油画创作论文范文

油画创作论文范文第1篇

艺术符号化方面，德国哲学家恩斯特•卡希尔于1944年在《人伦》中提出：“艺术可以被定义为一种符号语言。”；美国符号论美学家苏珊•朗格认为：“艺术是人类情感的符号形式的创造。”；美学家卢卡契•捷尔吉认为：“艺术是表象性符号系统的最高的、最适当的表现方式。”，“通过艺术实践以及这一实践所培养的感受性，使反射系统不断地普遍化、扩大化、精细化和深化。只有在这个基础上，人民平时不加注意地忽略了的事物才能被感知、被表现。”；安伯托•艾柯等等。“艺术符号作为认识论的隐喻的作品”等等。在这些论证中，他们都将艺术符号与概念性符号做了区分。明确了艺术符号在激发美感的形式媒介中的表现是相对独立的。指出了艺术是用形象说话的，它所涉及的是与心理表象相关联的形式语言。社会主义核心价值观方面，国外学术界对其的研究并未像国内一样深入和成系统，其突出特点是：政府主导与民间组织参与相结合；各国政党成为各国倡导和建设社会核心价值观的主要发起者与统领者；宗教、法治、教育、舆论等是建设社会核心价值观的强有力手段。艺术是一种独具魅力和影响力的具有广泛传播效应的大众媒介。一种思想观念的传播，如果能够借助艺术的手段与途径，便能获得更为广泛而实在的效果。社会主义核心价值观是兴国之魂，如果凝练出融会中外、言简意赅、为人民普遍理解、高度认同的艺术符号，并最终形成国家的艺术形象，就更容易让大众掌握并自觉践行。而这种艺术符号化的过程，必然可以为体现和传播社会主义核心价值观发挥独特的影响和作用。

关于社会主义核心价值观艺术符号化践行的研究，目前总体的研究成果中，研究对象或相对零散或关于集中，指向明确、针对性强的研究理论并不多见，在知网以“艺术符号”和“社会主义核心价值”为关键词进行搜索，没有相应的研究文章，只有少数的论文中部分章节有所体现，如童福磊硕士论文《多元文化语境下中国当代油画发展现状研究》等。基于对众多文献资料和作品的考量，我们发现对于社会主义核心价值的艺术符号化践行研究还有很大的空间可以深入挖掘。社会主义核心价值观的艺术符号化是指：将核心价值观念及其取向用艺术手段在作品中凝练与表现出来，并形成可以被广泛理解和接受的艺术符号。十报告用24个字，分别从国家、社会、公民三个层面，提出了反映现阶段全国人民“最大公约数”的社会主义核心价值观：富强、民主、文明、和谐，自由、平等、公正、法治，爱国、敬业、诚信、友善。同志2月17日讲话指出，把核心价值建设和制度的现代化、和传统文化的弘扬紧密联系起来，作为一项战略任务提了出来。他指出，核心价值是文化软实力的灵魂，是决定文化性质和方向最深层次要素，是一个国家凝神聚气、强基固本的基础工程。我体会，的讲话，指明了社会主义核心价值在艺术领域的践行方向，核心价值观在艺术领域的符号化体现与研究，是社会主义核心价值观践行的组成部分，是国家形象与国家文化软实力提高的途径之一。强调，“使社会主义核心价值观的影响像空气一样无所不在。”因而将核心价值观体现在艺术符号中，更为人民所喜闻乐见的践行研究也就显得格外重要。艺术符号化践行是社会主义核心价值观在艺术中凝练与体现的基本原则，如果要对社会主义核心价值进行凝练与体现，首先要对凝练的原则进行揭示，只有如此，凝练出的社会主义核心价值观才能体现时代性，把握规律性，富于创造性。首先在艺术符号的基本内涵上，要反映和表征社会主义的“内在价值”和“精神特质”。其次在表现形态上，随着社会主义核心价值体系研究的深化，那么社会主义核心价值观在表现形态上就应该包含理论、思想、道德、行为等在内的一系列既体现社会主义性质，又表达历史文化传承，还要表征时代精神的价值概括，而这都应该是艺术创作中需要注意的。

综上，本文作者认为（1）核心价值观是一定社会的性质、本质和发展趋向的集中体现。是指能够体现社会主体成员的根本利益、反映社会主体成员的价值诉求，对社会变革与进步起维系和推动作用的思想观念、道德标准和价值取向。（2）“艺术符号”是能指与所指的结合物，具有广泛传播的特性。人们在审美活动中,自然物并不是被看作含有多种认识或价值属性的实际存在物,而只是摄取其感性形式而赋予人的心灵旨趣,这里实际上暗含一个符号化的过程。艺术符号既以自然符号为前提或基础,又是对这类符号形式的提炼和改造，既具有形象性、非指称性和意旨无穷等特点,又具有超越性、中和性等内在的性质。（3）对于社会主义核心价值观的艺术符号化践行的研究，反映了社会主义意识形态对艺术的影响。社会主义价值取向体现和继承了中华文化对生命价值的尊重与对和谐理想的追求，从建国初期到二十世纪八十年代的艺术发展历程中，社会政治环境以及审美取向的变化始终是艺术客体转变的根本原因。

作者:杨x阳韩禹锋张天单位:绥化学院

油画创作论文范文第2篇

论文摘要:艺术创作是一种带有强烈个人色彩的精神活动，艺术的无尽魅力就存在于其作品的独特风格之中。油画艺术的创作过程无疑就是在创作实践中将自己城立的艺术观念、创造性思维、审美意识以及个人的艺术追求进行最集中的体现和展示。凝聚着艺术家的艺术观念、创造性思维、审美意识以及个人的艺术追求的“艺术个性”，构成了绘画艺术的生命，无疑也是绘画艺术最为恒久的动力之所在。

翻看人类的艺术发展史，我们可以看出艺术发展的脉搏，在各个时期艺术发展的背后，有那么多热血沸腾，充满激情的画家，通过对艺术个性的张扬和执着追求，才使他们艺术作品大浪淘沙般地载人灿烂多彩的、充满文化气息的绘画艺术史册。当我们在为这些伟大的艺术家们而倾倒和敬仰之时，我们也许无法抑制自己的想象，会情不自禁地问:是什么使这些艺术家们在渴望着张扬自我个性的状态中，以饱满的热情创作出那么多感人的充满个性色彩的艺术作品。

一、艺术风格的多样性

在汉语中，风格一词最早见于南北朝，指人的风度品格，用以说明一个人的个性气质或行为方式。所谓艺术风格，则主要是指“艺术作品在内容与形式的统一中体现出来的整体特征”，它是通过艺术品表现出来的相对稳定、更为内在和深刻、从而更为本质地反映出时代、民族或艺术家个人的思想观念、审美理想、精神气质等内在特性的外部印记。

1.艺术的多样性是由艺术的本质特性所决定的

艺术的伟大之处就在于如何超越生活，创造出既源于生活又高于生活的艺术真实。伴随着现代主义艺术的浪潮，艺术也逐渐被看成一种人类所特有的认识世界(区别于现实世界的一种“观念的世界”)的方式。艺术作品的创作过程体现为艺术家依靠自己所特有的感性方式，通过认识的深化，进而完成从素材向绘画语言的转化，并最终塑造出可视、具体的艺术形象。在这一过程中，艺术家的思维方式，构成了艺术创作所特有的想象力和创造力。这种艺术化的思维方式无疑是由艺术的本质特性所决定着的，艺术家的这种思维能力越强，感受能力也就越敏锐，判断力与创造力也就越强。

从艺术的本质看，艺术创作是一种带有强烈个人色彩的精神活动，无法想象没有创作个性的艺术作品会打动人、感染人。画家的素养、天赋、经历、学识、性格、思想、情趣、理想以及在绘画造型、色彩、表现技能技巧方面，均是画家个性的组成部分。它们是画家对于客观自然的感知和对自身主体的心灵观照与表现能力的综合表现。一个画家越是在艺术创作中不断探索与追求，就越能够具有独到的富有特色的艺术见解和创作个性。但画家的创作个性是要受到客观(即社会、历史的大环境)的制约，所以，必须考虑到创作个性的解放是有条件的。必须附合本国国情、民族心理、固有文化背景。当然，只有从文化素养、思境境界，技能技巧锻炼、生活感受、传统学习、时代精神、艺术宗旨等方面下苦功夫，才能懂得创作个性形成的真谛，扩充个性容量，获得最大限度的创作自由，从而迈人较为开阔的艺术境界。

