艺术硕士范文

艺术硕士范文第1篇

1.中国动画产业的现状近几年来，中国政府开始重视动画产业，为了使产业健康发展，一系列大力扶持政策相继出台。例如，《关于发展我国影视动画产业的若干意见》等。各地政府也加大力度扶持当地动画产业，形式上推动了动画产业的发展。但是中国动画产业的观念滞后，体制瓶颈以及严重抄袭等问题尚在，现在中国动画产业的发展还不够成熟，没有形成基本的产业链。但是，不成熟的产业也同时存在着很大的机遇，如何使中国动画产业良好、迅速的发展起来，归根结底还是要依靠优秀的动画人才。

2.高校动画毕业生在动画市场中所面临的问题动画产业中，最重要的组成部分是高素质的动画应用型人才，这批人是一部动画片的核心力量，决定了一部动画片的整体水平。而中国的动画人才正在逐步的流失。据报道，动漫前期规划和创作人才缺口非常大，我国目前培养的动漫人才以低端制作人员和高端纯研究人员为主，结构严重失衡，这也使我国动漫产业发展遭遇瓶颈。

二、分析问题——高校毕业生难于适应中国动画产业

1.动画教育中存在的问题（1）原创型人才培养匮乏中国动画市场沦落为动画加工工厂的原因主要是原创型人才的匮乏，一味地模仿国外动画，并不是中国动画的成功之路。如何培养原创型人才是中国动画教育的一大问题。许多专家表示：高校只是培养了不少动漫制作、技术人才，他们的教学方式过于教条，禁锢了学生的创造性思维，就形成动漫原创型、创意型人才极度匮乏的局面。（2）教学与市场脱节中国高校动画教学的普遍问题就是教学与市场的脱节，没有真正考察过市场，而是完全遵循课本的知识进行动画实验。这种闭门造车的做法，必然会使学生毕业后面对日新月异的动画市场手足无措。实践教学是学生在校期间与社会市场实践接触的最好机会，搞好实践教学是对培养学生的学习目的、学习意识、学习方法、专业技能以及就业意识等方面具有重要意义。但大多数高校动画产业的实践教学开展的并不理想，缺少真正的与产业接轨的实践教学。

三、解决问题——如何培养出适应中国动画产业的应用型人才

1.“产学研”一体化的教学模式改革在中国动画高校教育保持独立性的前提下把产业动画的项目搬到学校里来实践。在学校成立产业教研室、工作室，可以联合多所动画高校，根据各自特长分配具体动画项目，让学生毕业之前就可以直接投入产业适应动画市场。并且与企业合作参与最新技术项目的开发与实践，确保学生具备较强的动手技能、创新的思维和广阔的视野。在达到专业制作水平后，对于在实践过程中发现的问题进行研究。对研究结论以实验短片制作的形式进行检验。最后对检验结果进行论文总结，把研究成果应用于动画实践项目中去，形成教育模式的良性循环。

2.以动画产业需求制定课程标准对于新开设的动画专业艺术硕士培养课程应该根据动画产业的要求制定一个新的课程标准，这样才能确保高学历的动画人才在以后的动画产业中发挥关键性的作用，并能够远见卓识，高瞻远瞩的思考中国动画产业的长远发展。

（1）剧本、分镜头课程标准剧本与分镜头设计，都属于动画制作的前期流程，也是一部动画片的核心灵魂。这一部分是高学历的动画专业艺术硕士必须重点掌握的课程。动画剧本的课程要求动画艺术硕士在结课时必须按照剧本特点以及动画产业对剧本的具体要求进行剧本创作，剧本要求主题明确，以小见大，通过细节深挖角色性格特点，制造合理矛盾冲突。动画分镜头是动画项目中所有工作的依据，它不仅要求学生有较强的手绘能力来表现镜头，更考验学生对影视视听语言的掌握。这一课程对于高学历的动画专业艺术硕士尤为重要。对影视动画作品的特性充分了解后，才能更好地学习进一步的专业知识。

（2）动画造型设计课程标准动画造型设计课程的标准是要求学生能够创作出符合角色性格，并遵从动画整体风格的动画造型。动画企业对动画造型设计的要求实用性高，要求每个动画造型都能流畅的按照运动规律进行表演。对于动画专业艺术硕士来说，在设计动画造型时既要按照动画企业的严格要求，又要重点围绕动画角色的性格特点来设计角色。

（3）动画制作课程标准动画制作是中国动画高校教育最为重视的一部分内容，但是由于运动规律课程的枯燥、复杂，再加上市场上的动画师大多是没有接受过科班教育的从业者，薪资待遇也并不优厚，所以多数学生很难对其产生兴趣，甚至产生逆反心理，所以这一部分也是高校教育效果最差的一部分。动画专业艺术硕士应该熟悉掌握运动规律的特点，把握好动作以及镜头的节奏感。掌握这一部分专业知识与专业技能的最好途径，就是让学生直接跟随动画项目制作，以商业标准作为课程标准，作为学生毕业后，进入动画企业的一个突破口。

艺术硕士范文第2篇

教育教学必须具备艺术性往往是许多人所忽视的，而在具体教学中对教学的艺术化问题的思考更是淡漠的。在艺术教学领域里，对于教学的艺术性问题，可能思考得多一些，但是常常有这样一个误解，想当然的认为在艺术领域中的教学由于所教授的内容是艺术本身，那么教学就自然而然、也毋庸置疑地具备了艺术性，艺术教学也就是一种艺术化的教学。这是一种片面甚至错误的理解。

艺术教学是教师向学生展示艺术美的形式、传递美的本质，并和学生一起欣赏美、感悟美的过程，因此艺术领域的教学更需要让教学遵循艺术审美特征，让教学审美化、艺术化。而艺术教学的艺术化不仅仅体现在教学的内容是艺术的，而且教学的方式、教学的理念、教学的结果等都应该是艺术化、审美化的，是符合美的规律的，教学的全过程和教学的结果都是与艺术的本质、艺术的特征息息相关的。

随着基础教育的改革和发展，近年来艺术教育取得了有目共睹的成绩，但是艺术教学的情况是不容乐观的，存在的问题亟待我们共同探讨与研究。艺术教学遵循传统的教学模式，没有突出艺术审美特征，缺乏艺术性，教学的内容艺术含量不足，教学方式缺乏艺术性都是艺术教学中存在的主要的、突出的问题。在艺术教学中，艺术的审美特征和审美本质没有完全贯通在教学的整个过程中，也没有融入在教学的细节中，教学的内容、方法，都没有得到艺术性的深化、艺术性的整合和创新，或者，即便教学的内容是艺术的，但是教学的方法却是非艺术的，艺术的审美特征和审美本质只附在教学的表层，甚至完全脱离了教学。造成这种状况的原因很多，最主要的是很多艺术教师对艺术和艺术教学本身认识不足，同时缺乏教学艺术的意识和能力，从而导致教学理念、方法陈旧：一方面体现在艺术教学遵循传统教学模式，艺术教学的教学内容、教学方式缺乏艺术性，另一方面体现在运用艺术化形式教学的能力不高。

探讨艺术教学中的艺术化的教学究竟是怎样的一种教学形式，我们必须从艺术谈起！对艺术和艺术的本质的研讨是我们阐述艺术领域中艺术化教学问题的前提和基础！

一〉艺术的审美本质和审美特征

艺术是人对真实世界审美认识、精神掌握之后的意识和表现，是一种精神生产活动和精神活动物化的结果。艺术是对世界的一种认识，艺术通过人的精神动机和精神活动认识体验世界，展示所获得的对生活的独特的审美认识后进行的创作和表现，同时将这个过程和结果物化。这种认识活动是一种能动的认识，是主体个性化的精神和情感主动作用于客体对象，同时对客体进行艺术加工、艺术提炼、艺术创造的实践过程。在这个认识过程中，认识事物的重点是事物的特征、个性和美，同时以高度概括的、具体可感的形式和形象揭示事物的本质。因此，艺术就具备了具体性、概括性、感染性等形象性的特点，同时所塑造的形象是感性和理性的统一、是主观和客观的统一。

艺术与美是密切相关的，美是艺术的灵魂，审美是艺术的核心本质。“一般地说，艺术有以下几个主要的审美特征：

1．实践性和主体性

2．合目的性和合规律性

3．形象性

4．形式美和形式感

5．创造性

6．情感性”（《艺术概论》p102页）

7．自由性

8．真实性

下面我们简单阐述艺术的审美本质

深入全面地把握艺术的本质，是我们探讨艺术教学和艺术化教学的关键所在。艺术与美是密切相关的，美是艺术的灵魂，艺术来源于现实美，又形成一种高于现实的美，这种美是需要人的意识和精神去审视、感知、体会才能重现的一种抽象的美。艺术中所蕴含的美是我们无法用具体的言语和文字能够表达的，可以说是无法翻译的，这种不可翻译性使得艺术的美必须直接面对人的鉴赏和判断。“美”的面前如果没有一双审美的眼睛，一颗审美的心和欣赏美的情感，那么“美”的价值就会大大减弱，甚至不复存在。因此，审美是艺术美存在的依托，艺术美的根本价值是审美价值。“审美的问题是贯穿在艺术理论的核心问题，艺术的认识是审美认识，艺术的创造是审美的创造，艺术的欣赏是审美的欣赏，可以说，审美是区别于其他社会事物的根本性质。”（《艺术概论》p78页）敏泽：“艺术之所以为艺术，其根本特征和价值根源在于审美。”（转引自《文学理论：回顾与展望》第72页，河南大学出版社1993年版）

杨恩寰也认为：“审美是一切艺术的审美本质，无审美也就无艺术。”（杨恩寰主编《美学引论》第161页，辽宁大学出版社1992年版。）

审美是艺术美得以形成和存在的前提条件。我们说艺术来源于现实美，又形成一种高于现实的美。现实的美如果没有审美的认识和创造，就只能永远是一种自然的、天然的美，审美先于艺术而存在，而后促使了艺术的形成，我们说审美是艺术得以产生和形成的最根本的、无可取代的条件；同时，审美也是艺术得以传承的前提条件，艺术一旦形成就以凝练、完善的形式融集了丰富的艺术文化，汇集了深远的艺术意蕴，也不同程度地聚集存留不同时期、不同文化背景的积沉，以及不同艺术家的审美经验、审美趣味、审美情感。没有创造者的审美，艺术的美将不会存在，没有欣赏者的审美，艺术中所凝聚的艺术美将不可能再现。

审美是艺术的本质。一般说来，审美是主体通过对美的物体的鉴赏和体验，从而在精神上获得愉悦和享受。那么审美具有什么样的性质，或者说审美的过程需要遵循什么样的精神原则呢？

艺术不是为了直接满足使用的需要，而是在满足人们的审美需要中，给人以精神上的影响。艺术的美是一种在情感上具有感染力的形象，给予人精神上的陶冶、愉悦和感染，这种愉悦是超功利性的，没有具体的、现实的目的。康德认为美学意义上的美是一种不受功利、概念、目的束缚的美，是一种用最纯真的眼光来看世界所发现的美，而审美也不是用日常的目光对事物进行美与丑的判断和褒贬，而是用最纯粹的眼光洞察事物本身。同时，审美是一种完全开放的状态，在审美过程中主体是自由的，是解放的；审美也是一种充满着联想想象和创造的状态，审美主体把自己投入到作品中，面对作品中最富孕育性、情感性的点，结合自己的阅历体验和价值取向进行联想和自由创造；审美还是一个饱含情感的过程，没有蕴含情感的艺术品是不可想象的，也是苍白无力的，同样，一个审美的过程没有情感也是不可想象的，只有用情感才能感受到情感，只能用情感才能感动情感。

二〉突出艺术审美本质、体现艺术审美特征的教学才是真正的艺术化教学

艺术与美有血缘般的联系，艺术和美始终是水融的。美是艺术的真谛，是艺术的生命之源，艺术是按照美的规律从事创作的领域，因此说到艺术，不能不谈美，而说到艺术教学,我们更不能不谈艺术和美。我们追求艺术化教学，就是追求美化的教学，追求突出艺术审美本质和审美特征的教学。不具备教学艺术的艺术教学不是真正的艺术教学，突出艺术审美本质、体现艺术主体性、形象性、创造性、情感性、自由性等审美特征的教学才是真正的艺术化教学。

俄国著名的教育家苏霍木林斯基说：“我一千次的确信：没有一条富有诗意的、情感的和审美的清泉，就不可能有学生全面的智力发展。”同时他又强调：教育，如果没有美，没有艺术，那是不可思议的。

教学艺术是教师娴熟地运用综合的教学技能技巧、按照美的规律而进行个性化的独创性的教学实践活动，这种教学可以营造课堂教学生动鲜活的面孔和朝气蓬勃的生机，使课堂教学有了活的灵魂和永恒的生命力。教学艺术不仅将教学引入审美的境界，而且赋予教学无穷的魅力，焕发师生学习和创造的激情。艺术化的课堂教学必定是一幅“教师青春常在、学生如沐春风、课堂春意盎然”的绚丽画卷。

艺术化教学首先能够淋漓尽致的展示艺术的美和艺术的本质。艺术的东西、美的东西，如果不能用美好的方式和手段去展现，虽然内在的美本身不会被打折，但是美却不能淋漓尽致的展现出来，学生所领略到的美就不完全。其次，艺术化的教学能够提高教学质量，让教学方法达到最高层次，实现教学的最优化。教学艺术是一个不需要增加学习时间、教师数量和设备，甚至不增加教学的内容，就能优化艺术教学的效果的方法，同时实现教学的最优化。我们可以这样打个比方:教学的效果是教学内容和教学艺术的“乘积”，即便教学的内容丝毫不变，只要教学艺术化程度越高，值越大，则“乘积”（教学效果）就会（越）大。阎增武在《浅析教学过程中的审美感》中认为：“教学艺术是通过诱发和增强学生的审美感以提高教学效果的手段，这种手段的运用能使学生在有益身心健康的积极愉快的求知气氛中，获取到知识的营养和美的享受。”

勿庸置疑，教学存在美。教学的美使学生愉快、激动、向上，使教师获得成就感和满足感。因此，教学美可以使教学生动活泼，情趣盎然，教学效果也会很好！朱作仁等编写的《教育辞典》中指出：“教学艺术是能够达到最佳教育、教学效果的各种知识、条件手段和方法的综合。”

其次，艺术化教学能够做到以美引入，以情感人，情景交融，形声并茂，让学生在美好的学习气氛中，获得学习的愉悦。在艺术教学中，艺术化教学必然体现美学特征，给人以审美感受。教师通过艺术作品的生动形象和艺术感染能力，使课堂形成一种感情和艺术气氛，创造最佳效果，学生则以主动愉快的心情，在审美中接受知识，并从教师的教学艺术和感知生动的艺术形象中接受潜移默化的艺术感染和熏陶。凡是具有艺术性的东西总是具有美感的，即有非凡的魅力，能够感染人、愉悦人，能够让人倾倒、迷恋。艺术领域内的教学一旦具备了艺术性，经过教师的精雕细琢形成一种美的形象和手段，就能让学生由厌学变成好学、乐学，在课堂学习中乐此不疲，在愉悦的气氛中如沐春风。教师通过创设美的情景，酝酿美的情感，挖掘美好的感觉，置学生于一种情感激发、陶冶的气氛中，使之感动、愉悦，从而转化为强烈的学习动机，获得最佳的学习效果。

《礼学*学记》中讲：“善学者，师逸而功倍”，这就是教学艺术的体现。而在教学中，如果没有艺术的教学，学生没有置于美好的学习气氛、没有受到感染、没有得到学习的乐趣，就失去了善学与乐学的基础和前提。与此相对，在艺术化教学中，教师把自己的知、情、意融入教学中，构建创造了一个美的教学环境，使教学达到激情洋溢、生机勃勃、意象情思纷至沓来、愉快轻松的感觉不可遏止的最佳教学环境。

