪诺斯・查普曼，分别于1966年和1962年出生。1990年，这对兄弟从英国皇家艺术学院获得硕土学位后开始共同创作。1993年，查普曼兄弟创作了《战争的灾难》，他们将西班牙艺术大师戈雅的系列铜版画进行改造，将原本表现战争残酷恐怖的、充满人体残肢的画面变成了塑料人的装置，这改造受到了不少非议，却也令他们炮而红。从此，查普曼兄弟致力于“篡改”名人作品，他们希望通过艺术的手法对现实进行嘲讽和揭露。查普曼兄弟还将希特勒当年创作的水彩画添加了彩虹、笑脸、星星，并命名为《假如希特勒是个嬉皮，我们是否会更快乐》。

彼得・多伊格：忧郁的追忆者

弗洛伊德的理论告诉我们：一个人童年的经历会影响他／她的生。这个理论放在彼得・多伊格的身上，再正确不过。他的艺术主题就是不断地用画笔追忆自己的童年，尤其是童年里停留过的那些地方。20世纪70年代末，彼得・多伊格到伦敦求学，先后就读于温布尔登艺术学院、圣马丁中央艺术学院和切尔西艺术学院。2007年，他的《白色独木舟》在伦敦苏富比拍卖会上以1130万美元成交，使得多伊格成为英国绘画作品价格最高昂的在世艺术家之一，引起艺术界和媒体的广泛关注。

博伊德・韦布：关注自然与人类关系的摄影师

韦布的风格极具神秘色彩，制作精美的摄影作品是利用他在工作室里的布景完成的。在他早期作品中，他更多关注的是自然与人类的关系，常以寓意的方式暗示人类对人性的漠视必将招致大自然的报复。韦布活跃于国内外的众多艺术展，他参加过的展览以及和个展包括：伦敦白教堂美术馆，伦敦，1987年；赫希霍恩博物馆，华盛顿，1990年；奥克兰美术馆巡回展，1997年；还包括弗里德里希阿鲁门Toi Toi Toi博物馆，卡塞尔，1999年；以及奥克兰美术馆，2010年；Comma 24，布隆伯格空间，伦敦，2010。1995年，他曾代表新西兰参加了悉尼双年展。

约翰・伍德和保罗・哈里森：作品的真正主角

约翰・伍德(1969生于香港)和保罗・哈里森(1966年生于英格兰伍尔弗汉普顿)，均毕业于巴斯高等教育学院。从1993年起，两人便直开始合作。伍德和哈里森创作的作品多属极简主义的录像作品，所涉及的主题既有悲剧，又有喜剧还有讽刺剧。他们在作品中对人体的物理极限、程度和行为的试验，与他们所创造出的特定环境息息相关。《3D桶》(2001)，《桌椅》(2001)和《洒水壶》(2001)，均属于伍德和哈里森名为《26图画和下坠物体》系列作品，首次展出是在2002年伦敦的Chisenhale美术馆。该系列作品借助了26个电视屏幕，向观众展示了26个相似短篇，每短篇均不超过三分钟，循环播出，但每短篇并非独立地存在，而是与另外的作品紧密相连、环环相扣。在创作此作品时，通常从个固定位置开始拍摄，通过作品中人物的各种运动方式(包括人物静止不动)，向观众展现了作品中的空问位置关系。此外，正如作品题目所示，此作品探讨了某种环境和行为，在何种情况或是表演者做出何种运动或行为时，能发挥最大作用。这些短篇中，出现的人物就是伍德和哈里森，有时两个会起出镜，有时则是一个，但无例外，他们才是作品真正的主角。通过这些作品，我们可看出这两位艺术家不仅试图探索被环境限制的一些细小的，荒唐的举动，同时想探索那些几乎不存在的极其复杂的运动机制。

