欧美艺术范文

欧美艺术范文第1篇

一、音乐剧历史发展概述

音乐剧界定历来众说纷纭，其原因在于音乐剧是一种内容与形式均十分多样的艺术形式。总体而言，音乐剧是从欧洲古典歌剧，尤其是喜剧、轻歌剧等形式演化发展而来的,融合了音乐、舞蹈、美术等多种艺术元素，以表达普通人思想感情、揭示人性的真善美与假恶丑的一种通俗音乐戏剧形式。这里强调的是音乐剧是俗中透雅的戏剧，这是与以优雅高贵的形式表现英雄人物的古典歌剧最大之不同。最早的音乐剧可以追溯到《乞丐歌剧》，但真正的现代音乐剧形式在美国兴起发展。目前音乐剧在全世界各地都有上演，美国纽约百老汇和英国伦敦西区是世界两大音乐剧中心。

早期音乐剧从宗教音乐、欧洲古典歌剧以及民间歌剧汲取艺术元素，音乐曲调取街头民谣，音乐与剧情无关。其中黑人音乐，如灵歌、布鲁斯（Bules）、拉格泰姆、爵士乐（Jazz）等对音乐剧音乐发展起到了非常重要的作用。早期音乐剧以剧情剧与歌舞剧为主。时至1927年，《演艺船》在美国首演具有里程碑意义。这部音乐剧由“现代美国音乐剧之父”杰罗姆·科恩创作，该剧关注底层妇女生活，具有深刻的社会意义。

十二世纪四、五十年代是音乐剧发展的黄金时期。理查德·罗杰斯和奥斯卡·哈姆斯坦等是这个时代的杰出人物，《俄克拉荷马》、《天上人间》、《南太平洋》、《国王与我》、《音乐之声》是其代表作。佛雷德里克·洛依与阿伦·杰依·勒纳的《窈窕淑女》以及列昂纳德·伯恩斯坦和杰罗姆·罗宾斯的《西区故事》均是流传至今的经典名作。二十世纪中叶至今是音乐剧发展的繁荣期。这一时期音乐剧在音乐上有了新发展，摇滚乐等流行音乐融入音乐剧。这一时期英国音乐剧开始兴起，从而形成伦敦西区与纽约百老汇的二元局面。现在耳熟能详的所谓四大音乐剧：《猫》、《歌剧魅影》、《悲惨世界》、《西贡小姐》均产生于这一时期。英国的安德鲁·罗依德·韦伯是当代最著名的音乐剧大师，他创作了许多音乐剧名作，如：《耶稣基督巨星》、《猫》、《歌剧魅影》、《爱的观点》、《落日大道》、《微风轻哨》等经典作品每年都在世界各地巡演，得到人们的公认与追捧。

二、音乐剧的艺术特征

1、古典歌剧艺术的继承

欧洲传统歌剧无论在内容上，还是表现形式上都给了音乐剧以灵感与借鉴，甚至可以说音乐剧就是古典歌剧的继承者，尤其音乐剧早期表现的较为明显。早在莎士比亚以及莫里哀时期就有过戏剧、芭蕾与音乐结合的尝试。古典歌剧强劲的艺术生命力与西方文化思维使得其在历史流变进程中不断与时俱进，积极吸纳现代时尚元素，推陈出新。欧洲古典歌剧的艺术魅力及其文化内趋力势必辐射其他后生的音乐舞台艺术，也自然成为音乐剧最初模仿的范本，从而导致音乐剧的形成。在此过程中古典歌剧始终不断给予音乐剧以丰富营养。

2、时尚艺术元素的吸纳

音乐剧有传统歌剧的音乐形式，但作了适应观众性改变。譬如，歌剧的宣叙调变换成音乐剧的对白，歌剧音乐繁杂的声部简化为合唱；传统歌剧的美声唱法被通俗演唱替代（严格地说应该是音乐剧纳入大量现代流行音乐），同时，传统美声唱法本身也有了新的变化（如声音的位置、气息）音色与传统美声有很大不同。此外，和歌剧相比较，音乐剧常运用一些不同类型的流行音乐及其乐器编制。例如：韦伯的音乐剧《耶稣万世巨星》中大量流行音乐的运用。同时，音乐剧还大量运用了现代舞蹈，现代灯光、音响、电子音乐、舞台美术等时尚元素，因此，现代音乐剧是时尚艺术、流行文化融合运用的综合音乐艺术形式。

3、多样灵活的表现形式

音乐剧革新了歌剧的一些传统。譬如，（1）没有了宣叙调而带以对白；（2）表现的侧重点各异，有以舞为主的音乐剧，譬如韦伯的《猫》；有以歌为主的音乐剧，例如勋伯格的《悲惨世界》就是以歌为主；（3）歌唱形式多样，演唱方法也不仅仅是美声唱法。例如，《悲惨世界》音乐剧中既有美声唱法，也有通俗演唱，而《耶稣万世巨星》则完全用流行唱法。音乐剧普遍比歌剧有更多舞蹈的成份。音乐剧中音乐是主导，相比之下，音乐剧里舞蹈的成份更重要。

整体而言，音乐剧形式多样化，内容生活化、表演通俗化。譬如世界四大音乐剧中，《猫》是一部童话式作品，《西贡小姐》是一部女情悲剧，《剧院魅影》以美声唱法为主，是“歌剧－轻歌剧－音乐剧”过渡的典范；《悲惨世界》代表着文学巨著改变音乐剧的典范。音乐剧长度没有固定标准，但大多数音乐剧长度都介乎两至三小时之间，通常分为两幕，间以中场休息。音乐剧擅于以音乐和舞蹈表达人物的情感、故事发展和戏剧冲突，利用音乐和舞蹈表达语言无法表达的强烈情感。音乐剧属于表现主义，时空可以被压缩或放大，如男女主角可在一首歌曲过程中由相识变成堕入爱河，这是写实主义戏剧所不及的。

4、人文主义精神的传达

对人性与社会实质的直露表达是音乐剧艺术本质性征。自19世纪中叶到20世纪，音乐剧百年发展历程伴随着西方社会的工业文明、承扬了人性思想的文艺复兴。现代文明给了音乐剧新颖多样的时尚形式，人文思想则赋予了音乐剧真实深刻的高雅内涵。不论从《演艺船》到《音乐之声》，还是从《耶稣基督巨星》到《悲惨世界》，不论音乐剧的艺术形式多么异样、表演方式多么时尚，音乐剧都从内而外地凸现出了人文主义思想，一种对人性精神世界的深度表达，以及社会本质的直接揭示。音乐剧关注社会底层，宣扬人类精神决定了其传达人文主义精神的艺术本质。总之，音乐剧运用多样化的形式表达普通人的生活与感情，具有后现代文化哲学的思想。同时音乐剧不拘一格的形式总是倡导一种人类的共同话题：对爱情与正义的讴歌，对人性真虚、美丑的直接表达。

三、中国音乐剧的思考

欧美艺术范文第2篇

关键词：欧美电影；摄影艺术；传统；发展；

一、欧美电影摄影艺术的传统特征

电影摄影艺术的诞生标志着电影的诞生，它的发展是伴随着摄影艺术与绘画艺术、戏剧艺术、剧作艺术的不断结合和不断发展、前进的。19世纪末期，电影摄影艺术伴随着电影艺术出现了，原始的电影摄影艺术仅仅是从一个单纯的视点甚至谈不上视角出发通过光学胶片及化工原料记录了简单的画面，这个时期的电影摄影不被看着一门独立的技术，更谈不上是艺术，在拍摄过程中仅仅要求记录下来电影影响，而视点的选择和电影画面、构图及美感都没有相应的概念，导演或许对摄影艺术的唯一要求就是尽可能清晰点记录下影片的画面。1899年卢米埃尔兄弟拍摄了人类历史上第一部真正可称之为电影的艺术作品《灰姑娘》，三年后又拍摄了《月球旅行记》。他们开始用摄影技术来表达影片，而不仅仅是记录影片，卢米埃尔兄弟在当时用创造性的方式设计了电影摄影方法，比如二次曝光、停机再拍、画面构图、分割、遮挡等技术，这些技术即使在现代的影片拍摄里也经常使用[l]。电影工业的发展使电影工业中的各个工种分工更加精细，分工精细化使电影拍摄艺术也得到了长足的发展，并且摄影师们在对不同类型的影片的拍摄过程中积累了不同的经验，如故事片、新闻片、记录片在各自的拍摄技巧如沟通、聚焦、曝光等上都有所不同，因此摄影师这个行业开始在全世界出现了。

纵观欧美电影摄影艺术的发展历程，传统欧美电影的主要表现方式有光线、色彩、构图、光学等手段。欧美国家的摄影师通常在采光、补光过程中通过相应的道具利用自然光和人工补光来制造各种营造氛围、烘托氛围的光效，这些光线中的基调和明暗度在摄影师的设计运用下显得层次分明，并能实现各种影片需要的光效，同时摄影师通过对光线的运用，在影片拍摄中为塑造人物形象和渲染影片环境，加深了画面的质感，使表现形式更加立体和具有表现力。美国著名导演格力费氏（Griffith）和比利﹒毕哲尔（Billy Bitzer）是欧美电影史上对于光线运用最具开创性的摄影艺术家，他们合作了出《暴风雨中的孤儿》、《一个国家的诞生》、《党同伐异》等著名的影片，在影片中，他们通过自身对光线的敏感和丰富的想象力，在艺术创作过程汇中，用创造性的思维开创了欧美电影对光线运用的时代。格力费氏在美国洛杉矶建立了一个摄影棚，通过木板搭建的大平台和大块的白色棉毯调整光线，这里后来发展成了举世闻名的好莱坞[2]。

欧美电影摄影艺术的另一个重要传统即是对色彩的运用。欧美电影摄影艺术中摄影师通过对画面色彩、色差、饱和度、色对比度等的运用，将影片的基调和情绪定位并烘托。欧美电影摄影师常常用色彩的选择和配置创作出唯美、宏大、磅礴的画面，令人叹为观止。欧美电影摄影艺术的色彩不仅仅起到画面构图的作用，它的更为重要的作用是在影片中通过色彩的变化和摄影师对色调、色差的把握，为剧情的发展埋下伏笔，同时承担着刻画人物内心世界、民族特点等作用。查里斯·劳顿（Charle Laughton）拍摄的恐怖片《猎人之夜》中对于色彩的运用堪称经典。影片中摄影师通过冷色调的基调和暗色调的灵活运用，将恐怖的基调在影片中一点点渗透、蔓延，同时用强烈的色彩对比，拍摄出极具视觉冲击的画面。在影片中的男主人公和女主人公临死前的一场戏中，偌大场景中，微弱的灯光映射出男主人公棱角分明的的面庞和忧郁、犹豫不决的神情，暗色调中女主人公一袭白裙躺卧在前景，色彩对比分明，反差巨大，给观众留下了深刻的视觉冲击和心灵冲击。

二、现代欧美电影摄影艺术的发展

如果要谈现代欧美电影摄影艺术的发展，就不得不谈3D摄影技术的发展。3D摄影技术早在电影诞生之初就出现了，不过在早期它的发展不尽人意，受技术的发展和观众对3D技术的认知度的限制，3D摄影技术从上世纪30年代一直到本世纪初一直处于停滞状态。进入21世纪以来3D摄影技术大放异彩，甚至某种程度上成了电影工业重整旗鼓的重要支柱。近年来，从3D动画片《极地快车》在全球取得了票房的成功，接下来的《飞屋环游记》、《驯龙记》、《冰川时代》、《马达加斯加》等等都是叫好又叫座的成功的3D电影，3D电影的到来时电影创作者们在摄影方面有了更大的施展摄影技术的空间，摄影师们可以通过3D技术将场景更为全面地表现给观众，通过3D技术带来的戏里戏外的感觉使观众全身心投入到影片当中，通过精心设计的画面给观众带来的视觉冲击和心里效应更加强烈和刺激。詹姆斯卡梅隆导演的《阿凡达》无疑是3D电影中一个具有里程碑意义的电影。影片中唯美的画面和精细制作的细节贯穿到影片的每一个场景，借助3D技术在空间和深度上的表现元素，在交错复杂的阿凡达星球，观众仿佛身临其境，在阿凡达星球的森林里色彩艳丽的植物触手可及，极富纵深感的摄制方式和扣人心弦的故事情节完美地构成了这部具有划时代意义的3D影片。

三、结语

然而，近年来，随着人们对3D电影的热捧，许多欧美影片制作人利用3D的噱头制作了许多形式大于内容的影片，这些影片极端地将3D技术在影片中过分应用，甚至将3D技术推高到凌驾于电影本身故事之上的位置，而忽略了电影的本身是故事的讲述和人物性格的塑造。随着摄影师们对3D摄影技术的理解也日趋理性，欧美导演和摄影师们意识到3D摄影技术不仅仅是一项炫人耳目的新技术和低劣的光学把戏，而是为了更好地表达电影故事本身的一种手段，通过这种手段，观众能够更好地参与到影片的故事情节中去，能够通过3D技术更好的将电影情节和画面展现给观众[3]。

参考文献：

[l]Tedd MeCanhy，HollywoodStyle，FilmComment，2004.