2.艺术的多样性是时展的必然趋势

当欧洲18世纪的工业革命伴随着隆隆的机鸣声，将大量的机械制品以人们意想不到的速度和数量源源不断地推向市场时，一种在工业社会形成的“技术理性”左右了人类文明的发展趋势近三百年。它反映了人预测与控制自然的技术旨趣，也导致了工业社会的一整套基本的文化价值观念，如人类对自然的征服、自然的量化、有效性思维、社会组织生活的理性化和人类物质需求的先决性等。此种生存逻辑在其发展之初的确起到了进步的作用，可是至20世纪，这种生存方式因其对自然的肆意掠夺给人类家园带来了毁灭性的生存危机，同时也造成了人自身的异化，使人成为单向度的、零件式的、片面畸形的人。机械化、标准化、组织化等现代方式，严重腐蚀着人类的精神世界。网络通讯技术的高速发展，似乎缩短了人与人之间的距离。然而却是一种被压缩的、异化了的平面，在心灵的世界里，人与人之间的温情已然淡化，空间距离与心理距离形成了强烈的反差。在物质与精神的双重压力下，人们不再欣赏玻璃幕墙光斑的闪耀，也不再眷念水泥丛林里的躁动与喧哗。当今社会中，人们更期待回归，回归到自然，回归到文化的源头。人们普遍寻求通过艺术来补偿现实中的精神的失落，抚慰疲惫的心灵。在这里，艺术作为一种来自心灵空间的变换多彩的语言，以其极具个性化的浑茫意象，正体现着深刻的人文内涵和生命状态，净化着人类心灵。

时代的发展已使我们逐渐认识到，只有发挥创作个性，开发艺术生产力，才能扩展艺术的种类，达致艺术的多样性。因此，艺术间的相互借鉴、吸收、渗透、融合，将导致艺术的多样化、交叉化，使当代艺术发生很大的质的飞跃，许多艺术创作艺术上的问题也才能相应得以解决。总之，没有艺术个性的创作行为，会使艺术停留在无法创新、无法变通，没有民族意识和风格、没有文化心理、时代精神，导致艺术形式上的单一化，甚至产生艺术创作的枯揭，逐渐失去艺术的恒久生命力。

二、油画创作中的艺术个性

艺术个性不同于现实生活中的个性，它能充分的发展，不受束缚。当作者将自己思想感情熔铸于自己笔下的形象时，由于它们饱含着生活气息，又高于生活，给人的启示、联想，往往会大于超越作者原来的思想，而具有更广、更深的、更为普遍，更为丰富的意义。在西方绘画发展史上，作品的个性问题一直为人们所重视。至西方近现代，作品是否具有鲜明的艺术个性，乃至成为衡量艺术家成就高低的最为重要的标志。

1.创作情感的个性化

情感是人们在社会实践中，在认识和改造世界过程中产生和发展的一种极其复杂的高级精神活动。情感往往体现为人类内心生活的最深层次，是人的生命本体的动力。由于情感的主观性最强，因而也就最容易被幻觉化和诗意化，同时，情感也才能引起欣赏者的审美幻觉，使之深深沉浸在自我创造的主观幻象之中。强烈的情感会使人们分析能力和自控能力急剧减弱，大脑皮层的兴奋过程导致情绪激化而放纵了想象机能。因此，当人们情感冲动时，起初都苦于找不到适当的词和言语来表达自己的心情，从而有一种紧迫感，这就是艺术语言的蓄势。这种蓄势所蕴含的能量越大，就越使语言出现畸形。可以看出，艺术语言的产生是为了适应人们情感活动的需要而创造的一种言语形式。我们也应该看到，一方面，赋予艺术语言的情感信息是客观的，但由于人们的情绪记忆不同，经过主体化了的情感信息就会有一定的差异性。个性化的艺术情感的价值也正体现在:艺术语言的交际价值。从艺术创作与欣赏的全过程看，就观照者而言，他必须理解艺术语言的情感信息之后才能产生自己的情感。可见，观照者情感模式的重新建构，是他的情绪记忆与艺术语言的情感信息之间同化与顺应的相互作用的结果。换言之，正是创作情感的个性化，才使艺术在人类的观念世界得以永生。

2.表现形式的个性化

艺术语言是情感的反映形式，情感是艺术语言运思的内趋力，它是创造艺术语言最重要的因素，它激活审美感受。审美感受的动因和目的是情感的表现化，它使整个审美感受过程的心理活动都融汇在情感的体验之中。在这体验中，既体现了发话主体情感的特点，也反映了发话主体认识问题的个胜。艺术语言是情感体验激发下的产物，它与常规语言表达思想、认识的功能不同，它是一种复杂的表情、体验系统。油画艺术的语言形式主要是经由艺术家在画面形式、色彩以及笔触等诸方面构成。事实上，绘画史上一些著名的画家在长期的艺术实践中，普遍形成了自己所特有的艺术风格，而被后人所称颂。始于19世纪末20世纪初的西方现代主义各流派中的许多画家也都善于利用直率、粗放、多变的笔触，以及个性化的色彩与形式等去创造强烈的画面效果。如梵高那厚重的笔法，仿佛从颜料管中直接挤出的明亮色彩堆到画布上一样，以旋动而又粗重的笔触，描绘着画家眼中悲情的世界，带着儿童般的稚气和粗野，用强烈而又个性化的色彩去表现自然中的星云、大地、向日葵。

个性化艺术语言价值的实现就在于打破语言的局限性，使话语充分体现出艺术魅力。借用符号学的理论，艺术语言在语言规则与语义设置上的特征为艺术语言的可接受性提供了基础，可接受性的最终实现还要依赖于在具体表达中、在特定语境中与情感体验的融合。

艺术的无尽魅力存在于其作品的独特风格之中，而风格的独特性，主要来源于个性化的创作手法。油画艺术的创作过程无疑就是在创作实践中将自己独立的艺术观念、创造性思维、审美意识以及个人的艺术追求进行最集中的体现和展示。艺术家们在他们的形象思维能力与艺术灵感的程度上的天才表现，决不可能来源于他们业已僵化的创作与表现模式。事实上，一部风格多样的绘画艺术发展史，离不开那些天才艺术家们极富艺术个性的艺术创造。

油画创作论文范文第3篇

在早期人类社会对综合材料的应用过程中，人们虽然已经初步懵懂的解综合材料的不同类别，但是究竟如何通过综合材料的特性来进行搭配，表达出一系列的含义，仍然是早期人类社会所不能够完成的。随着时间的不断推移，人类智慧的不断进化，人类社会对于综合材料的感知能力和思维能力不断提升，人类社会对于某一种特定材料背后所蕴含的含义的了解也正在逐步加深。随着人类社会对不同综合材料的理解，不同的含义纷纷赋予到特定的材料之上，作为一种通过综合材料的汇集而体现出来的艺术形式应运而生。油画的最根本内涵就是画家通过对不同材料的搭配使用，倾诉自己的内心情感，引发参观者的内心共鸣。人类社会对材料使用逐步加深，彻底改变了早期人类社会对单一材料的使用，赋予了绘画这门艺术更持久的生命力，也给予了绘画更多的艺术表现形式。通过各式各样的不同综合材料的搭配风格，不同形式风格的画派应运而生。例如：在近代西方国家陆续出现的印象流派、后印象流派、野兽流派等等，这些流派的综合材料与情感的契合都拥有着自己独特的特点，这些流派的大师都拥有着出神入化的画技和自己独特的情感表达形式，使得他们的画作传承百年而不失韵味。从综合材料在油画之中的应用来说，油画在网络信息化的今天，也有着新的表现形式。截至目前，随着计数机合成技术的不断提升，人类已经可以通过使用精确的计算机合成技术，搭配出比以往任何一个历史时期都要绚丽多彩的综合材料组合，这是否意味着画家的综合材料搭配技术已经被历史所淘汰，计算机合成技术是否能和传统的画技相结合，也成了当今综合材料应用方面需要解决的问题之一。综合来看，如何更好地利用现在发达的科学技术，借用现在世界艺术高度交流的便利条件，更好地将情感和综合材料契合在一起，将是现代综合材料运用的主旋律。