中国绘画艺术论文范文第9篇

2014年1月21日，将值段文杰先生仙逝三周年纪念日。本刊特刊发段先生两篇遗作及一组纪念文章，以缅怀一代敦煌学大师。

段文杰先生1917年8月23日生于四川绵阳。1940年，以优异成绩考入从杭州迁往重庆的国立艺专五年制国画科，师从林风眠、吕凤子、潘天寿、陈之佛、李可染、黎雄才等先生学习中国画。由于学习勤奋努力，在绘画基本功和文史知识方面都打下了坚实基础。1944年，在重庆观看了张大千先生临摹的敦煌壁画展览，被敦煌艺术所吸引，同时也了解到地处边远荒漠的敦煌石窟艺术遗产需要有识之士去保护和研究，就下决心要担当一名志愿者。他的想法得到林风眠、潘天寿、陈之佛等先生和同学们的支持。1945年毕业后，几经曲折，义无反顾，于1946年到达敦煌莫高窟。在国立敦煌艺术研究所从事敦煌艺术保护和研究工作，并担任美术组组长和考古组代组长。1950年后，历任敦煌文物研究所美术组组长、所长、副研究员。1957年后，遭错误处理。1962年，经上级组织甄别，恢复原有职务和待遇。“”期间又遭迫害，1969年，下放敦煌农村劳动。1972年，回所工作。1980年，任敦煌文物研究所第一副所长。1982年，任敦煌文物研究所所长、研究员。1984年，任敦煌研究院院长。1998年以后，任敦煌研究院名誉院长。

段文杰先生是第六、第七届全国政协委员，还曾担任中国敦煌石窟保护研究基金会理事长，中国敦煌吐鲁番学会副会长、甘肃敦煌学会会长、甘肃省对外交流协会名誉会长、甘肃省国际传播交流协会名誉理事长、甘肃省社科联副主席、甘肃省美术家协会名誉主席等多种社会职务。1986年，被日本东京艺术大学聘为名誉教授。1993年，被日本创价大学授予名誉博士学位。还被台湾中华佛学研究所授予名誉研究员。曾获日本东洋哲学研究所学术奖、东京富士美术馆最高荣誉奖。

段文杰先生是敦煌壁画临摹事业的开创者和领路人之一。从上世纪40年代开始，独立或与他人合作临摹历代敦煌壁画代表作384幅，约140平方米，是临摹敦煌壁画最多的画家。他深入钻研传统壁画艺术，带领同事们开创了敦煌石窟艺术的整窟临摹工作。其中莫高窟第285窟、榆林窟第25窟等整窟临摹达到很高的艺术水平，成为敦煌艺术临摹的标杆。段文杰先生最早开始临摹大幅敦煌壁画，成功地复原临摹了具有代表性的《都督夫人礼佛图》，成为复原临摹的典范之作。他的临本不仅技巧纯熟，而且形神兼备，代表了敦煌壁画临摹工作的最高水平。他总结了自己和同事们长期的临摹工作经验，撰写发表了多篇论文，把敦煌壁画临摹工作提高到了理论的高度。他带领同事们制定的对壁画临摹的“三查四评”的评价标准，具有很强的指导意义。段文杰先生在真实、客观、准确等文物复制原则下，抓住线描、晕染和传神等几个敦煌壁画别高超的描绘绝技，推敲揣摩，深入领会，反复练习，找到一种神形兼具的临摹风范，受到同行和国内外参观者的好评。曾出版有《段文杰临摹敦煌壁画》、《心系敦煌五十春》等临本专辑。段文杰先生以他在敦煌壁画临摹艺术实践和理论总结方面的突出成就，为保存、传播敦煌艺术这一全人类和中华民族的优秀艺术遗产做出了卓越贡献。

中国绘画艺术论文范文第10篇

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申明:本网站内容仅用于学术交流，如有侵犯您的权益，请及时告知我们，本站将立即删除有关内容。 　清圣祖爱新觉罗・玄烨(1654--1722年)是中国历史上一位有作为的皇帝，其文武双全，在治理国家的同时，留心翰墨，可以说书法伴随了康熙的日常生活和政治活动。康熙在少年时期即受其父顺治的影响，仰慕汉文化，积极学习汉人的相关礼仪习俗，并逐渐对书法产生浓厚兴趣，他在书法上表现出其独特的勤奋与聪慧。除了是受汉文化的影响，康熙学习书法更多的是出于对书法艺术的喜爱。

康熙九年，沈荃因善书被招入宫中，后又入值南书房，专教康熙帝书法，之后数年间，又陆续招张英、高士奇、王士祯等饱学善书之士进入南书房，与皇帝共同研习书法。

康熙于书法用功极勤，他曾有一句座右铭：“无一日不写字，无一日不读书，义理自然贯通。”(《清圣祖御制文》)在谈及自己学书经历时，康熙曾谓“朕幼习书，毫素在侧，寒暑靡间。历年以来，手书敕谕、诗文、跋语，以及临摹昔人名迹，屡盈笥箧。”(《懋勤殿法帖序》)“朕自幼好临池，每日写千余字，从无间断。凡古名人之墨迹、石刻，无不细心临摹。积今三十余年，实亦性之所好。”(《东华录》)“朕自幼嗜书法，凡见古人墨迹，必临一过，所临之条幅手卷，将及万余，赏赐人者不下数千。” (《庭训格言》)其用功之勤，由此可见一斑。 　康熙早年学书取法较广，“二王”、颜真卿、“宋四家”、赵孟烦等皆有涉猎，尔后则集中精力学习董其昌书法，并最终形成董字面貌。