[2]Leonad Maltin，TheArtofCinematograPhy，NewyorkDover，2009.

欧美艺术范文第3篇

关键词：欧美；传统商标；艺术形式

中图分类号：J524 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）08-0090-03

在欧美历史长河中，商标，或者起到商标作用的其它标志，至今已存在了约5000年。如今天仍在使用的陶工印记，其他的，如纹章标志，在现代设计中还经常被延展和引用。甚至在古代隐语徽章中就已出现了人名的视觉双关语。但是，历史上的商标多是“使用者”商标，它们较多的关注商标的使用者而不是接受者。在历史中，商标产生的动机多是从个人或组织获取社会认知需要和愿望中演变而来，农场主给自己的牲畜打上烙印以防被盗；陶工会在自己制作的器物上留下印记，以示自豪感。在需要与愿望之间并不存在当今的任何互相包含的关系，难说哪一个更重要。在早期，相当于商标的标志主要阐明三个方面：社会身份，是谁或谁表明了这些；所有权：是谁拥有了这些；原产地，谁制造生产了这些。这与现代标志设计的动机是相符合和一致的。我们虽然无法确认是谁率先利用平面图形来表意，表达身份、所有权、所有者或生产者的信息，但可以肯定的是最初的标志是图形而非文字。欧美历史上的商标或标志大致表现为以下几种样式：

一、纹章（盾章）

纹章一词源于拉丁文，意思是传令官的艺术。今天的纹章有两层意思，既表示盔甲上的标记也表示这些标记的研究与设计。在中世纪的比武大赛中，传令官是负责核实参赛骑士身份的官员，仔细审查参赛者的徽章并向观众宣布参赛者的身份。由于骑士都是全副武装，其身份只有通过盾牌、盔甲、头盔和坐骑上的纹章标记来识辨。主要表现为盾牌表面的简洁易读的分割线条，全部或部分分为几种形式：横分，竖分，左斜分，右斜分，十字分割，X形分割和V字形。分割不是单一的可以重复。重复十字产生方格，重复X形则产生若干菱形格子。而起到分割作用的分割线还进行了一些装饰：翻转形，波浪形、云纹、锯齿形、楔形、弧形等等。

二、花押

在希腊语词源里，花押一词的意思是“单线条”，表示写出或画出某物的轮廓。如今该词则用来表示用某人姓名的首字母来设计的图案。东罗马帝国的皇帝朱斯丁一世（公元450-527）因为不识字，用花押来签署名字，为那些目不识丁的人提供了一种简单的签名方法。

法国国王蒂埃利三世（673-690）和短命的丕平国王都用十字来代替自己的签名，十字的交点处会有一个菱形。花押只要能够识辨就可以，而不需要读懂它。在世界上的很多地方，绝大多数人都不识字，现代字母商标也只是让人们识辨而不需要读懂，这与早期的花押有相似之处。就如同很多人一眼就能识别可口可乐的商标，但不见得能正确拼写出来，要求阐述出其商标的含义就更难了。在王国里，君主的花押也有相似之处，都含有字母“R”，表示国王或女王。来自皇家的花押表示权威也表示一种所有权，用在皇室用品或建筑上相当于皇冠，用在流通的货币上则表示其合法性。

三、烙印

用烙铁在牲畜或者奴隶身上留下印记至少已有5000多年的历史了。在古老神秘的埃及，距今3000多年的墓石表面就绘制了身有烙印的家畜。然而任何地方的烙印都不及美国所达到的程度，由于受到经济利益的驱使，烙印是经过了精心的设计的，并在《国家烙印目录》一书中注册，还规定烙印应该烙在牲畜身体的什么部位，且配上对应的文字描述。

烙印的某些特征与纹章相似，烙印也表示世系传统。美国的烙印由文字、数字、图形的任意组合而成。其面积一般不超过25平方英寸。整个农场有时都是按照烙印来命名，并依据烙印给牲畜的主人起个别名来作为称呼。

四、耳标

用来给牲畜打上印记的除了烙印外还有耳标和纹身。在美国，许多牲畜出于安全和易于识别因素的考虑，同时拥有烙印和耳标。在冬季牲畜的皮毛较长或夏天牲畜身体脏的无法看清时，耳标则比较容易辨认。

五、农场标记

在北欧，农场主的牲畜数量远不如美国的大，但他们仍然需要给自己的牲畜打上印记。荷兰人十六世纪移民到丹麦阿迈厄小岛，他们在其牲畜上留下的印记与他们财产上的印记是相同的。有些印记还使用到了二十世纪初。这些移民到丹麦阿迈厄小岛上的荷兰人土地彼此联系在一起，没有任何的界限区分，有时可能共用农场。农民在土地的界石上刻印自己的标记，也出现在农耕工具上，送去烟熏的火腿上。荷兰人的农场标记是荷兰人的一种传统，图形样式与古代丹麦文字及一些石匠标记是相似的，表现为字母、图形，以简单的线条为主。

六、陶工标记

欧洲古代陶器上出现了大量的图标。希腊花瓶上就有用硬笔或毛笔书写的标志，也有刻印上去的标志。花瓶上的标志有时是商人的，商人们从陶工那里购得花瓶并将其卖到各地。有时是陶工或是所有者的标记，有时是花瓶的名称或价格标签，这些标记区分起来十分困难。

罗马的建筑材料中，在砖瓦上有时也有阳文的标记，而打上这些标记的印章可能是铜或橡木制成。标记表示了制造者的名字，建筑的承建人，陶器产地，地方执政官、皇室成员的名字等内容。

在公元一到三世纪出产的罗马油灯上也出现了阳文或阴文的商标印记，油灯主要产于意大利中部和北部。但不同于精细的手工艺制品，油灯有着明显的批量生产的痕迹，做工较为粗糙，类似于工业设计的早期雏形。

从十六世纪开始，人们就使用文字、图形及图案符号来标记各类陶瓷制品，包括花陶、彩陶、粗陶和瓷器等。有的标记还清楚的表明了生产商和生产时间。虽然陶工印记最明显的作用是表示生产者及生产时间，但其中也呈现出典型的纹章式样，例如皇冠与绶带。

七、石工标记

中世纪的石匠从某种意义上来讲在当时都应该是伟大的建设者。既是工程师、建筑师又是熟练工人。石匠们为了使自己声名远扬，彰显荣誉，也可能为了标明自己的工作以便得到合理报酬，就在十二世纪起在石头之上刻下属于自己的标记。古代陶瓷器皿上的标记都包含了文字内容，而石工印记一般都是非文字性的。其原因在于那个时候大多数人都目不识丁，当然也有出于保密因素的考虑。

石工印记在外形上基本都是由方、圆和三角形等基本几何形态构成，呈现出格子图，格子图也称之为“母图”。“母图”是属于“石匠基础”的一部分，“石匠基础”又是石匠们不外传的建筑几何学。

八、品质标记

品质是一种区别于其它事物与众不同的特性。英国的金匠、银匠及金银器皿的收藏者，品质标记代表着伦敦的金匠协会，所打标记就是品质保证，表示金属制品的纯度。品质标记主要出现在英国，整套英国的品质标记包括四种：

1.标准标记表示金属的纯度。

2.检验所的标志表示金属制品的检验地。

3.表示检验年份的日期。

4.表示银制品生产者的制造商标记。

九、印刷标记

十五世纪中叶，德国古登堡发明了活字印刷术，印刷商们开始在自己的产品上印上自己的标记。这些标记展现出丰富的设计思想和多样的艺术形式。早期的标记是用木头或金属刻制而成，然后用红色或者黑色印在印刷制品的封面或封底处。随后这类标记演绎的越来越精美，最终图和出版商标所替代。

早期的印刷标记是纯图案形式的，包括一个圆环和一个十字，或者一个圆环和四个十字，寓意世界和基督信仰。在这个图案之上可以加上各式装饰，一句箴言或者印刷商的名字字母缩写等内容。

十、水印

对于印刷行业的发展来看，优质的印刷纸张与活字印刷术的发明一样重要。优等纸张的生产者非常清楚，他们需要让自己的标志出现在最终产品上。而永久的水印实现了这一点。水印除了表明生产地之外，有时也表明纸张的质量与尺寸。在英国就是用各自的水印来命名不同尺寸的纸张。最早的水印出现在十三世纪的意大利，一本名为《水印》的书籍收录了18000多个水印，依据羊、鹰、锚、天使和圆环等不同内容进行分类。在今天，纸张上的水印被看做品质的保证。

十一、家俱标记

1751-1791年间，巴黎的家俱行业失去了原有特权，政府规定家俱上必须打上标记。1813-1841年在丹麦，家俱上打上了生产者的名字，而这些对于哥本哈根座椅制造商行会的成员才是必须的行为，每件家俱上一般只有简单的两到三个字母。1841年后则要求座椅生产者在他们的产品上打上行会的名字。从1837年到1842年，丹麦箱柜制造商也被要求在家俱上打上行会的名字，但不是必须的行为，其目的是在于进行同行业保护，排挤非会员制造商。

《皇家家俱杂志》（1784-1815），一本通过促进丹麦家俱更新与销售的杂志，在其所属工厂的家俱上打上了火漆标记。今天绝大多数优质家俱的生产者都在自己的产品上打上自己的标记，这些标记大多数是纸印的标签，十分相似，只能通过标记上的文字来识别。

结语：欧美历史长河中的这些传统商标是现代标志设计演变的基础，也是不可或缺的可鉴宝贵资源。在机遇和挑战面前，它再次展现出灵活的适应性，受到设计师的青睐和大众们的认可，这得益于它在形式上与现代视觉语言的天然对接。正是在这种继承和创新的基础上，欧美传统商标图案开始了新的延展，我们相信这一传统装饰艺术形式还将不断地延续下去，获得新生。

参考文献：

[1]世界杰出标志全集.艺术与设计杂志社.

[2][英]贡布里希.秩序感.杨思梁、徐一维等译.浙江摄影出版社，1987年版.

[3]文红主编.标志设计.湖南美术出版社，200.12版.

[4]设计在线.http：//.

