影视动画范文

影视动画范文第1篇

[关键词] 影视动画 动画形象 发展　工艺

Animate(动画)在英语词典中的解释是“赋予生命”的意思，从这个意义来讲它似乎具体有上帝的权威，然而这种权威不是别的，正是人类思维的能力及由思想支配的创造技能。这种技能使得本来没有生命的各种造型艺术符号活动起来，并能够赋予其某种含义。

动画的应用领域非常广泛，首先作为电影艺术的一种特殊形式，用动画的手段叙述一个完整的故事。其次有电影特技动画制作，解释科学现象与宇宙知识的科教动画，医学常识与卫生教育动画，广告动画，电子游戏动画以及传达各种信息的动画等等。因此动画片不能涵盖整个“动画”概念所赋予这个词所应表达的全部功能和领域，动画片只是动画整体系统的一个产物。作为一种叙事形态，动画片和实拍电影享有共同的视听语法规则，但是这二者之间又存在着本质的区别。动画片的拍摄对象及影响构成材料不是现实物体及生命体的原样，而是用造型艺术手段制作的虚构背景空间以及在其中活动的形象符号，其影响构成的基础属于造型艺术范畴的内容。

动画作为一种艺术形态，具有叙事与审美双重功能。动画用来描述事件、表达思想的方法和技能是植根于众多的文化艺术土壤之上的综合表现能力。美国的一位动画艺术家Preston Blair在他的教科书《CartoonAnimation》中陈述如下：“动画是艺术的同时也是一门技术，它是一种方法，其中包含了漫画家、插图画家、画家、剧作家、音乐家、摄影技师、电影导演等艺术家的综合能力，这些综合性的技能构成一种新型的艺术家――动画家。”

一、动画的性质与定义

“由于动画工艺技术的出现，各种造型艺术自此以后才有了运动的形态。”动画之所以具有电影的性质是因为从根本上来说，他们都是以每秒二十四格画面的运行速度通过机器播放才能呈现的艺术。尽管对动画性质与定义有各种不同的见解，然而真正符合动画特性的动画片和以真实生命体为拍摄对象的电影，有着完全不同的创作方式和制作工艺。最大的区别应该是视觉形象，既动画摄影机的拍摄对象是造型艺术作品。无论是平面的绘画，或者是立体的偶像，都是造型艺术家根据造型艺术的基本原理设计制作的形象。我们常见的动画形式――动画片，虽然是按照电影的叙事模式讲故事，但是动画片制作从一开始就严格按照最后的剪辑效果设计动作和估算时间，即动画片的剪辑样式在设计故事板时就已经完成。最后的剪辑工作只是把拍摄好的内容按照镜头顺序连接起来做一些简单的修剪和调整而已。

随着动画技术的广泛应用，动画的定义所涵盖的范围越来越广泛。作为一般概念来讲，动画(arumate)应该是创造生命力的手段，使得原本没有生命的形象(绘画、雕像、玩偶、物质、符号)获得生命与性格。著名的权威动画艺术家诺曼・麦克拉伦再20世纪40年代就郑重声明：动画不是会动的画的艺术，而是创造运动的艺术。沃尔特・迪斯尼也曾说过：“动画”只有获得生命力与性格时，它才能被观众认同，并为主感动。的确，人们喜欢动画是因为它们能够代表某种活生生的有性格的生命。很多动画片中塑造出的动画人物形象已经成为大众文化的重要特征，例如：Disney的米老鼠(一个热情善良的人物)：唐老鸭(一个倔强而暴躁的人物)。作为叙事手段，动画片能够让人感动；作为审美，动画片能够创造视觉奇迹；动画的影像构成元素具有无穷的表现能力。他的视觉符号可以是绘画的、漫画的、装饰的、抽象的，既可以是平面的视觉构成，(例如：美国Disney《白雪公主》、《狮子王》、《埃及王子》、中国动画片《兰花花》、加拿大动画片《种树的人》、《一只取了母鹅的猫头鹰》、日本宫崎骏《龙猫》、《萤火虫之墓》)，也可以是立体的空间造型(Disney《小鸡快跑》)，或者虚拟的三维空间视觉构成(Disney《蚁哥正传》、《虫虫特工队》、《玩具总动员舶。而这一切都必须建立在特别的制作工艺和逐格拍摄技术上以及逐格处理技术的基础之上。因此动画的性质与定义必须从本体特性、作品特征、表象定义及属性定义四方面审视才能建立起一个比较完整而客观的概念。动画的本体特性：技术特性、工艺特性、审美特性、多元性、时尚性、假定性。动画作品特性：综合性、叙事性、独创性。

二、动画的起源与发展

世界动画历史学家把“动画”的诞生时间定为1892年，原因是1892年10月28日，“动画”之母爱米尔・雷诺先生首次在Crevin博物馆向观众放映他四年前的实验结果Optical theatre(光学影戏)。在此之前的各种活动幻影只不过是具有动画的性质，但真正符合“动画”这一称谓的合理定义恐怕要追溯到“动画”这一概念的本意与所指。雷诺之所以被称为动画之母是因为它同时孕育了这两个基因：他发明了“光学影戏”的装置，同时坚持用绘画手法制作影像。

抽象动画的关键人物Arnaf do Ginna回忆道：“从1907年以来，我了解到了电影运动画面的潜力，当时还没有出现一种可以进行逐格拍摄的电影摄影机，我于是想到直接在胶片上绘制画面。”Ginna创作了西方艺术史上第一副抽象画Neurasthenia(1908)，也正是Ginna为动画电影创造了一项全新技术――直接在胶片上刻画图形，这种技术在25年之后被诺曼・麦克拉伦(NormanMclaren)发挥到了极度，创造了抽象动画的经典。我们所讨论的有关动画的工艺特性一般是就传统工艺而言，因为作为动画，无论是个人制作还是集体化生产，都是要经过艺术家设计和手工艺操作才能实现最终效果，虽然在工艺技术要求方面有很大的不同。商业动画是由庞大的创作团体完成的，以美国为例，自上个世纪五十年代以来，在真人实拍电影中大制片厂制度被独立制片制度所逐渐取代，但是动画片制作一直以来主要是由庞大的制片厂制度来完成的。这是由动画片制作的工艺特性及要求决定的。这类动画具有更严格的操作方法和技术分工。早期动画作为技术手段使得简单的线条和图形能够在银幕上活动而娱乐观众；后来这种方法被用来为推销产品做广告、制作科学教育片以及农业技术推广片的特技：与此同时，动画短片的制作水平也在不知不觉中不断提高，到了20世纪30年代动画作为叙事手段可以创作长篇剧情电影，可以说是独树一帜，并 且作为电影的一种新型样式越来越受到重视。近年来随着新技术的发展，动画的功能得到更广泛的开发，游戏动画、电影动画、网络动画、远程教育动画、电影特技合成动画等等，显示了动画工艺技术在意识形态领域和文化教育领域发挥着越来越重要的作用。在当今电影、电视、网络等各种媒体逐步融合的信息时代，动画成为应用于新媒体的重要艺术手段，面临着重大的发展机遇。

传统动画与三维动画的发展与应用：

传统动画工艺的特征是人工绘、工作量大，高标准的动画片，一秒钟动作要绘24幅画稿，制作程序繁杂，因而周期长、投入高，劳动力密集。随着科技的发展，这一现象已有某些改变。线条复印机可以把纸张上的动画稿的铅笔线转印在赛璐珞片上，再由人工上色，这个手段多年前已普遍应用，省去了人工线描程序。近年来应用电脑程序将扫描后的动画稿进行上色处理，已经得到普遍应用，不但节省了工作量，也是成片质量得到了提升。以前电视动画多由电影胶片转为录像，现在则由电脑直接把动画稿输入或摄入并完成上色与背景合成，在输出到录像带上，把原来多个手工艺程序变成一个相对自动化的程序。国外已有应用电脑加动画的实践，即在原画稿完成之后，由电脑画出中间动画，至今仍属试验性质其素质和局限性仍难与人工绘制匹敌。与传统动画特征不同的三维电脑动画的发展与应用，开拓了动画新的创作空间。国外三维电脑动画在科研、设计、军事模拟演习、影视作品中都有大量成功的应用，国内目前应用在电视节目、栏目包装和广告制作上。三维动画的质感与立体感强，有无限广阔、富有变化的表现空间，在表现某些景物的运用和变化方面确有它独特的魅力和很强的表现力。但也有它的局限性和不适应性，因而扬长避短，发掘和提高三维动画的潜力、表现力，是当前三维电影动画业的课题。三维电脑动画形象及动作生成的手段不同，但它的造型和产生动作所需要的美术、美学基本修养、动作规律的掌握及动画时间的掌握却与常规动画一样，所以提高电脑和软件的开发和精熟的掌握能力及提高动画创作精巧素养的水准，是提高三维动画水准的必备条件。

三、新技术对动画创作产生的影响

面对新技术的融入，许多动画师对该问题也提出了质疑。新技术应用对动画的创作会产生什么影响。究竟会激发创意，还是限制灵感。针对这一问题，让我们看一下梦工厂的动画师们在创作时是如何应付的。

创作者们在面对市场化运作形态时，仍然继续维护着艺术的品质。《埃及王子》作为一部商业大片，梦工厂在最早策划阶段时，创作者选择了“摩西”这个圣经故事，主要考虑点是针对其故事那引人入胜的故事情节和气势宏伟的壮观场面。剧本的初稿已在动画师的头脑中有了大致的轮廓。他们已经想象出了这种影片将会成为经典之作。在初期创作之前，主创师PHILLIPS提出了视觉上的新概念，希望将传统与新技术的优势结合起来，也就是要将2D数字图像的影像特效，3D的立体场景与传统的赛璐珞动画天衣无缝的结合起来，使其具有传统的动画中的美术优势，又具有极其震撼的3D视觉冲击力。力求超越真人影片的效果。达到导演所期望的视觉新境界。

创作者们在前期部分的设计时像传统动画工序一样，他们前往埃及去搜索资料，体验当地的风土人情，考究历史，从中获得了大量的创作信息和灵感。作为创作的主导体系。设计师们还参考了印象派画家们的作品。寻找一种美术风格，又从影片《阿拉伯的劳伦斯》中体验沙漠的气势。这样，使设计出来的场景气势极为浩瀚。在经历了复杂细腻的前期创作后，整部影片构思的大体框架已经初步建成。接下来就是需要依着先进的技术与动画师的努力去实现这一创举了。