三〉艺术教学和教学艺术的关系

教学艺术和艺术教学是是手段和目的的关系。艺术教学的主体内容是艺术，蕴含着美的作品，艺术教学是展示美，传播美的教学，艺术教学蕴涵着丰富多彩的生动活泼的艺术元素，这些艺术元素如果没有最合适的形式，没有最佳的传播方法，就不能由教师的一端传向学生的另一端。而教学艺术是教师按照美的规律进行的教学，它用美的方式将美的内容展示得淋漓尽致，而且将教学引入审美的境界，赋予教学无穷的魅力，实现艺术教学的教学目标。可以说艺术教学和教学艺术一个是目标，一个是实现目标的有效方法和手段。艺术教学需要展示美，教学艺术的过程不仅展示了艺术的美，也展示了教学的美，艺术的美也在艺术化的教学中得到升华。

艺术教学和教学艺术的另一种关系，我们可以概括成包含与被包含的关系。艺术化教学也是一种艺术，一种教学领域中的艺术。从构词逻辑看，教学艺术，教学的艺术，教学艺术是归属艺术的。人们通常所指的艺术具有相对独立的自身形态，如文学、音乐、绘画、雕塑等。虽然教学艺术不是此种意义上的艺术，但是教学艺术同样具备艺术的特征，教学艺术是一种不能脱离审美本质的艺术，是一种具有个性、创造性、主体性等审美特征的艺术。展示教学的方式的美，本身就是一项必不可少的艺术教学的内容，而且，艺术教学中，教学若无艺术性，不但艺术的美不能展示，教学方式也就成不了艺术教学的内容。

四〉教学艺术的困境

艺术领域内的教学艺术问题是不容乐观的，主要问题一是艺术教师对艺术教学本身认识不足，二是艺术教师缺乏教学艺术的意识和能力。审美本质是教学艺术的灵魂，艺术的审美特征也必须贯穿在整个教学当中。艺术教学当中，艺术的审美性质和审美特征在教学的内容和教学的形式上都应该有所表现。而在具体的教学当中，对于艺术教学领域内的艺术化教学有许多种误解，这些误解散见在整个教学当中。比如有：误解一：想当然地认为在艺术领域中的教学由于所教授的内容是艺术本身，那么教学就自然而然、也毋庸置疑地具备了艺术性，艺术教学也就是一种艺术化的教学。即便教学的形式没有遵循美的规律、教学的形式没有贯彻审美的本质，教学的艺术性也丝毫不会有所减少。误解二：教学的内容具备了审美特征，艺术教学中的教学内容就一定实现了艺术性，就符合艺术教学艺术化的要求了。艺术教学内容的选择不需要考虑学生的艺术欣赏水平和审美心理特征，教学内容的艺术性不需要考虑整体内容的整合，也不需要考虑所选的教学内容在教学当中的最佳顺序和比例。误解三：艺术教学中必须注重艺术技能教学目标、可以忽略艺术欣赏教学目标；在艺术欣赏教学中，只需要完成对艺术形式的欣赏，不需要加强艺术精神的领略、人文知识的学习等等。

所有的教学都是以一定的教学思想和观念为基础的，如果教学思想、教学方式、教学手段和教学研究滞后，那么教学就不能适应新时代的需要，同样，艺术教学也就跟不上时代的步伐。艺术教师对艺术教学本身认识不足，对艺术教学的目标和艺术价值的片面理解，直接导致了艺术教学没有突出艺术审美特征、缺乏艺术性！其主要的、突出的问题是艺术教学中只注重艺术课程的外在价值，而忽略艺术的内在价值和本质价值——审美价值，只注重艺术非审美的体验（知识、技术、历史、思辨）而忽略审美体验（联想、想象、创造、情感），漠视艺术在开发潜能、培养创造力、完善人格、美化人生等方面所起到的不可取代的作用。同时，艺术教学依然遵循传统的教学模式、教学理念，方法陈旧，停留在“教书匠”的水平上。在艺术教学中，一些过时的、保守的、封闭式的教学观念，严重的束缚着艺术教学的手脚。我国传统教育观念陈旧、方法落后、弊病众多，在教学目标上偏重艺术知识技能的传授；在教学内容上注重单一、高深、繁难的知识技能，没有向学生提供能够拓展视野的丰富多彩的艺术文化知识；在教学形式上长期停留在单一枯燥的形式上。长期以来，教学过分地强调整齐划一，强调共性，漠视个性，强调统一，无视差异，无形之中扼杀了许多颇具创新、颇有建树的设想；教学中处处充斥着刻板的程式、机械的灌输、单调的训练。我国传统教育基本是灌注式教育，在灌注式教育中，衡量学生好坏的唯一标准是对知识的掌握。艺术教育是与灌输式教育是水火不相容的。但是由于人们缺乏正确的认识，艺术教学在一段时间内成为灌输的俘虏，教师一味要求学生掌握技巧，耗费了学生许多时间和精力，却事倍功半。这种艺术教学从根本上违背了艺术本身的精神，学生在学习中领略不到学习的乐趣，享受不到美，感觉不到愉悦，整个课堂死气沉沉，呆滞僵化，没有活力和生机。

缺乏对艺术教学的认识，同时忽略对体系中的新教学思想、教学观念和方法的研究，直接导致了艺术教学的水平停滞不前。而在具体的教学当中，运用艺术化形式教学的能力不高，也直接导致了艺术教学的非艺术化。正确把握、运用教学的方法和艺术性，是教学中至关重要的。在艺术领域内，要求艺术教育者既是教育家，同时也是艺术家，艺术教学更需要艺术教师具备艺术家和教育家的双重素质，能够将教学和艺术两者融会贯通，将艺术的手段和形式融入教学当中。

我们都知道，一个专业技能很强的演员，并不一定是一个称职的教师，因为它可能缺乏教育知识和教学能力。同样，一个具备非常丰富的教学理论的教师，如果对艺术的本质不了解，对艺术的领悟能力不高，在艺术教学中也是不会称职的。因此，一个合格的艺术教师的教学技能包括两个部分：艺术化教学的能力和艺术能力。只有在教学中将这两部分相交融和才能共同构成艺术教师的教学技能。

本论

一〉艺术教学内容的艺术性

艺术教学从本质上来讲是一种审美教学，这就在本质上决定了在艺术教学中必须以艺术为主，艺术教学的教学内容必须具有审美特征、审美价值，教学内容构成的主体应该是体现艺术审美本质和艺术精神的。艺术教学所选择的作品的内容必须是美的，只有美的内容，才能体现艺术的本质，才能让学生得到美的熏陶，才能引导学生置身美的艺术境界，才可以培养学生健康的、高尚的艺术品位，才能提高学生美的感悟能力，达到高层次的艺术鉴赏水平。

当然，并不是教学的内容具备了审美特征艺术，教学中的教学内容就一定实现了艺术性，就符合艺术教学艺术化的要求了。我们举一个非常通俗的例子：中学课堂上的艺术教学，所教授的内容是专业化程度很高的艺术知识，老师讲得津津有味，学生却听得一头雾水。这样的教学内容虽然突出了艺术的美和艺术的审美本质，但由于不符合学生的艺术欣赏水平和审美心理特征，我们就可以说这样的教学内容是不具备艺术性的。基于这样的认识，我们认为：教学内容构成的主体应该是体现艺术审美本质和艺术精神的，所选择的内容要求是艺术的，同时内容的整合和组织也要求具备艺术性。在教学中，首先要选出符合学生心理特征与艺术审美水平的艺术作为教学的内容，同时这些艺术的内容又必须经过筛选、整合。在这个过程中，必须注意内容取向的多样性和综合性，使其成为教学中适宜而经典的成份。因此，教学内容的选择和整合也必须具备艺术性。除此之外，组合这些适宜而经典的内容，让其在教学中具备最佳的顺序和比例构成也是教学内容具备艺术性的一个方面。

在艺术教学中对教学内容上的把握，艺术教师必须同时把握好下面几个方面：

第一个方面：教学内容的主题内容必须突出艺术的审美本质和艺术特征。

突出艺术的审美本质和艺术特征一方面可以来源于艺术精品，另一方面可以来源于自然和生活。

艺术教学必须充分利用中外一切优秀的、具有经典性的艺术文化遗产，把经典的艺术引进学生的课堂，选择具有代表性的经典作品。经典的艺术作品具有经典性和永恒性，在艺术形式上、技法上是优秀的，同时“它往往反映人性最深处、最本质的东西、代表了一个时代、一个民族、一个地区的最高成就，所以能经得住历史的筛选和考验”。（《艺术课程标准解读》98页）因此，其中所内涵的精神是一笔不朽的精神财富。在艺术教学中，把古今中外经典的艺术遗产融入课堂教学，并引导学生充分接触和感悟经典的艺术，细细体会，品味其中所蕴含的生命力、所凝聚的艺术魅力，学生课堂和生活就有了重要的文化养分。

艺术教学的内容，可以来源于生活，来源于大自然。把现实生活和大自然的美引进学生的学习当中，既可以让学习的艺术形式更加丰富多彩，还可以让学生更贴近艺术的源泉。十九世纪法国著名的艺术家罗丹说过：“美是到处都有的，对于我们的眼睛，不是缺少美，而是缺少发现”。艺术中的美经历了人类的高度概括与提炼，融入了人类鲜活的个性和充满智慧的创造，是高于生活和自然的。但是艺术的源泉是大自然，大自然中的色彩、声响、形状甚至动态等都是艺术形成的基础，都是艺术美赖以生存和提炼的源泉。一位学者说过：“如果一个人看过蚂蚱，抓过蛐蛐，挖过蚯蚓，摸过鱼，那他对人类和大自然的感觉会完全不同”，他眼里心里的艺术形象也会更加鲜活和动人。现实生活中的美和大自然的美是艺术的有利根据和根源，在教学中引进大自然中的美，让学生扎根于艺术的源泉，学生形成的艺术感觉就会更真实、更鲜活，审美愉悦的实现就更容易做到水到渠成。

第二个方面：艺术教学尚未真正树立起“以学生发展为本”的教育理念。在课程结构和教学内容的选择上，无视学生心理与生理的需求，很少考虑学生的认知过程中的心理顺序，这是教学内容缺乏艺术性的体现。教学内容的选择必须符合学生心理特征与艺术审美发展水平，遵循学生的心理活动规律和认识规律，本着以学生发展为本的原则，从学生的兴趣、能力和需求出发，结合学生的生活经验，遵循学生生理、心理以及审美的认知规律，提供学生感受艺术、表现艺术、创造艺术以及学习艺术文化知识的机会，为学生终身学习和艺术素养的发展奠定基础。

第三个方面：教学内容选择和整合的综合性。艺术教学本身就是一种美的艺术创造实践，这种实践不是封闭的，而是开放的，不是单一的，而是多元的。艺术在自身的发展中，不断经历着分化和综合的过程。每个艺术门类以及其中的各种样式，都是一个个开放的体系，而不是各自闭关自守的领地。只要具备一定的条件，它们都会从其它艺术中吸取营养，甚至同其它艺术结合起来而创造出新的艺术品种，以丰富和发展自己，并使得整个艺术体系得到发展。（《艺术概论》186页）

艺术教学的内容的组合要注意体现综合性、融合性的原则。艺术的多元化和艺术风格的多样化，也为艺术教学追求教学手段和教学内容的多元化、多样化提出了要求，并提供了条件。而且“不同的艺术门类之所以能够相互结合在一起，首先是因为它们有着共同的本质。也就是说他们都是客观世界在人的意识领域的审美反映，都是以感性形象反映世界。这是他们共同的“基因”，是他们能够相互联系和融通的根本原因。”

美国著名的音乐教育家雷默提出了“综合审美教育”这一概念。他认为：每种艺术都有自己的主要要素，音乐中有旋律、和声、节奏，绘画中有色彩、线条、质感，诗歌中有比喻、形象、韵律，如此不一而足。每一种艺术都可以借用其他艺术的要素，再与自己的领域同化，同时许多艺术又，还可以借用非艺术的要素，艺术地加以运用，转化成表现素材。

同样在《艺术标准解读》中所说：“由于社会对具有艺术素质的综合型人才的渴求，促使艺术教育自身也不断向综合的方向发展，形成各学科之间相互交叉、渗透和综合的大趋势。不仅音乐、美术、戏剧、舞蹈、影视等不同艺术门类开始以生态的方式交叉和融合，美学、艺术批评、艺术史、艺术创造等不同领域间也开始相互渗透。”美国部分学校的艺术教育采用了把各种艺术学科结合起来的综合艺术教学形式，即利用绘画、音乐、舞蹈、刺绣以及其他不同的艺术的共同点和不同点去启发学生。

艺术教学内容上的融合可以从两个层面上把握：一个是艺术和非艺术门类之间的融合，另一个是艺术自身各要素之间的融合。艺术教学要注意发掘艺术各门类的文化内涵，加强姊妹艺术之间和其他相关文化的联系。艺术教学是一个与姊妹艺术及相关文化相互联系与渗透的教学。艺术教学可以把相关艺术门类的艺术特点结合，进行知识整合；可以把视觉艺术听觉艺术触觉艺术等融为一体。霍斯曼曾这样说过：“一个不需要增加学习时间、教师数量和设备、却能扩充艺术课程的方法”，就是使整个艺术教学课程一体化。这种教学强调所有艺术之基础的、共同的东西，即艺术的审美性、创造性、表现性的东西。艺术教学可以把视觉艺术、听觉艺术、触觉艺术等融为一体。

艺术教学可以同其他学科，或者是个艺术门类之间相互交织在一起，这样可以相互增强活力，否则艺术教学将是贫乏的。提倡艺术教学内容的融合和综合性发展，是对传统艺术教学观念的一大突破，是我国教育改革深入发展的一大成果。

著名的德国音乐家舒曼说“有教养的音乐家能够从拉斐尔的圣母像得到不少启发。同样美术家可以从莫扎特的交响乐获益匪浅。不仅如此，对于雕塑家来说，每个演员都是静止不动的雕像，而对于演员来说，雕塑家雕塑的作品又何尝不是活跃的人物？在一个美术家的心目中，诗歌却成了图画，而音乐家则善于把图画用声音体现出来。”（《舒曼论音乐与音乐家》第148页，人民音乐出版社1982年版）

在教学中，利用现有的教学内容，需要再组织一些延伸和拓展的材料，形成结构化网络化的教学知识。第四个方面：教学内容顺序和比例的合理设计。

在当前的艺术教学中，教师往往采用单一的教学手段，单线条的设置教学的程序，而并没有从多维的角度来考虑教学的目标，立体的设计教学要包含的内容。

为达此目的，教师应当具备很强的分析教材和组织教材的能力，对所选择的内容能够控制有度，既要放得开，选取丰富多样的教学内容，又要能收得拢，做到重点突出，言之有物。这样再根据内容选用恰当的教学手段，就能使课堂教学生动，特色突出，取得良好的教学效果。

同时，教学程序是教与学之间形式和内容安排的和谐组合。具备渐进性、创造性和突破性的组合，能够激发学生学习的自然性和主动性，使得学生能够由浅入深的领悟美，并能触类旁通，富有创造力。

所以好的老师，要将教学内容合理搭配，给不同深度、不同方面的教学内容分配合理的比例，并使各部分内容保持合理的出场顺序，从整体上把握教学内容的艺术性和完整性。

二．教学方式的艺术性

在艺术教学中，教学的内容应该是体现艺术审美本质的，教学的方式也应该遵循艺术的美的规律和审美特征，使得艺术教学本身艺术化、审美化，让艺术教学这一行为和过程具备艺术的美，同时也让其本身成为一种美的艺术。因此在教学实施中，艺术教学在具备各门课程教学所具备的教学艺术的同时，更应该强调艺术教学所特有的教学艺术。基于这个原因，本文从一般课程的教学艺术和艺术课程所特有的教学艺术两个方面来陈述。首先，针对一般课程所应具备的教学艺术，简单阐述了教学意境的艺术性、教学节奏的艺术性、教学空间的自由性；其次，阐述艺术教学特有的教学艺术：一方面根据艺术教育的审美规律，主要针对艺术主体性、形象性、创造性、情感性等审美特点提出了艺术教学的个性化、艺术教学的直观性、艺术教学的即兴创造性、艺术教学的情感艺术；另一方面遵循艺术美学原理，主要针对艺术审美心理特征提出艺术教学的距离美、艺术教学的移情美。