欧美艺术范文第4篇

关键词 波普；优化融创；散点透视

1.对中西方波普艺术的比较分析

波普艺术的产生是经济技术政治变化下催生的一种文化特征。上世纪60年代波普艺术的艺术表达手段虽然多种多样，但并不是简单的仅仅是为了拼贴而拼贴，而是以新的艺术表现形式而存在。更多的艺术动机来源于社会的政治、经济、物质文化生活带给人们的心理状态的视觉感受，以其方方面面为艺术内容，艺术语言更加丰富。60年代的波普艺术之所以能够被人们所接受，并成为日后影响多国的艺术现象，且在中国获得了飞速发展。它的长久生命力是基于社会发展的趋势，是社会发展现象所激发出的文化，它是对社会现象的一种反映。它之所以会产生并成为主流，是由于它迎合了时代的变迁，满足了人们的感官需求，并证明艺术不是那么高不可攀。

2.共性

（1）东西方波普艺术作品内容的结构处理形式均采用拼贴、重组、并置、色彩基调协调统一等表现手法。

（2）设计领域多元化，边缘艺术成为主流，创作结构采用散点透视法。

中国波普艺术作家魏光庆的红墙系列画内容对比强烈，把现代的符号特征（手机、卡通头像）置于中国传统人物画中，重新组合的效果，使人的思想深深的陷入时间的和空间的对话中。构图整齐，中国画的散点透视与西洋画的焦点透视相结合，采用并置，拼贴、重组的表现手法，是一副典型的中国风格的波普作品。构图与弗朗西斯科.克莱门特作于1980年的作品《无极限》有很多相似的特征，作品的思维方法都是通过接受片段，观察片段的组合结果产生的效果，色彩以暖黄为基调，色彩的调和统一协调，区别是弗朗西斯科.克莱门特的作品特点没有按照任何价值等级刻意的安排画面中的媒介和图案，强调片段性和多极化，强调一个图像和另一个图像来回的转换，颠覆了控制性与核心性的内容，关联性的缺失和错位赋予艺术家极大的创作空间，我认为，弗朗西斯科.克莱门特在这幅作品里运用的实际上是中国绘画结构采用的散点透视法，而不是西方传统的焦点透视，从中可以看到中国文化的博大精深以及对西方文化的影响。

（3）强调自我价值，对传统的行为规范提出挑战。

波普艺术的精髓在上世纪90年代后，在中国得到了完美的演绎和发展。

3.个性

中国艺术家以传统的文化元素为基调，采用现代西方波普艺术的创作手法，动机来自于对社会内容现象的关注，但综合反映整体画面的语言却是温馨的、传统的中国式的温和。西方艺术中所表现的暴力，色彩的社会内容，表现手法是相似的，但创作动机却是经纬分明的。

3.1 西方波普艺术强调艺术冲动和自感之间的必要联系

在20世纪60年代的美国社会保守主义，因循守旧、科技的威胁、暴力、死刑、和政府的外交政策都是60年代初期波普艺术攻击的目标。安迪•沃霍尔创作的一系列生硬的、黑白丝网影像，以美国的自杀者、重大车祸和监狱里死刑用的电椅等为表现主题，严酷地展示了美国的暴力事件，其木纹效果和有意的重复将作品产生的轰动效应与让人渐趋麻木成功的结合在一起。强调了在艺术冲动和自感之间的必要联系。作为旁观者安迪•沃霍尔的艺术充满一种有意识的被动，还有一种深刻的冷漠。

3.2 中国强调对各种具有历史与政治含义符号的借用

与美国波普不同，中国的波普艺术家更强调对各种具有历史与政治含义符号的借用，从而揶揄历史与政治的神话。中国波普艺术的衍生作为一种通俗文化力量，反映了当代中国在设计上对于公众文化的重视，是与政治经济无法分开的。

4.结语

由中西方波普艺术的共性和个性可以看出，在思想文化边界消解的后现代，被现代社会所否定、所断裂的历史精粹返本开新，在融创中获得了新生命，相信中国波普艺术必有广阔的发展前景。

参考文献

[1] 李黎阳. 波普艺术. 北京：人民美术出版社，2008（6）.

欧美艺术范文第5篇

在中国，艺术管理专业的发展是伴随着艺术产业化进程的加快，从而催生的对艺术经营管理人才的需求而诞生的。自2001年中央戏剧学院率先成立艺术管理系以来，不到十年时间，国内已有上百所高校设有与艺术管理相关的专业。虽然“艺术管理”这一专业在我国发展的历史还不长，但也已经形成了自己的一些特征，其中既有适合我国国情的、值得肯定的地方，也有不利于该专业长期健康发展的因素。相对于欧美半个世纪以来形成的较为成熟的“艺术管理”专业教育模式，我国的该领域的人才培养还有很多不足之处。虽然因为国情差异我们不可能照搬西方社会的艺术管理教育经验，但有所借鉴，对于我国这一专业的发展无疑是有益的。正是在与那些相对成熟的教育模式的比较之中，我们才能更好地发现自己的不足;也正是在对那些相对成熟的教育模式的借鉴之中，我们才能更好地把别人的长处与自己的实际情况相结合，从而形成适合自身实际情况的人才培养模式。所谓“模式”，指的是“某种事物的标准形式或使人可以照着做的标准样式”。③在实际的应用中，“模式”主要指的是事物发展过程中形成的相对固定的方式或标准。因而，所谓“人才培养模式”，指的就是人才培养过程中形成的某些相对固定的标准和做法。根据教育学的一般原理，人才培养模式主要由教育者(教师)、受教育者(学生)，以及培养目标和培养措施等四个要素构成。本文主要以这四个要素为切入点，详细探讨欧美国家艺术管理人才培养模式的主要特征。

一、欧美国家艺术管理专业师资构成分析

从教育者(教师)方面看，欧美高校的艺术管理专业教师一般都有丰富的艺术管理从业经历。据美国乔治梅森大学视觉与表演艺术学院的院长、艺术管理专业教授WilliamF．Reeder介绍，他所在的学院在选聘艺术管理专业教师时，是否具有丰富的从业经历是非常重要的条件之一，是否具有博士学位反而在其次。打开该院艺术管理专业师资力量一览，该专业共有专职教师6人，其中5人具有与“艺术管理”相关的从业经历，1人一直从事本专业研究工作;6人之中，只有2人拥有博士学位，其余4人拥有硕士学位。④Reeder院长的简历表明，他毕业于华盛顿大学，获硕士学位(据他本人介绍，他目前正在印第安纳大学学习博士课程，尚未获得博士学位)，被聘到乔治梅森大学之前，他曾担任华盛顿地区表演艺术联盟副主席兼总经理，也曾在圣路易音乐学院、印第安纳大学、伊利诺伊州立大学担任过教师或领导职务;除此之外，他还曾在维也纳、柏林、慕尼黑等欧洲城市担任歌剧男高音多年，其演艺事业的顶端，当属在著名的瑞士苏黎世歌剧院担任长达8年的首席抒情男高音，如此经历使他跟欧洲各国艺术教育界保持着非常密切的联系，对欧美各地的艺术管理教育历史和现状也颇为熟悉。据他介绍，欧洲各国对艺术管理人才的要求与美国略有差别:美国大量存在各种非盈利艺术机构，因而艺术管理者首先需要掌握各种筹资技巧，而欧洲的艺术机构与政府部门关系更为密切，他们的艺术管理者首先需要了解的是政府部门的各种管理政策和艺术机构运营程序，而不是筹资技巧。因此，尽管欧洲和美国艺术管理专业的教师一般都具有很丰富的实践经验，但他们的侧重点却有所不同，欧洲艺术管理专业的教师的从业经验主要集中在艺术场馆的管理和艺术政策的研究方面。比如，英国城市大学的“文化政策与管理”专业共有专业教师5人，其中3人具有博物馆从业经历，1人从事过具体的艺术管理及大众传媒工作，还有1人一直从事与本专业相关的研究工作;5人之中，只有2人拥有博士学位，还有1位教师只有学士学位。⑤由此可以看出，欧美主要国家“艺术管理”专业教师的一般特征是具有丰富的实践经验，学历一般是硕士为主，拥有博士学位者，和只有学士学位者都不多见。

二、欧美国家艺术管理专业的入学要求分析

从受教育者(学生)方面看，欧美国家艺术管理专业对学生的要求主要体现在其入学要求中。艺术管理是一个应用性很强的专业，欧美国家的学校提供的主要是艺术管理及相关专业的硕士学位，一部分学校提供学士学位，很少有学校提供博士学位。根据“艺术管理教育工作者协会”提供的资料分析，目前美国共有70余所大学设有艺术管理专业，其中46所提供硕士层次教育，30所提供本科层次教育，同时提供硕士和学士层次教育的学校有3所，只有2所学校(德州理工大学、俄亥俄州立大学)提供博士层次学历教育。协会会员单位中的欧洲院校只有一所提供本科层次教育，一所提供博士层次教育。⑥之所以出现这样的情况，是因为欧美国家高等教育在学士、硕士和博士之间有着不同的分工。一般来说，本科阶段提供的主要是基础教育，使学生掌握一些基础性的知识和技能，可以从事与所学专业相关的工作;硕士阶段提供的主要是应用性教育，学生可以在这一阶段的学习中解决自己在工作中碰到的很多实际问题，正是因为这个原因，我们在美国高校硕士研究生课堂上看到的绝大多数都是在职的学生;至于博士阶段，提供的则主要是旨在提高学生研究能力的教育，多数学生在取得博士学位之后都会选择在高校任教或者去科研机构工作。笔者从事博士后研究期间所在的乔治梅森大学视觉与表演艺术学院，就只提供艺术管理专业硕士研究生层次的教育。本科教育层次，欧美高校艺术管理专业关于新生的入学要求与其他专业大致是一样的，一般没有对艺术才能或管理才能的特别要求。欧洲很少有高校提供艺术管理专业的本科教育，艺术管理教育工作者协会欧洲会员中只有芬兰的Humak应用科学大学有一个艺术管理专业提供本科阶段教育，因为是一个英语课程，有语言能力方面的要求，学生需要加入一个叫做Erasmus的项目，此外再无具体要求。而在美国，几乎所有提供艺术管理本科专业的高校对新生都没有特别的要求。比如，美国纽约州立大学弗瑞德尼亚分校艺术管理专业本科阶段的入学要求是:拥有高中毕业证书，或相当于高中毕业水平的GED证书，成绩列所在班级前半，等级为“B”或以上，SATs成绩1000分以上，或ACT成绩23分以上。再比如，美国威斯康辛大学史帝文分校艺术管理专业本科阶段的入学要求是:申请进入艺术管理专业，必须先达到威斯康辛大学史帝文分校的入学要求;要获准进入该专业学习，学生还必须完成校园内部的两个实习项目;此外，只有平均分保持在2．75以上，才能保有该专业的学习资格。艺术管理教育工作者协会会员中，只有加拿大多伦多大学斯卡布罗分校艺术管理专业对申请入学的新生有艺术才能方面的特别要求:申请者的学业成绩，领导经验，一门或多门艺术学习的背景，以及通过专门的申请表格，很多时候则是通过面谈，所显示出来的对于艺术管理专业的兴趣和潜在才能。应该说，在录取新生的时候，适当考虑其艺术或者管理才能是必要的。或许是因为欧美国家设有艺术管理本科专业的高校本来就不多，且没有名校参与其中，所以在这些方面要求并不是很规范。但在研究生阶段，欧美高校的艺术管理专业则普遍对学生的艺术或者管理才能提出了要求。比如，波士顿大学艺术管理专业硕士项目的入学要求是:申请者必须拥有学士学位，还应具有一门可以证明的、经过专门训练的艺术专长，通常要求具有艺术专业本科学历，但也可以通过其他材料证明。这也是美国设有艺术管理硕士专业项目院校的一般要求，有些学校对学生的艺术才能要求更多，比如美利坚大学(AmericanUniversity，或译作美国大学)艺术管理专业硕士项目的入学要求是:除了满足学校研究生入学的最低要求(平均分3．0以上)外，申请者还必须完成9门以上关于舞蹈、戏剧、音乐，或者视觉艺术的课程，三分之一以上必须是高级课程或相当于高级课程的内容。相当于高级课程的内容指的是4年以上在专业的公司或艺术机构工作的经历。鼓励并要求未满足学术要求的申请者参加面试。申请者需要提交两封推荐信。还有一些学校，不仅要求学生具有某些艺术才能，还希望学生具有管理才能。比如乔治梅森大学艺术管理专业硕士项目的入学要求是:本专业特为对艺术怀有激情者而设计，我们期望具有各种不同背景的申请者对我们的专业感兴趣，对每位申请者的评估都是根据其具体情况分别做出的。我们特别强调工作经验的重要性，我们特别期望申请者来自某个艺术团体，接受过音乐、舞蹈、戏剧，以及视觉艺术或数字艺术方面的专门训练与从业经历，同时具有管理市场、财经、策划、产业方面的才能。那些能够把艺术商业运作方面的才能与其此前受过的艺术训练结合起来的学生也很受欢迎。