首先，视觉特效师对影片画面提出要求，影片中视觉方面的所有元素手工绘制，2D、CGI、3D场景，以及镜头都要保持美感上的一致性。保持以手绘为主的效果。在影片的开场镜头中，镜头随着皇后进入皇宫内，然后模拟一种真实的拉伸摄影手法，越过一整排的圆柱，再将镜头拉起扫向宏伟的纪念碑。画面中还隐约显示着成千上万的奴隶延伸到远方。在实现这段效果时，动画师们先以传统技术中北京分层错位技巧来制作出大效果，然后把前景的一些横木用3D来制作，并用类似手绘风格为其着色。这样镜头灵活的穿梭于柱子之中时，使其看上去更具立体效果。接着再将2D绘制的平面人物用定位技术合成到场景的各个角落。最后，展现在观众眼前就是这段气势磅礴的开场戏了。

在实现2D绘制的平面人物与3D场景定位合成时。梦TV的视觉技术开发组针对制作师的这一要求迅速地开发出了专门的场景设计与布置软件Exposure，其主要功能就是使用2D绘制平面人物重新定义并转化为一种二度三维物体，再放置在3D场景中，就实现了将两者完美结合的视觉效果。在有了这一软件的协助之后，视觉师们就可以异想天开的设计想要的镜头了，在这部影片中最眩目的镜头可能要数那场两位王子赛马的场面。先是在纵横交错的居住区里，穿梭、奔驰，然后竞赛到狮身人面像的施工脚手架上。在这场戏中的镜头精彩程度简直让人应接不暇，跟随着奔马穿梭在交错的空间中。这一实现是得助于Expodure技术的开发。该技术的运用使得动画师在绘制动画时改变了传统动画制作需与背景对位的方式。在绘制过程中动画师不必考虑角色在场景中的位置问题。他们只需要根据镜头设计稿在固定点画出造型的各个角度动作稿，再由Exposure根据要求进行镜头调度，如此一来，使得创作过程有了充分的弹性自由。

在这段戏中，马车于街巷都是由3D制成，而人物与马匹则是手绘动画。再由Exposure协助作者根据镜头的调度完成匹配马车的人物动画。这样就没有像传统动画中的每个镜头都必须重新绘制背景的费力工序了。使镜头连贯性加强，可调整的自由度也跟大。

在这部影片中最具挑战性的是烘托气氛用的光效。作为一部史诗传说巨作，不免会有许多光怪陆离的魔法场面，这也是比较出效果的部分。在摩西与两位魔术师斗法那场戏中。烟雾的感觉像是一个边缘泛白的滚热而快溢出来的流体。当白色的部分上升时，在一旁则会出现回旋的气体，并产生出纤细滑旋的形体。为了实现这一效果，美术师们与数字专家共同协作以二维软件Animo为平台并扩展了其功能。专门编写出了一个用来模拟流体动态的2D外挂程序，这个程式使得动画在制作这段特效时，得以尽情的发挥。创作出多种视觉特效。其产生出的气体的外观整体特效，使该动画呈现出全新的风貌。在影片中最经典的画面就是最后那场分开红海的大戏了。这也是本片中难度最大的阶段，动画师们所面临的问题非常艰巨――着火的拱柱子从天而降，将众多的士兵围困住。大海被分开时的骇人气势，分量十足的；中击力，以及成千上万的角色在里面穿梭。但由于许多新技术的支持，再大的难度也被克服了。动画师们在制作这场戏时使用了特效软件，以3D的方式制作出水面的动势。在使用海浪浩瀚的感觉。最后，使用粒子运动软件中的粒子特效为波涛汹涌的海洋加上飞溅的浪花。当把所有的层面动画都完成之后再合成到一块，就做成了劈分红海的庞大场面，最终的效果看起来非常的有分量，视觉冲击力十足。在面对成千上万的人在里面行走的场面，动画师则使用了2D的功能，这个程式的作用就是使3D物体2D化，看上去像传统的平面动画的效果。动画师作出了各种类型的3D的角色，并付予动画，全部调整之后，用来生成出2D动画的效果。然后由后期复制成几百倍的数量，这样便创作出来了摄影机在人群上空位移的画面效果。

影视动画范文第2篇

关键词：影视动画；场景设计；现状；措施

影视动画是一种将时间与空间相融合并进行再现和表现的综合艺术。场景设计是影视动画中必不可少的重要组成部分。有着广泛表现空间的场景设计在影视动画创作过程中既是最主要的空间造型元素，也是体现动画艺术价值的重要因素。场景设计是为影视动画的角色塑造和剧情发展服务的，是影视动画的核心和灵魂。目前，影视动画在我国还属于新兴产业，各种创作理论尚处于探索阶段，虽然近几年影视动画创作取得了长足的进步，但与发达国家相比还存在一定的差距。这就要求我们必须采取多种措施，提高我国影视动画创作水平。

1 影视动画中场景设计的作用

剧情、角色和场景是影视动画中最基本、最主要的元素，这些元素相互依托共同服务于影视动画创作。其中，角色是主体，剧情是主线，场景设计是为展现故事情节、刻画人物性格和为剧情提供舞台服务的，它不仅服务于角色和剧情，还要为剧情发展提供动画时空背景。场景设计既不是绘景，也不是环境设计，它的创作必须以剧本剧情、角色造型和特定的时间为依据。对于场景设计来说，特定的角色需要特定的场景设计来适应。[1]如动画中的角色如果是古代人物，那么在设计场景时不仅要考虑角色生活的时代、习惯、文化和环境等因素，还要考虑角色的身份，选择与其身份相符合的建筑物；如果角色是现代人物，则需要考虑大的社会背景、时代特征、活动范围和科技水平等，剧情必须依据这些特殊场景要求来展开。

场景设计涵盖的范围和内容非常广泛，它是动画创作中的重要组成部分，直接决定着镜头的画面效果，对镜头画面的形成具有重要影响。场景设计主要依据角色和故事剧情来安排视角变化和镜头的运动方式，而且还常常以场景全貌、故事发生的时间和地点等作为开局镜头，随着故事发展和推进，场景将功能性与艺术性融为一体，将镜头推向视觉的聚焦区域，进而充分表现主题内容。场景设计的功能很多，但最主要的功能则是为导演提供镜头、主体、景别和视角等的变化选择，保证叙事的合理性和动作的准确性。影视动画场景设计不仅影响着故事情节、角色性格塑造和形象的烘托，也直接决定着动画的艺术水平和艺术风格。

2 我国影视动画场景设计的现状

（1）对场景设计缺乏应有的认识和重视。场景设计与动画角色设计是紧密联系在一起的，二者的结合不仅能够形成动画的时空背景，而且还能够营造震撼的视觉效果，但由于在创作过程中缺乏对场景概念设计的认识，加之国内许多创作公司和设计人员对场景设计的重要性认识不足，导致我国影视动画中的许多场景设计盲目的模仿和照搬国外动画作品，以至于出现与国外场景设计相似或完全相同的情况，如我国制作的动画片《高铁侠》中的许多场景在设计上就与九十年代日本出品的《铁胆火车侠》非常相似，甚至还有一些场景竟然是完全一样的。此外，由于场景设计与环境设计存在诸多相同之处，以至于有些设计人员将二者混为一谈。环境设计的目的在于为人们营造和谐的、最大的空间；与环境设计相比，场景设计要根据人物情感的变化转换场景，因而其表现力更为丰富。[2]正是由于对场景设计概念和重要性缺乏应和足够的认识，使得我国影视动画场景设计发展受到严重阻碍。

（2）场景设计缺乏合理性。好的场景设计能给人留下深刻的印象和强烈的视觉震撼力。为给观众留下经典的印象，许多设计人员都努力追求一种新、奇、特的视觉效果，但震撼的视觉效果并不一定符合动画的要求，因为影视动画场景设计还必须遵循合理性的原则。在影视动画场景设计中，合理性是指影视动画必须具备逻辑性，作品的一切要素都集中在一个关键点上，从而使作品描绘的世界和现象都能做出合理性的解释。但目前，我国影视动画创作人并没有正确的认识这一点，都还在盲目的追求场景设计的新鲜和奇特，没有考虑场景视觉效果的合理性，致使作品的场景设计经不起推敲。

3 提高影视动画中场景设计的措施

（1）准确定位作品的世界观。为了使场景设计更加合理，应当加强影视动画场景设计流程，提高设计的质量和水平。根据影视动画的故事情节概念，影视动画的场景设计可以分为三类：一是以现代世界为背景的现代化场景设计，这种场景描绘的是我们熟悉的生活场景；二是以未来世界为背景的超现代化场景设计，这种场景以未来世界为构思的出发点，表现出超现代的物质特点；三是设计人员根据故事情节设计的以虚幻世界为背景的场景设计，这种场景是根据故事性质虚构的。[3]不同类型的影视动画作品有不同的世界观，现实世界的世界观应当选择以现实世界为背景的场景设计，而以未来世界为原型创作的作品应当以超现代的世界背景为世界观。只有准确定位作品的世界观，才能创造出合理的动画场景，才能使其更好的为角色和剧情服务。（2）准确把握时间概念。影视动画中的时间概念是指早上、晚上、年代或时间尺度，在设计场景时，设计人员既要把握作品的时代背景，又要将有时代特色的环境和事物运用到设计中，这样才能赋予作品强烈的感染力和真实感。如动画短片《卖猪》以简单的线条和朴素的色彩表现了黄土高原特有的风貌，准确的把握了时代精神，既奠定了剧情的发展基础，也增强了画面的感染力、真实性和冲击力。正是凭借良好的剧情设计、独特的角色设计和优秀的场景设计，这部只有十一分钟的动画短片获得了东京动画大奖的最高奖项。

（3）充分考虑场景设计的合理性。优秀的场景设计能够增强画面的视觉效果，但设计人员必须严格遵循作品的合理性原则，可以为了合理性而牺牲视觉效果，但决不能牺牲合理性来换取视觉表现力。因而，在进行场景设计时应当根据故事情节、角色性质、人物情感等进行光线、色彩等的综合设计。此外，在进行影视动画创作时，设计人员还必须明白场景虽然具有重要的作用，但它并不是孤立存在的，而是与剧情、角色等密切联系的，充分认识各要素之间的关系是提高场景设计水平的重要前提。

（4）加强场景设计人才的培养。我国动画行业想要获得快速科学发展既需要学习和借鉴国外优秀的动画设计技术，弥补自身的不足，更需要加大对人才的培养力度，全方位的开展动画专业人才培养，这样才能更好的推进我国动画场景设计的发展，继而提高影视动画的整体艺术水平。场景设计是影视动画的重要组成部分，在影视动画中起着重要的作用。目前，影视动画在我国还是一个新兴产业，场景设计更是处于探索阶段。只有正确认识当前我国影视动画场景设计的现状，加强对场景设计的研究，才能使场景设计更好的为动画制作服务，才能推动我国影视动画产业快速健康发展。

参考文献：

[1]徐岩东.论影视动画中的场景设计[J].太原师范学院学报：社会科学版，2010（2）.