<一>教学意境的艺术性

意境是一种艺术境界，是一种在思想感情上极富感染力的艺术效果。艺术教学中教学意境的营造能将学生带入一个美的境界，让学生置身在美的情韵和诗意般的境界中。具备意境的教学是一种具有艺术魅力的教学，这种教学让学生在课堂上始终充满激情，保持愉快的心情和审美愉悦。艺术从来就是一种充满情感和美感的东西，在艺术教学中，遵循艺术的审美特征，就可以营造出艺术化的教学境界。具备艺术性的教学意境，应该是一种景真、情深、意切，情景交融的意境，这是一种以“实”情实景营造的教学意境。除此之外，在艺术中常用“艺术空白”的引导和启发下，我们以“空”代“实”，同样营造出一种高层次的教学意境。

情景交融的教学意境

情景交融的教学意境在教学中处处洋溢着美和迷人的魅力，其实现的前提首先是有“情”也有“景”，然后再实现情与景的交融，构造出景真、情深、意切，情景交融的美妙境界。

这种意境的实现，可以说是需要将视觉效果、听觉效果甚至触觉效果融合在一起方能达到。在艺术教学中，我们可以这样去促使情景交融的教学意境的形成。在教学语言上，用散文化的言语去描述对象。散文化的语言是一种美丽的、富有诗意的语言，她能真切而细腻地表达出人内心美妙而短促的思绪和情感，同时其中蕴涵的袅袅流动的韵味和激情可以将学生带入一种美的境界，让学生获得美的愉悦和情韵；在教学表示上，用美丽的画面展示对象，画面是静态的、固定的、明晰的。流动的音乐是一幅流动的风景；流动的风景以线条、色彩的形式停留下来，就构成了一幅美妙的图画。艺术的形象以图画的形式凝固，静态的图画展示着流动飞扬的情感。艺术教学把听觉艺术和视觉艺术融为一体，引发学生的审美想象和审美愉悦服务。美丽的图画、流动的风景、诗意般的言语融入着教师的情感，同时带动着学生的情感，一种情景交融的教学意境展示着美的空间和深远的意蕴，也将学生引入美的艺术境界之中。

“空白”的教学意境

空白艺术是美学史上一个重要研究范畴，“空白艺术”的渊源可以追溯到老子《道德经》中的八个大字“达音希声，大象无形。”在老子看来，无声是最美的声音，无形是最完美的形象。中国画家常常用“空白”来藏境，空白是构思立意的一部分，是集中、提炼、概括的结果，是创造意境必不可少的，它留下联想、想象的余地和空间，可以表达更多的东西。

在艺术教学中，运用“空白”来营造一种教学意境，是教学艺术化的表现。

艺术作品留下的空白，并非空无一物，它是以空显示实，由实而空，“空”正是情感充盈的艺术空间，是作品的艺术内含所在，清代袁枚在其《随园诗话》中对艺术之“空”有这样的论述：“凡诗文妙处，全在于空”。空白艺术就是对那些能够引起激发人们想象的地方进行画龙点睛的提示，通过暗示和隐语将真正艺术想象的空间及其作品所要直接表达的真正艺术内含和意蕴留给欣赏者，接受者，以最少的笔墨从侧面间接而不是直接地展示作品的艺术魅力。

在艺术领域中，空白的运用是很受青睐的。空白的运用是为了更好的表达作品的蕴涵和思想情感，驱动想象和情感的驰骋。因此，在教学当中，教师更应该尊重这种空白的存在，切不可枉自聪明地去填补。空白艺术正如道家的无为之无，这无并非空无之意，而是“无为而无不为”，突破了时局局限的“意无所制”，其范围更加广泛。在教学中运用空白营造教学的意境，以“空白”诠释“空白”，可成就一种超越的教学艺术。

有人把空白的艺术称作是“召唤”“空筐”的艺术，认为空白可以召唤学生发挥其潜在的创造力，空白为学生打开了一个个空筐，等待学生用自己的思索和想象去填充。艺术空白营造的教学意境可以让学生在空白中驰骋自己的想象，进行再创造以获得完整的美感。不同的学生完全可以“各取所需”，在艺术的想象空间创造美妙的形象，获得美的享受，而教学中的“空白”因此可能变得非常的丰富和异彩焕发。艺术化的教学意境应该有意无意的设计许多境界空灵，意趣无穷的艺术“空白”，让学生去补充和创造，让其在自己的创造中获得最大的艺术享受。

在艺术教学当中，运用空白艺术营造教学意境可以学习国画中“计白当黑”之法，音乐之空白的“休止”之法，雕塑中断臂的维纳斯雕像，诗词中“不着一字，尽得风流”的做法等等。除此之外，艺术教师还可以运用沉默来达到艺术空白美的效果，实现艺术化的教学意境。在教学中用来“布白”的沉默，不是没有内容、空洞无物的。空白，虽无，却有，似无，却又可见；沉默虽无声，却奔涌着情感。它能使人想到“象外之旨”“弦外之音”“境外之物”，它具有一种无限性。“沉默”这种无言无语的“空白”，胜过了明白直露的千言万语，富有极强的艺术感染力，正如白居易《琵琶行》中“此时无声胜有声”的境界，只可意会，不可言传。

<二>教学节奏的艺术性

节奏是自然界和社会生活中一种普遍存在的方式。音乐要有节奏，诗歌要有节奏，平仄相间，动静相间。美学家朱光潜说：“节奏是一切艺术的灵魂”。一张一弛，文武之道，是课堂教学的一大艺术。艺术教学在课堂教学中讲究教学的节奏性，体现了教学的艺术化。艺术教学节奏是指教学活动的组织富有美感的规律变化，给人以艺术的享受。

在教学中，不能不追求教学节奏的艺术性。首先，教学本身就是一门艺术，需要遵循艺术的本质和特征，因此不能不注意教学节奏的协调。艺术教学的教学过程应该像奏乐一样，按照主旋律，曲调抑扬顿挫，音节疏密相间，节奏明快相联。其次，追求教学的节奏美，让教学过程中各要素有秩序、有节拍、有动律的变化，会使教学节奏呈现出一种明快、生动的韵律之美、流动之美。这种美有利于学生学习和创造，有利于学生心理健康和身心健康的发展，又能这种美能够感染学生，让他们受到美的熏陶，也有利于师生间思维与情感的沟通交融，达到优美和谐的境界。再则，教学中要增强感染力，提高教学的效率，就不能不注意教学节奏的协调。具备节奏美的教学可以吸引学生的注意，激发学生的求知欲，促进思维发展，提高课堂效率，使课堂生机勃勃，优质高效。实践证明：凡是课堂教学效率高的教师，必定是善于控制教学节奏，或有张有弛，张弛得法；或有密有疏，疏密得法；或有高有低，错落有致；或新颖多变，起伏和谐。课堂教学能否具备鲜明的节奏感，是提高教学效率的关键之一，也是衡量教师课堂教学成功与否的重要标志。

在把握教学节奏上，最重要的是教学的节奏应该遵循学生学习中的心理特点。教师要善于根据学生的认知规律，科学地安排教学程序和时间。心理学研究认为：青少年的认知节奏和生理节奏像潮涨潮落一样呈现出波浪式状态。教师只有遵循学生生理特点和心理规律，以曲线式的节奏推进教学，设置课堂教学的若干“浪峰”“波谷”。巴甫洛夫高级神经活动学说中这样认为：人脑接受刺激引起的兴奋点如果不断转移，那么相对来说人就不容易感到疲乏，反之，某一兴奋点持续活动，就容易由兴奋转入抑制，同时抑制还可以扩散，一旦出现这种现象，人脑就会出现困倦乃至睡眠状态。教学中节奏的艺术性可以让学生解除学习的卷怠感和单调感，使学生在课堂上也能回归精神的“自然保护区”。美学大师朱光潜说：“人用他的感觉器官和运动器官去应付审美对象时，如果对象所表现的节奏符合生理的自然节奏，人就感到和谐而愉快。”

一堂课平铺直叙，没有起伏，没有跌宕是缺乏节奏艺术的表现；课堂上始终紧锣密鼓，不留一点空闲，不留一点空白实际上是一种没有节奏的课堂；课堂上教学气氛松散平淡，杂乱无章，课堂气氛压抑，沉闷也是没有节奏美的表现如此不一而足。在这样的课堂上，学生自然觉得枯燥无味而昏昏欲睡，正如）著名特级教师于漪说：“如果40分钟都是一个调子，平铺直叙，像流水般地淌，学生也会感到乏味，打不起精神。”。

那么，课堂教学中如何把握艺术化的节奏呢？在教学中，通过动静搭配、张弛交错、疏密结合、起伏有致等多种对比和转化，形成强烈的节奏感，并和学生的心理节奏像切合引起共鸣，产生美感。

动静搭配：动，应该是有控制、有节律、有针对性地对问题的研究，而不是杂乱无章、随心所欲的；静，是指教学过程中学生积极的思考，认真的钻研，而不是一潭死水般的沉寂，而是在酝酿一个成熟的见解，是一种“此时无声胜有声”的恬静美。艺术教学中，教学的节奏应该是静中有动，动中有静的和谐统一。

疏密结合：（空白）密的地方要求教学内容的容量较大，教学速度较快，用紧张的节奏要求学生集中注意力，思维敏捷，反应迅速；疏的地方要求教学的内容较少，教学的速度比较平缓，同时留给学生的空间大，自由思索的余地大。“疏可走马，则输出不是空虚，是无长物，还得有景，密不透风，换得有立锥之地，切不可让人感到窒息”，艺术教学中疏密结合要求是宽松而不涣散、严谨而不威慑的和谐统一。

张弛交错：一张一弛，文武之道。在艺术教学中，教学节奏也应该是有张有弛有起有伏的和谐统一。所谓张，就是紧张、急促；弛，就是轻松、舒展、宽松，张与弛既是对立的，又是统一的。张和弛如果没有得到有效的统一，教学中要么会显得平淡无奇要么，不能突出波澜和高潮，整堂教学就陷入没有弹性，没有张力的状况；只有有张有弛，张弛交错才会既有“大弦嘈嘈如急雨”，又有“小弦切切如私语”，相得益彰，韵味无穷。

<三>教学空间的艺术性

艺术教学需要营造艺术化的教学意境，同时也需要给学生留一个艺术化的空间，一个自主、自由的空间。

1．自主的空间

人作为独特的、精神的主体，有形成自我的本能，也一直在成为他自己的过程中表现出自主性。人的自主性表现为他可以产生自己的情感、形成自己的思维、决定自己的行为，不断地在自知自觉中把握世界、形成个人主体生命的意义，在确定自己的行为当中主动积极的形成自己、完成自我。

德国的卡西尔用“人是符号的动物”来解释人的自主性，认为人是一种能以符号的形式来解释世界的动物。艺术便是符号中最生动的一种，人类在不断地通过艺术的形式体现着人的自主性、也发展着人的自主性。艺术来源于生活，又高于生活，是因为艺术融入了主体的呼吸和生命，融入了生命主体完成自我、超越自我的行为和过程。“艺术作品之所以源于生活而又高于生活，就是因为艺术创作主体对生活原料进行了创造性的选择、提炼、想象、虚构，并在其中渗透着自己的认识和评价，从而表现出自己的意愿、情感和审美理想。因此，艺术作品融入了主体的呼吸和生命，体现了对生活的新发现和审美的独特建构；艺术创作活动是凝聚了创作主体的全部心血的、个性化的、能动的、艰辛的创造性生产过程。”（--《艺术概论》第277页）在艺术创造和艺术作品之中，艺术家都毫无例外地表现出他们的主体能动作用和主体个性。

在艺术教学中，需要留给学生自主的空间，一是由人的自主性特性所决定的，二是由艺术的主体性特征所要求的。在艺术教学中，教学的内容始终是艺术，只要有艺术存在的地方，艺术的审美本质和艺术的特征就会毋庸置疑地跟着存在。在艺术创作全过程中，艺术家这个主体起着决定性意义，在体验艺术家这个主体所释放出来的意蕴时，学生这个主体毋庸置疑同样起着决定性的作用。艺术教学可以说是主体与主体之间交流的过程，教师的主体和学生的主体、作品包含的主体和学生的主体都应该处在不断地交流和融合之中。

在艺术教学过程中，学生并非是被动的、消极的、不做任何变动的适应。人都有自己的主体性，能够主动地、创造性地接受。教学的过程实质是学生的认知过程，学生的学习是有意识、有目的的自觉行动，离开了学生的这个主体，教师的主导作用就会落空，教学内容和教学手段也就失去了存在的价值。学生认知的目标最终要依靠学生的主观能动性才能完成。在艺术学习中，学生在欣赏、创造等过程中，感受、领悟、审美都是要通过自主的活动才能完成的，离开主体的能动性，教师传递出去的知识就得不到学生的接收和内化。

教学中，应该淋漓尽致地发挥学生的主体作用，给学生以发现、探索、创造的自主发展的空间，使其充分施展个人能力，由学习的奴隶变成学习的主人，这既是我国教育改革的目标，也是我们不断追求的教学艺术。

2．自由的空间

“在艺术活动中，人们并没有在主观上带着掌握世界的功利目的，但却足以在享受到精神自由状态所带来的愉悦和惬意中掌握了世界，可见，艺术是具有自由品格的。正是艺术的这种自由品格，使得人们在艺术审美活动中，能够细腻而充分的体验自身的情感和想象，从而达到各种心理机能和谐统一的自由境界。”《艺术教育论》p3艺术是一种情感自由的、自主的表现，创造艺术、鉴赏艺术是人追求美、追求自由的象征。人在自由创造中发展了艺术，酿造了美，而美的根源也落在了人的自由创造之中，正如杨辛教授在《艺术美学原理新编》中所作出的结论：“美的最终根源在于人的自由创造”。（《美学原理新编》第19页）

艺术教学作为一种以艺术为参照对象的教学，必须体现艺术的特征，自由性是艺术的审美特征之一，也是教学所应该突出和遵循的；同时教学作为一种自由活动，与其他各种艺术活动一样，需要体现出人类的精神、意志活动的自由性，必然要以自由性为其特征的；而且对于艺术主体来说，追求精神世界的自由是最高境界，将自身从自然和社会必然性的束缚中解放出来，获得精神世界的自由，是艺术家甚至全人类的追求。庄子就是追求自由生活的典范，他不断地以自由的方式追求人的全面发展。

自由自觉的活动是人类区别于动物的最根本特性之一，也是艺术美的最终根源。康德认为，自由是艺术的精髓，各种“自由活动”或“自由游戏”均具有审美价值，美感是自由的结果，比如他认为诗是“想象力自由的游戏”，音乐是“感觉自由的游戏”，自主活动是解放人的手段，能给每个人提供全面发展和表现自己的、内在的全部能力的机会，这种自由活动本身就是一种快乐，不仅包含着丰富的艺术性，而且能给人真正的美感。20世纪西方人本主义学派的主要代表人物卡尔罗杰斯认为每个人只有在自由的气氛中，才能通过彼此真诚的自我表露实现相互的承认和接受。