从中可以看出，申请者在艺术和管理两方面的才能都得到了强调，但相对而言，显然申请者对艺术活动的了解程度受到了更多的重视，而其管理方面的才能则会起到锦上添花的效果，因为本专业主要就是培养学生的管理才能的。所以，作为入学条件，管理才能并非是必需的。相比较而言，欧洲院校的艺术管理专业对申请者的艺术才能和管理才能要求则低一些。比如，英国城市大学的“文化政策与管理”硕士专业的入学要求是:考虑到申请者和好的学生来自各不相同的环境，学校和系里除要求学生具有较高的英语水平之外，就没有其他标准化的要求了。我们通常希望学生拥有好的第一学历，但入学前的实践经验也可以用来弥补学历的不足。由以上材料分析可以看出，欧美国家艺术管理专业对于本科层次的学生大多没有太具体的艺术或者管理才能的要求;但对于研究生层次的学生，则较为普遍地提出了比较高的艺术专业方面的才能要求，部分院校也要求学生具有管理方面的经验。

三、欧美国家艺术管理专业培养目标分析

无论哪个国家的艺术管理专业，都需要培养学生艺术和管理两方面的才能，诚如美国南卫理公会大学艺术管理专业对其教育理念的阐述中所说:“艺术管理专业的成功，取决于管理者对当代商业实践的了解和对于艺术的深刻理解”，⑦这是不错的。在当代艺术管理实践中，艺术与管理二者同样重要，其作用和意义则互有侧重，艺术必须假经济手段存续(于商业社会)，但必须作为艺术才能获得成功，威斯康辛大学麦迪逊分校艺术管理专业的教授们如此理解艺术与管理之间的关系。⑧对于艺术管理这样一个应用性极强的专业来讲，其培养目标与社会对本专业人才的期望有非常直接的联系。由于欧美艺术机构运营和管理模式之间存在一些区别，他们对艺术管理人才的需求也就有所不同，反映在艺术管理专业人才培养目标方面也会存在一些差异。大致说来，美国的娱乐产业对艺术管理人才的需求是比较商业化的，希望管理者能够为自己的企业带来丰厚利润;而政府资助的，以及非盈利的艺术机构，则更强调艺术管理人才的社会责任感，其主要工作就是在艺术、艺术家和观众、消费者之间搭建桥梁，从而为艺术和文化的繁荣提供发展空间。在欧洲国家，由于艺术机构与政府部门之间存在着远比美国更为密切的关系，⑨艺术管理者必须了解有关的政策法规，也更需要熟悉艺术机构的管理程序。比如，英国伦敦大学金史密斯学院跟艺术管理相关的专业名称就叫“艺术管理与文化政策”，在其关于培养目标的说明网页上，直接标明其涉及领域是“政策的制定与文化的管理”，显示出对相关政策法规以及艺术机构管理问题的浓厚兴趣。在美国，多数高校的艺术管理专业提供的是MA或MFA学位，少数院校提供MBA学位。⑩诚然，不管是MA、MFA，还是MBA，学生都要学习艺术和管理两方面的知识，培养两方面的才能，但提供MBA学位的专业在财务、会计、营销，以及企业管理运营等方面则有更高的要求。比如，美国加州大学长堤分校戏剧管理专业同时提供MFA和MBA两种学位，如果学生只申请MFA一种学位，他们需要学习的内容主要是非营利机构管理、筹资、战略策划、生产、营销和领导;如果他们想同时拥有MBA学位，那么他们需要再学习另外30门管理类课程，包括财务、会计、营销，以及企业管理运营等内容。众所周知，MBA作为市场经济的产物，MBA培养的是企业高级管理人才。因而，艺术管理专业中的MBA，必然与作为市场主体的企业关系密切。事实上，美国高校中提供MBA学位的艺术管理专业，其培养目标大都明确提及为盈利企业培养人才这一点。瑏瑡当然，这并不意味着不提供MBA学位的艺术管理专业，其培养目标就跟盈利企业管理人才无关。事实上，在艺术管理教育工作者协会的31个仅提供MA或MFA学位的美国正式成员中，只有3所学校的艺术管理类专业明确表示只为非营利组织培养管理人才，其余学校的服务对象均兼顾盈利与非营利组织。显然，这种宽口径的培养目标设置，对于其毕业生的就业是较为有利的。很多学者并不主张在本科阶段设立艺术管理专业，美国乔治梅森大学视觉与表演艺术学院Reeder院长的意见很有代表性，他认为本科阶段不应该设置艺术管理这一专业，有志于从事艺术管理活动，或计划以此为职业的学生在本科阶段应该专门学习一门艺术或者是产业经济方面的课程，硕士研究生阶段再系统地学习管理学方面的课程，并逐步将管理才能运用在艺术机构的经营管理活动之中。乔治梅森大学的艺术管理专业就是只有研究生层次教育的，为了让本科学生也能熟悉艺术管理的工作环境，他们开设了一门“艺术管理”选修课，但并不提供这方面的学士学位。提供艺术管理本科层次教育的学校，大都将其培养目标定位为“入门级”的，其课程体系兼顾艺术与管理两个方面瑏瑢，学生就很难在有限的时间里把艺术和管理两方面的课程都学得很好。可能正是因为这个原因，欧美国家的很多学者才不主张在本科阶段设立艺术管理专业。

四、欧美国家艺术管理专业培养措施分析

培养措施是为培养目标服务的，欧美国家的艺术管理专业尽管在人才培养目标方面存在一些差异，但对艺术修养和管理才能的注重则是其共同的特征;体现在课程设置、教学过程、考核方式等一些具体的人才培养措施方面，欧美国家的艺术管理专业还是会体现出一些共性。首先，在课程设置方面，本科阶段的艺术管理专业虽然大都强调课程设置的多元性，但为了使学生毕业后能够更好地适应管理工作的需要，多数学校的课程设置都会偏向经营管理方面。比如，芬兰Humak应用科学大学艺术管理本科专业的培养目标中所设想的理想毕业生应成为“理解文化和艺术、传播文化、或为文化艺术活动创造合适条件的专业工作者，而其课程设置则主要包括文化输出、传媒教育、国际文化合作等几方面内容，基本不涉及艺术和文化的具体内容，只是为学生毕业后可能从事的工作提供必要的知识和技能。美国一些学校的艺术管理本科专业也表现出类似的倾向，比如美国长岛大学CWPost校区艺术管理本科专业称其培养的学生应具备“艺术才能与坚实的管理基础相结合的能力”，而其课程设置则明显偏向管理方面:艺术管理概论、艺术管理实践、艺术发展、艺术会计、艺术品营销、艺术和娱乐业公共关系;公开演讲;管理原则;组织行为;计算机图形概论。更有一些学校如南加州的查尔斯顿学院明确申明其培养目标就是管理知识的学习和运用:学生广泛学习经营管理方面的技能，并学习将这些技能运用在跟艺术家和艺术团体的合作过程中。事实上，本科阶段的学生一般既缺乏艺术文化方面的知识，也缺少经营管理方面的经验，试图让他们在短短四年中成为兼通艺术和管理的艺术管理通才是不现实的，为了让他们更好地适应毕业后的工作环境，以培养实用人才为宗旨的艺术管理专业只好在课程设置上倾向经营管理方面。为了改变这一尴尬局面，有些学校的艺术管理专业(如纽约州立大学弗雷多尼尔分校)要求，所有艺术管理专业的本科生，都必须选修一门艺术类课程，譬如音乐，戏曲或舞蹈，并确保每位学生深入理解至少一门艺术学科，这样的做法或许是有些效果的，但在有限的时间里，学生无论如何都很难做到精通艺术和管理两方面的知识和才能。

如前所说，欧美国家艺术管理类专业研究生在入学前一般都会对艺术类学习经历有所要求，部分院校还希望学生具有管理类工作经验，这样一来学生在研究生阶段就可以专注于管理类知识的学习，以及如何将其运用在艺术机构的管理活动中。比如，美国乔治梅森大学艺术管理专业研究生的必修课程包括:筹资、艺术与社会、艺术公共关系和营销策略、董事会管理、艺术财政预算、艺术政策，全部是实用的艺术管理知识和技巧。再比如，美国大学艺术管理专业研究生的必修课程包括:艺术管理考察、艺术营销、艺术筹资、文化政策、艺术财政管理，也是全部集中在艺术管理活动中的实际问题。由此可见，WilliamF．Reeder等人不主张在本科阶段设立艺术管理专业是很有道理的。事实上，笔者也认为，本科阶段努力学习一个艺术门类，随后在参与艺术管理的实践工作中，发现问题，然后再在硕士研究生阶段学习如何解决这些问题，这样培养出来的艺术管理人才更能适应各种现代艺术机构的需要。其次，在教学过程方面，根据现有资料、朋友提供的材料，以及笔者的亲身经历，可以发现欧美艺术管理专业的课堂教学特别重视案例分析，特别重视学生参与互动的意识，学生的课堂表现也常常作为教师评定学生学业成绩的根据之一;而纵观其整个教学过程，则会发现他们特别重视学生的校内和校外实习活动。课堂教学方面，一方面，欧美院校艺术管理专业的教师大都具有丰富的艺术管理实践经验，他们在课堂上经常结合自己的工作经历讲解某些理论问题，使课堂气氛生动活泼，易于学生理解和接受。我曾经选修过乔治梅森大学艺术管理专业的一门“艺术公共关系和营销策略”课，授课教师KaraleeDawn曾在纽约百老汇剧场工作过多年，于是她在课堂上就不断列举她经历过的各种策划与营销故事，尤其是她参与策划制作音乐剧《MAMAMIA》的过程，常常被用来说明艺术品营销的灵活策略，这些鲜活的实例极大地调动起学生听课的积极性。另一方面，很多教师也利用自己和艺术机构的密切联系，不定期地请这些机构中的管理人员来客串教授，给学生讲解某个领域的实际情况。在我选修的另外一门叫做“董事会管理”的课上，主讲教师RichardKamenitzer教授曾经请过几位从事艺术管理工作的朋友来给学生们上课，其实主要就是介绍他们的工作经历，讲一些他们认为重要的事件，并回答学生的问题。我记得有一次他请了美国著名调研公司ShugollResearch的现任首席执行官MarkA．Sh-ugoll来给大家讲解一个大型机构中董事会成员之间的关系问题，引起了学生们极大的兴趣，也很好地调动起学生的积极性。与中国的研究生课堂不同，这些研究生可以在听课过程中随时打断讲课者的演讲，举手提问，教师也很欢迎学生提问，在这样的师生互动中，学生可以获得更多自己关心的问题的答案。第三，一般来说，欧美国家的艺术管理专业，不论是本科还是研究生，都特别重视学生的实习经历。本科生的实习一般在大二就可以进行(有些学校要求学生在修完其他学分后再进行实习，有些学校则会把实习和课堂学习交叉进行)，有的学校只要求学生参加一次实习，获得相应学分(一般是3个学分)，但在学生参加实习前，学校一般会提供实习指导课程，这类课程也可能会结合校内的实习，每周6到8小时;有的学校则明确要求学生至少参加两次实习，一次在校内，一次在校外，这种情况下，校内的实习就会起到指导学生参加校外实习的作用。比起本科生的实习，研究生阶段的实习无论在花费时间和参与程度方面都有更高的要求。研究生的实习一般是6个学分，多数学校要求实习在毕业前的两个学期内完成(有些学校，如纽约大学斯坦哈德文化学院表演艺术管理专业，将实习排在第二和第三学期;还有些学校，如纽约市立大学布鲁克林学院，要求学生至少完成三个学期实习时间，当然，这种情况比较少见。其他情况还包括，有些学校，如俄勒冈大学的实习是安排在第一年和第二年之间的暑假中的)。