[2]韩笑.影视动画场景设计[M].北京：海洋出版社，2005：76.

[3]孙立军.影视动画场景设计[M].北京：中国宇航出版社，2003：23.

影视动画范文第3篇

关键词：影视动画、发展、艺术

影视在我们生活的各个方面是必不可少的，动画更是必不可少的。我理解的影视动画的含义是：影视包括很多方面，动画是影视动画的的基础，影视动画是影视类的一种。

一、什么叫影视动画？

动画电影指以动画制作的电影。剧场版电影是动画电影的一个分支。我们所说的动画电影包括剧场版，OVA.但是严格意义上的动画电影与剧场版电影动画不同的是动画电影故事取材并不是由电视动画或OVA中取材。从电视动画或OVA取材的称为剧场版或电影动画。

影视三维动画涉及影视特效创意、前期拍摄、影视3D动画、特效后期合成、影视剧特效动画等。随着计算机在影视领域的延伸和制作软件的增加，三维数字影像技术扩展了影视拍摄的局限性，在视觉效果上弥补了拍摄的不足，在一定程度上电脑制作的费用远比实拍所产生的费用要低的多，同时为剧组因预算费用、外景地天气、季节变化而节省时间。制作影视特效动画的计算机设备硬件均为3D数字工作站。制作人员专业有计算机、影视、美术、电影、音乐等。影视三维动画从简单的影视特效到复杂的影视三维场景都能表现的淋漓尽致。

电影，也称映画。是由活动照相术和幻灯放映术结合发展起来的一种现代艺术，是一门可以容纳文学戏剧、摄影、绘画、音乐、舞蹈、文字、雕塑、建筑等多种艺术的综合艺术，但它又具有独自的艺术特征。电影在艺术表现力上不但具有其它各种艺术的特征，又因可以运用蒙太奇这种艺术性极强的电影组接技巧，具有超越其它一切艺术的表现手段，而且影片可以大量复制放映。

二、好的影视艺术作品可以给予文学丰富的养分

影视动画与文学也有着很大的联系，影视来源与文学，影视动画来源于生活、文学、社会的各个方方面面。影视文学比文学更有群众性，是任何文学作品不能比拟的。因此必须有震撼力和表现力。文学的表现工具只是文字，有相对的限制性；饮食艺术有无比的精确性和敏锐性，能较好的反应一切复杂的生活现象。《白毛女》这部影片表现的喜儿的这个农村妇女，在残酷的地主阶级剥削下。遭到废人的屈辱和迫害，发出了“我要报仇，我腰活”的呼声，在阶级斗争和大自然的斗争中，充分表现了她那种“舀不干的水，扑不灭的火”的反抗性格的形成。它对观众直接诉之于形象，使观众得到的是完全逼真的感受。另外我们可以看到同代人的生活景象，也可以看见一切动人心炫的历史重演。

三、影视动画的发展前景

我国的动画片历史渊源流长，从60年代开始一直到80年代中期，不仅种类繁多，而且内容和艺术性都远高于同一时期的日本和美国，特别是日本很多的早期动画都受到我国动画的影响。但是从90年代起，我国的动画开始走向衰落，现在充斥在中国动漫市场上的几乎全是日本和美国的动画。做这次的研究性学习，希望现在对日本动画津津乐道的青少年能够了解中国动画曾有的辉煌历史。

20世纪中国的动漫产业先驱万氏三兄弟就开始研究动画制作，第一部中国自制的人画合演出的《大闹天宫》就是他们制作的，1936年，中国第一部有声动画《骆驼献舞》问世。1941年，受到美国动画的影响，制作了中国第一部大型动画《铁扇公主》，在世界电影史上，它是名列美国《白雪公主》、《小人国》和《木偶奇遇记》之后的第四部动画艺术片，标志着中国当时的动画水平接近世界的领先水平。

四、三维动画

1995年至2000年是第一阶段，此阶段是三维动画的起步以及初步发展时期（1995年皮克斯的《玩具总动员》标志着动画进入三维时代）。在这一阶段，皮克斯/迪斯尼是三维动画影片市场上的主要玩家。

2001年至2003年为第二阶段，此阶段是三维动画的迅猛发展时期。在这一阶段，三维动画从“一个人的游戏”变成了皮克斯和梦工厂的“两个人的撕咬”：你（梦工场）有怪物史瑞克，

怪物史瑞克

我（皮克斯）就开一家怪物公司；你（皮克斯）搞

海底总动员

海底总动员，我（梦工场）就发动鲨鱼黑帮。

从04年开始，三维动画影片步入其发展的第三阶段——全盛时期。在这一阶段，三维动画演变成了“多个人的游戏”：华纳兄弟电影公司推出圣诞气氛浓厚的《极地快车》；曾经成功推出《冰河世纪》的福克斯再次携手在三维动画领域与皮克斯、梦工场的PDI齐名的蓝天工作室，为人们带来《冰河世纪2》。至于梦工场，则制作了《怪物史瑞克3》，并且将《怪物史瑞克4》的制作也纳入了日程之中。

亚洲三维动画联盟机构——花鸦影动中国城，是这个行业的全球技术权威机构。帮助发展中国家三维产业成立的联盟机构。

五、发展

中国的动画行业被称为原创少、前途不大，影视动画更哈斯没有较多的好的评价，不过在我看来，中国现已经进入了有思想、有原创、有效率的时期。2006年全球影视动漫产业达到2228亿元，与动漫产业相关的周边衍生品产值责在5000亿美元以上。

从1996年起，和新闻出版总署联合启动“中国儿童动画出版工程”建立起华东、华北等5个动画基地，到2005年1月20 日起，实行国产电视动画片发型许可制度。这些政策措施的相继出台对中国的动画业是好消息。（作者单位：辽宁科技大学）

参考文献：

[1] 龙超；日本电视动画的魅力探究[J]；电视研究；2007年06期

影视动画范文第4篇

关键词：影视动画； 后期制作；编辑；剪辑

影视动画后期剪辑技术浅析

后期制作对于一部动画影片的成败起着决定性作用，影视后期制作就是将画面、声音、文字以及场景与特效等多种视听素材组接成银屏形象的部分，这也是影视艺术创作过程中的最后一道程序，起着举足轻重的作用，关系着影视作品成败。影视后期剪辑与合成要求我们不仅要掌握专业的制作软件，更重要的是要具有个人的审美情趣。这就需要制作人员要有一定的天赋，可以灵活的运用所学的各种专业知识与技能。

后期剪辑技术是影视动画制作工艺流程中不可缺少的环节，所谓后期剪辑简单来说，就是将多种原有素材进行混合、单一、复合画面的处理过程。将所有动画文件和镜头合成一个有条理、有次序地制作过程，同时它决定一部动画片能否吸引住观众目光、能否具有视觉感染力的一个重要的因素。在三维动画作品的后期合成中，主要是通过影视后期编辑设备并运用各种编辑的技巧，来对所搜集的动画素材进行模拟仿真的艺术特效制作，并通过剪辑合成技术使整个动画作品达到视觉上的流畅性与真实性。简单说影视后期合成就是把不同图层的素材结合在一起，使之成为一个完全可视化的短片或者影片，让观众从动画效果上去欣赏。另外，这样做的目的可以减少拍摄难度和降低风险、可以加入现实中不存在的虚拟元素、可以修复画面中存在的瑕疵。

剪辑说来容易，就是把一个个镜头“剪开”、“组接”而已。但是仔细想想，选用哪些镜头，不选用哪些镜头，一个镜头从哪里剪，又从哪里接，其实还真不容易。好在剪辑工作不是“一次性”的，只要后期制作人员愿意，可以反复修改。镜头要长一点或者短一点都可以；把一组镜头往前挪、后向移，或者摆回原位也没问题。剪辑就是一个不断修正的过程，尽管大胆地去尝试，剪辑、修改、再剪辑。不过最终导演或制作人会做出最后的取舍和决定，否则，一部影片可以有无数种剪辑的方法，这个过程就没完没了了。要想有效地运用这一套不露痕迹的剪辑技巧，在镜头的衔接上就必须符合观众的观看心理。

电影理论家巴赞曾就这一点把电影和舞台剧作过比较。在观看舞台剧时，观众的目光很自然地随着戏剧自身的逻辑、舞台上的对白和演员的走位及手势从一个角色转移到另一个角色。而在电影中，前一个镜头里的演员突然转身向银幕之外看过去，下一个镜头接这位演员所关注的事物，那就显得非常自然。又比如，两个人正在讲话，其中一个停了下来，这时观众就会期待下一个镜头切换到另一个回答者身上。当然并不是所有镜头剪辑的顺序都要符合观众的期待，有时候反其道而行之，往往会收到意想不到的戏剧效果。不过，按照传统的电影制作观念，把镜头切换到与一场戏的主线完全无关的内容是不可取的。

形体动作主要包括角色形体活动构成的动作，形体动作对于表现人物角色的行为活动，表达角色的意志情绪，组成细节情节，推动剧情的发展都有直接的作用，是剪辑中运用最为广泛普遍、带有基本性质的因素；语言动作，由角色语言及语言相联系、相配合构成的动作。语言动作对于表现角色的思想、感情和性格，沟通角色之间的感情关系，增强剧情的感染力和冲击力，都有着重要的作用；心理动作，由角色的心理活动、情绪变化引发出来的外在动作，心理动作对于表现人物情态，表达人物内心的思想变化，深层次的刻画角色，推动剧情发展和协调节奏处理，均具有相当重要的作用。角色的形体、语言、心理动作，可以是各自独立实现，但更多的是相互联系、相互配合、相互推动的。

景物动作是指自然的和人工制作制造的景、物的活动姿态与运动方式。景物动作对于展现环境，渲染气氛，烘托情绪，增加意趣，都有着特殊的不可替代的作用。对人物形象的刻画，起着映衬、比兴、喻士的作用，往往是寓意深远，一着皆活。对于营造意境和塑造形象都直观重要。

正确的运用造型因素的关键，是要把握形象的总体感和表现形式的统一性。也就是说，影调、色彩、光线等造型手段和主体形象的动作、位置、方向要协调一致。造型讲求精致考究，协调统一，灵动鲜活，形神具备。造型因素多种多样，表现力强。