二、综合材料在油画创作中的运用的内涵

作为一名油画画家，要深谙各种材料所能够带给参观者的视觉感受。比如：红色可以带给人似火的激情，绿色给人带来生机勃勃的感觉，等等，我们可以将这些材料用巧妙的手段杂糅在一起，生成一幅让参观者如痴如醉的画面。由于每一种材料在油画画家眼里都有着独特的含义，在画家进行创作的过程之中，他们就可以把自己的情感通过色彩的组合巧妙地展现出来。通过这样的方式，一幅画作就不再简简单单的是色彩的有机组合，也不再是各种材料之间的随机搭配，而是蕴含着作者人生情感和哲学情怀的艺术作品。当然，画家实现情感宣泄的过程绝不是简简单单的事情，参观者也难以在接触的第一眼就发现蕴含在画作背后的深厚内涵，这一切都需要通过人的思维去进行深度的思考，去分析蕴含在色彩搭配背后的深层次涵义，才能够真正地了解一幅油画作品背后的真实内涵。

三、如何通过综合材料展现出油画的情感特征

（一）综合材料与自然情感的共性

充满神秘材料的大自然向来是画家进行创作灵感的源泉，在历史的长廊中，无数的画家都通过对大自然的欣赏，迸发出自己内心灵感的火花。大自然是多姿多彩的，无论是蓝天碧水，还是一望无际绿油油的草原，都拥有着自己的独特的综合材料，画家在欣赏这些美轮美奂的景象之后，会情不自禁的动用手中的画笔，把自己对大自然美的情感体现出来。与此同时，大自然拥有着自己的独特的综合材料，例如：绿油油的小草象征着蓬勃的生命力，画家通过使用绿色的素材可以体现出自己对于生活的希望，让参观者感受到综合材料背后的生机与活力；天空的湛蓝色让人有一种空旷的感觉，画家通过手中的画笔将它体现在画作之上，可以抒发出画家心中空灵的感觉，也可以让参观者体会到灵动的感觉，给予参观者心灵的洗涤。自然拥有着和谐之美，古往今来无数的画家都是在观摩自然的同时迸发出灵感，从而创作出一幅幅传世的佳作，而综合材料又是大自然的属性之一，每一种美轮美奂的自然风景都拥有着其独特的综合材料，例如九寨沟的风景就是各种不同材料的搭配，使无数的中外游客叹为观止。综合来看，综合材料具有与自然同在的共性，在整个人类发展史上，综合材料都通过其独特的特点，触动画家的心灵，进而诞生了一幅幅优秀的画作。

（二）综合材料与社会情感的共性

综合材料不仅仅是大自然所拥有的独特属性，还是人类所处的社会的根本属性之一，从原始社会开始，不同的综合材料就被赋予了神秘的色彩，人类对于某种综合材料的狂热，也是那个时代的主旋律之一。随着时代的发展，人类社会对于综合材料的认知越来越透彻，对于综合材料产生的原理也更加了然，根据各种综合材料产生的原理的不同，人类社会也赋予了各种综合材料不同的特点。其中，可见光之中，红色具有较高的能量，太阳在人类的视觉之中也呈现的是红色，因此，在人类社会环境中，红色象征着活力与激情。除此之外，综合材料中的黄色则拥有着和最为贵重的金属——黄金相同的材料，这也就导致在人类社会中，黄色成为了地位尊贵的象征，与此同时，由于黄色象征着财富，而在第一次工业革命时期，隐藏在金钱的巨大罪恶下同时又赋予了黄色奢靡暴力的象征。综合材料的社会性特征赋予了综合材料很多背后的内涵，优秀的画家可以运用综合材料背后的不同含义、使用不同材料的搭配和对综合材料浓淡的应用，抒发自己内心的情感，创作出一幅饱含自己的感情的作品。

（三）综合材料的情感特性

所谓综合材料的情感特性指的就是不同的群体对于综合材料的认知程度和引发的内心情感是不同的，也正是因为这种综合材料的情感特性，而引发了不同的画家所创作的画作其蕴含的内涵，需要时间的积淀才能够被看清，这也是很多著名的油画作品在沉寂多年之后，突然拍出天价的根本原因。除此之外，不同参观者对于画作的观看也有着自己不同的认识，这也是画作的独特魅力所在。

（四）综合材料在不同环境下生活的创作者面前体现出的情感特性

在对综合材料进行选择的时候，不同的生活环境也会对创作者的选择造成重大的影响。例如：有些画家在进行创作的时候，使用最多的是黄色，黄色代表暴力与奢靡，这是因为他一直生存在纸醉金迷的城市贵族生活环境之下，产生了本能的对金钱的抵制。但是，在一些田园派画家里面，金黄色的材料代表秋天的丰收，也代表了充满生机与活力，这就与城市画家笔下所表现的内涵存在着本质的区别。

四、结语

综上所述，在一幅优秀的油画里面，恰到好处的材料搭配和丰富的情感倾诉是相辅相成的、缺一不可的，只有实现了情感和素材的完美搭配，才会造就出一幅传世的经典佳作。

油画创作论文范文第4篇

美是源于自然，蕴藏在生活中的。无论哪一幅成功的作品都是来源于生活，都是艺术家对于生活的深刻感悟、认识，不断的积累经验和情感才能创作出来。艺术家要长期的深入生活，通过创作性感悟及劳动，才能创作出能表现艺术家自己的浓厚情感，将之渲染的更鲜明，能更集中的去反映现实生活本质的艺术作品。艺术家要要求自己主动的走出画室，走进大自然，融入到生活中去，当艺术家被生活中某一件事物或者事件所深深吸引，就会激发他在情感上的波澜，爆发他的灵感，产生进行创作的强烈冲动。因此，在艺术家面对很多美丽的素材，要独立的作出判断，进行深层次的分析，然后再做出选择。经过概括、提炼和加工的过程后，才能真正的达到艺术创作的至高境界——感悟。艺术家是需要通过很多很多的经历，有丰富的生活历练，然后才有灵感才有能力，形象具体的把生活中感悟到真正的东西表现出来。艺术家需要对艺术有深刻的观察，艺术创作是人类高级的、特殊的、复杂的精神活动。只有走进自然，深入生活，将生活作为根基，将自己的感悟作为灵魂，用心灵深处快要爆发的激情而得到有生命力的资料，才是艺术家创作的基础。例如在油画创作教学过程中我借鉴法国巴比松派的著名画家米勒的作品，让学生感觉到一丝哀愁，融入在让人为之迷醉的氛围。通过他的作品让学生得知是因为他不断的深入生活、挖掘生活，才会拥有独到的艺术情感和艺术激情，才能强烈地震撼着人们的灵魂。所以，在油画创作教学中，要让学生树立正确的创作观念，引导学生不断深入生活，热爱生活，体验生活，积累生活，不断的挖掘出生活中所蕴藏的美，把对生活的感悟充分的融入到自己作品中去，这样才能使油画创作教学能更好的发展。

二、全方面的借鉴与融合

油画的创作，不能受西方的传统技法的表现所局限，要基于东西方艺术传统和其他绘画艺术的精髓相互融合、相互借鉴。传统是一个民族历史文化沿袭下来的思想行为，是代代相传的艺术形态。作为新时代的我们要抓住精华，做为创作的元素。我国的油画有百年的历史，这其中是继承传统、借鉴中西文化，融合其他艺术精华，在此基础上作者再不断的积累、不断的创新、不断的进步的历史。油画创作过程中要善于去学习和吸收东西方的艺术精华，将之融入到自己的作品，不断的进步，不断的创新，才不会盲目的去沿袭。