当然，学生可以选择在一个学期内一次完成实习，也可以选择在不同学期分两次完成，校方往往会推荐学生尝试在不同机构实习的机会(有些学校，如辛辛那提大学，会要求学生完成两次为期10周的实习;也有些学校，如哥伦比亚大学师范学院的学生，多数会完成4次实习，当然，这种情况也比较少见)。而对那些有艺术机构工作经历的学生(有些学校要求至少四年工作经历)，还可以申请减免一半学分。还有一些欧美学校的实习过程是以“项目”的方式完成的，最典型的要数荷兰的乌特列兹艺术学院，在这些项目中，学生针对所联系的艺术机构的实际问题扮演一种顾问的角色，并藉此对艺术机构的管理获得新的视野和经验。美国的威斯康辛大学麦迪逊分校也采用了类似的方式来完成学生的实习活动。这种以完成“项目”代替实习的方式，对于解决学生，尤其是有工作经验的学生实际工作中碰到的各种现实问题，显然是很有帮助的。第四，作为一门应用性极强的专业，欧美高校艺术管理专业的考核方式也与传统学科有所不同。在美国乔治梅森大学艺术管理专业从事博士后研究期间，笔者特别留意到其不同时段的考核方式:平时的课堂上，教师鼓励学生随时提问和回答问题，并将学生课堂上的表现计入对其学习成绩的整体评价;期中考试，教师也会分发试卷，让学生在规定时间内答完题目上交，我曾经参加过一次“董事会管理”课程的期中考试，一共40道选择题，随堂考试，当堂做完;瑏瑣期末考试，教师往往会提前布置学生单独或搭伙进行一次调研活动，然后在最后几节课上依次以演讲的方式完成报告，瑏瑤这样的调研活动和演讲报告，已经可以算作学生实习活动的一部分。由以上几方面内容的说明和分析可以看出，欧美艺术管理专业在人才培养的措施上，都有重视实用性内容的特征:体现在课程设置上，无论本科阶段还是研究生阶段，均强调管理甚于艺术才能;体现在教学过程方面，则是特别重视案例分析、师生互动，以及实习活动;体现在成绩考核方面，则是传统的答卷方式与灵活的问答、演讲等方式相结合，即考核了学生专业知识扎实程度，也考核了学生解决实际问题的能力。

五、欧美高校艺术管理专业人才培养模式的基本特征及其对中国的借鉴意义

欧美艺术范文第6篇

从5000万到3000万：美国纽约州艺术机构寻求自力更生

美国纽约州的艺术资助计划源远流长，该计划从1932年大萧条时期开始运作。到了1960年，成立了纽约州艺术委员会(NYSCA)。纽约州艺术委员会在资助模式和资助审查体制方面为1965年成立的美国艺术基金会提供了借鉴。如今，美国艺术基金会和各州的艺术委员会在艺术资助上是合作关系。美国艺术基金会对各州艺术委员会的发展予以支持。到上世纪70年代中期，美国艺术基金会201的项目资金都拨给了各州的艺术委员会和地区性艺术组织。潜在的补贴能引导各州设立艺术资助计划和艺术委员会，因此，美国各州的艺术委员会在1965年以后雨后春笋般出现，并非偶然。各州艺术委员会的资助计划倾向于一些更小的，更具地方性的组织，或是一些新兴的，不知名的艺术家。

今年，纽约市政委员会通过了纽约文化艺术机构的拨款提案，但总金额与计划的5000万美元相比大为缩水，仅有3000万美元。纽约州一年3000万美元的拨款不可能养活市里众多著名的大博物馆。纽约州艺术委员会的开销似乎已经捉襟见肘：纽约州艺术委员会(NYSCA)一直都将纽约市文化艺术机构的拨款用于纽约州表演艺术中心(The Empire State Plaza Performing Arts Center Corporation，因为建筑外型长得跟鸡蛋样，所以也被称为“鸡蛋大厦”)和纽约州戏剧协会(New York State Theatre Institute，简称NYSTI)o但根据纽约市2010-2011年财政预算方案，这两个机构将会逐步过渡为自食其力。上年度，纽约州表演艺术中心收到的纽约市文化艺术机构财政拨款占其业务预算的15％，今年这项拨款将被取消。尽管取消了这项拨款，纽约州表演艺术中心仍然会在总务处(Office of General Services -OGS)的管理下继续运营。纽约州戏剧协会受到的影响可能更为严重，在上年度，纽约州戏剧协会收到的纽约市文化艺术机构财政拨款占其业务预算的85％，2010年到2011年，这笔拨款将逐步被取消，仅拨给这个机构150万美元，用以过渡，将其推向自力更生的境地。

所幸的是，美国艺术资助体制是复杂、分散、多样和动态的，它结合了联邦、州、地方政府的公共资助和来自个人、公司、基金会的民间资助，还有各类演出的票房收入。资助的具体数额会因不同的艺术门类而有所差异，并且每年都在变化。但总体说来，美国艺术机构大约有一半的收入是通过门票或是纪念品销售而取得，其余的都是捐赠所得――其中绝大部分捐赠是来自民间。艺术资助中只有大约10％来自政府；2％来自联邦政府，其中不到1％是来自美国艺术基金会(该项政府资助数据不包括联邦政府通过税收扣除提供的大量间接资助，“税前扣除”(Tax Deduction)是在计算缴纳税款时，对于构成计税依据的某些项目，准予从计税依据中扣除的一种税收优惠)。换句话说，即便政府财政拨款大幅减少，美国艺术机构仍不至于沦落到一夜倒闭的境地。单凭纽约市财政拨款数额的减少，并不足以说明美国所有艺术机构的生存状态。

美国的博物馆、交响乐团、歌剧院和其他文化组织从门票和入会费中得到的收入非常少，政府补助的金额也非常微不足道，这些地方主要是依靠民间捐款得以生存。美国的税收政策激励了纳税人对慈善和艺术品资助的热情，若这个税收激励政策有所变动，那才真正是艺术品市场严冬的来临。在个人捐赠方面，美国人对艺术的人均捐赠要比法国人多出10倍。这种巨大的反差反映出美国别具一格的社会和文化传统，国家通过对艺术品的税收让步，并制定出法律，使个人对艺术品的捐赠实现了制度化。根据纽约市政委员会最终通过的2010-2011年纽约市财政预算，用于文化艺术机构的开销比去年少了650万美元，也许3000万美金这个金额还并未跌至谷底。另外财政预算方案显示，文化艺术与教育被归到一类，也就是说博物馆、剧院等都被归到大众教育公益行为进行财政预算。

欧洲国家财政紧缩艺术机构集体“重感冒”

相比之下，欧洲国家受到国家财政预算拨款紧缩的影响会更大。欧洲的剧院或交响乐团从政府那里得到的直接资助可能占到其预算的80％。在法国和意大利，对于典型的博物馆而言，其资助几乎全部来自不同级别政府的资助。即使是巴黎的罗浮宫，从1993年起，它就被要求寻求民间赞助，但得到的资助不到其运营资金的一半，于是导致了在最近一年的时间里，法国的博物馆工作人员时不时罢工的现象。但是在美国，非营利组织预算中来自政府的直接资助比例不超过5％。

尽管对艺术给予更多的优惠已经成为趋势，欧洲的政府对本国艺术给予的税收优惠还无法与美国相媲美。法国税收扣除的限额为个人应纳税所得的1％，对公司则为其应纳税所得的0.1％(应纳税所得是指纳税人每一纳税年度的收入总额减去准予扣除项目后的余额)。德国法律有税收扣除的规定，但是受到官僚体制的制约落不到实处。英国虽然允许税收扣除，但实施起来也很困难。一般来说，纳税人要享有捐赠扣除，必须同意捐赠至少七年以上。而且捐赠通常不是按照最高的税率而是按一个较低的税率来扣除。有些欧洲国家，如法国和意大利的私人基金会很少，因为法律的限制和无差别的税收政策让这些组织的建立成本很高。

美国人常常是对欧洲艺术机构捐赠最多的人。为了寻求这样的捐赠，很多英国的非营利机构都在美国设有免税的分支机构。英国泰特美术馆最近获得了英国石油公司的赞助，却引来了环保人士一片讨伐之声，因为这跟英国石油公司在墨西哥湾的石油泄漏一事紧密相关，英国石油公司极有可能用赞助美术馆的行为来提升自己的公众形象。尽管部分公众有怨言，但艺术家跟艺术批评家都为英国石油公司辩护，英国《卫报》的艺术批评家琼斯(Jonathan Jones)说：“艺术经费就要被国家残酷地削减。博物馆都将感受到这份寒冷……现实情况是我们的博物馆需要保持强大和自由，准备面对它们史上最严峻的挑战。如果他们能从魔鬼本人那儿弄到钱，他们就应该接受这笔钱。”

琼斯提到的艺术经费被削减的现象，对欧洲文化机构是一个沉重的打击。欧元汇率下跌是欧洲各国对艺术经费进行削减的一个重要原因，尤其葡萄牙、西班牙、希腊都成为了重灾区，希腊更面临着国家破产的威胁。希腊债务危机发生后，一些欧盟国家担心希腊债务危机向欧元区成员国蔓延，于是宣布实施财政紧缩政策。德国总理安格拉・默克尔近日公布了总额逾800亿欧元的大规模支出削减计划，此外还将裁减最多1.5万个公共部门的工作岗位。德国在这次欧元危机中发挥了积极的作用，这对于艺术品贸易来说也是福音。因为若欧元继续下跌，就会遇到之前美元下跌的境况――需要用更多的欧元来买同样一件艺术品，这对于艺术品市场的打击如雪上加霜。

就德国而言，尽管缩紧了财政预算，但为了提升二战后的国家形象，德国对艺术品的投入并未显著减少。2009年3月13日至22日，在荷兰马斯特里赫特举办的TEFAF艺博会，德意志银行为其赞助商之一。现在它又成为香港国际艺术展(ART HK)的首席赞助商。金融危机下，德意志银行丝毫不减少企业社会责任投入。2009年11月17日，德意志银行与香港国际艺术展携手公布：德意志银行成为全港最具规模的年度国际艺术展的首席赞助商，双方签订历时5年的合作协议。另外，德意志银行一直以来都是古根海姆博物馆的主要支持者，在西班牙毕尔巴鄂古根海姆美术馆举办的蔡国强“我想要相信”展览，亦是由德意志银行赞助的。2009年，德意志银行及其下属各基金会在教育、社会性公益活动、环保可持续发展项目、支持艺术与音乐以及员工志愿者活动中总计投入超过8100万欧元。

欧美艺术范文第7篇

关键词:艺术学；艺术管理；学科建设；师资构成；入学要求；培养目标；培养措施；借鉴意义

中图分类号：J802 文献标识码：A

“艺术管理”专业的兴起，源于欧美各种艺术经营、管理和研究机构对艺术经营管理人才的需求。20世纪60年代，美国哈佛大学商学院和耶鲁大学戏剧学院先后设立了与艺术经营管理相关的专业，此后印第安纳大学、哥伦比亚大学等著名高校也相继设置了类似专业。①在欧洲，英国早在1946年就成立了大不列颠艺术委员会，旨在保护和促进英国艺术文化的发展，美国的国家艺术基金会就是在大不列颠艺术委员会的影响下建立的，但英国艺术管理专业的设置和发展反在美国之后。此外，加拿大、法国、芬兰、澳大利亚、新西兰等国也较早设立了与艺术管理相关的专业。近半个世纪以来，欧美各国的艺术管理专业都有了很大发展，②但由于欧美实行的是不同的艺术管理模式，反映在艺术管理人才培养模式方面，也存在诸多差异。

在中国，艺术管理专业的发展是伴随着艺术产业化进程的加快，从而催生的对艺术经营管理人才的需求而诞生的。自2001年中央戏剧学院率先成立艺术管理系以来，不到十年时间，国内已有上百所高校设有与艺术管理相关的专业。虽然“艺术管理”这一专业在我国发展的历史还不长，但也已经形成了自己的一些特征，其中既有适合我国国情的、值得肯定的地方，也有不利于该专业长期健康发展的因素。相对于欧美半个世纪以来形成的较为成熟的“艺术管理”专业教育模式，我国的该领域的人才培养还有很多不足之处。虽然因为国情差异我们不可能照搬西方社会的艺术管理教育经验，但有所借鉴，对于我国这一专业的发展无疑是有益的。正是在与那些相对成熟的教育模式的比较之中，我们才能更好地发现自己的不足；也正是在对那些相对成熟的教育模式的借鉴之中，我们才能更好地把别人的长处与自己的实际情况相结合，从而形成适合自身实际情况的人才培养模式。