康熙早年的书法流传下来的不多，目前主要集中在各大博物馆。康熙《御临苏轼中吕满庭芳》为楷书绫本手卷，款署“康熙丁巳(1677年)对临”，时康熙23岁。该卷所临原本当为《石渠宝笈》卷七著录的素绢本大楷书《宋苏轼书满庭芳词一轴》，在乾隆朝编辑《石渠宝笈》时，苏轼原作裱边上已有了康熙时南书房诸臣如张英、张廷U、孙岳颁等人题识。苏轼原作当在顺治时期即已进入清廷，《石渠宝笈三编・乾清宫藏一》著录有《世祖章皇帝(顺治)御临苏轼书满庭芳词》一卷，内容及形制与康熙所临一样，可见康熙所临苏轼法书为顺治所遗留。

《石渠宝笈三编》所著录的顺治、康熙父子《御临苏轼书满庭芳词》三件的尺寸极为相近，无论纸本亦或是绫本，纵长都在一尺三寸三分到一尺三寸五分之间，横长则都在一丈九尺二寸到一丈九尺六寸之间。康熙《御临苏轼中吕满庭芳》一卷的尺寸为纵47.5厘米(约一尺四寸三分)，横642厘米(约一丈九尺三寸)，尺寸与著录的三件也极为相近。苏轼原作我们今日已无从得见，但这些临作的尺寸与苏轼原作的尺寸应当是较为接近的。据此我们可以推测，康熙临前人法书时，在尺寸上也是要求与原作相近的。

在《御临苏轼中吕满庭芳》一卷上，康熙共钤印三枚，分别为：广运之宝，朱文方印，体元主人，朱文圆印；万机余暇，朱文方印。康熙一生有宝玺120余方，均收录于《康熙宝薮》之中，此三玺亦收录其中。《康熙宝薮》中所收之印，均为原印钤盖，部分印蜕下方还注明用法及用途。如“万机余暇”一印，宜用于御临旧人字帖上，居中及前后俱可用； “体元主人” “万机余暇”在一起出现时，用于御笔大幅，引首不拘用哪一方，俱可与引首相配；在御笔上不记年月的，则用“康熙御笔之宝”。康熙的用印，部分印文是重复的，但在印文尺寸，字体、篆刻形式上均有不同， “体元主人”“万机余暇”等印就属于这一类。

康熙早年学书以楷书为主，在众多书家中，尤以临苏书为多，仅临苏轼《中吕满庭芳》就有数件，目前所知的见诸于著录的有三件： 《石渠宝笈三编》著录有康熙辛亥(1671年)所临两件，分别为纸本和绫本；《懋勤殿法帖》 (八册本，康熙三十八年刻成)第五册也收有康熙《临苏轼中吕满庭芳词》一件。《康熙起居注》还记载了康熙十六年(1677年)三月十九日，康熙皇帝“以御笔临苏轼楷书手卷一轴赐(予起居注官喇里沙)”一事。康熙《御临苏轼中吕满庭芳》也是作于1677年，可见这一时期康熙临苏书之多、之勤。

在1677年的《御临苏轼中吕满庭芳》这件手卷中，我们可以大致看到康熙23岁时书法的面貌。在这件临苏轼的作品中，康熙较好地体现了苏书的特征：用笔丰满肥腴，结字扁平，笔划舒展，轻重错落，跌宕生姿。苏字向右上倾的结体，表现得极为到位。康熙曾评价苏轼：“其平生所书以跌宕取势，以雄秀取态。”在临摹这件作品的时候，康熙很好地把握了苏书的这些特点。比起1671年孟夏所临的《中吕满庭芳》来，康熙大概不会有“愧不能仿佛东坡万一耳”的感慨了吧。但毕竟康熙不是专业书家，他的主要时间和精力还是放在处理政务上，书法只是他在“万机余暇”时的爱好，而且还是在23岁的时候，这透露出了康熙在临摹此作时的小心翼翼，力图做到忠于原作，以至于有些拘谨。但这些恰恰为我们今天研究康熙书风的演变过程及其风格的多样化提供了实证，这也是这件作品的文献价值的所在。