我国具有几千年的传统文化，我们生活在这样的环境里，血液里是自然会涌现出来，民族传统的东西。身为美术教师要从“外师造化，中得心源”出发，结合主观与客观的教学观进行传授。根据“形神论”去掌握内在蕴含的精神和外部现象之间的联系，不断深入；在教学过程中从“气韵生动”让学生去感受表现的至高境界；充分发挥“迁想妙得”的思维方式使其学生可以了解认识想象与情感的作用。油画创作教学过程中美术教师还可以从我国历代造型艺术中，让学生吸收艺术的味道和形象的风格。例如可以让学生感受古代青铜器或者唐朝仕女画里的浑厚、凝聚力与丰满的风格；也可以通过展示宋微宗的书法或者明朝的家具设计中感受挺拔、俊秀与精湛的风格；运用怀素的草书或者梁楷的人物画中去感受那种飘逸和洒脱的风格。因此在创作油画时，要善于借鉴中国画、吸收国画的精髓、融入版画及民间艺术的表现技巧。在创作油画教学中，美术教师要灵活多样正确的引导、启发与鼓励，将学生的思维打开，全方面的借鉴与融合，加强学生创新思维的培养，不断丰富油画创作源泉，不断完善油画作品个性艺术语言。

三、注重作品的精神内涵

优秀的油画作品，应该是深度的精神内涵与精湛的绘画技巧完美结合的体现，是艺术家对生命与对社会的深切认识，然后将自身真实的情感充分的流露出来，展现在画面上的结晶品。作者的艺术观、思想意识与表现能力决定了作品具有什么样的内容、什么样的题材，具有什么样的主体思想。艺术创作首先是要有利于社会的发展，有助于培养社会主义人才的思想素质，熏陶人的情操，改善人的观念，起到塑造人的美好心灵的作用。只有呈现出社会生活真实的一面，反映出新时代精神人物的活动并能充分发挥其社会作用的油画作品才是成功的作品，体现出真正的艺术价值与社会价值，也是获得油画艺术上的高品味，转变油画创作性的根本途径。在油画创作教学过程中，可以通过欣赏董希文的油画作品《开国大典》，让学生感觉到非常深刻的精神内涵，使其学生了解通过作品可以引起社会的强烈的反映，最终可以得到社会的肯定价值，将艺术作品能教育人，能激励人的作用体现出来，挖掘作品成功的原因其实就是作者在创作的时候，能够正确认识社会生活，将社会的变革体表现出来，加之作者精湛的绘画技巧以及独特的个性艺术语言。因此油画创作教学中，美术教师应该积极组织学生欣赏优秀的油画作品，适当的邀请有丰富创作经验的画家举行学术讲座等形式，激发学生的创作积极性，激烈他们敢于大胆想象，勇于实践，培养学生具备高度的社会责任感，促进学生对艺术的执著追求，努力探索和掌握油画艺术形神上的完美结合、作品主题思想的高度统一，不断加强油画艺术作品的精神内涵，创作能真正反映当今时代风气的成功油画作品。

四、注重个性心理与艺术的“个性化”

在油画创作教学过程中，千人一篇是创作教学的大忌。教学中，美术教师可以要创设一个和谐民主的教学环境，要在创作过程中鼓励学生在发展个性基础上敢于大胆表现和创新。美术教师要根据学生的个性心理品质的不同，针对性的设计学生实际情况的教学方法，坚持因材施教、因势利导，营造有助于学生个性的形成，有助于充分挖掘学生的创造力教学环境。例如，学生若是倾向外向型心理就比较关注对物象外在审美形式的表现，其个性趋向于色彩、技巧和造型方面的设计。因此这类学生艺术创作上偏重对具体形象、自然景象的细节的刻画，在画上面色彩柔和、构图均衡、在造型上会有一定的情趣。而个性倾向于内向型的学生，会注重精神及本质的体现，不断追求视觉冲击的效果，表现在具有夸张的形体、强烈的色彩对比的构图。美术教师应该激励学生超越自己的个性而达到艺术的高度，发挥自己的恰能。实践证明，只有教师善于抓住学生身上无尽的创造力，加以引导，给他们提供自由的发挥空间，从而能创作出具有个性、表现力、激情的作品。

油画创作论文范文第5篇

“卡通”指用动画和动漫的相关形式创作的作品。广义指用夸张的、象形的、想像、隐喻等手法塑造各种夸张造型通过一定的情节设定所演绎的故事；狭义指给儿童这一单一受众群体观看的情节简单内容单纯思想积极上进的动画或动漫作品。近些年来，动画作品多带有隐喻、嘲讽的深层社会含义，加上夸张变形的造型，除了儿童成年人也同样适合观看，带给观众视觉盛宴的同时发人警醒和思索，又在其中某些时期演化成为艺术创作者对社会现实的评论和审视，是社会精神文化的不可调和的所有物。卡通画在中国所历经的各个时间段也多多少少融合了一些中国特色，蕴含各种民族特色的卡通风格作品也在受众头脑中留下了深刻印象，早年间的动画创作手法也蕴含了老一辈的艺术创作者的大量心血。因为卡通的作品风格也使很多严肃、沉重、沉闷的内容转变得轻松愉悦，给人们的日常生活增添了许多欢乐气息。多样化的油画创作形式使得卡通动漫元素能够很轻松的融入，卡通元素在油画中的存在因素因创作者的年龄段的不同而不同，年纪较轻的画家因童年时期卡通动画片的影响，在油画中运用卡通动漫元素更加的大胆、自信。于此同时，当今强压力普遍的社会生活也使得受众期待观看到愉悦的艺术表现形式。然而，这并不是这个时期所有油画艺术创作的倾向，这只是一小部分对于自己个人爱好和新兴艺术形式表达崇拜和喜爱的方式。对于丰满油画创作表现技法来说，是人类社会精神文明水平日益增长进步的表现。

艺术创作源于生活，艺术家们把自己成长过程中的片段章节用自己富有艺术表现力手法概要总结出来，在展现自己生活阅历点滴的同时也验证出了和普通受众生活近似的一些普遍特征。比如：张晓刚、岳敏君等艺术创作者们的题材内容都是自己生活的章节片段。岳敏君是“政治波普”的领军人物，在他十几年从事油画创作的时间里，他自己的品牌符号就是他在油画创作中其鲜明的人物形象和特定的个人风格，用自己的生活点滴去在创造艺术，充实艺术，从而达到表现社会本质内涵的目的。他所描摹的“人物形象”露出牙齿，闭紧双眼，开怀大笑，不问世事，作品中表现出对“社会政治”问题的嘲讽的态度，对社会等一切外界事物的不问，傲慢和自信，也充分体现出个人崇拜的感觉。张晓刚的代表作《大家庭》这一系列，是通过一个一个小家庭的描述，从而诠释出个人的小单位与社会这个大熔炉的复杂关系，这一系列作品根盘错节的、复杂交错的关系网，引起社会受众普遍的共鸣。他的作品中所表现的男女主人公几乎长着同样的容貌，容貌色彩灰暗，脸上无过多表情，画面整个无可奈何、简单质朴、忧郁的伤感情绪，构图形式上又近似于旧年间的黑白全家福照片。

波普艺术发源地在英国，在艺术风格上发展并继承了“达达主义”的思想观念，至于后续的发展却是在美国，是美国的艺术创作者们所热爱的艺术表现方式。波普艺术的代表人物是美国艺术家安迪•沃霍尔，他是一种流行文化趋势也是流行和时尚的代言人。，他的创作素材大多取材于普遍的大众传媒，通过借鉴特定元素成分在画面上的单一重复和有序编排，并利用强烈夸张的色彩对比，从视觉感官上吸引了人们的视线。波普艺术通过长久成熟的发展，已经影响到招贴设计、服装设计、工业产品造型设计、大众传播媒体、纯艺术绘画等各个范畴，中国现当代油画中的动漫卡通元素的应用元素就是受到了波普艺术的影响。二十一世纪九十年代中后期，刘小东、王广义、魏广庆、喻红、方力钧等一批艺术创作者开始表现带有波普艺术风格内容的艺术品，色彩强烈浓艳，时代感逼人。当时中国的大城市就像是被鲜艳华丽的色彩所环抱着，艳丽的颜色甚至被运用到了原本素雅的苏州园林上，他们通过作品浓妆艳抹色彩表达了对这种艳俗化社会倾向的极度不满情绪，从而讽刺挖苦这样的社会大熔炉和讥讽自己本身。通过卡通元素的嵌入，艺术创作者们表现出一种玩世不恭的社会生活态度，用视觉玩赏性去牵引自己的作品，表达自身在社会大环境下的生存态度。