影视剧本为剧情发展、主题动作、人物活动提供和规定的时间时空空间。一般来说剧本时空一旦确定下来了，是不可以随便变动和更改的。后期剪辑合成时要正确运用时空的，以便体现出编剧、导演的创作意图，这样就可以使剧本的艺术构思更好的表现出来；荧屏时空是指影片展现和关联在荧幕上的时空，它包括现实时空、有限时空和无限时空，同时银屏时空与影片的内容、镜头运动速度，银屏的宽窄尺寸等有直接的联系。把握银屏时空的关键，是处理有限时空和无限时空的特质，关系及相互转换，把握住，全片的时空结构问题就可以得到基本圆满的解决；镜头组接时空是指镜头组接的过程中所形成的空间形态和时空因素，它包括直接时空、简介时空、人物语言时空、人物动作时空、景物造型时空等等。正确运用时空因素，最重要的是要把握时空与剧情的发展、形象塑造、动作展开的联系性和合理性。

剪辑在电影、电视创作中具有不可或缺的地位，作为影视艺术的重要组成部分，是在电视电影的发展过程中应运而生，并逐步完善的。同时剪辑艺术的进步，又极大地影响和推动了影视技术的提高和发展。影视后期剪辑的功能和作用，用一句话就可以概括，即：准确、合理、有丰富蒙太奇思维的剪辑，能够增强电影、电视的艺术表现力和感染力。反之，不准确、没有蒙太奇思维、随便的剪辑，就会削弱甚至破坏电影、电视的艺术表现力和感染力。剪辑的首要任务，就是对大量地原始素材画面进行准确选择、正确使用。而在进行素材画面选择使用时，要充分认识，正确把握动作，造型，时空，这三大因素，才能运用自如，恰当合理。

参考文献

[1]曾海著.影视后期编辑[M].清华大学出版社，2011.8

[2]张琪著.影视后期编辑与合成[M].电子工业出版社，2009.11

[3]李晨曦.动画短片的后期剪辑艺术[J].湖北经济学院学报（人文社会科学版），2012，11

作者简介

影视动画范文第5篇

［关键词］ 动画表演；表演；影视；传播；角色塑造

人类对动画的探索可以追溯到两万多年前绘画的诞生。随着动画制作与传播技术的发展，影视动画以其独有的艺术特点与传播优势引导着观众的价值取向，影响着人们的现实生活，成为连接现实与虚拟间的特殊桥梁。而承载其传播内容的正是动画表演，它将导演对动画的感受传达给观众，促使其完成传播媒介的使命。

在动画涉及的领域越来越广、制作分工越来越细的同时，动画表演也被提出了更高要求。表演作为演员对角色的再塑造，所呈现出的艺术效果是由演员对角色的理解决定的，动画师导演动画片也是一样。但这并不能说明对于动画表演的创作就无方法可言。动画角色在作品中不仅要充当演员，其表演还要符合影视动画作品的美术风格、角色的造型设计、作品特有的视觉元素和运动规律等。这些看似是给动画表演套上枷锁，而实质上又何尝不是给动画表演创作提供的线索呢？

传播：表演与动画表演

表演，是一个创作的过程，是塑造角色的重要手段。电影导演吴厚信在《电影造型与电影思维》一文中指出：“我们决不能低估电影表演。表演，永远是电影艺术中最活跃、最有生命力的部分。”在戏剧或影视作品中，演员根据剧本对角色的要求，融入自己的理解，对人物角色进行立体的再塑造。表演，又是一个表现的过程。因为表演必须是呈现给观众的，所以必须遵循观众的心理接受原理，使观众与角色产生共鸣。电影大师英格玛•伯格曼在《没有魔力的魔力》一文中提出演员们站在舞台上(镜头前)，他们的脸，他们的身躯，完全暴露给观众任人品评。这就直接说明了演员所表现的一切都是为了完整地向观众传播生动的角色形象而服务。

动画表演，作为表演艺术，是运用想象与经验塑造动画角色的过程，是赋予动画角色生命力的关键。而对动画表演充分认知与足够掌握，是创作成功影视动画作品的必要条件。

动画表演具备表演的普遍特性，同时又具有自身的独特之处。由于动画作品是运用绘画技巧或数字虚拟表现的，因此动画表演相对真人表演要复杂许多。例如,在真人表演中几乎不用设计的运动规律，在动画表演中反而是至关重要的一环；动画表演不同于真人表演中由导演和编剧定义表演的形式，再由演员去完成表演，其创作者与创作工具均为角色自身：一部影视动画作品就是角色展现其经历的过程，角色既是动画表演的主体，也是动画传播的工具。

动画表演基于动画的虚拟性，使其优越于真人表演。角色在动画中的表演较真人表演更加富有张力，也为创作提供了更广阔的平台，带来更强的表现力。动画大师沃尔特•迪斯尼曾解释动物常在动画中被作为主角的原因是他们对任何刺激都通过身体表现出来，但人对刺激却控制了身体表现。这种区别既存在于动物角色与人物角色间，又存在于动画表演和真人表演间，也反映出动画的一个基本特点：真人表演无法企及的角色运动特性。在动画电影《谁陷害了兔子罗杰》中，真人角色追逐卡通角色兔子罗杰，并将他逼到了一扇紧锁的门前。此时，罗杰发挥其二维平面的特性，从门缝中钻出逃脱了。展示出动画表演的另一规律：影视动画中的角色表演不再受时间和空间、演员自身的性质和现实环境的限制。兔子罗杰发挥其二维平面的优势而逃脱，这在任何真人表演中都是无法实现的。

思辨：动画表演的创作方法

动画表演的创作涉及影视动画创作的各个部分，所需要考虑的因素也纷繁复杂，我们恰恰可将这些因素作为线索来探寻动画表演的创作方法。

针对某部具体的影视动画作品来说，动画表演关键在于深入了解动画角色。单纯地依靠想象和夸张的创作只会使角色的表演空洞乏味，所以先在剧本中寻找能为表演服务的内容，即从文学形式转化为动画形式的依据。通常能够了解到角色的身份、性格特征、形态特征，角色所处的时代和历史背景，角色与其他角色或事物的关系，包括时空关系、情感关系等。由此创作者才可能开阔思路、施展想象“进入”角色，并创作出可信、充实的表演。

当然，进入角色，自然流露的状态成为表演必不可少的基础。动画大师宫崎骏在《千与千寻》首映式上说：“这时候制作片子的仿佛已经不再是我，而是故事本身，我只能跟随故事的脚步而别无选择。”创作者深入角色之后的状态是表演情绪表现的基础和途径。另外，进入角色，就是要赋予角色生命、情感和思想。英文Animation原意即“赋予生命”，这是动画最本质的内容。具有生命的表现就是能对外界的刺激作出反应，因此只有解决了动画角色“动得对”的问题，其表演才可能被理解和认同。在此基础上赋予角色情感，即设计情感表达的方法或技巧。比如可以用语无伦次表现慌张，用结巴、停顿表现心虚，用流泪表现伤心难过；动作上可赋予角色一些表现其特点的习惯性动作。动画电影《机器人瓦力》中创作者设计瓦力总是会下意识地叩击自己的两只“铁手”，以此表现角色的天真可爱。随情节发展，角色表演的侧重点和心理状态也会有所变化，在表演上需要相应调整。而角色的表演风格，即角色的行为标准决定了角色定位，需要贯穿始终。

动画表演的创作区别于其他类型表演最显著的特点，就是在自然表演的基础上进行提炼，将最能表现角色特点的部分进行夸张处理，延伸表演的张力。宫崎骏在电视系列片《日本电影追根溯源之七：日本电影近况》中关于动画师需要进行表演培训时说：“经验丰富的动画师会要求参与动作采样的真人演员尽可能地以简单、夸张的形体语言表达导演意图。这种话剧式的表演很适合于动画片甚至真人电影。”拉伸、变形、扭曲、重复或移花接木等手法都是夸张的一种，但夸张并不是一味地将动作幅度放大，而是提炼出表现动作的精髓之处，目的在突出动作的视觉效果、重量感或速度等特点。在此过程中，将动画表演与影视语言结合，让角色在不同景别镜头前适时调整表演风格和精度。动画师需要以观众的心态和视点来审视角色，检验观众是否可接受表演或认同角色。

另外，动画师自身的修养对塑造动画角色也至关重要。在美国，特别是迪斯尼和梦工厂，动画师们一有空就观摩各种电影、舞台剧，参考知名演员的表演技巧，坐在购物中心或露天咖啡厅，观赏路人行走的模样、说话的表情。正如加拿大动画专家罗宾•金(Robin King)所说：“了解生活、人，还有动物，了解人和动物的动作表情，才能把动画做得有生命。”

创作：动画表演案例解析

皮克斯最具代表性的“小台灯”形象依靠精彩的动画表演，即使短暂地出现也给人留下了深刻印象。其将这种风格发扬光大，制作了一部几乎是默片风格的动画电影《机器人瓦力》，让我们领略到了迪斯尼动画大师的创作功力。

从《机器人瓦力》剧本中，我们可以看到这样一些描写主人公的词语：生锈的、古老的、可爱的，显而易见这是一个正面角色。“生锈而古老的”给人感觉与时代潮流相左，这便是其在影片中表演原则的暗示；“小型服务机器人”和“小手铲”描述了他弱小形象，然而其生活在“山是成堆的垃圾，整个表面只不过是废弃物而已”，这又体现出他是一个外表弱小而内心强大的角色。这些线索揭示着角色特点，为进一步挖掘角色的表演规律做好奠基。

既然瓦力是一个机器人，那么其表演首先要符合机器人的运动规律。例如，可变焦的镜头“眼睛”，每次更换部件总有一系列规定的动作就像机器重新启动一样。这样系统的动作规律使瓦力的机器人形象显得真实生动。其次，角色的情感流露也表现得生动有趣。例如，在伊娃休眠时，瓦力兴高采烈地用废弃物做了一个伊娃的塑像，而伊娃见到却表现出不感兴趣，令瓦力很失望。这一段瓦力试探性地挥挥手、开心地乱跑、失望地垂头踢钢管这些拟人化的表演中，创作者将其设计成一个小男生情窦初开的样子，动作节奏欢快，很具感染力。同时从通片中观众也已经读到瓦力对伊娃的表现都是基于喜爱的态度，所以与此处表演保持了一致性。创作者准确地找到了角色定位，赋予角色恰当的表达方式。

动画师为瓦力日常生活所设计的细节，可以看出是经过深思熟虑后挑选出来的精彩动作,传递出角色表演的精髓。瓦力在回到家后，会哼唱着小曲，像人类进屋换拖鞋一样将履带摘下来，像到家看电视一样放录像；晚上睡觉时，还会像睡摇篮一样自己摇动架子，早晨醒来也会像人类一样没精打采的……这些都使我们看到了“移花接木”的创作手法，将人类的行为转嫁到机器人的身上。而创作者对这种嫁接的度又拿捏得恰如其分，并不是人类行为的简单照搬，既保持了机器人的动作特点，又带有趣味性。