艺术硕士范文第3篇

近几年来，国家加大了艺术类硕士研究生的招生力度，这支队伍不断壮大。与此相适应，艺术类硕士研究生的公共英语教学得到了发展，取得了一定的成效。艺术类硕士生在学习英语的过程中也收获颇多。但不可否认，在当前的艺术类硕士研究生的英语教学与学习中还存在一定的问题，影响了教学效果。下面就这些问题做一探讨，以求教于广大的同仁及学友。

二、艺术类硕士研究生英语教学中存在的问题

就目前来看，研究生英语教学所使用的教材各地各校都不太统一。有的学校用的是《大学英语》①及其相关辅导教材，有的用的是《新概念英语》②，还有用的是公共类硕士研究生英语教材，如《研究生英语》(上下册)③，有些学校则自编教材。而专门针对艺术类硕士研究生的英语教材目前还未出版。笔者所在的学校在教学中使用的教材是《大学英语》三四册，共学习一年。由于采用的是普通大学的公共教材，内容程度偏低，专业性不强，于是教师就很难调动起学生的学习积极性和做到因材施教，也有相当一部分学生存在厌学情绪。此外，目前市场上虽然也有一些艺术类的英语辞典，但普遍缺乏权威性，不够规范。例如《英汉汉英艺术辞典》④2、《英语音乐基础知识》⑤、《美术英语》⑥等。因此，有一些专业术语很难查得到，如广西壮族音乐中有一种体裁叫“尼的呀”，词典中根本就没有。此外，一些专业词典则不具备艺术类专业英语学习的功能，如(牛津简明音乐词典)(第四版)⑦。缺乏有效的词典工具更增加了专业英语学习的难度。

由于许多艺术院校只是近几年才开始大规模招生，所以在艺术类硕士研究生的教学当中，很多艺术院校在师资力量及相关的培训上跟不上发展的步伐。一些教师在教学时没有注意到艺术类硕士研究生的实际英语掌握情况，以及专业英语教学上的特殊之处，教学方法单一，存在着“灌输式”的简单教法，有的学生就称自己被老师当成了小学生来对待。老师在课堂上只管讲自己的课，很少注意到下面学生的学习动态，缺乏双向交流与沟通。这种僵化而保守的教学模式自然引不起研究生学习的兴趣，课堂气氛经常是沉闷而又乏味，学生学习得非常被动而吃力。同时，很多艺术院校在图书馆建设中也很容易忽视英语学习读物及英文核心期刊的配置，也给研究生的英语教学与学习带来了很多不便，他们不得不自己掏钱到外面书店购买，甚至到大城市去搜集资料，增加了学生的经济负担。

三、艺术类硕士研究生英语学习中存在的问题

艺术类硕士研究生在学习过程中也出现了一些问题。首先是学生的英语程度参差不一，普遍底子较差。为了照顾艺术类硕士研究生考生的特殊情况，国家在录取时降低了艺术类的分数线。另外，学生来源广泛，有些是应届本科毕业生，有些是工作了好几年才考取的，还有些则是没有接受正规大学教育，靠自学成材的。还有很多学生，他们已经结婚生子，年龄偏大，更增加了学习英语的难度。因此学生入学时英语普遍较差，且差别很大，听说能力也不强，要达到申请硕士学位的英语要求还存在很大的难度。笔者在本校曾进行了一次统计，2001级研究生共11人，第一个学期通过大学英语四级考试(CET4)的学生只有2人(我校要求，申请学位的条件之一是必须通过大学英语四级考试)，2002级17人中只有3个通过，2003级24个人中也只有9人，比例相当低。许多学生考了好几次才拿到四级证，甚至以前还出现过因没有四级证而拿不到硕士学位证书的情况。至于六级证，到目前为止只有一人拿到。

第二个问题是学而不致用。很多艺术类硕士研究生都感到，学习英语纯粹是为了应付，用不到自己的专业学习当中，收获不大(例如美术学中的国画专业研究生，此种情况更为明显)。为了学好英语，他们要花

大量的时间与精力，难免与专业学习相冲突。有的人甚至戏称自己要变成英语专业的学生了。为什么是这种情况?关键就在于学生的专业英语程度差，所学的英语到最后很少能用得到。长此以往，他们就很难接触并了解到当代国际最新最权威的学术成果与动态，因此也就很难跟上、甚至超越相关学术研究的步伐。

四、结语

艺术硕士范文第4篇

关键词：地方师范院校；音乐艺术硕士培养模式；课程体系建设；双导师制

艺术硕士培养模式是指在现代艺术教育理念的指导下，为了实现艺术硕士研究生的培养目标，在培养过程中所采用的特定标准的构造样式及运行方式。艺术硕士培养模式是一个完整的系统，同时又具有泛型性，也具有一定的开放性。又因为培养模式是一个系统，所以它包含着一些固定的要素，即导向性要素（即培养目标）、组织性要素（即培养过程）、调控性要素（即培养考核）。因为培养模式具有泛型性，所以一经形成便可以为培养单位所遵循。但培养模式一经形成之后，同时也具开放性。也就是说，培养模式不是僵化不变的，培养单位应根据本单位的实际情况不断以开放和改革的态度探索适合本单位实际情况的培养模式。

一、重庆师范大学音乐艺术硕士培养模式的指导原则

重庆师范大学音乐艺术硕士培养模式的宏观指导思想是：“密切与音乐行业接轨，注重音乐艺术实践，突出音乐职业导向。”在音乐艺术硕士培养方案制定过程中坚持了以下原则：一是注重培养模式与行业标准密切接轨。学院邀请了遵义演艺集团艺术总监王小平、重庆高戈广告有限公司董事长阎旭、重庆市广播电视集团（总台）频道总监寇锦等业界精英共同制定培养方案，并参照相应行业标准设计课程模块。二是注重知识发展性与职业导向性的密切融合。艺术硕士专业学位教育具有学术性的价值取向，这是艺术硕士教育不同于一般意义的职业艺术教育的根本所在。艺术硕士教育培养的不仅仅是艺术行业精通技巧的从业者，而且是艺术实践能力和创新创业能力兼备的复合型高端人才。三是突出艺术职业岗位能力和艺术职业素养的培养。着力加强实践教学，课程设置中注重理论与实践相结合，增加实践学分权重。联合艺术创新实践基地，充分利用各基地的师资和硬件设施以及其他资源，培养学生的职业素养。

二、重庆师范大学音乐艺术硕士培养模式

音乐艺术硕士的培养目标是：培养具有系统音乐专业知识，适应我国社会、经济、文化和音乐事业发展需要的德、智、体、美全面发展的高层次、应用型音乐表演、音乐创作等领域的专门人才。音乐艺术硕士培养模式必须符合这一培养目标的需求。为了有效地实现这一培养目标，重庆师范大学音乐学院经过理论探索与教学实践，逐渐摸索出“人文综合素养+专业理论基础+艺术实践+创新创业能力”的音乐艺术硕士培养模式。在这一培养模式中，培养目标是导向性的要素，是培养工作的出发点和最终对培养工作进行检验的立足点。课程设置和教学安排是培养过程，也就是组织性要素。毕业环节则是对整个培养过程的最终考核，也就是调控性要素，通过这一环节检验所培养的学生是否达到了培养目标的要求。

（一）音乐艺术硕士培养模式的课程内容和教学安排

重庆师范大学音乐学院以音乐艺术实践能力培养为核心，基于“面向社会、服务地方需求、促进音乐事业繁荣发展”的理念，构建了“2+1”的课程体系，即理论课程、实践课程+行业实训，实践环节以课内实践、专题创作实践、作品展演、行业实训等多种不同的方式完成。根据艺术硕士教指委颁布的艺术硕士专业学位研究生指导性培养方案（2015年修订版，以下简称指导性方案），艺术硕士（音乐）的课程类别为公共课、专业必修课、实践环节、选修课。重庆师范大学艺术硕士音乐领域各类课程的学分数及所占比重可参见表1，公共课与专业必修课见表2。在重庆师范大学音乐艺术硕士课程中，马克思主义文艺理论、艺术原理、音乐艺术实践、音乐心理学、音乐美学等课程属于理论课程。专业主课、高级视唱练耳、音乐论文写作与学术规范等课程属于理论与实践相结合的课程。音乐艺术实践属于纯粹的实践性课程。学院要求这一实践性课程的考核形式为音乐会或实践性成果的展示。比如，对于声乐方向的学生，培养方案要求他们必须开两场音乐会，方能获得该门课程的学分。重庆师范大学音乐学院将音乐艺术实践类课程纳入必修课程中，并占有一定的比重，这样做主要是为了满足培养目标的需要。此处的实践课程同独立实践环节不同。独立实践环节侧重的是总结性评价，是对学生艺术实践能力的最终检验。而必修课中的艺术实践类课程侧重的是对学生艺术实践能力的形成性评价。实践类课程可以在课内进行，也可贯穿于课外活动中；可以在校内进行，也可在校外的实践基地进行。为了增强学生理解作品的能力以及在作品创意表达和风格呈现方面的能力，学院开设音乐美学、音乐心理学、音乐作品分析、视唱练耳等课程。在培养过程中，首先让学生树立正确的艺术理念和美学观念，而很多学生在本科阶段并没有接受到这方面的学习和训练。基于此，重庆师范大学音乐学院在培养方案中开设了音乐美学课程。音乐心理学类课程主要是为了让学生能够应对音乐表演中一些较为复杂的心理问题，比如，音乐创作过程中的心理问题、演出中的怯场等。开设音乐作品分析课程的目的是让学生了解和掌握不同时代、不同风格的音乐作品的分析方法。通过分析方法的掌握，使得他们能够很好地在表演中呈现作品，在创作中把握好作品的风格特质。此外，学院还开设了一门视唱练耳课程，帮助学生解决音乐表演过程中的音准问题。除了必修课程中的音乐艺术实践课程，还有独立实践环节，包括毕业实习、毕业论文、专业能力展示（毕业音乐会）三项内容。该校的培养方案要求在艺术实践基地的行业实习、实训时间不少于一年，同时学位论文（设计）须建立在艺术实践基础上。该校艺术硕士培养实行双导师制，由校内专职教师和校外兼职教师共同承担培养任务。学生修完培养方案所要求的课程，通过学位论文（设计）答辩，同时还须通过艺术行业职业资格认定，方可毕业授位。“2+1”课程体系即两种课程（理论课程、实践课程），加上行业中的实习、实训，更有利于培养目标的实现。

（二）音乐艺术硕士培养模式的实施途径

为了更好地实现音乐艺术硕士培养目标，重庆师范大学音乐学院采取了一系列的举措，以保障培养模式的顺利实施。1.探索有效的音乐艺术硕士招生模式音乐艺术硕士招生录取工作可以说是整个培养过程的起点，也是培养模式和社会大环境的中介。音乐艺术硕士培养工作的顺利开展，离不开优秀生源的选拔。经过近十年的探索实践，我国艺术硕士（音乐）考试科目的设置和考试内容的安排已基本符合培养目标的需要。重庆师范大学音乐学院也在不断探索适合本校情况的招生模式。学院在招生考试内容和细则方面做了较为细致的设计。首先是考试科目及内容的安排。初试除了英语和政治这两门国家组织命题的科目以外，还有两门学校自命题的专业科目。很多院校目前都考一门艺术学原理类的课程，有的院校考艺术概论，有的考查艺术学原理等。作为将来的实践性音乐高级人才，掌握艺术学原理是很有必要的，因此，安排在初试也比较合适。该校所设置的考试科目名称为艺术基础理论，考查的重点内容为马克思主义的文艺理论。一般地方师范院校初试环节的另外一门专业课考试往往是安排一门音乐理论课，如音乐作品分析或音乐史论课程等。笔者认为，初试环节的另外一门专业课，应该安排音乐技能面试。艺术硕士（音乐）和音乐与舞蹈学的学术型硕士的培养目标不同，前者的培养目标更侧重于音乐实践能力。在招生考试中，招生单位应该尽早地对考生的音乐技能有所了解，选择音乐技能优秀的考生通过初试，以便更好地保证生源质量。2.搭建校内外艺术实践与艺术科研活动平台学院加强原有的三春湖之韵演出季、研究生半月音乐会、缪斯讲坛、导师讲坛、研究生学术沙龙等品牌活动的建设，努力将其打造为音乐学术品牌，使其成为艺术硕士人才孵化基地和音乐艺术创新实践的平台。学院高度重视合唱团、行进管乐团、舞蹈艺术团等学院艺术团的建设工作，探索有效的乐团运行机制，吸收音乐艺术硕士加入艺术团。这些艺术实践活动和艺术实践团体为音乐艺术硕士提供了充足的校内艺术实践机会，大大提升了他们的音乐艺术实践能力。缪斯讲坛始于2012年，学院邀请校外知名教授、艺术家为学院师生在该讲坛讲授大师课或作专题讲座，迄今已经举办20届。学院组织校内导师在导师讲坛为学生作讲座，组织学生参与研究生学术沙龙的学术研讨。通过组织和鼓励学生参与这些活动，提高了学生的科研意识和从事音乐科研的积极性，使学生逐步进入研究性学习状态。为进一步密切与行业的联系，重庆师范大学音乐学院与重庆市歌舞团、重庆市歌剧院、诗仙太白集团文工团、遵义演艺集团、人民武装警察部队重庆武警总队政治部文工团、璧山县文化馆等十余家艺术企事业单位共建了艺术创新实践基地，并长期保持联系。这些基地行业认可度高、设施完善、艺术实践活动丰富，可为艺术硕士音乐领域的师生提供广阔的艺术实践空间。通过与艺术实践创新基地的合作，学院艺术硕士师生参加了多项文艺演出和艺术创作，为重庆市乃至全国的文化建设做出了突出的贡献。通过与行（企）业合作，锻炼了师资队伍，同时也提高了艺术专业学生的艺术实践能力。学院积极建设艺术实践管理制度，探索改革艺术实践活动的管理模式，努力将艺术硕士音乐领域师生的音乐艺术实践活动真正推向社会，主动参与到地方社会文化生活中，尽量满足当地人民群众的音乐文化需求，加强校外音乐艺术创新实践基地建设，使得艺术硕士的人才培养工作与服务地方社会文化生活形成良好的互动。3.推行双导师制，校内外联合培养和学术性硕士研究生培养模式不同，作为专业学位的艺术硕士研究生培养模式的另外一个重要特点就是注重学校和艺术企事业单位的联合培养，同时应该大力推进双导师制度。根据研究生教育质量报告编研组编著出版的各年度研究生教育质量报告，我国专业学位研究生校外实践和校外导师的情况并不乐观。重庆师范大学音乐学院在艺术硕士中较为广泛地推行了双导师制度，在校外艺术实践创新基地中选拔优秀的行业专家担任艺术硕士研究生的校外导师，与校内导师共同指导学生，取得了良好的效果。

艺术硕士范文第5篇

关键词：艺术硕士 教育模式 实践型 应用型

一、稳步前进的中国艺术硕士教育

为繁荣和发展我国文化事业，不断满足广大人民群众日益增长的文化需求，健全和完善国家艺术专门人才培养体系，培养适应社会、经济、文化和艺术事业发展需要的高层次、应用型艺术专门人才。2005年3月，国务院学位委员会第二十一次会议审议通过了《艺术硕士专业学位设置方案》，我国32所高等院校作为首批艺术硕士试点单位，开始了招生工作。

从2005年到2009年，我国已经有102所院校招收艺术硕士专业学位研究生，至2012年，全国专业硕士招生比例已经达到30%，2015年已经超过50%，为社会培养了大量的实践型高层次专业人才。处在探索中前进的我国艺术硕士教育取得了一定的成果，艺术硕士专业学位点已经初步形成规模，招考体系愈加规范、培养体系也逐步完善。