中国现当代油画艺术创作之所以添加了动漫卡通元素其实就是对当代人的生存状态的描摹、对流行文化的关注，“卡通元素”其本身就是当下社会流行符号的重要的一环节，艺术创作者们借用卡通动漫元素对现实生存和时代背景特征进行描摹再创造，构成了以卡通动漫元素来表现社会问题为特征、表现人们对更舒适的生活的向往的一种新兴类艺术创作表现手段。艺术创作者们明显的认识到自己对于社会现实问题无法改变的事实，因此借托其创作的作品来表达对美好生活向往的态度。通过表象简单又或者是“幼稚”的艺术创作语言来塑造娱乐性的大众精神世界并疏离写实绘画带给我们的精神压抑感。

油画创作论文范文第6篇

“挪用”的根源可追溯到20世纪后现代主义萌芽之初。当时，杜尚对小便池等现成品的挪用，成为艺术史上里程碑式的事件。曾经的关于艺术的边界和本质，似乎在一夜之间失去了存在的理由，变得混淆而模糊。这种艺术形式的出现改变了艺术发展的内在逻辑：人们重视的不再是从无到有的创造，而是强调如何通过社会和文化中既有的视觉经验创造出新的意义。他的一系列关于蒙娜丽莎的作品是对艺术史图像的挪用，不但促使我们以新的眼光和视角来看待整个艺术史和艺术品，更是对经典艺术的颠覆和反动，也突出了观念在艺术创作中的重要地位。由此开始，达•芬奇的蒙娜丽莎成为艺术史上被篡改和挪用最多的艺术形象。

此后，挪用这一手法经安迪•沃霍尔、劳森伯格、里查德•汉密尔顿等波普艺术家们扩展至大众文化领域，在观念上彻底消解了精英艺术与生活的界限。在20世纪60年代初的文化艺术语境下，“挪用”和“拼贴”、“并置”、“戏拟”等一道成为西方后现代艺术的主要创作方法。例如，沃霍尔无数次地重复玛丽莲•梦露、可口可乐、坎贝尔浓汤罐头及一些明星照片和各种商业广告等流行图像符号。“原有的形象之内涵被抽空，挪用到一个新的（可以无限复制）平面上，而新的外延，追补了原内涵的空无状态，于是这一‘拟像’就成为被延化了的形象。”[1]

中国的当代艺术毫无疑问受到了西方后现代艺术的影响。挪用在中国的应用大概是从“政治波普”开始的。这一时期的中国艺术界逐渐对“生命”、“意义”、“本质”等一些宏大而抽象的概念失去兴趣，一部分艺术家开始对此前的传统艺术观念以及新潮艺术观进行反省和质疑。至上世纪90年代中期以后，“理性绘画”潮流逐渐倾向于波普、玩世现实主义、艳俗风格、卡通动漫风格等，在形态上彻底地走向平面“图像化”，每个艺术家的个人图像都具有很强的辨识度，促使人们开始理解“商标”或者“品牌”的重要性。

王广义作为中国“政治波普”的领军人物，人们耳熟能详的《大批判》系列即其挪用中国特定历史时期的典型图像——“”宣传画。这样的图像在流行和商业符号的并置中，滋生出了关于中国从政治向经济转型时期的一些社会隐喻，体现了艺术家对东西方文化的冲突和解构主义美学的关注。张晓刚的《大家庭》挪用了上世纪五六十年代的家庭照，刻意夸张人物呆滞的表情，革命时代的脸谱化肖像传达出具有时代意义的集体心理记忆与情绪，从艺术、情感、人生的角度出发，对社会、集体、家庭、血缘的典型呈现，具有强烈的当代意义。魏光庆对中国传统文化与图像资源进行了有意识地强调与挪用，创造出了具有复杂意义结构的属于当代艺术的新图像。陈丹青将中西方经典艺术画册挪用、并置，表现出明显的观念性。此外，许多艺术家在油画中还加入了传统文化图像和符号。比如王怀庆以抽象、变形的方式在画面上对明清家具做了极有审美趣味的玩味。陈逸飞、杨飞云、常青等人精细地刻画出旗袍、中国乐器、折扇、屏风、青花瓷器、大花布等带有中国元素的物品，使我们折服于他们精湛的油画技艺之外，更能清楚地看出他们的文化身份意识和本土化创作视野。另外，有些画家将中国传统绘画技法运用到油画中，比如顾黎明将传统木版年画的制作程序和色彩、线条效果与现代抽象绘画形式相结合，洪凌将传统山水画的意境和形式结构融入油画风景等。

“80后”、“90后”年轻一代通过对图像资源与生俱来的敏感，不但扩展了波普艺术、本土玩世主义、艳俗风格、动漫卡通风格的文化市场，而且进一步借用影像和流行文化中的视觉元素作为表现的主要内容，以轻松、调侃、浮夸、花哨的方式创造时尚、虚构的图像，消除了严肃艺术与流行文化的等级关系，通过挪用日常生活中那些具有典型性的符号来与现实生活相拼接，不断混淆着我们关于艺术、流行、时尚、生活之间的界限。

如今，在这图像泛化的时代，图像犹如一把双刃剑，在给我们的生活带来勃勃生机的同时，也带来了潜在的危机。随着经济和科技的高速发展，具有消费社会典型特征的视觉文化正强势有力地冲击并改变着中国原有的文化形态，报纸、影视、网络、杂志、广告等传媒以惊人的速度传递着大量的图像，我们的生活环境越来越“视觉化”了，图像、视觉的“盛宴”常使我们处于被动的审美状态中。文学作品漫画化；经典哲学图解化；音乐似乎也要在MTV、卡拉OK、现场演唱会中才能显示它的魅力；连手机都带有照相、摄像功能。当代社会的高度媒介化、商品化决定了当下的文化是一种大众性、消费性的世俗文化，而“挪用”作为一种当代艺术中广泛使用的创作处理手段，其挪用对象承载了丰富的信息和大众视觉经验，无疑具有大众化的姿态，能让艺术最大限度地贴近观众。因此，我们可从个人的生活背景中不断提取新的图像和符号，并探寻相应的技法和表现手段，将对生活的批判和反思转换到对生活的具体感受上来。总之，“挪用”表面上看似形式问题，但能从中窥见艺术观念的形成和凸显，是对当下时代的直接呈现。

然而，面对生活中如此丰富的图像资料、现实资源，一些画家往往失去了判断力，浅显地认为“挪用”不失为一种快捷有效的手法，似乎把一些中国元素、流行文化的娱乐、时尚符号和画面相结合就是当代艺术的通行证，理所当然地从玩具、宠物、模式化的人物形象等物象获取灵感，浅表地展开对生活的认识，而对存在诸多问题的当今社会的文化反思却视而不见。由此可见，作品题材的选择和观察的视角就显得尤为重要，如果没有对大众文化的深入研究与切身感受，没有对社会现实的真诚体验，没有对现实问题和艺术本质进行深层次的思考，其作品看似繁荣，实则如泡沫般单薄脆弱。

其次，在当代油画语言纷繁复杂的今天，不管采用什么样的方式方法，现实图像只是提供作者绘画思想观念的载体，构成的方法和形式也只是这一观念实现的途径，只有艺术作品表达的内容和思想深度才最终体现它的独特和价值。一些作品过于风格化、模式化，将现实生活和艺术体验完全等同，屈从于商业化的唯一尺度，作品的意义表达简单肤浅，缺乏深度，审美趣味平庸、媚俗，完全背离了艺术创作的自主性和批判性。“挪用”的本义是来自于一种图像和另一种图像的关系，并且通过对原文本或图像进行改变、破坏、颠覆，使其衍生出新的形式和意义。如果只是对原图像文本简单借鉴或原样照搬，仅是生活表象的直接呈现，没有作者观念的转换和深层精神内涵的探寻，那只是拙劣的模仿或无意义的翻版，没有艺术价值。