所谓“模式”，指的是“某种事物的标准形式或使人可以照着做的标准样式”。③在实际的应用中，“模式”主要指的是事物发展过程中形成的相对固定的方式或标准。因而，所谓“人才培养模式”，指的就是人才培养过程中形成的某些相对固定的标准和做法。根据教育学的一般原理，人才培养模式主要由教育者（教师）、受教育者（学生），以及培养目标和培养措施等四个要素构成。本文主要以这四个要素为切入点，详细探讨欧美国家艺术管理人才培养模式的主要特征。

一、欧美国家艺术管理专业师资构成分析

从教育者（教师）方面看，欧美高校的艺术管理专业教师一般都有丰富的艺术管理从业经历。据美国乔治梅森大学视觉与表演艺术学院的院长、艺术管理专业教授William F. Reeder介绍，他所在的学院在选聘艺术管理专业教师时，是否具有丰富的从业经历是非常重要的条件之一，是否具有博士学位反而在其次。打开该院艺术管理专业师资力量一览，该专业共有专职教师6人，其中5人具有与“艺术管理”相关的从业经历，1人一直从事本专业研究工作；6人之中，只有2人拥有博士学位，其余4人拥有硕士学位。④Reeder院长的简历表明，他毕业于华盛顿大学，获硕士学位（据他本人介绍，他目前正在印第安纳大学学习博士课程，尚未获得博士学位），被聘到乔治梅森大学之前，他曾担任华盛顿地区表演艺术联盟副主席兼总经理，也曾在圣路易音乐学院、印第安纳大学、伊利诺伊州立大学担任过教师或领导职务；除此之外，他还曾在维也纳、柏林、慕尼黑等欧洲城市担任歌剧男高音多年，其演艺事业的顶端，当属在著名的瑞士苏黎世歌剧院担任长达8年的首席抒情男高音，如此经历使他跟欧洲各国艺术教育界保持着非常密切的联系，对欧美各地的艺术管理教育历史和现状也颇为熟悉。

据他介绍，欧洲各国对艺术管理人才的要求与美国略有差别：美国大量存在各种非盈利艺术机构，因而艺术管理者首先需要掌握各种筹资技巧，而欧洲的艺术机构与政府部门关系更为密切，他们的艺术管理者首先需要了解的是政府部门的各种管理政策和艺术机构运营程序，而不是筹资技巧。因此，尽管欧洲和美国艺术管理专业的教师一般都具有很丰富的实践经验，但他们的侧重点却有所不同，欧洲艺术管理专业的教师的从业经验主要集中在艺术场馆的管理和艺术政策的研究方面。

比如，英国城市大学的“文化政策与管理”专业共有专业教师5人，其中3人具有博物馆从业经历，1人从事过具体的艺术管理及大众传媒工作，还有1人一直从事与本专业相关的研究工作；5人之中，只有2人拥有博士学位，还有1位教师只有学士学位。⑤由此可以看出，欧美主要国家“艺术管理”专业教师的一般特征是具有丰富的实践经验，学历一般是硕士为主，拥有博士学位者，和只有学士学位者都不多见。

二、欧美国家艺术管理专业的入学要求分析

从受教育者（学生）方面看，欧美国家艺术管理专业对学生的要求主要体现在其入学要求中。艺术管理是一个应用性很强的专业，欧美国家的学校提供的主要是艺术管理及相关专业的硕士学位，一部分学校提供学士学位，很少有学校提供博士学位。根据“艺术管理教育工作者协会”提供的资料分析，目前美国共有70余所大学设有艺术管理专业，其中46所提供硕士层次教育，30所提供本科层次教育，同时提供硕士和学士层次教育的学校有3所，只有2所学校（德州理工大学、俄亥俄州立大学）提供博士层次学历教育。协会会员单位中的欧洲院校只有一所提供本科层次教育，一所提供博士层次教育。⑥之所以出现这样的情况，是因为欧美国家高等教育在学士、硕士和博士之间有着不同的分工。一般来说，本科阶段提供的主要是基础教育，使学生掌握一些基础性的知识和技能，可以从事与所学专业相关的工作；硕士阶段提供的主要是应用性教育，学生可以在这一阶段的学习中解决自己在工作中碰到的很多实际问题，正是因为这个原因，我们在美国高校硕士研究生课堂上看到的绝大多数都是在职的学生；至于博士阶段，提供的则主要是旨在提高学生研究能力的教育，多数学生在取得博士学位之后都会选择在高校任教或者去科研机构工作。笔者从事博士后研究期间所在的乔治梅森大学视觉与表演艺术学院，就只提供艺术管理专业硕士研究生层次的教育。

本科教育层次，欧美高校艺术管理专业关于新生的入学要求与其他专业大致是一样的，一般没有对艺术才能或管理才能的特别要求。欧洲很少有高校提供艺术管理专业的本科教育，艺术管理教育工作者协会欧洲会员中只有芬兰的Humak应用科学大学有一个艺术管理专业提供本科阶段教育，因为是一个英语课程，有语言能力方面的要求，学生需要加入一个叫做Erasmus的项目，此外再无具体要求。而在美国，几乎所有提供艺术管理本科专业的高校对新生都没有特别的要求。比如，美国纽约州立大学弗瑞德尼亚分校艺术管理专业本科阶段的入学要求是：拥有高中毕业证书，或相当于高中毕业水平的GED证书，成绩列所在班级前半，等级为“B”或以上，SATs成绩1000分以上，或ACT成绩23分以上。再比如，美国威斯康辛大学史帝文分校艺术管理专业本科阶段的入学要求是：申请进入艺术管理专业，必须先达到威斯康辛大学史帝文分校的入学要求；要获准进入该专业学习，学生还必须完成校园内部的两个实习项目；此外，只有平均分保持在2.75以上，才能保有该专业的学习资格。艺术管理教育工作者协会会员中，只有加拿大多伦多大学斯卡布罗分校艺术管理专业对申请入学的新生有艺术才能方面的特别要求：申请者的学业成绩，领导经验，一门或多门艺术学习的背景，以及通过专门的申请表格，很多时候则是通过面谈，所显示出来的对于艺术管理专业的兴趣和潜在才能。

应该说，在录取新生的时候，适当考虑其艺术或者管理才能是必要的。或许是因为欧美国家设有艺术管理本科专业的高校本来就不多，且没有名校参与其中，所以在这些方面要求并不是很规范。但在研究生阶段，欧美高校的艺术管理专业则普遍对学生的艺术或者管理才能提出了要求。比如，波士顿大学艺术管理专业硕士项目的入学要求是：申请者必须拥有学士学位，还应具有一门可以证明的、经过专门训练的艺术专长，通常要求具有艺术专业本科学历，但也可以通过其他材料证明。

这也是美国设有艺术管理硕士专业项目院校的一般要求，有些学校对学生的艺术才能要求更多，比如美利坚大学（American University，或译作美国大学）艺术管理专业硕士项目的入学要求是： 除了满足学校研究生入学的最低要求（平均分3.0以上）外，申请者还必须完成9门以上关于舞蹈、戏剧、音乐，或者视觉艺术的课程，三分之一以上必须是高级课程或相当于高级课程的内容。相当于高级课程的内容指的是4年以上在专业的公司或艺术机构工作的经历。鼓励并要求未满足学术要求的申请者参加面试。申请者需要提交两封推荐信。

还有一些学校，不仅要求学生具有某些艺术才能，还希望学生具有管理才能。比如乔治梅森大学艺术管理专业硕士项目的入学要求是：本专业特为对艺术怀有激情者而设计，我们期望具有各种不同背景的申请者对我们的专业感兴趣，对每位申请者的评估都是根据其具体情况分别做出的。我们特别强调工作经验的重要性，我们特别期望申请者来自某个艺术团体，接受过音乐、舞蹈、戏剧，以及视觉艺术或数字艺术方面的专门训练与从业经历，同时具有管理市场、财经、策划、产业方面的才能。那些能够把艺术商业运作方面的才能与其此前受过的艺术训练结合起来的学生也很受欢迎。

从中可以看出，申请者在艺术和管理两方面的才能都得到了强调，但相对而言，显然申请者对艺术活动的了解程度受到了更多的重视，而其管理方面的才能则会起到锦上添花的效果，因为本专业主要就是培养学生的管理才能的。所以，作为入学条件，管理才能并非是必需的。

相比较而言，欧洲院校的艺术管理专业对申请者的艺术才能和管理才能要求则低一些。比如，英国城市大学的“文化政策与管理”硕士专业的入学要求是：考虑到申请者和好的学生来自各不相同的环境，学校和系里除要求学生具有较高的英语水平之外，就没有其他标准化的要求了。我们通常希望学生拥有好的第一学历，但入学前的实践经验也可以用来弥补学历的不足。

由以上材料分析可以看出，欧美国家艺术管理专业对于本科层次的学生大多没有太具体的艺术或者管理才能的要求；但对于研究生层次的学生，则较为普遍地提出了比较高的艺术专业方面的才能要求，部分院校也要求学生具有管理方面的经验。

三、欧美国家艺术管理专业培养目标分析

无论哪个国家的艺术管理专业，都需要培养学生艺术和管理两方面的才能，诚如美国南卫理公会大学艺术管理专业对其教育理念的阐述中所说：“艺术管理专业的成功，取决于管理者对当代商业实践的了解和对于艺术的深刻理解”，⑦这是不错的。在当代艺术管理实践中，艺术与管理二者同样重要，其作用和意义则互有侧重，艺术必须假经济手段存续（于商业社会），但必须作为艺术才能获得成功，威斯康辛大学麦迪逊分校艺术管理专业的教授们如此理解艺术与管理之间的关系。⑧

对于艺术管理这样一个应用性极强的专业来讲，其培养目标与社会对本专业人才的期望有非常直接的联系。由于欧美艺术机构运营和管理模式之间存在一些区别，他们对艺术管理人才的需求也就有所不同，反映在艺术管理专业人才培养目标方面也会存在一些差异。大致说来，美国的娱乐产业对艺术管理人才的需求是比较商业化的，希望管理者能够为自己的企业带来丰厚利润；而政府资助的，以及非盈利的艺术机构，则更强调艺术管理人才的社会责任感，其主要工作就是在艺术、艺术家和观众、消费者之间搭建桥梁，从而为艺术和文化的繁荣提供发展空间。在欧洲国家，由于艺术机构与政府部门之间存在着远比美国更为密切的关系，⑨艺术管理者必须了解有关的政策法规，也更需要熟悉艺术机构的管理程序。比如，英国伦敦大学金史密斯学院跟艺术管理相关的专业名称就叫“艺术管理与文化政策”，在其关于培养目标的说明网页上，直接标明其涉及领域是“政策的制定与文化的管理”，显示出对相关政策法规以及艺术机构管理问题的浓厚兴趣。

在美国，多数高校的艺术管理专业提供的是MA或MFA学位，少数院校提供MBA学位。⑩诚然，不管是MA、MFA，还是MBA，学生都要学习艺术和管理两方面的知识，培养两方面的才能，但提供MBA学位的专业在财务、会计、营销，以及企业管理运营等方面则有更高的要求。比如，美国加州大学长堤分校戏剧管理专业同时提供MFA和MBA两种学位，如果学生只申请MFA一种学位，他们需要学习的内容主要是非营利机构管理、筹资、战略策划、生产、营销和领导；如果他们想同时拥有MBA学位，那么他们需要再学习另外30门管理类课程，包括财务、会计、营销，以及企业管理运营等内容。众所周知，MBA作为市场经济的产物，MBA培养的是企业高级管理人才。因而，艺术管理专业中的MBA，必然与作为市场主体的企业关系密切。事实上，美国高校中提供MBA学位的艺术管理专业，其培养目标大都明确提及为盈利企业培养人才这一点。B11当然，这并不意味着不提供MBA学位的艺术管理专业，其培养目标就跟盈利企业管理人才无关。事实上，在艺术管理教育工作者协会的31个仅提供MA或MFA学位的美国正式成员中，只有3所学校的艺术管理类专业明确表示只为非营利组织培养管理人才，其余学校的服务对象均兼顾盈利与非营利组织。显然，这种宽口径的培养目标设置，对于其毕业生的就业是较为有利的。