影片角色的造型都比较简单，伊娃更是简略到仅有两手、一颗头和一双显示屏做的眼睛。而创作者也仅仅利用这几样可动的元素，就表现出了角色开心、愤怒、不屑、惊奇、着急等心情和状态，表达出了角色之间的情感关系。这需要对人物有深刻的认识和对生活有丰富的积累，才能够从中“化繁为简”提炼出如此简单，却不失真实、生动的表演。机器人尚且可创作出如此精彩传神的表演，其他的动画角色又有何不可呢？

结 语

为什么会有那么多的“动画明星”给我们留下了那么深刻的印象？仅仅是因为可爱的造型和有趣的故事吗？显而易见，当然也离不开动画角色鲜活生动、富有个性的表演了。

影视动画作品是为观众服务的，创作者始终需要站在观众的角度来看待自己的作品，看待观众所看到、接受到的通过动画表演所传播的内容。在影视动画创作过程中，只有创作者对动画角色有了深刻了解，对其表演有了准确把握，作品所展现的角色形象才会真实生动，观众也才会信服，接受并喜欢上动画角色。由此，才能最终达到动画表演的效果，这样的作品才可能经得起时间考验，才可能成为真正的动画经典！是为思辨影视动画传播中的动画表演创作的意义了。

［参考文献］

［1］ 周鲒．动画电影分析［M］．广州：暨南大学出版社，2007．

［2］ 王振德．动画设计师的综合表演素质［J］．艺术教育，2007(03)．

［3］ 米高峰，吴楠．以动画片《驯龙记》试论影视动画表演创作［J］．时代文学,2010(16)．

影视动画范文第6篇

[关键词]动画表演　影视表演　影视性　动画性动画创作

引　言

动画，作为一个具有巨大发展潜力的产业正在日益崛起，且延伸到现代社会人们日常生活的各个领域之中：影院动画、电视动画、网络动画、游戏动画、建筑动画、手机动画等等。影院动画、电视动画，及部分网络动画等都属于影视动画的范畴，在探讨影视动画创作时，不可回避的会遇到一个重要命题——表演，影视动画表演!

商业动画公司投入大量资金制作影视动画作品，最终目的是为了获得更大的经济利润。而实现这一点，前提是要有消费者愿意花钱去看这些作品。如何让这些作品做到好看、耐看、值得看，这就要依靠动画角色的”表演”了。首先，通过导演所设计的动画角色生动个性的表演，如人物的形象、角色的动作和语言，以此来吸引观众，引起观众的共鸣，进而引发观众的思考。其次，表演的核心是实现演员与观众的互动，对应到影视动画中，就是动画角色与动画观众的之间互动，即思想、意识、情感与观念之间的交流。

一、影视动画表演的“影视性”与“动画性”

影视动画表演既要有影视性的表演(重要因素)，也要有动画性的表演(灵魂)。前者是与影视(戏剧)表演较为相似的方面。

(1)影视性表演

影视动画的表演归根到底还是为了叙述故事，依赖的仍是画面和声音，即视听元素。如果创作者掌握不好影视基本的视觉如景别、机位、视角、构图、照明、色彩、运动及轴线，听觉如对白、音乐及音效等对于作品连贯与节奏的营造，就会导致影视动画作品视听语言单调而缺少变化。自然也就不能“控制住”观众观赏时的“呼吸”，使观众被吸引在影视动画作品的情节发展中，更不能给观众带来强烈的视听冲击。没有动画角色类似实拍影视中演员的真实、鲜活、个性的表演，以及对此表演恰当的影视化视听表现，会让观众的观赏期待落空，并失去对动画作品的观赏兴趣。因此，动画的影视性表演是影视动画表演不可缺少的重要组成部分。

(2)动画性表演

影视动画的动画性表演，是要通过动画人物角色的动作和语言来展示与实现的。动画角色的动作设计来源于对角色性格的透彻理解与运动时间的；隹确控制。对时间的把握和控制，是动作表演真实性的灵魂所在。而角色在动作表演中所产生出来的质量感，是赋予动画角色真实生命力和存在说服力的关键。动画人物角色的语言表演主要通过配音实现，因此，配音也是影视动画表演的重要因素之一。

一个合格的动画导演，必须具有驾驭以上两种表演的能力，两者缺一不可。今敏和宫崎骏都是当代日本的著名动画导演，他们在影视动画的表演上都有自己的建树与成就。

今敏的强项就是动画的影视性表演，强调的是动画的影视节奏，即机位、构图、景别、色彩、光效等。他所设计的画面分镜台本极其的细致准确，以致于后来公映的成片和他所绘制的画面分镜台本几乎没有什么出入。据说他在创作动画片《红辣椒》时，就曾花费了一年半的时间来构思和绘制该片的画面分镜台本。当然，他也很重视配音及其所产生的效果。

而宫崎骏的侧重点在于动画角色带有动画性的表演，他对动画时间的把握和由角色内心所引起的外化动作的表演把握得十分到位。在保证角色动作流畅的同时，他非常注重角色的动作所反映出的性格和情绪。其动画角色人物的动作都是经过精心设计过的，要求动作的设计既要真实使观众信服、产生共鸣，又要有所夸张，体现动画角色动画性的表演。

二、影视动画表演的创作方法与流程步骤

在动画创作过程中，前期创意阶段对于动画表演起着主要的影响作用。前期创意要确定动画作品的美术风格，人物、场景和道具的设定以及画面分镜台本的设计。动画的美术风格、场景和道具设计，尤其是人物设定为后面动画角色的动画性表演打下了基础；而画面分镜台本的设计则直接为动画的影视性表演来服务。

(1)动画人物设定

动画的美术风格主要体现在动画场景设计上，而动画人物设定则是动画表演的前提和基础。如果你的动画人物设定是随意、草率的，没有经过反复推敲，那么你的动画角色将极可能会是“纸片人”似的没有性格、没有情绪。将来你设计的人物在表演的时候，即使动作再真实、再流畅，也不会为观众所认可并产生共鸣。动画表演不同于真人表演，它是“画”或“做”出来的角色在表演。因此，首先要使人物变得鲜活，要赋予其性格和情绪，使其成为一个“活生生的人”。

在前期人物设定阶段(以动画片的主人公为例)需要考虑诸如以下这些问题：所要叙述的故事发生在什么年代?什么季节?什么地点?动画中的主人公的年龄是多大?他生活环境和经历是怎样的?性格是什么，他为什么会有这样的性格?以及由这个性格所产生的他的“标志性动作”和“标志性姿态”是什么?爱穿什么款式和颜色的衣服?他有哪些爱好?(这些都是为了使主人公的形象能够鲜活起来，而不是“纸片人”，使得动画的表演具有更强的动画性。此外一个人的性格不仅决定了他会做什么，而且决定了他怎么去做。)动画中主人公由于其性格都做了些什么?遇到了哪些阻力7最后是怎么解决的?(这是为解决动画的影视节奏而服务的，强调人物与人物、人物与环境之间的戏剧冲突，推动情节的发展，从而加强了动画的影视性。)总之一句话，就是要立体“圃雕”地来塑造人物

(2)画面分镜台本

好的画面分镜头台本，是动画表演关键性的一步，这要求创作者巧妙地运用视听语言元素来“讲故事”。

如何创作出好的画面分镜头台本呢?

首先，要有影视意识和影视思维，这样可以从宏观上把握剧情，安排情节，使得情节流畅、不拖泥带水，从视听的角度来细化每一场戏、每一个镜头，使得每个镜头都有一定的预知性和象征性。其次，要有剪辑意识。要十分巧妙地设计镜头与镜头之间的衔接，使之产生符合剧情需要的新意义。有时这种衔接可以造成大幅度的时空跳跃却又十分合情的合理，有时把动画人物动作的转折点作为一个“动作剪辑点”，以此来分切成两个镜头，很好地避免因动作过于复杂而造成制作的不到位。这也就是在影视中常用到的“动作剪辑”，在动画创作中也同样适用。此外，道具转场也十分普遍地出现在各类动画作品中。第三，无论在设计哪一个具体的镜头时，都要考虑到这部动画作品整体的影视节奏，什么时候该加快节奏，什么时候要放慢节奏。试想，细节设定的再好，没有整体性怎么行呢々

(3)动画角色表演

动画角色表演是动画表演的创意关键与直观反映。有了满意的动画角色，就需要解决其如何“表演”的问题了。

与电影真人表演不同，动画角色和形象是“画”或“做”出来的，所以首先要解决其“动起来”、“动得对”的问题，即角色的动作要符合基本的运动规律，动作要流畅自然。在此基础上，就可进入动画表演的核心——动画角色的动画性表演。将这种动画性很好地表现出来则需要动画角色带有夸张性的表演，即通过丰富的表情和夸张的动作来塑造动画角色的性格和情绪。除了在动画角色的造型上设计的夸张外，还需要下大工夫在其动作设计和人物表情上。当然，动画的时间掌握就显得尤为重要。通过对时间的掌握和控制可以很好地表现人物的性格和情绪、人物动作的力度和物体的质感。利用对时间、张数、间隔距离、速率之间的调控，可以控制好动画角色表演的节奏。

需要注意的是，夸张并不意味着角色动作幅度的无限放大，而是经过反复推敲之后所挑选出来的能够精彩传递角色性格、情绪的动作。这才是动画角色表演的精髓。

三、影视动画表演案倒《名侦探柯南》等分析

下面，以动画片《名侦探柯南》和《幽灵公主>为例进行影视动画表演创作的分析。

系列动画片《柯南》是风靡日本、东亚乃至全世界的经典动漫作品，其成功之处甚多，在此仅从动画“影视性”表演与“动画性”表演方面进行阐述：

首先，人物设定：主角江户川·柯南名字的来源是著名的推理小说家江户川·乱步和柯南·道尔的“结合体”。性格正直、冷静，给人的感觉是外冷内热。其次，道具设定：阿笠博士发明了许多经典的道具，方便他破案，例如：变声蝴蝶结可以模仿声音，这就有了“沉睡的小五郎”，而追踪眼镜则可以对目标进行定位追踪。第三，台词和动作设定：柯南有很多的经典动作、姿势和经典台词。例如：他在说经典台词“真相只有一个”时的动作，在每部剧场版的片头都有出现。还有，他从皮带里“挤出”一个足球，然后踢向犯人等。

作者青山刚昌在进行人物设定时把主角定成七岁的柯南，重要的一点就是柯南比工藤新一更适合动画表演。柯南是小孩，动作可以夸张变形的幅度要远大于接近成人的工藤新一，适合更自然地进行夸张的、非常态的表演。而成人非常态的表演则会让人感到十分的不自然。另外一个原因是柯南可以让小朋友们更爱看，而让工藤新一作为“幕后主角”则会吸引青、中年观众，扩大了受众的范围。