二、中国艺术硕士教育模式存在的问题

艺术硕士教育的发展有目共睹，但是毕竟创立时间短，培养体系还不够成熟，迅速发展的过程中，存在以下几个方面的问题。

（一）院校和招生人数大量扩招，体制保障未得到相应提高

2005年，全国首批招收艺术硕士的高校为32所，经过十年的发展，到2015年全国有200余所高校设立艺术硕士学位点，招生人数也直线上升，但相应的教学质量和保障体系并未得到提升。比如专业学位的导师队伍并不十分“专业”，在艺术硕士的培养方面，思想还停留在传统的理论型教学层面，与学术型研究生的培养没有清晰的区分开。艺术硕士是以培养高层次应用型人才为目标，根据这个目标要制定相应的培养方式。校外的实践基地也必不可少，但是目前大部分高校实践基地的设立并未得到保证。在艺术硕士的教育教学管理方面，学生越来越多，而相应的学科基础、办学条件，师资力量甚至还停留在原地，成为限制艺术硕士教育发展的短板。

（二）招生选拔制度不完善，“学术”与“专业”界限模糊

艺术硕士在招生和选拔方面，应该更关注学生的实践性和创造性，要与学术型注重理论这方面相区别开。虽然现在艺术硕士和学术型硕士的考试科目如英语在初试中有了区别，但是在复试中，学术型和专业型的考试内容并没有区分开来，也没有一些规范性的复试内容库。在应试教育这个大环境中，考生们一味的追求考试分数，于是就出现了初试分数高的考生，专业却很弱，而专业水平强的考生，却因为初试分数不佳而未能被选拔进来。所以在艺术硕士招生选拔制度方面，初试和复试，都该形成规范的制度体系，将学术型和专业型考生的界限区分开来，这样才更有利于艺术硕士的选拔。

（三）培养体系不完善，管理模式陈旧

在艺术硕士培养方面，如何培育“实践性和创新性”高层次人才，与市场所需人才相匹配，是首要目标。但是目前在艺术硕士培养方面，各个院校少有形成一个适合自己的实践与教学相结合的系统性的艺术硕士培养体系。在课程设置和教学内容上，对具体专业方向的定位不清晰，专业要求不到位，课程内容空泛都是培养体系不完善的表现。在研究生管理方面，一些高校的管理模式还和本科生管理模式一样。高校艺术硕士数量上的盲目扩招使学生数大量增加，而很多高校的研究生管理人员都是兼职，缺少专职研究生教务管理人员的直接后果就是管理效率低下，这些都制约了艺术硕士的教育培养体系的发展。

三、如何改进中国艺术硕士教育模式

1.与国际接轨，学习先进的教育模式。我国的艺术硕士起步较晚。我们起步的同时，欧美一些国家，比如美国就已经形成了体系比较健全的艺术硕士培养制度，美国的大多数综合性大学都设立了艺术硕士专业学位点，对艺术硕士培养标准都有详细的制度规定。在培养方面十分注重实践性和应用性，毕业标准和学位论文中十分注重设计作品和创作过程中所体现出的创作能力。虽然目前我国艺术硕士教育评价指标体系也逐渐规范，但是在熟练的实际运用方面还有路程要走。

2.培养过程中坚持以理论指导实践，加强对专业硕士理论素质的培养。艺术硕士和学术型硕士并不是相对的，学术型硕士要求理论知识为主，但是艺术硕士也不是一味的以实践型为标准进行培养，艺术创作的长远发展离不开艺术理论的支撑和熏陶，加强艺术硕士的文化理论培养，有助于艺术硕士在专业实践的道路上越走越长远。

3.搭建实践平台，实行院校和企业合作教学，大力发展校内艺术硕士实践基地，对艺术硕士的培养空间放至校外、省外、甚至是国外。学校和导师都可以将网络媒体运用起来，让学生可以通过网络远程教学等方式学习国内外一些先进的艺术专业课程，还可以积极鼓励学生参加全国的艺术专业比赛和各种学术交流。加强与国外高校的交流与合作，创造条件让学生走出国门，感受不同文化和体制下的艺术硕士教学氛围，提高专业和实践水平。

艺术硕士范文第6篇

【关键词】创新型人才培养；通识教育；艺术硕士教育

一、高等艺术专业教育教学的现状

艺术硕士是2005年国务院学位委员会21次全体会议通过并批准而设置的，经过几年的发展，在规模和数量方面都有所扩展，但是相随的是艺术硕士专业学位研究生教育培养中的问题也日显突出，特别是由于教育观念、培养方式、办学条件限制等原因，导致在培养目标、课程设置、培养模式上安排不够科学、合理，影响了艺术硕士研究生的培养质量。所以说，高等教育一直重视专业教育，忽视通识教育，而且专业划分越来越细，以至于同在一个大学而在不同学院、或在同一个学院而专业不同的教师交流沟通很难。这种学科单一性，专业单一性虽然有利于深入地进行某方面的研究，但它不能解决综合性的问题。因此，对我国现行的艺术硕士研究生培养管理问题应该加以反思，对于培养目标、课程设置、质量评价等等都需要重新定位。虽然我国艺术硕士教育有了一定的发展，但是总体来看，我国艺术硕士教育起步晚，面对培养更多适应社会文化艺术发展的高层次人才的客观需要，艺术硕士研究生培养管理中问题日显突出，解决这些问题是我国艺术硕士教育健康快速发展的前提。

二、什么是通识教育

通识教育与博雅教育（LiberalEducation）紧密相连。古希腊哲学家亚里士多德（Aristotle）认为博雅教育是适合劳心者的教育。劳心者就是不做他人的奴隶，也不当工资奴隶的劳力者。博雅教育应追求自我而受教育，而非追求外在的需要而受教育。博雅教育是以训练一个有思想、文雅的人为目的。通识教育与博雅教育的概念相关而理念不同,通识教育的涵义比博雅教育更为广泛。通识教育的英语名称可译为“GeneralEducation”，早期多译为“通才教育”。它有狭义和广义之分。狭义的通识教育指的是现代通识教育。广义的通识教育既包括现代通识教育，又包含传统自由教育的基本要素，即指在高等教育阶段面向全体学生所普遍进行的基础性的语言、文化、历史、科学知识的传授，个性品质的训练、公民意识的陶冶以及不直接服务于专业教育的人所共需的一些实际能力的培养。通识教育是人文教育的一种形式，其重点在课程的建设，使学生具有丰富的知识结构，打破单一的专业人才培养模式，培养学生开阔的胸襟、宽广的视野与人文气质。就课程开设而言，通识教育就是在大学开设通识课程，使学生从不同的“理解模式”来认识现象、获得知识，使学生的视野开拓，了解与人生相关的知识与原则、方法，由人文科学的文学、哲学、史学、社会学、经济学、政治学与自然科学领域的学习中，建立共识，发展出高层次的学识，掌握与沟通信息，了解他人及社会化的能力。学生经过通识教育，其心灵将会更开放，思维更为广阔，适应能力更强，在变迁剧烈的社会，更具包容才能，从而个人的整个人生更为清新活泼并得以健全发展。

三、通识教育的研究思路

（一）加强学校特色课程与选修课程

大学是培养学生的圣地，毕业生不仅要获得专业的能力、适应社会的综合能力，还要具备创新精神。而这必须靠通识教育来完成。在长期的办学实践中，我校已经形成了“崇德、务实、求是”的办学特色,依据太行山精神，是所有师生员工和睦相处、共同学习的生动写照，是通识教育的源泉。为此，要充分借鉴国内外大学的经验，充分了解社会需求、学生需求，不断完善通识教育课程体系，为学生提供更多的选择余地，同时要加强选课引导，将我校学校特色与选修课相结合，使学生对学校及我校雄厚的历史有一个正确而客观的认识,使他们清楚作为该学校的学生应该具备哪些知识,充分体现课程的引导性作用和特色。

（二）加强通识教育课程的师资队伍建设

一方面我们要鼓励教师尤其是名师积极从事通识教育的教学研究工作，为他们提供必要的工作条件,提高课堂教学的授课质量；一方面要加强开课教师之间的联系与科研合作；此外还要积极改进教育教学方法,注意培养学生的科学思想、人文素质、综合能力；注重培养学生的自学能力；优化课堂教学过程,提倡“启发式”的教学和训练方法；注重现代教育技术手段在教学中的应用,提高课堂教学效果；重视与第二课堂的结合,重视加强各类实践教学环节、各种专业比赛对提高学生素质的作用,并以学分的形式给予肯定,使学生拥有大量的选择余地,真正实现以学生为主体、以学生发展为中心、能力与素质培养为目标的教育思想。

（三）充分重视专家教授的参与，加强通识教育的管理

倡导资深专家教授的参与，使通识教育课程建设与管理步入规范化与专业化的健康轨道。因为通识教育课程体系中,既涉及到社会科学，又涉及到自然科学等各类学科知识的融合,对课程内容、教材内容与结构的适用性、发展性和灵活性提出了更新和更高的要求。而专家教授在这方面拥有深厚的教学功底及学术智慧，他们参与通识教育的讨论到决策的整个过程，会站在全校的高度，站在高等教育的高度，科学的规划，严格的论证，并在实施过程中起模范带头作用。此外，条件许可时还可以成立一个类似于北京大学的“元培计划”、复旦大学的复旦学院等等的专门的机构来统一管理通识教育。

四、结论

依据全国艺术硕士专业学位教育指导委员会审定的参考性培养方案，结合各高校学科建设基础与特色，我们制定详实科学的课程计划，是艺术硕士教学管理工作的一项基本建设。其中涉及教学思路、教学目标、教学过程、教学内容与方法、教学队伍建设与教学管理等方方面面的工作。通识教育能够让学生获得心智的训练和提升；通过了解历史的变迁，通识教育可以引导学生对人生和社会进行充分的反思；而通过了解不同知识的内在统一性和差别性，了解不同学科的智慧境界和思考方式，所以，通识教育能够让学生对客观对象进行更高境界的把握。

【参考文献】

[1]秦赞:高校艺术设计教育现状分析及教学模式探索[D]，河北师范大学，2008.

[2]吴苏芳:我国硕士研究生培养模式研究[D]，江西师范大学，2007.

[3]周频:我国专业学位研究生教育发展对策研究[J]，兰州大学，2008.

艺术硕士范文第7篇

（江苏省文化厅 办公室，江苏 南京 210005）

摘 要： 艺术硕士专业的设立，为社会各界从事艺术生产和创作的中青年艺术家搭建了理想的平台。他们冀希望在艺术院校得到更有针对性系统教育，使自己的艺术素养、审美能力、艺术理解能力、艺术创作水平有一个新的突破。

关键词: 艺术硕士；人文素质；创新

中图分类号：G40文献标识码：A

Several Problems to be Handled in MFA Education

JI Ya-lin

艺术硕士专业学位研究生（MFA）教育，属于高层次艺术人才培养体系，是我国艺术学学位与研究生教育改革的重要内容。这一制度的设立，为解决艺术领域内大量优秀艺术家，获得与其能力及贡献相称的文化身份，架起了一座金色的桥梁。作为文化艺术人才摇篮的艺术院校，利用其人才培养、艺术创作、艺术科研等方面的优势，开展艺术硕士教育，对教学双方来说无疑是极好的机遇。南京大学美术研究院至今已招生三届，共75名美术专业学员入学，其中雕塑、国画、油画专业人员有50多人，此外还有版画、书法、设计等相关专业的美术人员。在这批学员中从事美术教学的高校教师和文化部门专业人员占60%以上。他们有机会进入艺术殿堂接受教育，心中充满喜悦，有着非常明确的学习目的，迫切需要在理论修养、艺术实践、风格培养、艺术创新等方面得到提高和加强，努力使自己的艺术素养、审美和创作能力有一个新的突破,为今后的艺术发展之路注入新活力。

一、艺术硕士教育需要“广博至深”的人文素质

艺术硕士作为新类型的研究生教育，其所教育的对象主要是社会各界从事艺术生产和创作的中青年艺术家。他们有比较扎实的专业技能，实践性和应用性都比较强，需要多方面理论知识来滋养和充实自己。注重人文教育是大学永恒的使命。徐悲鸿先生常说：一个画家，不仅要有坚实的绘画基础，同时必须读万卷书行万里路，将胸襟开阔，以洞察万物，研究事物的奥妙细理，理解客观的规律。这样才能做到尽精刻微地表现对象，达到艺术的极致。为此，艺术院校应当注重把专业理论教育与人文教育紧密结合起来。作为一名合格的艺术硕士，必须具备综合的人文素质，包括良好的思想道德品质；高尚的理想情操；广博的理论知识；精湛的艺术才能；健康的体魄和心理。素质越高，获取和创造新知识的能力越强，抗拒挫折和失败的能力越强。19世纪英国著名教育家纽曼曾认为，受到完备的人文教育会使人“拥有受过教养的心智,精致的品位,正直、公平和冷静的头脑,以及生活行动中的高贵而又有理性的姿态”。我想每个学员都希望通过几年的学习，使自己成为“具有一种经过训练的理智，一种文雅的举止，一种高尚的和谦恭的行为，能够把自身的美好散布到周围四方”。

南京大学美术学院在培养艺术硕士上充分依托其雄厚的师资力量和深厚文学、历史、哲学背景，把人文素质教育纳入整个课程体系之中，重点培养学员的综合素养。学员入学之初，他们就比较系统地向大家介绍学校的历史、学校特色和影响，组织学员参观南京大学历史博物馆。把“诚朴雄伟，励学敦行”的百年传统与南大校训，作为入学第一课，以增强学员的认知度、荣誉感和使命感。利用南大自身的资源优势，邀请相关学科的专业导师、教授进行讲座，拓宽视野，活跃思维和创造能力。主动帮助每个学员办理图书借阅证，引导学员合理安排时间，实施有计划的阅读，使大家在阅读中陶冶情操，提升精神境界。南京大学美术研究院院长吴为山教授认为，就艺术硕士而言，不是进行单一的知识积累和技能培训，而是侧重于培养学员富有想象力和创造力。因为只有受到良好人文教育的人，思想才有超越意识,才有责任感和使命感,才能更好地发挥美术专业为社会主义服务、为人民服务的功能。

二、艺术硕士教育需要“与时俱进”的艺术实践

艺术硕士凭借多年专业岗位的炼就和成熟，他们对艺术实践的认识和理解有一定的深度，但更需要一种与时俱进的实践能力，一种在理论积累、心胸开阔、眼界拓宽后的实际运用。他们渴望借助艺术院校的平台，进一步提高自身的专业素质和技能，渴望在艺术实践中通过智慧的双手，把握和驾驭艺术之舟，创作出无愧于时代和民族的优秀作品，为社会主义文化的大繁荣大发展作出贡献。

毫无疑问，这对艺术院校本身提出了更高的要求，特别是如何在课程设置和教学方法上突出“实践性”。德国包豪斯艺术设计学校创建初期，教学上采用“双轨制教学”，即每一门课程都由一位“造型教师”和一位“技术教师”共同教授，使学生共同接受艺术与技术的双重影响。如今在高校系统出现的“理论教学”和“工作室教学”相结合的教学模式，应当说很有现实意义。南京大学美术学院在培养艺术硕士实践能力上，注重理论与实践相结合，突出艺术硕士教育的实践性，有效地将传统意义的讲授课堂，由平面的教学形式改造成立体化，打破以艺术表现的单一教学模式。一是在课程设置上紧扣专业特点，强调应用性和广泛性，合理规划核心课程、方向必修课程和选修课程。二是在教学方法上采取课堂讲授与集体训练、艺术实践等相结合的方式，把书画理论与实践融合在一起，做到有的放矢，深入浅出。授课教师不仅有校内高水平的艺术家和学术理论专家，也有在实践上有丰富经验的各艺术门类的领军人物。三是在师生关系上注重协调统一，老师个人工作室随时向学员们开放，使艺术教育更加完善、和谐和有效。学院着眼于培养高层次应用型人才的目标，千方百计地让学员们接触最新的艺术动态，把学习到的具有应用价值的新鲜技能，吸收到创作实践中。积极鼓励学员除了集中学习之外，利用工作岗位之需或节假日参与社会实践，教学成果比较显著。就读于南京大学美术研究院的艺术硕士杨振庭，出生于上世纪50年代，早已在美术教育界有了一定的名声，并且在徐州师范大学美术学院担任副院长、硕士生导师。用他的话说，“很珍惜这样一个好的学习、交流和实践的机会，不仅提高了绘画技巧，绘画理念和情感也上了一个台阶”。