很多学者并不主张在本科阶段设立艺术管理专业，美国乔治梅森大学视觉与表演艺术学院Reeder院长的意见很有代表性，他认为本科阶段不应该设置艺术管理这一专业，有志于从事艺术管理活动，或计划以此为职业的学生在本科阶段应该专门学习一门艺术或者是产业经济方面的课程，硕士研究生阶段再系统地学习管理学方面的课程，并逐步将管理才能运用在艺术机构的经营管理活动之中。乔治梅森大学的艺术管理专业就是只有研究生层次教育的，为了让本科学生也能熟悉艺术管理的工作环境，他们开设了一门“艺术管理”选修课，但并不提供这方面的学士学位。

提供艺术管理本科层次教育的学校，大都将其培养目标定位为“入门级”的，其课程体系兼顾艺术与管理两个方面B12，学生就很难在有限的时间里把艺术和管理两方面的课程都学得很好。可能正是因为这个原因，欧美国家的很多学者才不主张在本科阶段设立艺术管理专业。

四、欧美国家艺术管理专业培养措施分析

培养措施是为培养目标服务的，欧美国家的艺术管理专业尽管在人才培养目标方面存在一些差异，但对艺术修养和管理才能的注重则是其共同的特征；体现在课程设置、教学过程、考核方式等一些具体的人才培养措施方面，欧美国家的艺术管理专业还是会体现出一些共性。

首先，在课程设置方面，本科阶段的艺术管理专业虽然大都强调课程设置的多元性，但为了使学生毕业后能够更好地适应管理工作的需要，多数学校的课程设置都会偏向经营管理方面。

比如，芬兰Humak应用科学大学艺术管理本科专业的培养目标中所设想的理想毕业生应成为“理解文化和艺术、传播文化、或为文化艺术活动创造合适条件的专业工作者，而其课程设置则主要包括文化输出、传媒教育、国际文化合作等几方面内容，基本不涉及艺术和文化的具体内容，只是为学生毕业后可能从事的工作提供必要的知识和技能。美国一些学校的艺术管理本科专业也表现出类似的倾向，比如美国长岛大学CW Post校区艺术管理本科专业称其培养的学生应具备“艺术才能与坚实的管理基础相结合的能力”，而其课程设置则明显偏向管理方面：艺术管理概论、艺术管理实践、艺术发展、艺术会计、艺术品营销、艺术和娱乐业公共关系;公开演讲;管理原则;组织行为;计算机图形概论。更有一些学校如南加州的查尔斯顿学院明确申明其培养目标就是管理知识的学习和运用：学生广泛学习经营管理方面的技能，并学习将这些技能运用在跟艺术家和艺术团体的合作过程中。事实上，本科阶段的学生一般既缺乏艺术文化方面的知识，也缺少经营管理方面的经验，试图让他们在短短四年中成为兼通艺术和管理的艺术管理通才是不现实的，为了让他们更好地适应毕业后的工作环境，以培养实用人才为宗旨的艺术管理专业只好在课程设置上倾向经营管理方面。为了改变这一尴尬局面，有些学校的艺术管理专业（如纽约州立大学弗雷多尼尔分校）要求，所有艺术管理专业的本科生，都必须选修一门艺术类课程，譬如音乐，戏曲或舞蹈，并确保每位学生深入理解至少一门艺术学科，这样的做法或许是有些效果的，但在有限的时间里，学生无论如何都很难做到精通艺术和管理两方面的知识和才能。

如前所说，欧美国家艺术管理类专业研究生在入学前一般都会对艺术类学习经历有所要求，部分院校还希望学生具有管理类工作经验，这样一来学生在研究生阶段就可以专注于管理类知识的学习，以及如何将其运用在艺术机构的管理活动中。比如，美国乔治梅森大学艺术管理专业研究生的必修课程包括：筹资、艺术与社会、艺术公共关系和营销策略、董事会管理、艺术财政预算、艺术政策，全部是实用的艺术管理知识和技巧。再比如，美国大学艺术管理专业研究生的必修课程包括：艺术管理考察、艺术营销、艺术筹资、文化政策、艺术财政管理，也是全部集中在艺术管理活动中的实际问题。由此可见，William F. Reeder等人不主张在本科阶段设立艺术管理专业是很有道理的。事实上，笔者也认为，本科阶段努力学习一个艺术门类，随后在参与艺术管理的实践工作中，发现问题，然后再在硕士研究生阶段学习如何解决这些问题，这样培养出来的艺术管理人才更能适应各种现代艺术机构的需要。

其次，在教学过程方面，根据现有资料、朋友提供的材料，以及笔者的亲身经历，可以发现欧美艺术管理专业的课堂教学特别重视案例分析，特别重视学生参与互动的意识，学生的课堂表现也常常作为教师评定学生学业成绩的根据之一；而纵观其整个教学过程，则会发现他们特别重视学生的校内和校外实习活动。

课堂教学方面，一方面，欧美院校艺术管理专业的教师大都具有丰富的艺术管理实践经验，他们在课堂上经常结合自己的工作经历讲解某些理论问题，使课堂气氛生动活泼，易于学生理解和接受。我曾经选修过乔治梅森大学艺术管理专业的一门“艺术公共关系和营销策略”课，授课教师Karalee Dawn曾在纽约百老汇剧场工作过多年，于是她在课堂上就不断列举她经历过的各种策划与营销故事，尤其是她参与策划制作音乐剧《MAMAMIA》的过程，常常被用来说明艺术品营销的灵活策略，这些鲜活的实例极大地调动起学生听课的积极性。另一方面，很多教师也利用自己和艺术机构的密切联系，不定期地请这些机构中的管理人员来客串教授，给学生讲解某个领域的实际情况。在我选修的另外一门叫做“董事会管理”的课上，主讲教师Richard Kamenitzer 教授曾经请过几位从事艺术管理工作的朋友来给学生们上课，其实主要就是介绍他们的工作经历，讲一些他们认为重要的事件，并回答学生的问题。我记得有一次他请了美国著名调研公司Shugoll Research的现任首席执行官Mark A. Shugoll来给大家讲解一个大型机构中董事会成员之间的关系问题，引起了学生们极大的兴趣，也很好地调动起学生的积极性。与中国的研究生课堂不同，这些研究生可以在听课过程中随时打断讲课者的演讲，举手提问，教师也很欢迎学生提问，在这样的师生互动中，学生可以获得更多自己关心的问题的答案。

第三，一般来说，欧美国家的艺术管理专业，不论是本科还是研究生，都特别重视学生的实习经历。本科生的实习一般在大二就可以进行（有些学校要求学生在修完其他学分后再进行实习，有些学校则会把实习和课堂学习交叉进行），有的学校只要求学生参加一次实习，获得相应学分（一般是3个学分），但在学生参加实习前，学校一般会提供实习指导课程，这类课程也可能会结合校内的实习，每周6到8小时；有的学校则明确要求学生至少参加两次实习，一次在校内，一次在校外，这种情况下，校内的实习就会起到指导学生参加校外实习的作用。

比起本科生的实习，研究生阶段的实习无论在花费时间和参与程度方面都有更高的要求。研究生的实习一般是6个学分，多数学校要求实习在毕业前的两个学期内完成（有些学校，如纽约大学斯坦哈德文化学院表演艺术管理专业，将实习排在第二和第三学期；还有些学校，如纽约市立大学布鲁克林学院，要求学生至少完成三个学期实习时间，当然，这种情况比较少见。其他情况还包括，有些学校，如俄勒冈大学的实习是安排在第一年和第二年之间的暑假中的）。当然，学生可以选择在一个学期内一次完成实习，也可以选择在不同学期分两次完成，校方往往会推荐学生尝试在不同机构实习的机会（有些学校，如辛辛那提大学，会要求学生完成两次为期10周的实习；也有些学校，如哥伦比亚大学师范学院的学生，多数会完成4次实习，当然，这种情况也比较少见）。而对那些有艺术机构工作经历的学生（有些学校要求至少四年工作经历），还可以申请减免一半学分。

还有一些欧美学校的实习过程是以“项目”的方式完成的，最典型的要数荷兰的乌特列兹艺术学院，在这些项目中，学生针对所联系的艺术机构的实际问题扮演一种顾问的角色，并藉此对艺术机构的管理获得新的视野和经验。美国的威斯康辛大学麦迪逊分校也采用了类似的方式来完成学生的实习活动。这种以完成“项目”代替实习的方式，对于解决学生，尤其是有工作经验的学生实际工作中碰到的各种现实问题，显然是很有帮助的。

第四，作为一门应用性极强的专业，欧美高校艺术管理专业的考核方式也与传统学科有所不同。在美国乔治梅森大学艺术管理专业从事博士后研究期间，笔者特别留意到其不同时段的考核方式：平时的课堂上，教师鼓励学生随时提问和回答问题，并将学生课堂上的表现计入对其学习成绩的整体评价；期中考试，教师也会分发试卷，让学生在规定时间内答完题目上交，我曾经参加过一次“董事会管理”课程的期中考试，一共40道选择题，随堂考试，当堂做完；B13期末考试，教师往往会提前布置学生单独或搭伙进行一次调研活动，然后在最后几节课上依次以演讲的方式完成报告，B14这样的调研活动和演讲报告，已经可以算作学生实习活动的一部分。

由以上几方面内容的说明和分析可以看出，欧美艺术管理专业在人才培养的措施上，都有重视实用性内容的特征：体现在课程设置上，无论本科阶段还是研究生阶段，均强调管理甚于艺术才能；体现在教学过程方面，则是特别重视案例分析、师生互动，以及实习活动；体现在成绩考核方面，则是传统的答卷方式与灵活的问答、演讲等方式相结合，即考核了学生专业知识扎实程度，也考核了学生解决实际问题的能力。

五、欧美高校艺术管理专业人才培养模式的

基本特征及其对中国的借鉴意义

通过对欧美高校艺术管理专业的师资、生源，以及培养目标和培养措等几个方面的综合分析，可将其人才培养模式的基本特征归纳为以下几个方面：

首先，培养目标明确，在学士、硕士和博士各层次之间有不同分工。

学士层次培养学生的基础知识，为其毕业后从事具体工作做准备；硕士研究生层次培养应用型人才，注重解决学生工作中遇到的实际问题；博士研究生层次培养研究型人才，学生毕业后主要从事教学或科研工作，正如德州理工大学对其博士研究生毕业后去向的统计说明所描述的那样：“很多博士生毕业后成为了某些学院的讲座教授或者院长”。

其次，讲求实效，注重功用，体现在师资聘用、教学过程等各个方面。

比如师资聘用不注重学位而注重工作经验，教学过程重视案例分析、师生互动和实习环节等，处处体现着艺术管理专业注重实用性的特征。

第三，宽进严出，重视教学质量，主要体现在入学要求和成绩考核等方面。

欧美高校艺术管理专业对学生的入学要求普遍不高，本科阶段基本没有特别要求，研究生阶段则只要求学生熟悉一个艺术门类；但成绩考核和毕业要求则相对较高，学生必须完成大量的调研分析和实习活动，才有可能完成学业要求，相形之下，他们对硕士研究生毕业论文的要求并不是很高，有些学校甚至没有对毕业论出明确要求。

欧美各高校的艺术管理专业大都已有40年以上的发展历史，而我国的艺术管理专业教育则刚刚起步，相对于欧美较为成熟的人才培养模式，我国该领域的人才培养还有很多不足之处。诸如师资聘用中重视学历甚于实践经验；课程设置因陋就简（因为该专业多为艺术类院系开办，所以课程设置畸重艺术类课程）；课堂教学注重知识讲解甚于实例分析（国内成功的艺术产业典型实例还不是很多），实习过程相对马虎（学校与社会之间的壁垒依然难以打破），以及整体上存在的不顾实际条件匆匆上马新专业（新专业有吸引力，易于吸引优质生源，提高经济效益，这也是教育产业化的一种体现），招生过程甚为严格而毕业要求相对宽松等问题，都是我国艺术管理专业亟待解决的问题。虽然因为国情差异，我们不可能完全照搬欧美国家相对成功的艺术管理人才培养模式，但有所借鉴，对于我国这一专业的发展无疑是有益的。（责任编辑：帅慧芳）

① 根据哈佛大学网站提供的信息，哈佛商学院目前已无该专业设置。另据美国“艺术管理教育工作者协会”提供的数据，目前美国共有七十余所大学设有艺术管理专业。

② 仍据美国“艺术管理教育工作者协会”的统计数据，目前共有19所美国本土以外高校的艺术管理专业成为该机构的海外会员，其中加拿大7所，欧洲5所，澳洲3所，南美洲1所，亚洲3所。中国只有原上海交通大学人文与社会科学学院“公共事业管理（文化艺术管理）”一度成为该机构会员，但现在该机构网站上海交大的链接已经失效。目前上海交大与艺术管理相近的专业名称是“文化产业管理”，设在“媒体与设计学院”的文化产业与管理系。

③ 中国社会科学院语言研究所词典编辑室《现代汉语词典（2002年增补本）》，商务印书馆，2002年版，第894页。

④ 参见美国乔治梅森大学视觉与表演艺术学院“艺术管理”专业师资力量网页：.