以《柯南》2005年剧场版《水平线上的阴谋》中的片段为例。影片开头有三个相连的镜头：镜头一是八代英人(人名)坐在车上用手拉安全带，镜头二是俯拍移镜头，在山路上移到一个冒烟的地方，镜头三是从冒烟的地方往下移到一辆坠落山下的轿车。通过这三个镜头，巧妙地完成了时空的跳跃。我们知道是刚才那辆车坠落山下，无需再“表演”这辆车是怎么坠落的。镜头之间的衔接产生时空跳跃，这种跳跃是完全合情合理的。接下来的镜头是一个慢推镜头，推向这辆轿车里挂着的一个装饰物，而此时我们还不知道这一装饰物代表什么意思，但是下一个镜头马上就揭示了答案。通过这一装饰物转场，转到一艘大客轮的甲板上(印着上个镜头出现的装饰物)。很巧妙地完成了跨时空的转场：一个是半年前、山上，一个是现在、海上的大客轮。影视语言在这里得到了智慧的运用。

而宫崎骏导演的动画片《幽灵公主》开头的一个片段完美地体现了动画性表演。男主角在塔楼上射出箭的一瞬间，导演安排了一帧整体膨胀效果的画。箭的变形，很好地外化表现出当时男主角的心情。这一帧的加入就使得整个动作“活”了起来。动画角色表演所体现出来的动画性，也就被很好地表现了出来。同时，这一动作有了预知性。虽然真实情况下箭是不可能变形的，但在这里，这一帧对动画角色表演所产生的影响是显著的。

四、结语

做好一部影视动画作品，重要且关键的一步就是要解决好动画表演的问题。

影视动画范文第7篇

一、动画中的动画表演

首先是表演的概念，表演是指在戏剧，杂技，舞蹈等演出中，通过演员，将情节或技艺表现出来。将这一概念套在真人影视表演中就是演员去扮演成作品中需要的角色，过角色需要的日子，做角色需要的动作，说角色需要的话，完全假装成角色的样子。可是将它套在动画表演时，我们首先就遇到一个问题――演员。动画的演员可以是任何东西，它本身就没有生命，导演要先创造出它赋予它生命，之后才谈表演，所以我觉得动画表演的概念就是：让动画导演创造出来的角色，合理、真实地表现出所需的情节，同时具有角色自身的特色。

我们常常可以看到这样的动画，里面有许多个人物，衣着，造型均不同。但是我们会感觉到他们之间太相像，因为他们走路的动作一样，说话的表情一样，都有一个固定的反应套路在里面。这种问题就是只大概满足了“合理，真实”的那部分。同一人物在悲伤或喜悦时走路的步伐与节奏是不相同的，那么在不同环境下的不同角色，他们之间的差异会更大，是不能用同一走路模式套的。只是说走路时该满足这个运动规律，以达到真实合理，但更加重要的表演的部分在于后面的“自身特色”。

二、动画表演的创作方法

我们看现在成功的主流动画，他们在动画表演上是优秀的值得学习的，动画表演的形式与方法在这些动画里体现得很到位，也是科学合理的，随着时展，变得也只是故事，技术与角色形象，表演的部分可以说已由定型并很完善。这些主流动画，从动画表演风格上划分，可以分为美式与日式两种。

美式表演风格有以下两个特点，一是类似舞台剧的戏剧化的表演方式，源于好莱坞歌舞剧影响，人物在表演时外化，迪斯尼动画中就会直接使用歌舞表演来表现故事，像《美女与野兽》《狮子王》都是这样。二是节奏感强，面部表情生动，肢体语言丰富的夸张动作设计，这个源于包容外向的民族文化。

日式表演风格可以划为两个方面，一个是写实风格的日本影院动画长片。一个是造型独特动作简约但有自己特色的日本电视动画片。因为日本强大的漫画文化，理所当然，日本动画的发展就以其漫画产业作为坚固，良好的基础。

三、动画表演案例分析

以下，就具体成功案例来谈动画表演与创作方法。美式表演风格举例为动画片《人猿泰山》，故事讲述一对带着幼子的夫妇遭遇海难，来到茂密的非洲原始森林。夫妻俩在树上筑起树屋当作临时住所，后遭花豹突袭，双双丧生。与此同时，母猩猩卡娜失去了小猩猩而悲啼不已，阴差阳错卡娜收养了这个后来被称作“泰山”的婴孩，把他带回了森林中的家。为了取得大家的认同，泰山不懈地努力学习猩猩的一举一动。长大后的泰山是森林的游侠，爬树身手矫健，攀着树藤可以来去自如，后来随着一支人类探险队的闯入而被打破，泰山开始疑惑这到底是怎么一回事。并爱上探险队士的女儿珍妮。在猩猩妈妈卡娜将他的身世和盘道出后，泰山终天明白他也是人类的一员。

先是人物设定，就这个故事，大的思路就是一个被猩猩养大的人类的各种举动，泰山在形象上被设计成四肢修长，身体肌肉结实，长发凌乱但有序，脸孔刚毅善良又略带野性。这样的设定直接影响着后面的表演，当泰山在森林里借藤蔓飞翔时，表现出的自由与野性就是靠结实的身体和飘逸的长发，没有这些因素就会显得不合理且达不到该有的效果。

其次是动作设定，因为他是被猩猩养大的，所以他的日常动作都是猩猩的特征，他的走路，挠头，抓痒都是猩猩的动作，在森林里穿梭也是和猩猩一样，动作敏捷幅度大，唯一不同的是他是人类的身体，所以制作者将这两者合理的结合创造出动作，按美式的夸张表演风格来设计，一拍一来实现拍摄，最后达到超级流畅的效果。到后来泰山进入人类社会，变化的不仅仅是它站立行走，他的表情，动作也都收敛了，靠向对真人的写实表演。

就此，我们可以发现一些动画表演创作的共同规律，即，在符合运动规律的前提下角色的动作与行为要符合自己的身份与形象，达到存在感的要求，之后突出自身特色，让人物鲜活让观众喜欢。

四、结 语

我们学习动画表演，是为了让我们的动画不再刻板和一成不变，毫无乐趣可言，是为了让我们的动画角色通过“表演”让观众认可，让观众信服这样的一个人是活在某个世界里的，我们过着我们的生活，他们也过着自己的日子，只是时不时，从他们那里我们获得欢乐、感动与惊喜……

影视动画范文第8篇

[关键词]影视动画；水墨画；剪纸艺术；京剧扮相

传统美术作为我国五千年优秀民族文化的重要成分，是我国劳动人民在发展过程中创造出来的财富，具有丰富的文化底蕴，多彩的民间文化是我国民族文化的重要组成部分，具有最古老的艺术韵味，丰富着民族文化的内涵，是我国五千年传统文化的瑰宝。传统美术作为民间文化的重要载体，是我国劳动人民集体智慧的结晶，反映了我国劳动人民对生活的反思、乐观向上的精神品质。因此，影视动画对传统美术元素的应用不仅开拓了影视动画的发展空间，而且传扬了我国优秀的民族文化。

影视动画自20世纪初起步到现今已有百年历史，而我国第一部动画片也有八十多年的发展历史。经过长时间的演变影视动画如今已趋于成熟，以一门独立的艺术形式而存在并深受人们喜爱。为了满足影视动画市场的需求，影视动画在美术造型上不断突破呈现出多样性这其中影视动画造型的美术风格逐渐凸显出重要性，需要创作者加以重视。优秀的动画作品不仅要有动人的剧情、镜头语言的独特性、场景设计的完美性，其中优秀的角色造型是整部动画作品的核心，人物的特性、剧情的发展、作品的风格都需要通过角色造型来体现。出色的角色造型能够给人们留下深刻的印象，如米老鼠与唐老鸭就是海内外皆知的经典动画造型，其成功的造型深受人们喜爱，由此华特·迪斯尼将动画发展为一种商业艺术形式，形成了一套产业链并因此获得了巨大的财富。现今的米老鼠与唐老鸭已成为著名的商业品牌，是国际动画商业市场的潮流代表。

一、影视动画与美术元素

影视动画是在造型艺术与影视艺术的基础上形成的一门独立的艺术形式，因此影视动画美术风格的形成深受美术与电影两种艺术类型的双重影响，造型艺术的艺术表现力、影视艺术的故事叙述性共同融入影视动画的创作中，使得影视动画的美术风格呈现出造型性与实用性。影视动画具有艺术性与写实性两种区分，艺术性的影视动画作品篇幅较短，讲究独特性、风格化，注重绘画技巧与创新尝试；而写实性的影视动画作品具有反映现实的特色，在故事叙述上趋于电影艺术。现今，影视动画的商业性质越来越明显，加之新技术的运用使影视动画的美术风格发生了转变，一是继续探究艺术短片的发展前景，创作出更多独特的新形式；二是将其发展成为一种产业形式，以动画长片为主，具有商业化，新技术手段为美国商业动画的美术风格增添了新的光彩，显示出一定的创新性，但这种美术风格却使动画样式受到局限，动画创作变得模式化、复制化。

为了满足人类发展过程中的需求，中国传统美术便应运而生了，这是人类经过长时间探究自然与生命的成果，折射出人类的精神世界。传统美术是中国人民智慧的集合体，经过长期社会实践的累积使传统美术蕴涵的主题与寓意得到了升华，无数的主题体现着人文内涵的多姿多彩，传达着人们对生命的渴望、对生存的思考、对幸福生活的向往。由此可知，传统美术与影视动画在创作取材上有着共同的来源，即中华五千年优秀的历史文化，因此通过研究传统美术的创作主题提炼出优秀的元素，这对处于新时代背景下的影视动画创作具有极大的帮助，促进着我国影视动画的新发展。

二、影视动画的传统美术元素

（一）水墨画

水墨画是我国传统绘画艺术的主要成分，至今已有一千多年的发展历史，体现着中国文化的独特审美风格。为推动我国影视动画的发展，将水墨画运用到动画制作中，水墨动画片继承了传统水墨画的特色，并蕴涵着丰富的民族文化内涵，是中国人对艺术的创新。水墨动画片将美学与民族文化相结合，通过巧妙的方式将意境、气韵融入创作中，呈现在作品的格调与色彩中，令人充满遐想而引起共鸣，它所体现的艺术风格极具中国文化韵味。