三、艺术硕士教育需要“张扬个性”的风格培养

个性是艺术作品的生命，没有个性的艺术品是没有感染力的。所以，追求作品的创造性成为每个艺术家梦寐以求的目标。当前是一个开放的世界，文化的多元化极大地丰富了学员的视角。要想在艺术殿堂成长进步，学员就必须在学习老师、名家、大师的同时,又能凸显自己的个性。法国巴黎国立高等美术学院院长亨利•克劳德•古索认为，学校应该培养各种年轻艺术家，教授他们国际范围的艺术内容，让他们用自己的语言解读这些文化。最终，在共性文化圈下，年轻艺术家能更清晰地认识本土传统文化，拥有独特的文化个性。

优秀的艺术家不但能够全面地掌握绘画技术，而且在其艺术表现中有着十分鲜明独特的艺术风格。这种创作风格，往往统一于艺术作品的内容与形式、思想与艺术之中，是艺术家走向成熟的重要标志，也是衡量艺术作品在艺术上的成败、优劣的重要标准和尺度。有专家认为，在绘画艺术领域里成为一个一流的画匠很容易，成为一个真正的画家就不那么简单了。若称之为大师仅有独特的艺术风格还不够，同时还要建立起独立的艺术体系与艺术理论，这就需要画家在此基础上，还要具备深厚的文、史、哲等其他学科的知识，才有可能登上大师的台阶。现代著名中国画大师陆俨少以书法线条入画，傅抱石的散笔皴法，李可染的大胆泼墨等等，都具有鲜明的艺术个性。因此，如何才能将艺术硕士教育更好地定位于高层次的人才，必须善于发现和把握他们的个人风格特点或形成其个性特点的倾向，做到因势利导，在未来的艺术作品中创造自己的艺术语言，形成自己的艺术风格。

艺术个性是创新的起点，教学时应当尊重学员的个性，贯彻个性化教育。南京大学美术研究院针对学员来自工作一线，有一定资历和阅历的特点，在集中辅导的同时，还根据各个人不同专业、不同业绩、不同特点加以个别指导。每次集中授课都要求学员带来自己的习作，并适时进行点评，甚至启发大家共同讨论，允许各抒己见，帮助分析优势和不足，以促进其个人特色和风格的形成。

四、艺术硕士教育需要“超越自我”的创新能力

创新是所有艺术院校承担的历史责任。艺术院校要把增强自主创新能力作为艺术硕士教育的核心与源泉；把崇尚学术、勤于实践，大胆质疑、敢于批判，突出个性、勇于求新，作为新时期艺术家追求的目标。当然，最有意义的也是最难做到的是艺术家的清明意识，尤其是对自我局限性的超越。如何才能超越自我，唯一的出路在于创新。

营造创新环境。良好的创新氛围对人的精神、气质、心理、行为有着启迪和影响作用。艺术的繁荣需要文明和谐的社会条件，需要没有人为的限制和禁忌，需要各种创新思维的艺术实践能够得到包容和尊重。因此，艺术院校要努力营造一个积极向上、自由活跃、平等交流、和谐奋进、相互学习、相互激励的人文环境，引导学员坚持主流文化价值的认同、追求真善美，正确对待当前美术界出现的思想迷惘、人心浮躁、热衷炒作的现象。

培养创新思维。创新思维是人类最高层次的思维，是构成创造力的核心内容。培养和激发学员的创新能力，必须要有牢固的创新意识，这是培养服务于社会的高素质艺术人才的先决条件。“其命唯新”是傅抱石先生的毕生追求。他不仅探索形式上的“新”，而且注意表现内容上的“新”,许多反映新生活、新建设的画幅，在他笔下清新隽永，寓于时代感。当然提倡创新绝不是丢失传统，只有立足于对传统文化传承和保护基础上的创新，才具有生命力和影响力。日本东京艺术大学副校长田渊敏男说：“现在艺术界都在朝创新发展，但不保留传统怎能走向创新？就如日本的动漫，虽然世界闻名，但这些优秀的动漫作品都是传统下的产物，在这些动漫作品背后都能发现日本‘江户时代’传统的影子。”艺术需要兼收并蓄，需要面向国际，但必须有民族性和本土化特征。

探索创新方法。没有创新观念和意识，没有科学的训练方法，其创造潜力难以被充分挖掘。因此，创新必须从教学方法改革入手，将以知识灌输为主的教学方法转变为启发式、讨论式、互动式、研究式等教学方法，以启迪学生的创新思维。创新能力需要在实践中磨砺，在创作中提高。南京大学美术学院适时组织学员到大自然中去、到火热的社会生活中去进行写生创作，师生一起共同参与、共同学习、共同讨论，使学习的形式更加生动活泼、更有新鲜感、更能激发创新的智慧。

艺术硕士范文第8篇

关键词 艺术硕士 专业学位教育 质量监督 管理体制

中图分类号：G642 文献标识码：A

Analysis of Master of Arts （MFA） Professional Degree Education

HUANG Qin

（Graduate Student Teaching Management office Wuhan University，

Department of arts， Wuhan， Hubei， 430072）

Abstract Arts master's professional degree education is a form of professional degree graduate education， it is different from traditional teaching methods lay particular stress on theory teaching graduate student education of academic research， but relative to the academic graduate degree type. At present our country graduate degree in art education training management of biased perception of inadequate development conditions of teaching management is not perfect quality supervision system and evaluation mechanism of teachers to enrich the practical problems such as proposed in this paper， we should change teaching idea foundation condition specification teaching management process to strengthen the construction of teaching staff and so on.

Key words master of arts； professional degree education； quality supervision； management system

艺术类硕士专业学位教育是专业学位研究生教育的一种形式，它不同于传统教学方式上偏重理论传授、学术研究的硕士研究生教育，而是相对于学术性研究生学位而言的学位类型。与公共管理类（MPA）、工商管理类（MBA）、法律硕士（JM）、会计硕士（MPAcc）等研究生专业学位的办学宗旨一样，艺术类专业研究生学位教育的开设目的旨在培养具有扎实艺术理论基础和高水平创作技能，能够适应特定行业或职业实际工作需要的高层次、应用型专门人才。在我国高等教育大众化、普及化步伐不断加快的新形势下，为了适应目前高等教育需求不断增加、教育规模迅速增长、学科发展不断拓新、学位类型不断丰富、专业硕士研究生教育不断深入改革的新局面，满足社会各界对艺术领域高层次、应用型的高素质专门艺术人才的迫切需要，国务院学位委员会于2005年通过并批准设置艺术硕士专业学位（MFA）。经过近几年的发展，艺术硕士专业学位教育在招生规模和数量上都得到了长足发展，但与此同时，在艺术硕士专业学位教育培养过程中也出现了不少问题，因此，本文以艺术硕士专业学位教育发展实际为例，反思、分析了目前我国艺术类专业研究生学位教育培养管理中存在的实际情况，以期找出问题，更好地促进我国艺术类专业研究生学位教育的未来发展。

2005年3月，国务院学位委员会下发《关于下达〈艺术硕士专业学位设置方案〉的通知〉（[2005]9号）并颁布了《艺术硕士专业学位设置方案》的相关说明。2005年5月，首批32所研究生单位获批开展艺术硕士专业学位教育试点工作。2005年7月，为加强对艺术硕士专业学位教育的指导，首届全国艺术硕士专业学位教育指导委员会在北京正式成立。经过近几年平稳、快速地发展，目前，全国开展艺术硕士研究生学位教育的教学单位已经达到102所。从目前我国艺术硕士专业学位教育的发展现状来看，目前已经初步形成了初步规模。但是近年来，随着艺术硕士专业学位教育培养规模的不断扩大，艺术硕士专业学位教育在取得值得肯定的成绩同时，也出现了一些日益突出的问题，深入分析这些问题存在的原因，抓住解决问题的本质，是推动我国艺术硕士专业学位教育健康快速发展的前提。

1 我国艺术硕士专业学位教育发展中存在的问题

1.1 认识上存在偏颇

对艺术硕士专业学位教育的认识存在偏颇严重制约了我国艺术硕士专业学位教育的发展规模与速度。从目前我国艺术硕士专业学位教育发展的现实情况来看，无论是开设艺术硕士专业学位教育试点的学校规模，还是从艺术硕士专业学位招生数量等方面来看，艺术硕士专业学位教育的发展都没有得到应有的重视，其在专业学位教育及艺术类研究生教育中的地位也显得分量不够。

本文认为，专业学位教育在艺术类高等教育领域的重视程度不够，整个社会对发展艺术硕士专业学位教育的必要性与重要性的普遍认识不足是制约艺术硕士专业学位教育发展的重要原因之一。目前，MBA、MPA、Mpacc、JM等专业硕士学位教育名称在大众范围内已经耳熟能详，具有较高的知名度，但是艺术硕士专业学位教育（MFA）在社会上的享誉度却显然不足。除了知名度不够以外，很多人还对艺术硕士专业学位教育的本质理解上存在偏见与谬误，认为艺术硕士专业学位教育不如学术型艺术类硕士研究生教育“含金量”高，重“学历”、轻“能力”的教育观念始终影响着艺术硕士专业学位教育的发展，不能很好地适应社会主义建设对高层次应用型艺术人才的需求。

1.2 基础条件有待进一步提高

我国专业学位的整体发展历史较短，最早设置的工商管理硕士（MBA）始于1990年，后经论证批准了建筑学硕士、法律硕士、教育硕士、临床医学、农业推广、公共管理硕士等一系列专业学位，与这些专业学位相比，艺术类硕士（MFA）于2005年才获批，设置的历史较短，在培养过程中呈现出明显的基础条件不完善特点。

艺术类硕士专业学位教育基础条件不足主要表现在以下几个方面：

一是艺术类硕士专业学位教育使用教材质量亟待进一步提高。就目前国内各培养单位所使用教材来看，教师们受掌握资料所限，编写时间仓促、经验欠缺等原因，不少教材虽然大量借鉴了国外艺术类硕士的教材与案例分析，但是明显带有“拿来主义”倾向，没有很好地结合中国实际；有些教材则是在国内原有艺术教育相关教材基础上做的一些修补，内容重复、资料陈旧的问题突出。

二是艺术类硕士专业学位教育教学案例库的建设亟待进一步完善。结合专业学位教育的培养目标、培养模式、课程设置及办学模式的要求，案例教学方式的启发性、实践性与开放性等诸多优点更加适合专业学位教育的要求，从国外知名学府专业学位教育的实践情况来看，案例教学也在他们的课堂教学中得到了广泛的应用，诸如哈佛商学院、肯尼迪政府学院等都有自己的教学案例库。目前，我国艺术类硕士专业学位教育处于起步阶段，案例教学在教育培养环节的缺乏在所难免，未来应该结合我国当前全面推行中国特色社会主义文化建设的时代背景，不断创作出贴合时代要求，具有典型代表意义的案例，丰富艺术类硕士专业学位教育教学案例库建设。

1.3 教学管理有待进一步规范

从目前国内艺术类硕士专业学位教育的教学管理过程来看，入学、课堂、毕业等多个教学环节存在疏漏，亟待进一步规范化管理。从入学的招生形式来看，应试现象较为突出，不少艺术类硕士专业学位考试的目的存在盲目性，个别考生以获得硕士学位为努力目标，往往为考研而考试，而并非出于对艺术事业的追求。而在录取过程中，不少招生单位以初试成绩为主要标准，复试成为一种形式，一些初试成绩不佳，但极具艺术天赋、发展潜力的优秀人才往往被“拒之门外”。在教学环节，受师资力量、学科基础、办学条件所限制，一些培养单位的课程设置未能根据艺术类硕士专业学位教育管理的目标与培养方向来确定，所开设课程的应用性、实践性不强。

1.4 质量监督体系与评价机制有待进一步完善

就目前国内艺术类硕士专业学位教育的质量监督与评价机制而言，与其他学科的专业学位教育评价体系基本相同，主要由国务院学位委员会通过委托教育部学位与研究生发展中心进行评估。但是，由于艺术类硕士专业学位制度才刚刚建立，各个办学机构的发展时间普遍较短，所以，近年来新成立的全国艺术硕士专业学位教育指导委员会只对少数院校的专业学位教育情况进行了抽查评估，相关部门对艺术类硕士专业学位教育的整体评估检查工作开展相对较少，因此导致部分艺术类硕士专业学位教育培养单位质量观念和危机意识不强，考核工作流于形式，教学质量不能严格把关。质量监督与评价机制是硕士专业学位教育健康发展的基本保障，今后必须尽快严格完善艺术类硕士专业学位教育的质量监督体系与评价机制，以此来保障艺术类硕士专业学位教育的正确发展方向。

1.5 师资队伍有待进一步充实

专业学位教育的特殊性对指导教师的品德思想、治学水平、科研能力、创新水平都有着较高要求，“人才资源是第一资源”的人才建设理念应该是专业学位教育发展的重要指导理念。但是，由于近年来艺术类专业学位研究生招生人数的不断扩大，现有指导教师数量远远不能适应这种快速增加的局势，在某些院校，一个导师带十几个甚至几十个研究生的不合理现象普遍存在，专业学位教育的教学质量难以保障。而且，不少授课老师为传统的理论科研型教师，虽然具有扎实的理论功底和丰富的课堂经验，但知识结构的陈旧、与社会艺术市场的距离，使教学内容不能很好地反映出社会艺术实践的发展情况，失去了本应有的教学价值。此外，还存在着学科带头人和学术骨干总体数量和梯队建设不足，难以适应艺术硕士专业学位教育体系发展的实际需要。

2 推动我国艺术硕士专业学位教育发展的措施建议

艺术硕士专业学位教育属于高层次人才队伍建设内容，其教育质量水平的高低直接关系到我国艺术类高层次人才的培养质量与输出规模，其面向应用型培养目标的确立决定了目前在我国加快发展艺术硕士专业学位教育的重要性与必要性。因此，我们亟待在借鉴国外专业学位教育，特别是艺术类专业学位教育的管理、培养经验的基础上，制定出适合中国国情的艺术类专业学位教育管理的发展战略与应对措施。

2.1 转变教学观念、端正思想认识

教育实践学证明，没有创新的教育理念，就没有良好的教学质量，仅仅通过传授教学知识内容的传统教育模式注定是低效率的。国外专业学位教育的发展实践也告诉我们，没有树立正确的教育理念，专业学位教育的推广可能带来盲从、“重数量轻质量”的结果。因此，教学观念的转变是艺术硕士专业学位教育改革的先导。教学观念是教师对教学与科研活动中存在基本内在规律的认识的集中体现，对教师的教学活动起着重要的指导作用。我们要从根本观念上树立对艺术硕士专业学位教育的正确教学理念，克服传统观念中的偏颇认识，摒弃传统研究生教育模式中学术型研究生培养类型占据绝对优势地位的陈旧观念，要从社会发展对高层次应用型艺术类人才迫切需求的客观实际出发，适应高等教育大众化的时代要求，培养出艺术类各行业所需的应用型高层次专门艺术人才。

当然，这包括转变设置艺术硕士专业学位教育培养单位教学管理部门的观念、开展艺术硕士专业学位教育一线岗位上的教师的教育理念，以及用人单位对艺术硕士专业学位教育研究生人才性质的认识。