油画创作论文范文第7篇

关键词：色彩；油画；运用

一、色彩在油画中的运用规律

油画创作源于生活又高于生活。画家运用双手进行艺术创作，借由自身对光与色的理解，用色彩表现艺术，诠释对生活的感悟，将丰富的情感注入艺术色彩当中，给人们带来精彩纷呈的视觉体验。随着油画艺术的不断发展，色彩的艺术特点显现出更为强大的生命力与独特的魅力，而在画家的积极思考和探索开拓下，油画的色彩语言更显多样化。纵观古今中外的油画作品，不难看出画家对色彩的运用均体现出浓厚的个人风格。诚然，作为一个艺术门类，油画创作本身就具有极大的主观性，因而色彩在油画中的运用并没有特定的规律。颜色本身不具备情感和语言，但不同的色彩倾向会给人一定的情感暗示，画家以自身的视角观察外界，其个性、经历、情绪等主观因素会影响自身的感受，画家将自身对世界的理解注入画面，并加入主观的表现方法，精心搭配画面色彩，以丰富的色彩重组，彰显出画家独特的才能，撼动人们的视觉感官与审美灵魂。色彩是油画的灵魂，一幅优秀的油画作品离不开对色彩的完美运用，而画家对色彩的理解与主观运用至关重要。在油画作品中，色彩反映了画面的整体性平面语言，是画家根据色彩组合原理与搭配规律所进行的主观创造性组合，画家所运用的色彩则是从客观色彩中的环境色、光源色、固有色中提炼出来的，借由画家的重组搭配，使油画作品体现出和谐、主观、富有意蕴的形式。

二、色彩与油画情感表达

世界在人类的眼中是丰富多彩的，在情感丰沛的画家眼中更是如此。油画艺术不是简单地复制世界、图解社会，因而油画所要传达的也不仅仅是客观世界本身，更多的是画家对世界的情感领悟与表现，掺杂着画家独特的个人情感。丰富的个人情感给了画家创作油画艺术的原始动力，而油画创作是服务于画家个人情感的。画家借由色彩的主观搭配组合，表现自身的精神世界，彰显对世界的领悟与思考，淋漓尽致地表达主观意愿与情感，可以说，画家的作品是个人情感的真实表达，而画家所运用的每一笔颜色皆是其个人情感的无意识流露。油画中的色彩融合了画家的视觉、精神及思想，每位画家都有其独特的个性和气质，造就了独特的情感和艺术风格，因而其色彩的运用和表现方式也有所差异。画家借由色彩语言表达自身的内心体验和艺术追求，使油画作品彰显出强烈的感染力。色彩是表达视觉艺术的最佳载体，而油画属于视觉艺术的范畴，画家通过色彩渲染情感、寄托情感，同时认真解读色彩与情感，使色彩真正转化成为富有情感的色彩，使作品实现色彩与情感的完美交融，体现出恒久的艺术魅力。

三、色彩对比在油画中的运用

在绘画艺术中，色彩的魅力来自色彩对比。色彩对比是指任何两种颜色或多种颜色放在一起，由于相互比较作用而显现出各自的特点，以此形成的对比现象又叫做色相对比。在油画的绘画过程中，色彩对比运用非常考究，尤其要考虑整体基调是阴还是暗，主体物与背景的冷暖怎样处理，主体物的亮灰暗三大面的冷暖对比怎样，等等。因此，对于一个作品成功与否，油画作者首先要有整体的观察与比较对象，也只有经过从整体观察并进行对比，才能作出正确的判断，确定画面的关系，如色彩冷暖的对比、明暗的对比等。物体色彩的冷暖对比是一个方面，还包括光源色的影响作用。在不同的光照环境下，物体会表现出不同的明暗关系和冷暖变化。假设光源为暖色调，对于亮部就是暖的，相反暗部是冷的；假设光源为冷色，亮部是冷的，相反暗部就是暖的。光源色冷暖表现越明显，对亮部色彩的影响就会越大。相反，不明显的光源色冷暖倾向所生成的亮部、暗部的冷暖关系就会以固有色为主。可以说，画面的冷暖是一种客观存在的表现，也有自身的变化规律，所以在油画创作过程中，只要掌握了色调自然变化的规律与技巧，就可以把对象及其色调的特征描绘得更加自然、生动、准确，让色彩在搭配上更加和谐，最终勾勒出以色传神的意境。如，伦勃朗的《夜巡图》是17世纪的代表作，那个时代画面的表现强调色彩的明暗，弱化色彩的冷暖。在他的画里，光是他表达情绪的特质，并且把光的运用、神秘感和运动感都做到了极致。他将人物分成几组，把光线着重表现在几个人物的身体上，同时将其他人物放到阴暗的背景里，以弱化形象，这样的安排突显出那种环境氛围下人物的焦虑不安，使画面空间更加深邃，同时具有很强的戏剧性。我们可以看见，在那昏暗的环境中，中尉朱红色的军装与小姑娘米黄色的裙子一下就引起了观者的注意。红色的使用对黑色背景起到了一种很好的平衡与过渡作用，也让画面更加具有层次感和丰富性。可以说，色彩对比在油画中的运用可以让一幅画更富有生命力。

参考文献：

[1]谢应春.论油画色彩语言的演变.中央美术学院硕士学位论文，2014.

[2]房玲玲.色彩在表现油画中的重要性——在创作中对色彩的认识.东北师范大学硕士学位论文，2007.

[3]原春鸣.论绘画色彩语言.西安美术学院硕士学位论文，2007.

油画创作论文范文第8篇

【论文摘要】在21世纪，油画创作仍在向前发展。油画发展的一百多年时间，油画创作的原动力将对当代的油画创作产生极大影响。这也是我们研究油画创作原动力的意义所在。

油画起源于西方国家，它是由西方国家引入我国的。油画本身的魅力是不可言喻的，每幅油画都有必然产生的因素。我们要努力探索油画创作的必然因素，才能对油画创作本身有一个整体的认识。随着各方面因素的影响，这些影响也加速油画本身技术的革新。从文艺复兴到现在油画仍有很强的生命力。既然油画有如此大的生命力，它是什么力量在支持的呢?油画的原动力到底是什么?这个问题往往被忽视。油画创作的原动力对油画创作有巨大的影响力。我们通过讨论和研究后，必定会对油画创作的原动力有一个新的认识和提高。研究它对我们从事油画创作更有帮助，由此探讨油画创作的原动力，就显得有必要。

1对油画创作的热爱

每—位油画家对油画创作都有执着的热爱，这是最基本的前提。文艺复兴三杰中，米开朗基罗就是一位从小酷爱美术的人。他是大家公认的天才人物和多面手．15世纪末，他在佛罗伦萨著名画家基尔兰达约的作坊中学习．在这里他受到当时其他人都受过的同样训练，如怎样画肖像画，怎样安排人物和进行构图，湿壁画的技术等等．一年后，他进入圣马可修道院美迪奇家族附设的艺术学校学习。在那里，他苦心孤诣知难而进，直到能够轻而易举地画出各种动态的人体。米开朗基罗自身特有的性格和对美术的热爱，才驱使他走向了艺术的辉煌-米开朗基罗一人独自完成了西斯廷教堂顶500多平方米的巨大绘画。为了画好巨幅绘画，它整整在这里画了四年．“他对艺术的虔诚和锲而不舍的精神令人深为感动，人们简直难以想象，绘制工程如此浩大而艰巨的巨幅壁画，不知要耗费多少精力和智慧”。

2对大自然的热爱

油画创作来源于生活，同时又是对生活高度的提炼。油画家对自然的描绘是因为大自然有其独特的魅力。大自然为油画家提供了数不尽的创作题材。不管油画家表现的是宁静纯朴的田园风光还是暴风雨的景象都是油画家对大自然热爱的一种体现。由于大自然的美深深地吸引了画家，所以画家不由自主地投入到风景创作当中。“色彩自身规律构成了绘画”。我们细心观看印象主义画家描绘大自然的作品时也会有同样的感受。画家们以极饱和且十分简洁的大色块构成来体现一种空间幻觉。由于平面具有对层次压缩的功能，由此使得整个画面的色彩浓度进一步加强。这些都是为了增强画面效果。通过画可以看出画家对大自然是多么的热爱。