传统美术艺术对我国影视动画的发展具有极大的促进作用，在影视动画发展过程中借鉴了传统美术的精髓，进而创造出一种新的动画品种——水墨动画，拓宽了我国影视动画的发展空间，是我国影视动画革新的关键所在。水墨动画的创新之处在于摒弃了传统单线平涂的方法，使用无轮廓的线条，尝试运用水、墨进行动画造型设计。如在水墨动画《小蝌蚪找妈妈》中就运用无轮廓线条，利用水、墨的柔和感来渲染意境，为观众塑造了一个个活泼可爱的小蝌蚪形象。而水、墨也可以表现出动态感，如在《牧笛》中利用牛、鱼的活动来营造静态水的动感，将意境表现在形体动作中并通过周边环境来渲染，为表现出水的感觉可以利用周边空白的景物与露在水面上牛的身体来营造，水中倒映着牛的所有变化动作，给人一种河水清澈的联想。同时，牛的不同造型可以通过水墨的浓淡性来表现。水墨动画是对中国传统美术的传承，使我国影视动画产业的发展空间变大，也为我国影视动画的发展提供了新的生机，推动着我国影视动画产业走向世界动画市场的进程。

（二）剪纸艺术

剪纸，是民间传统手工艺术的一种，已发展了千百年，是我国传统文化的重要组成部分。剪纸艺术深受民族风俗、、历史文化的影响，能够表现出当地的文化气息。剪纸艺术积累了长时间的历史沉淀，将我国不同时代的表现特征通过剪纸的形式保留下来，成为研究历史的重要资源。若外国朋友想了解剪纸独特的艺术特征，需要认真探究我国传统艺术才能够有深入的理解。我国的第一部剪纸动画是《猪八戒吃西瓜》，该部动画获得了国内外大众的普遍欢迎。但由于剪纸动画使用材料的局限性，其动画角色只能通过平面的形式展现，观众只能欣赏到正、侧面的视觉效果，利用皮影戏的特征来表现人物动作与形态的变化，通过纸与纸的相互交错、点与点的合理布局使动画角色的表演表现得淋漓尽致。

《金色的海螺》是我国的彩色剪纸片，是典型的手工技巧作品，具有强烈的民族文化气息，将绘画与动画融合在一起，使动画角色更具表现力与动态效果。如空中展翅翱翔的老鹰、海上跌倒起伏的海浪，这些为影片增添了活力，使动画作品更具感染力。利用镂空的剪纸特征来刻画动画的角色背景，增添了动画画面的精致性。同时，在动画角色的脸部也做了新的尝试，利用绝妙的手工艺术、高超的绘画技术使动画角色的造型更加生动活泼。可由于剪纸艺术仅适合于平面制作中，不利于表现创作者的想象与构思，因此在现今的影视动画制作中，剪纸艺术已渐渐失去了发挥的机会。

但今天，我国影视动画创作者又重新开始运用起剪纸艺术，将剪纸艺术与皮影戏两者艺术相结合，进而丰富影视动画的表现形式，使我国影视动画彰显出更加独特的艺术魅力。如《渔盆》是一部出色的影视动画作品，它的角色造型就运用了剪纸与皮影戏的特色。表现角色关节肢体在平面上运动的形态时，剪纸动画《猪八戒吃西瓜》为我们作了成功的典范，利用制片重叠的效果来表现，《渔盆》在角色动作的设计中也借鉴了此方法并作了创新，令动画角色的动作更加灵动犹如在平面上舞蹈般。另外，《渔盆》还作了新的探索，将剪纸形式运用到多层背景中，表现出相对运动的效果，进而增添了影视动画的纵深感，这是对传统剪纸与皮影艺术风格的传承，也是对这种平面美术风格的创新。

（三）京剧扮相

京剧是我国传统艺术中的精粹，闻名海内外，现今已发展了200年。其中的脸谱是京剧中的特色元素，具有鲜明的艺术表现力。脸谱的色彩有深刻的寓意，角色的善恶、忠奸、美丑、褒贬通过色彩来表现，红色是正义的代表；黑色表现刚在不阿；白色表现独断专行；金色是仙人神者的代表，等等。这是我国民族文化独有的传统艺术表现，因此将其应用到我国的影视动画创作中有利于凸显我国民族文化的特色，让影视动画具有明显的中国色彩。为了凸显我国影视动画的民族特色，在动画角色造型上借鉴了京剧的艺术表现形式与设计技巧。如《骄傲的将军》其将军的角色造型就运用了京剧脸谱的特色，在此基础上作了创新，使将军刚愎自用的人物性格表现得淋漓尽致。师爷的角色形象采用的是京剧中的丑角造型，将阿谀奉承的人物性格表现在动作与脸部形态上。动画的角色造型运用京剧元素来表现，独特的艺术形式使作品更具视觉感染力，让观众在观赏作品的同时也了解了我国传统文化独特的艺术魅力。再如，影视动画《大闹天宫》的孙悟空造型也采用了京剧元素。根据角色的人物特征将孙悟空的造型比例进行了缩小，使其动作更加灵活，表现出猴子活泼多动的特性，又通过色彩的搭配将孙悟空洒脱干练的人物性格充分地展现出来。这样的造型设计不仅形象地表现出孙悟空的猴性，而且符合新时代人们简约美的审美要求。此外，孙悟空的脸部造型也做了改善，利用桃形来塑造脸部造型，并为孙悟空涂上了金色的眼影、绿色的眉毛，表现出孙悟空无拘无束、自由的人物特点，造型新颖独特加深了观众对孙悟空形象的印象，使动画角色造型深入人心。

三、结语

传统美术元素对影视动画的发展仍具有重要的影响性，影视动画在制作过程中融入传统美术元素，使动画角色造型新颖独特、富有表现力，突出了动画角色的性格特征，推动着故事剧情的发展，进而满足广大观众的审美需求，为观众带来强烈的视觉震撼。传统美术是长期优秀民族文化的沉淀，影视动画对传统美术元素的应用丰富了动画作品的文化韵味，所以对影视动画的不断完善与创新，其实质也是对中国民族文化的传承与发扬，有利于提高我国影视动画在国际市场上的地位。影视动画对传统美术元素的应用不仅增加了动画作品的艺术魅力，同时也拓宽了影视动画的发展空间，对我国影视动画的发展起到了推波助澜的作用。因此，我国影视动画创作者要充分认识到传统美术元素对影视动画的重要性，使传统美术元素为我国影视动画的发展作贡献。

[参考文献]

[1] 马铁骊.论中国传统美术与国产动画之关系[J].时代文学（双月版），2009（10）.

[2] 段静，王兆丰.浅析中国美术与动画电影中的艺术联系[J].电影文学，2009（13）.

[3] 李娜.关于国内动画美术设计风格几点分析[J].大众文艺（快活林），2011（10）.

[4] 闫星.论中国民间美术对动画创作思维的启示[J].美与时代（上半月），2011（07）.

影视动画范文第9篇

【关键词】影视动画;审美意义;视觉;角色

中图分类号：J901 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2015）10-0104-01

一、前言

影视动画是动画艺术的重要组成部分，是当前最受大众欢迎的一种艺术。影视动画是由人类根据美的规律创造出的艺术作品，具有艺术价值与审美价值。在影视动画作品创作与时俱进的今天，分析影视动画的审美意义，了解动画角色的审美价值、影视作品的视觉审美意义及色彩审美意义，有利于影视动画的长期发展。

二、影视动画角色的审美意义

第一，动画角色的个性突出。一部优秀的影视动画作品往往会给人们留下很深的印象，其最大的原因就是动画作品的角色个性十分突出。影视动画设计者会有效把握角色的性格，使角色与现实生活中的人物原型较为接近。这样的设计是符合当代儿童受众心理的，像纯真善良的灰姑娘与淘气的马小跳，都是儿童喜爱的动画角色。目前，影视动画的受众群体不断扩大至成年人，为了满足不同受众的需求，动画设计者会加强故事情节的复杂度，给予角色多重个性。但动画角色突出的个性与易懂的逻辑，仍然是其审美关键点。

第二，动画角色的造型简单。在诸多影视类作品中，动画作品的造型元素是最简单的，但概括性强。通常，动画角色是由简单的线条或色块组成的，也有用三维技术合成的较为复杂的角色图像，为了突出动画角色的性格特点，动画设计者会对动画角色的某一部分进行夸张。像大头儿子与小头爸爸，设计者就对头进行了夸张。

第三，动画角色的表演十分夸张。角色审美价值的发挥需要通过角色的表演来完成。动画设计者会通过语言或肢体动作、表演等部分的夸张处理，让角色的个性更加鲜明。比如米老鼠与唐老鸭的配音就是一种夸张的表演。

三、影视动画的视觉审美意义

影视动画作品的审美过程是从浅到深、由表及里的一个过程，通过对视觉信息的分析，上升到感情审美。视觉审美是第一步，强烈的视觉冲击会带来视觉上的刺激，让观众从动画作品中找到情感认知。

第一，影视动画作品多用动画意象或者视觉形象，给观众带来许多夸张的视觉审美，扩大了动画作品的审美张力。对于大多数社会大众来讲，异于平常的奇异形象出现在动画中时，往往会激发他们的审美兴趣。动画中的人物以及动物的外在形象，都是吸引受众看动画的关键点。比如说《米老鼠与唐老鸭》中的鸭子与老鼠的形态就不同于平常，这也成为了整个动画作品的切入点。动画作品表达形式的于平常，增加了动画作品的审美意义。

第二，影视动画作品具有虚拟性。科学技术对动画作品的支持，加大了动画作品的虚拟性。虚拟的环境让人们多种心理状态得到反应，也能从不同的角度去表达人们的生活态度。虚拟的空间让人们更加渴望影视动画，更加容易发现影视动画的审美价值。动画艺术本身就是一种假设性的艺术，之所以如此夸张，就因为题材是虚构的，情感是幻想的。

四、影视动画的色彩审美意义

色彩，是影响动画作品审美价值的重要因素。彩色与黑白相比，更具视觉上的吸引力，也更加生动。

首先，彰显动画作品的画面美。色彩对于动画角色的塑造有着重要的作用，动画设计者需要选择合理的色彩进行正确的搭配，才能让动画角色具有他们理想中的个性。色彩在动画中的应用，有利于角色精神的深化，让角色的个性更加准确地表达出来。如《花木兰》中，观众可以通过色彩去区别人物，判断人物个性是正义的还是邪恶的。

其次，促进动画情感氛围的渲染。除了声音、形象以外，色彩是动画作品的另一种语言。色彩能够传递情感，更能左右观众的心理状态，使动画作品表达出导演期待的效果。色彩会激发观众的心理联想，引起情感上的共鸣。动画中的诸多情感，都可以通过色彩来渲染。如在《海底总动员》中，在海底蓝色调的渲染下，环境十分宁和。

五、结语

综上所述，影视动画的产生，就是具有审美意义的。对影视动画的多种审美意义进行分析，能够发掘影视动画作品的文化意义。对影视动画作品的色彩与角色进行分析，解析视觉审美意义，会让影视动画作品发展的趋势得以明晰，从而推动影视动画作品更科学地发展。

参考文献：

[1]李婷.色彩在影视动画中的审美意义[J].大众文艺，2011，（11）：149-150.