2.2 夯实基础条件

由于艺术类专业的特殊性，艺术类专业学位教育所使用的教材可以根据各个学校专业特长的优势，在教育部统一规范一般理论指导用书的同时，由各个学校自己组织编写适合自己的专业教材。相关管理部门要规定各学校所编教材要突出艺术类学科的国内外最新发展态势以及最新研究成果，以满足艺术类工作者的现实需要。对于教学案例库的建设，可以参考借鉴国外艺术类专业学位教育教学案例进行拓展、修改和完善，同时，更加注重对现实问题案例的搜集和整理工作，根据我国文化艺术事业发展过程中出现的现实问题进行搜集和整理，把有现实针对性的案例应用于课堂教学，提高艺术类硕士专业学位教育理论与实际相结合的水平和质量。

2.3 规范教学管理过程

专业学位教学过程管理是指教学管理者依据教学管理目标，按照专业学位教育的特点和教学活动的基本规律，在教学原则的指导下，对教学工作进行计划、组织、管理、和监督的过程。只有在坚持艺术类硕士专业学位培养目标的前提下，严格规范教学管理过程，重视教学质量监管与教学评估工作，才能更好地实现艺术类硕士专业学位的教学目标。规范的教学管理过程直接影响着教学水平与教学质量的提高，针对艺术类硕士专业学位教育的自身特点，该专业教学管理过程的重点环节应该是规范课堂教学管理，其中包括对指导教师职责的明确规定、对教学方法与手段的具体要求、教学行政档案与教学成果档案的完整保存等内容，要结合艺术类专业的学科特点，在课堂教学管理中注重发挥教师的主导作用和学生的主体作用，坚持与时俱进，不断创新改革教学课堂管理方法。同时，还要特别重视教学计划和教学大纲的规范制定，并结合社会发展实践对实践性教学内容及时更新，并根据各个学校的实际情况，尽快建立规范、科学的艺术类硕士专业学位教育教学评估督导机制。

2.4 加强师资队伍建设

优秀的教师队伍是强化培养管理水平的基本保障，我们可以借鉴国外知名大学对艺术类专业学位教育教师队伍的管理办法来加强师资队伍的建设。比如，借鉴美国高校在招聘艺术类硕士专业学位教育教师时采用的竞争性聘用制度，在遵守严格的评聘程序和规范的同时，注重各个环节的公开化和民主性，重视社会同行专家对教师职位应聘候选人的客观评价，以使招聘过程中的不规范和不公正现象减少到最低限度。同时，还可以借鉴德国等国艺术类专业学位教育中采用的校内外“双导师”制度，打破单一的师资结构，选用具有丰富理论知识与指导经验的校内教师的同时，再聘请具有丰富实践经验的艺术类实践工作者一起参与专业学位研究生的培养工作，以形成一支既有较高学术水平、又有丰富职业背景、较强实践经验的导师队伍，充实艺术类硕士专业学位发展的师资队伍建设。

3 结语

设置艺术类硕士专业学位教育是我国社会主义文化事业繁荣和发展的现实需要，是艺术学学位与研究生教育改革和发展的客观需要。我国的艺术硕士专业学位教育从无到有，一步步走来，为中国文化艺术发展做出了重要的贡献，今后在转变教学观念、端正思想认识，夯实基础条件，规范教学管理过程，加强师资队伍建设的基础上，定能让艺术类硕士专业学位教育更好、更快、更稳地发展，为我国培养大批高层次、应用型的艺术类专门人才。

参考文献

[1] 韩明勇.高校“艺术硕士专业学位教育”探索与实践[J].教育教学论坛，2010（9）.

[2] 薛天祥.研究生教育管理学[M].广西师范大学出版社，2004.

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[4] 周星.关于艺术硕士培养问题的思考[J].研究生与学位教育，2007（6）.

[5] 周星.艺术硕士专业学位（MFA）——中国艺术教育高层次专业实践人才培养的新途径[J].艺术教育，2007（10）.

艺术硕士范文第9篇

【关键词】钢琴艺术 硕士培养 讲座音乐会 教学模式

【中图分类号】 G 【文献标识码】A

【文章编号】0450-9889（2014）01C-0171-03

钢琴艺术硕士的培养目标是具有钢琴演奏的系统专业知识和高水平创作技能的高层次、应用型艺术专门人才。技术操作与实践必须重视理论的指导，理论不足、实践缺乏是目前教学中遇到的常见问题，只有进行教学模式改革才能真正达到教学目标。教学模式改革，是在相同教学资源的前提下，结合新时期的教学目的，以模式革新的方式，在教学内容和教学方式上对传统教学资源进行有机分解、重组、叠加，提升教学质量与效率，培养出适应时展的创新型人才。

“讲座音乐会”既是成果汇报会，也是钢琴艺术硕士教学模式改革的一次探索，它将“学术讲座”与“钢琴演奏音乐会”两种形式结合起来，即在舞台上把对作品的研究通过演讲的方式向观众讲解，再结合音乐表演的方式展示作品的复合形式。因此建立在“讲座音乐会”之上的教学模式的建构，就是通过对相关理论与钢琴演奏等学科的有机整合，运用音乐史学理念、音乐音响暗示性的抽象概念、美术具象画面、钢琴演奏实践指导理论等学科间的相互渗透、联系、结合，更科学地提升钢琴学科的发展。因此，本文试以广西艺术学院莫扎特作品钢琴艺术硕士讲座音乐会为例，对钢琴艺术硕士“讲座音乐会”教学模式进行研究。

一、“讲座音乐会”的立体呈现

2013年6月6日晚，莫扎特作品钢琴艺术硕士讲座音乐会在广西艺术学院音乐厅成功举办，这既是一场成果汇报会，也是一次大胆的教学实践探索。学生在讲座音乐会共同展示了莫扎特的作品，从整个音乐会的筹备到现场演出，收获颇大；台下观众皆反映本次音乐会形式新颖，是一次从形式到内容上的视觉盛宴。本次莫扎特作品钢琴艺术硕士讲座音乐会的主角是2011级、2012级的5位钢琴艺术硕士研究生，他们不仅以团队的形式，共同研究莫扎特音乐作品，还针对各自不同体裁和作品表现样式，分别与7位双排键、声乐、弦乐等相关专业研究生合作。经过5个月的策划、准备、训练，最终以立体形象的方式将莫扎特的代表作品搬上舞台。在内容上，涉猎领域丰富，体裁多样化。包括经典歌剧选段、钢琴三重奏、双钢琴演奏、协奏曲，变奏曲、幻想曲等，囊括莫扎特最具代表性的作品，展示出莫扎特对不同体裁、风格音乐的轻松自如掌控的创作才华。在形式上，用语言文字解析、相应画面诠释、作品表演呈现，立体地展示了莫扎特作品的音乐风格与内涵，展示学生的研究成果。以下是对讲座音乐会主要组成部分的逐一介绍：

（一）讲解部分

讲座音乐会的特色在于“讲座”部分，它是研究生对钢琴相关知识掌握与运用能力展示与实践的平台。

1.在整场音乐会的开场之时对整场音乐会进行概括介绍，包括节目构思、音乐作品类型、演出人员、演出目的等，对莫扎特的总体创作特点进行深入浅出的简短阐释，对了解“讲座”的意义和莫扎特其人、其作品有一个整体上的把握和理解。

2.在表演每一个作品之前，钢琴演奏者都分别从钢琴在作品中的角度、作用，对作品的创作内容和表演形式进行讲解，内容涉及作品创作年代、创作背景、作者心理活动、乐曲地位、教学重难点、作品本体分析、弹奏技巧等，弥补了以往对乐曲介绍的空白，不仅展示了演奏者对作品的研究成果，还具有引领观众的理解作品的教育和提示功能。

（二）画面部分

在舞台的左侧采用屏幕投影展示PPT图片，目的是展示作品的研究成果，体现研究生的学术研究能力，同时给音乐会的音响听觉以视觉补充、联想拓展。具体方法包括：第一，作曲家的照片拉近间距。如在音乐会的概括讲解之时配合莫扎特不同时期的个人照片，提升了观众对作曲家的感性认知。第二，图片背景诠释作品基调。如c小调幻想曲K475的图片背景为繁星蓝色夜空，直接带来浮想联翩的浪漫色彩。第三，文字展示讲解作品的标题内容，增加理解作品的框架概念。第四，曲式结构图和主题谱例，使演奏的音响与乐谱符号相互对应诠释。第五，对应画面给音乐音响的抽象性与画面的具象性联觉。观众从视觉到听觉对作品有指向性的了解。如“歌剧”协奏曲《莫扎特A大调钢琴协奏曲》（K.488），配上欧洲歌剧舞台的油画，画面宽敞的空间感指向作品旋律声音的通畅明亮，气息绵长；画面鲜活的人物塑造与暖色的色彩指向作品情绪的热烈，表现了莫扎特以音乐去赞美人性，追求光明和幸福的音乐内涵。

（三）演奏部分

演奏部分是钢琴艺术硕士展示专业教学成果的主要手段。与以往多为独奏单一形式的钢琴音乐会有很大差异，本次音乐会增加了钢琴合作的多样性，尽可能的涉及莫扎特创作的各个领域，不同形式的作品展现使音乐会更具魅力，增添听众的新鲜感。从独奏到双钢琴演奏、钢琴协奏、钢琴三重奏，展示钢琴从单一乐器独舞到共舞、与担任乐队角色的两台双排键电子琴的竞奏、与小提琴、大提琴不同乐器间的相互共欢；从器乐合作到与歌剧演唱合作，展示纯乐器音响合作的特色到引领、陪衬、配合歌唱演员在舞台从表情、声音到动作的全情演出。不仅体现了钢琴艺术硕士的钢琴不同角色的应用技能，还能多角度的展示莫扎特作品的艺术魅力。

综上所述，从讲解、画面、演奏等三个部分，观众能够从听觉到视觉形成联觉享受，从感性到理性得到全方位的感知，三部分穿插并进，相互补充，共同诠释，形成立体多彩的音乐会形态。

二、“讲座音乐会”新型教学模式的架构

讲座音乐会是教学、演奏、成果汇报的一个平台，它从琴房个别教学延伸到音乐厅，完善了钢琴教学模式，体现出综合性与新颖的特质。正所谓“台上一分钟，台下十年功”，历经近半年时间筹备的音乐会在短短1个多小时进行完毕，它要求展现学生对于西方钢琴文化知识架构、审美能力、钢琴演奏的技能、语言表达能力、相关学科整合能力等综合素质，全过程需要学生厚积薄发，需要教师与学生进行良好的互动沟通，更需要与之相配套的、完备的、可操作的新型教学模式。这样的新型教学模式，能够打破传统教学模式学科相对孤立、能动性不足的缺陷，将理论学习、审美赏析、实践操作三方面结合在一起，不拘泥于只能接受自己导师的“专业门第”观念，创新了教学形式和手段，目的是提高学生钢琴技能的应用能力与音乐综合素质。

现将包括讲座音乐会在内的新型教学模式总结如下：

（一）理论学习

讲座音乐会要求进行教案的编写，要求学生研究作品要“知其然，知其所以然”，促使学生主动研究钢琴文献、与钢琴艺术形成和发展密切关联的历史、社会文化背景资料，作曲家及风格、作品的介绍和分析资料，如文学作品、美术作品资料，以及钢琴教育理论、钢琴教学法等学科知识。讲座音乐会还要求对同一作品进行三位钢琴演奏家演奏版本的研究对比，学生通过研究钢琴演奏家的录音录像介绍与赏析资料，将各种乐谱版本资料进行有机整合，才能构建客观准确的音响，科学合理的操作技能去演绎作品。如此主动的理论学习，不仅内容丰富，信息含量大，也更直观形象，学生会不断扩展自己的知识点，完善知识结构。

（二）审美赏析

审美赏析能力培养的主要是视听能力、联觉能力、立体思维观等三方面。

1.视听能力，即在钢琴演奏学习过程中对演奏操作技术的协调性认知与演绎作品音响听觉的灵敏度，通过观摩名家的演奏视频和接触、储存不同器乐的音色与演奏特色，加上教师在感官上的视听引导，形成条件反射般的视听审美能力。

2.联觉能力，是各感官之间形成的相互沟通的心理现象，在课堂和讲座音乐会的准备中，利用现代多媒体音响与画面课件设计手段与讲授法、示范法，强调使用同时期美术绘画作品的重要性，将听觉艺术与视觉艺术的语言特点相对应、相比较，并结合当时历史背景，在学生心中形成音乐艺术与其他艺术互通的整体感官体验，因此也对西方钢琴音乐文化有更深层次的体悟，在拓展艺术视野的同时，提高审美能力和赏析能力。

3.立体思维观，即将艺术看成是一个多层次、多角度的整体，钢琴音乐只是其中一部分，音乐教育的目的就是通过某一个视角对艺术整体进行研究，教师通过言传身教与教学方式的立体化、多样化，培养学生逐步形成开放式的、立体式的思维观，使学生突破传统钢琴学习过程以及自身弹奏水平所带来的限制，为其研究方向寻找切入点。

（三）实践操作

钢琴艺术硕士的培养，演奏技能的掌握程度成为衡量教学的重要指标。演奏技能的掌握必须经过大量的技术、技巧、作品的连贯完整的练习，这个学科特点对于长期从事钢琴专业学习的学生来讲早已认可适应，但在研究生阶段，通过研究钢琴的演奏、教学、作品内涵等相关理论，进行实践操作练习的教学模式确是需要调整适应的。在实践操作过程中，把乐曲的色彩、性格、情境等内心的感受形成具体的形象，在脑海中反复勾勒描绘；对乐谱进行研读、分析，探索适当的演奏窍门，在实践操作练习中不断听辨、调整、修正，再听辨……而提升自己的音乐赏析能力。这种提升音乐赏析能力的实践操作一定是事倍功半的。

（四）讲座音乐会

讲座音乐会的筹备过程是非常重要的学习和实践的过程，往往经历以下几个阶段：

一是教案与讲稿写作，包括从教学内容、教学重难点、教学过程对此曲的风格特点、曲式结构进行总结归纳，学生在大量地阅读有关莫扎特书籍和论文的基础上，扩展了古典时期音乐艺术知识背景，形成的教案和讲稿也经过反复琢磨和修改，经导师的指导并和其他同学进行讨论，有助于培养研究生钢琴教学能力。

二是演奏练习与配合训练过程，涉及2人或2人以上需要相互配合的双钢琴、钢琴三重演奏、协奏、歌剧演唱等内容时，不停地磨合沟通与同步训练，不断调整演奏方式，弥补缺陷，培养研究生钢琴协作能力。

三是由于演奏作品有不同专业的合作，可经过多位导师的指导，拓展了学生的认知领域，突破导师个人的专业学科知识的局限，例如C大调钢琴三重奏Kv548，钢琴与小提琴、大提琴的配合作品，在大提琴导师的指导下，钢琴的旋律演奏方面得到弦乐横向拉弦奏法的提示，提升了对室内乐认知。

四是练习与演出场地的变换训练学生的听辨能力与调整键盘控制能力。小琴房、排演教室、音乐厅等不同的场地，空间感与声学要求也不同，都要求学生具备敏锐的听觉，及时研究调整弹奏方式，把声音传递出去。

五是后台布置与准备，培养研究生组织钢琴演出活动能力。在演出之前需有调理地将舞台场地、乐器器材、电子设备、演出服装、背景幕布、PPT教案、邀请函、座位排序等一堆零碎繁杂的准备活动筹备妥当。

六是在音乐会后的总结。学生从自己的角度进行演奏与教学实践的文字总结汇报，在与导师、同学间交流中，不断提升综合素质与钢琴应用能力。

三、“讲座音乐会”教学模式的优势与难点

讲座音乐会教学模式突破了传统教学的局限，经实践证明，具有明显的教学效果，能够全方位地提高学生的综合审美能力和实际操作能力，优势即难点，因此同时也较大地考验教师的知识背景和讲授能力，在可复制性上还需要注意理论联系的尺度把握，关注教学的难点并有针对性地进行突破。（下转第176页）