3对国家、民族、人民的热爱

每个时代都有其那个时代的精神特征，作为一种社会意识形态的艺术与其它社会结构(社会政治结构，经济结构)有着明确、紧密的互为因果的关系。每当社会向前发展一步，社会意识、形态就要做出敏感的反映。这种敏感体现在画家的作品中决非就是简单地表现一些生活现象和新闻趣事，而是将这种敏感性渗透或融化到画家的创作意图的作品中，通过艺术的内涵准确地揭示出时代的基本特征和精神实质，表现出人类对新文明和未来的渴望。20世纪五六十年代，中国的油画家以领袖和工农兵形象为主题，创作了一批具有历史画风的肖像作品，如高虹的《决战前夕》，候一民的《刘少奇的官源矿工》，林岗的《王若飞在狱中》，詹建俊的《狼牙山五壮士》。他的这幅画表现的是中国革命时期的一段场景，中国人是不会忘记这段历史的。正是他把强烈的民族感情融入到作品之中所以产生了这幅伟大的作品。他运用雕塑感的语言，创造了这组气壮山河的抗日英雄人物形象，内容与形式自然完美的结合。

4对传统文化的继承

无论是油画创作，还是其它文化都会有对传统文化继承文化传统的继承油画才能得以流传下来传统的油画技法，创造出独特的表现语言，使作品更具民族和地方风采。

我觉得油画创作的原动力是对传统文化的继承．油画家应该强调的是对人类、民族，自身艺术的责任感和使命感．就是说作为艺术家不应该排斥画以外的东西如哲学、美学、科学等等其它门类。同时，艺术家的个人修养一定要加强和提高．画不能是思想图解，艺术家的思想应该自然而然地外化于作品中，一个艺术家要持有艺术的真诚，还要有时代、历史感，进而关心画面以外的东西，如哲学、美学、科学等等其它门类。传统文化对油画家有潜移默化的影响．

5结论

油画其实是一种语言，它是画家与观众沟通的语言．画家希望他的油画作品得到观众更多的理解，取得更广泛的社会效应，当这个愿望与画家的艺术追求矛盾时，画家便面临抉择．这个矛盾的解决是画家与观众较长时间的了解适应、选择、和亲近的过程。我们探讨油画创作的原动力时，本身就具有历史的责任感和使命感，怎样搞好油画创作，怎样为中国的美术事业尽一份力量等等一系列的问题，我们都应该认真思考。只有这样才会使中国油画走上一个新的台阶。了解油画创作的原动力将对我们以后的油画创作，具有重要的影响。

参考文献

1陈洛加.外国美术史纲要[M].西南师范大学出版社，1997

油画创作论文范文第9篇

【论文摘要】在21世纪,油画创作仍在向前发展。油画发展的一百多年时间,油画创作的原动力将对当代的油画创作产生极大影响。这也是我们研究油画创作原动力的意义所在。

油画起源于西方国家,它是由西方国家引入我国的。油画本身的魅力是不可言喻的,每幅油画都有必然产生的因素。我们要努力探索油画创作的必然因素,才能对油画创作本身有一个整体的认识。随着各方面因素的影响,这些影响也加速油画本身技术的革新。从文艺复兴到现在油画仍有很强的生命力。既然油画有如此大的生命力,它是什么力量在支持的呢?油画的原动力到底是什么?这个问题往往被忽视。油画创作的原动力对油画创作有巨大的影响力。我们通过讨论和研究后,必定会对油画创作的原动力有一个新的认识和提高。研究它对我们从事油画创作更有帮助,由此探讨油画创作的原动力,就显得有必要。

1 对油画创作的热爱

每—位油画家对油画创作都有执着的热爱,这是最基本的前提。文艺复兴三杰中,米开朗基罗就是一位从小酷爱美术的人。他是大家公认的天才人物和多面手.15世纪末,他在佛罗伦萨着名画家基尔兰达约的作坊中学习.在这里他受到当时其他人都受过的同样训练,如怎样画肖像画,怎样安排人物和进行构图,湿壁画的技术等等.一年后,他进入圣马可修道院美迪奇家族附设的艺术学校学习。在那里,他苦心孤诣知难而进,直到能够轻而易举地画出各种动态的人体。米开朗基罗自身特有的性格和对美术的热爱,才驱使他走向了艺术的辉煌-米开朗基罗一人独自完成了西斯廷教堂顶500多平方米的巨大绘画。为了画好巨幅绘画,它整整在这里画了四年.“他对艺术的虔诚和锲而不舍的精神令人深为感动,人们简直难以想象,绘制工程如此浩大而艰巨的巨幅壁画,不知要耗费多少精力和智慧”。

2 对大自然的热爱

油画创作来源于生活,同时又是对生活高度的提炼。油画家对自然的描绘是因为大自然有其独特的魅力。大自然为油画家提供了数不尽的创作题材。不管油画家表现的是宁静纯朴的田园风光还是暴风雨的景象都是油画家对大自然热爱的一种体现。由于大自然的美深深地吸引了画家,所以画家不由自主地投入到风景创作当中。“色彩自身规律构成了绘画”。我们细心观看印象主义画家描绘大自然的作品时也会有同样的感受。画家们以极饱和且十分简洁的大色块构成来体现一种空间幻觉。由于平面具有对层次压缩的功能,由此使得整个画面的色彩浓度进一步加强。这些都是为了增强画面效果。通过画可以看出画家对大自然是多么的热爱。

3 对国家、民族、人民的热爱

每个时代都有其那个时代的精神特征,作为一种社会意识形态的艺术与其它社会结构(社会政治结构,经济结构)有着明确、紧密的互为因果的关系。每当社会向前发展一步,社会意识、形态就要做出敏感的反映。这种敏感体现在画家的作品中决非就是简单地表现一些生活现象和新闻趣事,而是将这种敏感性渗透或融化到画家的创作意图的作品中,通过艺术的内涵准确地揭示出时代的基本特征和精神实质,表现出人类对新文明和未来的渴望。

20世纪五六十年代,中国的油画家以领袖和工农兵形象为主题,创作了一批具有历史画风的肖像作品,如高虹的《决战前夕》,候一民的《刘少奇的官源矿工》,林岗的《王若飞在狱中》,詹建俊的《狼牙山五壮士》。他的这幅画表现的是中国革命时期的一段场景,中国人是不会忘记这段历史的。正是他把强烈的民族感情融入到作品之中所以产生了这幅伟大的作品。他运用雕塑感的语言,创造了这组气壮山河的抗日英雄人物形象,内容与形式自然完美的结合。

4 对传统文化的继承

无论是油画创作,还是其它文化都会有对传统文化继承文化传统的继承油画才能得以流传下来传统的油画技法,创造出独特的表现语言,使作品更具民族和地方风采。

我觉得油画创作的原动力是对传统文化的继承.油画家应该强调的是对人类、民族,自身艺术的责任感和使命感.就是说作为艺术家不应该排斥画以外的东西如哲学、美学、科学等等其它门类。同时,艺术家的个人修养一定要加强和提高.画不能是思想图解,艺术家的思想应该自然而然地外化于作品中,一个艺术家要持有艺术的真诚,还要有时代、历史感,进而关心画面以外的东西,如哲学、美学、科学等等其它门类。传统文化对油画家有潜移默化的影响.

5 结论

油画其实是一种语言,它是画家与观众沟通的语言.画家希望他的油画作品得到观众更多的理解,取得更广泛的社会效应,当这个愿望与画家的艺术追求矛盾时,画家便面临抉择.这个矛盾的解决是画家与观众较长时间的了解适应、选择、和亲近的过程。我们探讨油画创作的原动力时,本身就具有历史的责任感和使命感,怎样搞好油画创作,怎样为中国的美术事业尽一份力量等等一系列的问题,我们都应该认真思考。只有这样才会使中国油画走上一个新的台阶。了解油画创作的原动力将对我们以后的油画创作,具有重要的影响。

参考文献

1 陈洛加.外国美术史纲要[m].西南师范大学出版社,1997

油画创作论文范文第10篇

关键词：油画风景；观察；构图；色彩

油画的绘制过程是一个审美与艺术创作的过程。艺术创作，是指运用色彩和造型语言将生活中的各种素材转化为具体的艺术形象。任何优秀油画作品的完成都来源于艺术家对目标形态的观察，然后通过主观加工，借助各种不同材料，最终得以完成。对于艺术家来说，观察是极其重要的。只有通过视觉审美观察，才会产生相应的心理感受，最终实现对客观对象的把握。所谓事物形体，就是指客观对象的外在形状，是客观对象的自然模样；而神态是指客观对象在人们的心理经验中产生的情绪联想或情感升华，即对客观对象精神态势的感受。这种精神态势必须以客观对象的形体为基础，以人类的心理经验为依托。在绘画艺术中，神态和形体是两个重要的组成要素，二者缺一不可。艺术创作的第一步就是观察目标的外在形态，从形态中深入自然，继而产生心灵共鸣，以饱满的情感在画布上进行表达，这个过程并不是强调对自然的单纯模仿，而是用心感受自然，从自然的点点滴滴中寻找和发掘。