[2]丁卯，谢芬校.浅谈影视动画的视觉形象审美[J].电影文学，2008，（15）：45-46.

[3]夏博.影视动画角色的审美特征[J].美术教育研究，2012，（08）：96.

[4]付野.探析影视动画中色彩艺术的审美意蕴[J].电影文学，2012，（12）：74-75.

作者简介：

龙燕含（1987-），贵州天柱人，本科生，贵州广播大学（贵州职业技术学院），助教，研究方向：影视动画;

影视动画范文第10篇

[关键词]影视动画；环境塑造；情感基调

影视动画已经历经了上百年的发展时期，我国于1926年完成了第一部动画片的创作，距今也有80多年的历史时期。在整个动画的发展过程中，影视动画经历了不断变化发展的过程，而且作为一门独特的艺术形式，得到广大观众的喜爱。另外，随着商业的快速发展，也带动了影视动画在角色造型上呈现出多样性和创新性的特征。在影视动画的创作中，“镜头”和“场景环境”都分别作为影视中叙事的载体，而“镜头”也涉及环境创设中各个镜头的空间布置，为整个影视作品担负着时空叙事的作用，还决定了整部影片的创作风格，贯穿影视叙事部分的前后部分，起到映衬影视空间的作用。空间环境的作用性主要体现在影视的视觉效果上，所以对于影视作品来说，整部影片的艺术风格设定就成了关键的一步。

一、环境塑造与影视动画的内在联系

在影视动画创作中关于场景设计主要是为了衬托动画情节的发展而塑造的环境艺术，是影视中随着时间的变换而发生改变的空间环境塑造，它紧跟随着影视故事的发展，并始终为影视角色提供映衬的作用，几乎处在影视角色和情节发生的每一个场景中，囊括了自然环境、社会背景、活动场所等所有场景中，成为决定影视动画艺术风格的基本保证，并发挥了积极的作用力，使其赋有艺术魅力。

环境塑造主要氛围两种形态，其一是物质形态；其二是意识形态。前者主要是构成环境塑造的物质元素，并且这些元素都根据不同材质的划分而归纳为各个类型；后者主要指影响人类活动的精神元素，它通过造型、图形等多种环境塑造的方式来增强影视动画的视觉效果。环境塑造不仅要求有独特的创造，还要表现出强烈的艺术性特色。它的实际作用性不仅体现在描绘场景上，还辅助影视动画的故事情节设定，为影视的戏剧效果提供环境的烘托作用、深化人物形象等方面。环境塑造主要根据剧本、角色的造型设计以及跟随故事发展的时间线索为主，在影视的画面拍摄过程中发挥了举足轻重的作用，换句话说，环境塑造限定了影视作品中的画面拍摄，并为影视动画奠定了感情基调。

影视动画中的环境塑造不仅关系到角色和情节的发展，还对观众的视觉欣赏效果起着关键作用。当观众在欣赏影视动画的时候，不仅仅能感受到组成组画的各个元素，观众还会跟随剧情的变化而产生不同的情绪，而这种情绪的感染就是影视动画中环境塑造的作用，所以环境塑造是否得当，关系到动画作品能否获得成功，动画创作者应该重视环境塑造带来的实际作用，并积极地开发创新艺术元素，为环境塑造注入新的生命活力，特给观众展现优良的视觉效果。

二、环境塑造在影视动画创作中的作用

空间环境的设置能凸显出社会的基本形态和人物的内心情境，所以动画创作者应着重扣住动画场景的前后变化的对比性，以此来抓住人物的情感变化，同时也增强动画的背景。环境塑造主要是一种具体的形象化的思维以及和其他思维模式的相互作用下形成的。环境塑造也可以认为是把“景”和“情”的交融，其中“景”就是通过大自然景观和人文的景观构建成一个特有的空间，使其成为时代背景和历史的象征。在进行环境艺术的塑造过程中，创作者通常都会借助景来抒发内心中的真实情感，并折射出人文风情，于是就把一个代表环境的空间上升为一个特定的意境，熏染环境中的情感基调，表现民族的主题内涵，并散发出创作者的独特个性。

在影视动画的创作中，动画的结构思维与环境塑造存在动与静的差异，其中场景构建和环境塑造的基本因素与辅助规律都很相近，有时几乎是相同的。影视动画的场景构建是一种动态的环境塑造，而动态主要表现在通过影视基本的文字进行描述，它几乎不能脱离艺术创作的特征和形成规律。影视动画的场景构建是形成视觉效果的关键部分，既包括自然的景观，也包含人为力量而创设的空间环境，两者都为凸显动画人物的和谐美，或者是一种对照、映衬的作用。环境空间的塑造为影视动画中人物活动的进行提供一个相得益彰的意境，并在这个场所中产生戏剧效果和矛盾的激化，预示着人物最后结局的发展。

三、环境塑造在影视动画场景设计中的应用

在一部完整的影视动画中，存在三个最基本要素，包括剧情、角色和场景，三者之间也存在相互作用的关系。其中场景就是所说的环境塑造，为剧情的发展和角色形象提供一个展现的场所，而且观众可以根据空间环境的营造的氛围掌握剧情的发展进程，并保证影视动画的特定时间和空间的形成，另外，影视动画中构建的环境还可以带给观众耳目一新的感觉，而一部成功的影视动画是通过色彩的搭配、技术性效果等因素为观众带来视觉的盛宴，促使整个动画的画面显得更加富有生命力。

基调与气氛

一首音乐作品的创作也有相应的节奏和旋律感，一幅绘画作品也有独特的基调和氛围，这些特定的艺术元素都为主体的传达发挥了积极的作用，并折射出创作者的思想感情。相同的，每一部影视动画也有它的基调，而且来自海内外的影视代表作品中可以探知，这些成功的作品都擅长于对色彩的整体性搭配，关系到整部影片的主题风格，色彩感也是影视作品时代背景的反映。

影视动画创作中的环境塑造为时空背景和人物的内心情感上都奠定了基本的感情基调，是动画作品感情的主体发展趋势，对观众内心情感的形成也具有一定的作用，同时环境塑造还深化了动画作品的主题内容，对人物形象的塑造具有重要的作用。它通过独特的造型变化和多样的表现形式围绕在动画作品中前后部分，相互作用于人物角色的内在情绪和外在行为，成为动画作品中超越剧情限制的强烈表现力量。环境和塑造应从调度为根本出发点，以人物的动作变化为根本的依据，凸显人物的造型设计，通过造型的表象功能实现意象传达的作用。而要凸显出影视动画的视觉效果就要探寻出相应的感情基调，基调就如同音乐的旋律一样，无论是进行到哪一个章节，都有一个相应的基本基调，或许是欢快的，亦或许是悲伤的。影视动画通过人物角色的造型艺术、色彩渲染、情节发展以及独特的环境塑造功能等表现出影视动画的别样艺术风格。

空间与造型

环境塑造是一个宽泛的艺术表现形式，而且综合作用性很鲜明，主要指环境工程汇总进行的空间构建、艺术构思等计划，在这其中还包括了空间环境内的基础设施、装饰风格、造型艺术、色彩搭配以及材质选择等多个方面，而且它的表现形式也富有多样性的特征。环境塑造为影视动画中人物的行为动作和情节的发展实现了衬托和推进的作用，同时也在一定程度上进行了人物心理活动的描写和思想情感的写意功能，环境塑造的作用渗透到人物角色的情感表现过程中，具有进一步深化和加强感情感表达的作用。在进行动画的创作时，通常会考虑到动画场景的视角、空间分布等方面的画面拍摄，环境设计者构建的环境空间不仅要能从景中取画，还有在画面中营造优美的景观环境。前者是通过主观的能动性来完成的，后者是属于客观艺术表现的范围。只有情与景的相互融合，才能在动画画面中探寻到“景”，赋予其超越环境塑造的深刻意味。影视动画中进行的环境塑造就是为了主题内容的表达，通过环境中的氛围、情感的变化发展等，在融汇到导演的主观意境中，促使动画作品的进一步升华，从而完成一部具有别样韵味的动画作品。

色彩与材质

环境和人物角色是影视作品中主要的中心内容，也为动画作品的故事情节提供载体，所以可以说，角色人物在造型上的色彩和空间环境中的色彩配置就成为人们重视的一个问题。但是空间环境的色彩艺术并不是绝对独立的，通常是创作者因为过度的重视情节的逻辑关系，而容易忽视环境色彩与选择的材质给观众带来的视觉感受以及空间的构造联系。一般情况下，创作者会把空间环境、服装与化妆三个方面的色彩搭配，从而使其形成统一的关系，人物角色和环境又存在一种相互统一的关系又有一定的戏剧作用性。色彩能反映出人物的内心世界、心理变化、精神领域等方面内容，相反，人们生活范围的色彩也对人的内心活动、心理、情感等存在隐形的关系。我国许多的动画作品仍然停滞在为了表现故事情节、表演等层次上，却很少去展现角色在精神世界中和空间环境中的感情变化。环境塑造采用的色彩和材质凸显出人物的内心活动，同时也对观众的思想感情和心理上产生一定的作用，所以在影视动画的环境塑造中应该正确、合理地选用色彩和材质，从而通过视觉艺术来凸显主题内容，进一步的提升动画作品的质量保证。

四、结语

影视动画艺术一直感染许多观众，为人们呈现视觉上的，无论是哪一个种族，或者每一个年龄阶层的人，都在不断成长的过程中实现自我的完善和提升，并体现出多种多样的艺术风格，受到人们广泛的关注。影视动画已经有百年的发展历史，站在学科的角度上看，影视动画是一门综合性极强的学科，并且拥有年强的火气和朝气，主要体现在动画本身的艺术理念和形式内容上，都浓缩了时代潮流的元素，同时影视动画创作技术的革新也是现代化技术体现。环境塑造在影视动画中发挥的积极作用是不可忽视的，几乎除了角色造型上的设计外，其他事物的造型都包含在环境塑造中，所以环境动画也可以认为是动画作品中灵魂的体现。另外，环境塑造决定了动画作品中的艺术风格，所以要求设计者自身应该具备系统的专业知识，并具有丰富的设计经验，同时，设计者还应发挥创新的精神品质，在设计之前，首先掌握好动画的主题内涵，才开始设计一些相适应的环境图画，以此达到引人入胜的效果。

[参考文献]

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[2]郭霖蓉，李晋尘.水墨动画环境空间造型意境的分析[J].美术大观，2010（11）.

[3]曲春景，童云霞.影视动画作品中色彩语言的表意功能[J].上海大学学报：社会科学版，2009（06）.