（上接第172页）

其一，从学科整合来看：理论与实践结合，多维度地了解作品的内涵及演奏方式。传统教学往往给学生的印象是：钢琴作为技术学科以练习为本，容易出现理论学科与技术实践学科学习分离的现象。讲座音乐会的教学模式打破理论与实践的藩篱，在讲座音乐会汇报中通过演奏者对知识背景的讲解分析和实际弹奏的立体呈现，将理论和实际有机结合，活学活用，避免了死读书现象，能全面而系统地深入音乐艺术研究，加强了学术能力。

学科整合的难点在于教师必须具备对相关学科知识的整体把握，勇于创新，与相关导师合作，合理设置课程，保持与学生高频率的沟通。

其二，从提高学生专业素质来看：钢琴教学能力与钢琴演奏能力共同培养，赢得应用型人才的优势。钢琴艺术硕士毕业后主要流向学校，培养教师队伍人才，钢琴讲授教学能力便作为教师专业素质之一，讲座音乐会要求学生对曲式内容进行讲解，能够强化学生的讲授能力。从教案编写、弹奏练习、协调配合、后台准备、总结经验等步骤，学生的主动性和实际操作能力得到增强，更能胜任教师、演奏者、学术研究者等多种职业角色

讲座音乐会要求导师和学生投入大量精力，且必须具备非常严谨的治学态度和拼搏精神。难点在于：第一，在整台节目的选择上，要保持选曲的整体性，从莫扎特众多作品中抽选既有代表性的作品，又要适合每个学生的演奏能力与演奏特点，需要细致的准备工作。第二，学生除研究自己的作品外，还需研究莫扎特的总体风格，了解其他同学演奏的作品，这样才能增强音乐会的整体效果。

其三，从提高学生综合能力来看：提升了审美素质和心理素质，加强了学生团队协作能力。学生在整合书面、口头、画面、弹奏的各种审美表达过程中不断悉心揣摩，仔细感受和体会作品中所传递的情感信息，提升了审美素质；音乐会上要求达到轻松自如的舞台效果，就需要在平时训练中不断强化舞台练习，锻炼台前讲解的胆量，特别是演奏中维持内心平静与兼顾表演情绪的传达，提高了舞台心理素质；钢琴如何与不同乐器合作？对钢琴不同角色的把握？与合作者如何形成默契配合？这不仅掌握了钢琴的专业应用能力，也训练提升了团队协作能力。

总之，钢琴艺术硕士的培养目标是综合性音乐人才，讲座音乐会的教学模式使教学体系更加立体、系统，更适合新一代钢琴艺术人才的培养需求，其具有的可复制性，可以延伸到音乐专业的其他学科，具有较高的实践价值。

【基金项目】广西教育厅学位与研究生教育改革和发展专项课题研究

【作者简介】李 俊（1968-），女，广西艺术学院钢琴副教授。

艺术硕士范文第10篇

[关键词]研究生教育 艺术设计 教育改良

[作者简介]刘宝成（1975- ），男，河北唐山人，河北联合大学艺术学院，副教授，硕士，研究方向为视觉传达设计；关立雪（1987- ），女，河北承德人，河北联合大学艺术学院在读硕士，研究方向为视觉传达设计。（河北 唐山 063009）

[基金项目]本文系2012年度河北联合大学研究生教育教学改革项目“我校设计艺术学研究生培养质量保障体系研究”的最终研究成果。（项目编号：Z1204）

[中图分类号]G642 [文献标识码]A [文章编号]1004-3985（2013）32-0127-02

一、我国的艺术设计专业教育

现代设计教育起源于19世纪德国的包豪斯学院。我国虽很早接触到现代设计，但新中国成立前由于战乱，几乎处于停滞状态。改革开放后，随着市场经济的发展，设计行业发展飞速。我国的艺术设计专业教育也进入了一个蓬勃发展的新纪元。20世纪70年代末，中国恢复研究生教育。80年代，由美院开始，我国高校开始以工艺美术学科的形式招收艺术设计类专业硕士研究生。但与西方发达国家相比，我国的艺术设计教育起步较晚，教学内容上也是效仿其基础课程。国内各院校没有统一、完善的教学体系，教育水平差距较大。设计艺术学是一门充满活力和时代感的学科，其各个专业方向几乎涵盖了人类生活中所有的基本要素。在文明世界中，艺术设计学已经存在于我们生活中的衣、食、住、行各个方面。为了满足社会经济与文化发展的需要，我国各高校大都设立了艺术设计类专业。尤其是近年来，我国的艺术设计教育空前发展。随着本科教育向大众化、普及化方向发展，研究生教育承担了培养专业精英人才的重任，而我国的设计艺术学专业硕士研究生教育还处于起步阶段，处于在摸索中前进的朦胧状态。

二、设计艺术学研究生教育存在的问题

（一）课程安排问题

目前艺术设计学专业的硕士研究生课程大部分是在重复本科专业课程。例如研究生阶段的图形设计研究、广告设计研究这类课程实际上仅仅是在本科的图形设计、广告设计课程后面加上“研究”二字，授课内容与本科几乎没有差异。出现此类情况主要有两方面的原因：一方面是生源问题，部分研究生存在着本科和研究生专业不对口的情况。例如环境艺术设计的本科毕业生考取了视觉传达专业的研究生，这类学生在本科期间没有接受过视觉传达专业的课程学习，适应专业的转变需要一个过程，教师为了照顾这部分学生，在授课过程中很多时候需要从基础讲起。另一方面是师资限制问题。一个学校的课程安排是根据本专业教师的专业范围决定的，没有可以教授相关课程的教师，自然不会开设相关课程。因此，一个学校的研究生只能跟随本校导师学到自己的导师掌握的知识，很少有机会接触到更广泛的本专业课程或其他专业课程，这种情况对于师资力量相对薄弱的高校而言表现得更为明显。

（二）教师授课问题

部分硕士研究生教师的授课方式与本科阶段的教学几乎无异，仍然采用教师讲、学生听的授课模式。在授课过程中，一些教师习惯使用的案例教学法，自认为是将实际项目融于教学中，实际上只是将作品的表象展示给学生，略加介绍，缺少对作品的设计背景、设计思路、设计过程等方面的分析和说明，而这些恰恰是更重要的部分。只有站在设计者的角度了解设计背景，随着设计者的思路一步步推进设计过程，最终得出设计作品，这样才能真正理解设计者的思维方法和创作过程，做到知其然亦知其所以然。在研究生阶段的课堂教学中，不应是一味的知识灌输，取而代之的应尽量多地采用引导性内容，例如根据学生的兴趣指导学生的自学方向，建议学生阅读一些有价值的专业书籍等。

（三）教与学的空间问题

目前，有些学校没有专门的、相对独立的供学生学习、交流的空间。学生在课上被动接受，在课下几乎没有共同学习、探讨专业的学术氛围，使得一些研究生呈现出课下“无处可去，无事可做”的状态。加上自身专业能力不足，缺乏实践经验，很难直接适应本专业的工作岗位。很多在校研究生在课下选择一些简单的非专业对口的兼职工作，同时对自己多年的专业学习产生质疑，对今后就业与职业认识更加茫然，导致恶性循环。

（四）研究生自身问题

1.考研目的不明确。一些研究生不知道自己为什么读研，有的只是迫于就业压力而选择继续读书。这类学生缺少个人规划，没有明确的就业方向。因此，在自身能力的培养上没有目的性和侧重性，直到研究生毕业时依旧与本科毕业时一样茫然。

2.独立性差。这里的独立性指的是自学能力和自主研究能力。有的研究生自学能力差，甚至还停留在只知道完成作业的中学生状态，老师不要求，自己就不做，不懂得如何有效地读书、读什么样的书，荒废了大量时间。部分研究生专业研究能力差，术业无专攻，往往到了毕业选题时无处着手。

3.综合能力差，实践经验少，很难适应工作岗位。面对真正的生产工作，很多刚刚走出校门的硕士研究生需要像本科毕业生一样一切从零开始，没有明显优势，这种情况的出现实属不该。

（五）评价体系问题

1.评价重结果轻过程。一门专业课的结束，往往只要求学生上交最后的设计作品或论文。作业过程（创意思路、草图绘制等）一般不计入最终的考查评价范围，教师只着重评价作业成品，对于学生在作业过程中创意点的多少、思维过程、草图绘制等方面的关注比较少。这样的评价方式很难挖掘出学生的内在潜力，导致有些学生的设计过程不够规范、偷工减料。

2.教师没有科学统一的评分标准。一方面，教师评分的分数档划分不一致。例如有的老师评分全班都在八十分以上，而有的老师最高只给到八十分。另一方面，由于专业特点，没有绝对的评判标准，分数由教师根据个人喜好决定。

3.课程之外的自学与自主研究部分在评价体系中没有体现。目前，我国硕士研究生的学制为2～3年。课程安排主要集中在第一年，在完成一年的课业之后，有一到两年的时间是由导师或研究生自行安排的。而且，在集中授课的第一年中，课程安排也相对松散，大部分时间是留给研究生自学的。而在这大把的课余时间中是否学、学什么必然严重地影响研究生的教育水平，因此，这期间的学习、研究成果在评价体系中应有所体现。

三、设计艺术学研究生教育的改进方案

（一）课程安排方面

设计艺术学是一门具有交叉性、综合性的学科，艺术设计专业的研究生不仅要掌握本专业理论知识，也要了解其他学科知识，尤其是人文社会科学知识，从其中汲取营养、拓宽知识面、培养综合素质，了解学科间相互影响渗透的关系，进一步加深对本专业的认识。

基于以上考虑，课程安排方面可做以下改进：一是加深、拓宽本专业课程，一些本校教师力所不及的部分可以聘请外校的教师讲授。这样一方面可以弥补本校教学的不足，另一方面可以通过与外来教师的沟通进行学术交流，优势互补。二是开设一些其他学科的选修课程，师资方面可以请本校其他学院、其他专业的教师授课，充分利用校内资源。三是对于本科非对口专业的研究生，要求其补修本科专业课。四是邀请专家和业内精英人士来校讲座，使学生有更多机会与专家对话，及时了解专业发展趋势，这一部分学生出勤情况可计入学分。

（二）工作室制的教育模式

艺术设计从来就不是形而上的纯理论或纯艺术的东西，从来就是为改善人类生活而存在的实用型学科。只有紧密联系生活、生产实践，才能切实体现它存在的价值和意义。因此，在艺术设计教学中，理论与实践的结合是重要且必要的组成部分，专业工作室的建设是使书本知识付诸实践的起点和平台。

每个工作室由一位导师负责指导，由数名研究生组成。可有选择地承接社会上实际的设计任务，避开雷同重复的工作，选择有代表性的、有社会价值的、又研究价值的项目接手。工作室不定期地邀请外单位设计师和富有经验的其他专业人员进行项目指导，使学生能全方位地了解从接手到完成项目的整个过程。在工作室中将课程、教学与生产实践融为一体，激发学生对专业学习的兴趣，师生共同探讨交流，培养学生的团队协作能力、创业就业能力。

（三）设置双导师制

设置双导师制度，一名学生同时有两位导师指导，一位理论导师负责指导学术研究、论文写作，另一位实践导师负责指导专业实践。两位导师共同参与教学方案和计划的制订、课业考核、专业实践、论文写作等整个培养环节，加强沟通紧密合作，同时根据各自优势各展所长，明确分工，责任分配。

研究生的生源相对本科比较复杂，有应届本科生、有工作经历的往届生、同等学力考生等，他们各方面的能力参差不齐。因此，在教学上要有不同的侧重，因材施教。对于有工作经验的学生，他们有相对丰富的工作经验，容易掌握与实践相关的课程，但是理论知识相对薄弱，因此，需要理论导师加强专业理论方面的辅导。对于应届本科毕业生，刚刚本科毕业，理论知识掌握得相对扎实，但是对实践相关的专业仍然停留在纸上谈兵的阶段。这就需要实践导师在专业实践方面着重训练。

（四）培养教学能力方面

众多艺术设计类专业的学生读研的目的是进入高校任教。目前，国内各高校艺术设计类学科师资也主要来自于本科毕业生和研究生。但很多年轻教师刚刚毕业就走上了讲台，严重缺乏教学经验和社会实践经验，很难胜任教师的岗位。因此，对研究生教学能力的培养也是研究生人才培养的重要方面。要在研究生阶段培养学生的教学能力，就需要导师有目的和有针对性地培养学生作为一名教师的综合素质和能力。可以分以下两步走：

1.研究生担任导师本科教学的助教。我国高校中的研究生导师，除担任研究生教学以外，一般还会担任部分的本科教学任务。在本科教学过程中，研究生可以作为助教辅助导师教学，在实践中学习教学方法、教学内容及与学生互动的方法。教与学有机结合形成良性互动，使学生体会到作为教师的工作状态。

2.研究生担任主讲教师，独立承担成教专业课教学任务。完成担任助教的过程之后，研究生对教学内容和方法有了一定的了解，积累了一定的教学经验。此时，学校可分配一门成教或高职的专业课交由研究生负责。研究生独立制订教学计划和教学大纲，制作演示课件。在课前组织试讲，由多位导师组成的指导小组给予指导，共同探讨、改进之后，由研究生独立完成授课。课程之初，导师需要跟踪研究生的授课过程并加以指正和指导，在师生共同探讨下，研究生不断修正、改进自己的教学方法，逐步完善教学过程，有效提高教学能力。

（五）社会实践方面

艺术设计是一门标准的实用型专业，其中的理论知识也是紧密联系实践、服务于实践的。虽然研究生教育相对本科教育有更多的理论研究内容，但我们的培养目标应该是实践中的精英人才，不应是本本主义的书虫。一个艺术设计类专业的研究生只会写论文，设计能力却比不上本科生，是非常可笑的。

目前，我国的设计艺术学专业硕士研究生多为2.5年制或3年制。课程安排集中在第一年，之后的一年半到两年时间之中，除了完成学位论文和毕业设计，至少应拿出一个学期时间到公司或高校实习。将理论知识和在学校工作室中积累的实践经验用于真正的工作之中，零障碍实现学生与设计师或教师的身份转变。

（六）考察与交流方面

对于研究生教育而言，综合素质的培养是很重要的一个方面。综合素质的提高，除了读书之外，更多的需要人生阅历和人与人之间的交流能力。

古语有云“读万卷书，行万里路”。三年的培养时间中，有必要以设立一门社会考察课的方式，由导师带领研究生“走出去”，至少一次进行国内外考察，开阔眼界，丰富阅历。如果有机会到国外进修学习，增进对世界不同国家和地区文化的了解，对研究生专业素养的提高和个人综合素质的培养无疑会起到更加重要的作用。

设计艺术学是一门极具时尚性且飞速发展的学科，需要从事者随时关注业内信息，不断更新自己的“信息库”。培养期间，应尽可能给研究生跟随导师参加各种学术会议的学术交流机会。加强院校之间的交流与沟通，师生互访，合作项目，使学生在提高专业水平的同时，与人沟通交流的能力也得到锻炼。

（七）评价体系方面

由于专业的特点，艺术设计类专业的评分没有“1+1=2”的绝对标准，而且大部分科目没有试卷型结课考试，只有论文或结课作业。目前各院校也几乎没有成文的评分标准。倡导素质教育的今天，学生也不该被限制在考试分数中。我们可以尝试将学分制深入细化。将学分细分到培养过程中的每个部分的每个细节。一方面，在专业课作业过程中，教师引导学生陈述自己的创意思路和思维过程，要求绘制若干创意草图、软件制作，最后完成结课作业，并按比例对学生在每个过程中的表现分别打分。另一方面，在课外，将工作室实践、讲座出勤、交流考察、社会实习等方面的表现与成果都加入学分评价体系中，科学的评价体系是教育质量的有力保障，有了科学的评价体系，诸多改良方案必将事半功倍。

[参考文献]

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