一、油画风景写生的一般规律

1.观察与选择对象

在对风景进行写生的时候，首先要对客观景物进行观察。观察包括两个方面，即如何观察和观察什么。我们身边的景物复杂多变，创作者要知道如何取景才能获得最佳的效果。要完成一幅满意的油画风景作品，创作者首先要做的是仔细分析自身的性情、情感特征与作画习惯、手法等，将这些都搞清楚了，再面对自然风景时，自就掌握在自己手中，心里便知道自己要画什么、能够画什么，而不是面对多样的景物茫然不知所措，或者机械地进行临摹。接下来的问题是如何进行观察。单纯地依赖眼睛看，这和一般人没什么区别。创作者如果想赋予作品感情，就必须深入思考，这样最终选定的自然风光才能富有感染力。绘画是一种创造性艺术，仅靠画家的画笔就能借助自然美景传递情感，但观察力必须经过长年累月的练习才能有所突破。观察的方法可以大致分为三类，即一点观察法、整体观察法与多点观察法。在风景油画的实际创作过程中，三种观察方法都会被运用。如，在深入刻画细节时，创作者可运用一点观察法；在进行画面比较时，可运用多点观察法进行反复比较；在把握画面的整体布局上，可以采取整体观察法。

2.画面结构

风景油画的画面结构生动、灵活，与其他类型的艺术并无多大差异。油画艺术的构图是有规律可循的。风景油画的构图主要依靠点、线、面的穿插对整幅画面进行分割和建立，利用各个元素之间的差别，打破原有的构图结构，并在此基础上求得新的平衡与稳定。色调是风景油画的一个重要组成部分，也是影响画面和谐的基本因素之一。创作者可以通过纯度、明度、色相等几个方面，搭配出适合表达作品内容的色调。自然景物由于气候、环境不同，本身就有着不同的色调，再加上创作者的主观感受，内容更加丰富多彩。在绘画过程中，教师应当对学生的感受加以引导，鼓励学生在色调的把握上彰显出自身的艺术个性和魅力。

3.色彩关系

色彩也是风景油画的重要内容之一，同一外形的目标，仅仅因为色彩处理方面存在差异，就能够引起观众不同的情感共鸣。在一幅油画作品中，色彩要素包括色块的面积、颜色的明暗程度、变化节奏等，这些简单的元素不能被杂乱无序地拼凑在一起，它们应当像一部交响乐，要经过合理的组织，和谐地呈现出来。色彩的组织必须遵循一定的形式法则和标准。总结起来，大致体现在以下三个方面：其一，色调的关系：冷暖、色性、色相、明度；其二，色块与局部之间的相互关系：对比、类似、对称等；其三，笔触之间的关系：薄与厚、干与湿、遮与透、浓与淡。教师要让学生对所要表现的客观景物与目标的整体色调进行观察和归纳。根据光源的方向、冷暖、明暗、强烈程度等要素，总结出整体的色调。在明确了整体色调以后，再进行同类色和相近色的推敲，设定好几大色块的位置、面积与它们的形态特征，如长短、圆方、直弯等，然后选择相应的笔触和工具进行塑造和刻画。画面处理的重点和难点在于对色彩质感的归纳和表现，即如何运用合适的材料和工具表现对象的形态与特征。在刚开始构图时，创作者就要考虑色彩面积，还要考虑色彩和布局的对比关系。在一幅作品中确定主要色彩，合理控制、运用相近色和对比色是极其重要的，这是最终形成画面色调的基础。作品以某种色彩为主色调，对比色在画面的总体效果上也发挥了重要的作用。俗话说“万绿丛中一点红”，红色和绿色虽然是对比色，却不可或缺、互为依托。创作者在运用对比色时，应注意保留面积上的差异，不可出现等量的面积。

4.表现语言的选择

油画虽然是一种空间艺术，但经过画家的构思，会有主次、前后的安排。创作者要对观众的视线加以引导，使之先在主体物上停留，再切换到画面上的其他细节。一幅画从整体来看，不管是色彩还是明暗程度，都有主次顺序和强弱关系，创作者在进行创作时不能以同样的力度把每一个对象都表现得同样清晰，否则整幅画的风格会使人感觉很平缓，不知道亮点在哪里。尽管创作者描绘自然的技术手法无法与自然的真实程度画等号，但是创作者能以自然的角度运用特定的绘画手法描绘目标，因此，在开始描绘物象时，创作者必须面对主观处理的问题。

二、当代油画教学中存在的问题及对策

20世纪初，一批从欧洲和日本留学归来的画家和美术教育家，如徐悲鸿、李叔同等，把在国外留学时所学到的油画理论与绘画技法带回了中国，填补了中国绘画的空白，也改变了中国数千年来画种单一的局面。20世纪50、60年代，中国选派了一批学员到苏联苏里科夫美术学院和列宾美术学院留学，把苏联的油画艺术引进了中国，又聘请苏联画家马克西莫夫等来中央美术学院讲学、授课，培养了一批具有明显苏派绘画风格的美术教师。所以，苏派绘画特别是苏派油画对当时中国美术教育产生了很大的影响，极大地推动了当时油画风景教学的发展。但当时苏派画风一家独大，导致当时的油画风景教学观念和模式比较单一。改革开放以后，西欧古典主义风景油画开始被国人了解，对中国美术教育产生了很大的影响。对照当时国内油画的教学状况，中国当代的油画家开始反思和探索，特别是20世纪末伊维尔和宾卡斯油画技法高研课在中国一些美术学院的开设，很多美术工作者和美术教师接触到了西欧的油画体系，对油画的教育理论、美学层面、作画步骤、材料和技法等方面的认知能力都有了很大程度的提高，这促进了当时中国各所美术学院油画教学模式的改变。同时，也导致了一些问题。如，由于过于注重和追求画面的制作感而忽视了画面的趣味性；用笔用色过于拘谨；太重视造型的形体而削弱了色彩的表现力；等等。当代从事美术教育的教师应该批判地继承，在遵循传统油画教学理论和美学标准的前提下，思考当前社会的特点和发展趋势，立足学生，着眼未来，改革和调整油画风景教学，以适应当前我国油画的发展趋势。首先，油画专业教师应该学习传统的、严谨的、细致的油画理论和技法。只有系统地了解和学习了这些知识，才能确保油画风景的纯粹性和准确性，否则油画教学就会无的放矢、不伦不类。同时，油画教师要与当代接轨、解放思想、与时俱进，要积极学习当代艺术，探索当代的不同艺术样式与表现风格，从而在教学过程中引导学生接触新的艺术理念。其次，在油画风景教学过程中，教师应该系统说明油画风景的发展过程和历史脉络。随着当代艺术样式和艺术门类的不断发展，油画的标准和定义也越来越模糊，以至于油画最基本的界限也被混淆，导致一些学生在学习的过程中变得迷失和无所适从，要么只会盲目地学习教师的绘画风格和技法特点，要么没有任何标准，想当然地进行创作。这会阻碍学生在艺术道路上的发展。最后，在油画风景教学中，教师要注重挖掘和培养学生的艺术创新能力。教师要让学生临摹和借鉴前人的优秀作品，进行现场风景写生练习，鼓励学生在立足传统技法的基础上尝试运用新材料和新工具，从而形成独特的艺术风格和表现手法。只有这样，中国油画艺术才可能有突破和发展，学生的创作之路才会更宽阔。结语油画风景写生是美术院校油画教学体系中一门重要的课程，它的重要意义和作用是毋庸置疑的。我国的油画风景教学一直在探索中前进，中间也走过一些弯路。在当今众多艺术样式并存的局面下，美术教育工作者有义务和责任引导学生兼容并蓄、继往开来。文章强调观察在整个油画风景创作中的重要性，认为教师应加强引导学生的创造力。随着中国油画教学模式的不断改革和创新，笔者相信中国风景油画一定会创造出属于自己的一片天地。

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