⑥ 参见“艺术管理教育工作者协会”网站相关内容：www.省略/grad.

⑦ 参见南卫理公会大学艺术管理专业网址：www.smu.edu/Meadows/AreasOfStudy/ArtsAdministration/GraduateStudies.aspx.

⑧ 参见威斯康辛大学麦迪逊分校艺术管理专业网址：www.省略/doc/bolzcenter_insert.pdf.

⑨ 有人曾经将美国的艺术管理模式称之为间接管理，法国为直接管理，英国为直接与间接管理相结合，这是很有道理的。当然，直接管理并不意味着政府直接干预文化艺术活动的内容和形式，而是通过中介机构或签订文化契约等形式来行使政府的管理职能。因而，欧洲国家的艺术管理方式是艺术机构与政府之间的关系，虽然并非政府主导或控制，但也远较美国艺术机构与政府之间的关系密切得多。参见胡熠《欧美国家文化管理的经验与借鉴》，《重庆社会科学》，2002年第1期。

⑩ 在艺术管理教育工作者协会的36个美国正式成员中，只有5所学校的艺术管理类专业提供MBA学位。

B11 艺术管理教育工作者协会五个提供MBA学位的正式成员（仅统计美国学校）中，有四个明确表示其人才培养目标包括盈利企业管理者；有一个未明确表示，仅表示其培养的人才将工作于“专业的艺术和文化领域”。

B12 艺术管理教育工作者协会十六个提供艺术管理学士学位的正式成员（仅统计美国学校）中，只有三所的课程设置明显偏向经济管理方面，其余学校都强调了自己课程体系的多元性（Interdisciplinary或Multi-disciplinary）。

B13 这次考试本人考了75分，在班级中成绩居中。这种考试比较像传统人文学科的考试方式，主要考查学生对课堂所学知识掌握的程度。

B14 这些调研活动我没有参加，但我向我的一位朋友Jammie详细询问了他们调研的过程，并留了一份他们的调研报告。

Culturing Modes of Art Management Majors in Europe and United States and

its Reference Significance to Contemporary China

GAO Ying-gang

(School of Fine Arts, Shandong University, Jinan, Shandong 250100)

Abstract:A training mode of qualified personnel consists of educators, guiding, and training objectives and measures. Based upon these factors, the present article analyses the main features of fostering art management majors in Europe and United States, and discusses its reference significance to contemporary China.

欧美艺术范文第8篇

[关键词]欧美电影；他者理论；非人类他者；东方他者；种族他者

由于战争、政治经济等诸多因素，西方世界一直坚持认为其在后殖民主义中具有主导性“自我”地位，并且将其他国家、民族、种族等视为“后殖民地的他者”，简称为“他者”。随着历史、文化文明的不断发展，这种他者理论逐渐成为西方世界最主要的意识形态，并被引申运用于各个不同领域，其中表现最为明显的是在文学、影视等艺术门类的应用。在欧美电影，尤其是美国电影中，白种人被视为“上帝的骄子”，具有与生俱来的优越性，在世界上于主宰地位。而其他种族、民族，甚至是非人类，影视作品中都呈现出不同程度的低劣性。在对欧美影片中他者现象进行归纳、分析活动后，大致可将影视作品中的他者理论划分为以下几种类别：

一、欧美电影作品中狭义的他者理论

从“他者”的术语出处与概念看，狭义意义上的“他者”主要是针对后殖民主义语境中的“自我”提出的，指殖民地的人民。而当“他者”成为一种存在着的思想意识形态之后，狭义的“他者”则更偏向于针对西方中心论中的“自我”而言。在西方世界文化体系中，西方人将除本国家、民族之外的一切种族、民族等视为“他者”，尤其是在影视作品艺术表现过程中，西方人以自我为中心，对“他者”进行肆意贬低、妖魔化等具有恶意性的艺术创作行为。

二、由奴隶他者到种族他者

“奴隶”“黑奴”“有色人种”“种族歧视”向来是欧美社会发展进程中不可回避的尖锐、敏感问题，在欧美电影作品中这些极具针对性的问题也成为影视作品艺术表现的重要内容和主题之一。通常情况下，在欧美电影中白种人作为影片中具有主导地位、主宰性的“自我”，而其他有色人种，尤其是黑人则被迫成为他者，致使黑人个体成为在影片中为了彰显白种人种族优质性的无本质的存在。电影《一个国家的诞生》可以说是欧美电影史上最具有影响力和争议的作品之一，在该部影片中，导演以白种人中心论为影片拍摄和艺术表达的视角，对于南北战争时期和战后黑人和白人的生活进行叙述。导演大卫・格里菲斯用夸张、荒谬、颠覆性的艺术表现手法将黑人塑造成了凶暴、残虐的群体，比如，前奴隶性格古怪、凶残，希望借助暴力方式对白种女性进行奸污；一支由黑人组成的军队对白人的庄园进行了惨绝人寰的洗劫、屠杀，而历史上臭名昭著的“3K党”在电影《一个国家的诞生》中则被导演大卫・格里菲斯塑造成具有正义感的，将人民从苦难中解救出来的英雄。也就是说，导演大卫・格里菲斯通过电影艺术表现活动对白人优越主义进行宣传，认为黑人永远无法平等整合于白人社会。当然，随着社会政治、经济的不断发展，欧美电影作品对于“黑人他者”和“种族他者”等问题的表述不再类似《一个国家的诞生》具有较大的争议，而是通过黑人演员的选用，人物角色在电影作品中的各种言谈举止、与白种人的人际关系、社会地位等，从侧面对他者理论进行阐释。比如，在《黑衣人》系列电影中，尽管影片中黑人J探员表现得极为风趣、幽默，并且极具正义感，但是与白人K探员相比，K探员身上所具有的干练、果断和领导才能是J探员不能匹敌的。也就是说，在《黑衣人》系列电影中，黑人探员J的人物形象只是充当了影片中的幽默、搞笑成分，而白人探员K才是影片的真正主角，并且在团队合作中一直处于领导、指挥的位置，这正是影片中“自我”与“他者”关系的具体表现。当然，并不是所有电影中黑人都可以以“探员”等正面形象出现，更多情况下，在欧美电影中黑人或其他有色种族人群被设定为影片中的贫民、流氓、毒贩等社会底层人物，比如，影片《蒙羞之旅》中女主播遇见的三个毒贩就是黑色人种；《鞋匠人生》中的黑社会组织人员也是黑色人种，等等。在欧美电影中，狭义的他者理论集中表现在“黑人”“有色人种”等方面，并且影片在艺术表现过程中呈现出明显的“白种人优越主义”思想意识形态。

三、东方他者论

在欧美电影中除了对“黑人他者”“种族他者”等他者理论进行表现之外，在影片内容中更多的是以东方、西方为两大对峙方，以西方中心论为主流思想，对西方世界进行“自我”性的表述、描绘，同时通过“他者”的艺术表现对于东方文化、社会经济发展等内容进行曲解，甚至是妖魔化。在欧美电影中，东方女性所承担的人物角色多具有穷困、胆怯、懦弱、等普遍性特点，例如，在电影《大班》中陈冲所扮演的角色就是清朝官员为鸦片头目奉送的性贿赂品，而电影《喜福会》虽然以多位东方女性作为影片主角，却是以西方中心论的视角对几个女性人物角色的悲惨人生经历进行了详尽的叙述和刻画，如被、抛弃，因战争原因无家可归，等等。影片中的这些女性形象在中国先后经历了封建社会、半殖民半封建社会、民国社会，她们虽然具有独立的生命意识，却没有权利选择自己的生活。她们受迫于生活压力、父权、男权或族权等，在生活中丧失了自己的个体，彻底沦为男权下的物品。而当她们来到美国，生活才发生了质的变化，她们逐渐意识到自己作为生命主体的重要地位和意义，并且通过自己的努力拥有了幸福生活。从影片的这些内容来看，该部电影作品是通过东方女性他者对中国历史、社会进行歪曲性质的解读，在嘲讽中国社会落后的同时，表现美国社会的优越性和民主性，即落难的中国女性可以在经济繁盛的美国社会重新获取人权，掌握自己的命运。由此我们可以得知，在欧美电影中东方女性他者在大多数情况下都被编剧、导演等进行了边缘化的艺术塑造，并以此为依据对东方文化、政治、经济等方面进行嘲讽、攻击，从而表现出西方世界的优越性。

当然，在欧美电影中被扭曲了的人物形象不单单包括东方女性，东方男性同样被许多欧美电影作品进行了不符合事实的、曲解性的形象塑造与刻画。在欧美电影作品中，华人男性的形象大多是粗俗、凶残或者胆小怕事、愚笨不堪的。在欧美电影作品中，尤其是对身处欧美社会中的华人男性形象进行塑造、刻画活动时，编剧、导演多选择以唐人街等华人集聚地为背景，将华人男性塑造为具有黑道背景的凶残、粗暴的形象，如电影《傅满洲的阴谋计划》中的华人傅满洲，《007》系列电影中狡诈阴险的诺博士，《腐化者》中腐败的华人警察和《无间道风云》中的黑帮人物，等等。再比如，在许多欧美电影作品中，虽然影片的主要内容与东方、中国毫无关系，但是却常常会出现唐人街、戏院等具有中国元素或特色的场景，其中包括面黄肌瘦、骨瘦如柴、目光呆滞的华人群众。也就是说，无论在欧美电影中内容、主题是否涉及东方、中国等方面，在电影作品中导演都会将东方文化、中华民族等作为他者进行艺术表现，并以此为手段表现西方中心论和西方优越主义。然而，随着世界电影产业的不断发展和中国市场的不断壮大，欧美电影将中国市场视为获得更大票房利益的主要平台，因此对于东方他者的艺术表现也愈加隐秘。更多时候，欧美电影利用中国的民间神话传说、历史人物事迹或中国功夫等作为影片打入中国市场的契合点，希望引起更多观众的关注，但东方、中华民族文化元素的融入并没有彻底使其摒弃东方他者论在影视作品中的具体表现。在迪士尼动画电影《花木兰》中，制作方将中国龙的形象进行扭曲，使东方神兽无论在外形还是在语言举止上都极为猥琐。在暴力美学经典影片《杀死比尔》中，导演昆汀也将中国观众耳熟能详的白眉道长这一人物形象塑造为武艺高超、脾气暴躁、满嘴俚语的粗俗道士。就连国际巨星成龙、李连杰在欧美电影中也没有办法将中国功夫、中国文化的博大精深客观地在银幕上展现出来。在欧美电影中中国的宗教、功夫等传统、经典文化常常伴随着荒谬、滑稽的电影元素出现，这样的艺术表现形式既是西方中心论、东方他者论在电影作品中的体现，又是西方社会对于东方、中国文化的恶意歪曲和污蔑。西方国家通过电影、影视作品对东方他者所进行的妖魔化的表现，从本质上讲，是从精神、文化领域方面对中国的挑衅和侵犯行为，理应受到谴责和抵制。

四、欧美电影中广义的他者理论

当然，随着人类文明的不断发展，他者理论不仅仅局限于狭义的后殖民主义理论之中，而是以此为基础，对更广泛领域的事物关系进行定义和表现。从广义上讲，“他者”是针对以人类为中心论的自我意识理论产生的。在人类中心论中，人类在地球、宇宙中具有毋庸置疑的统治地位，而一切除人类之外的事物、生灵等，无论在智商、情商等方面处于何等地位、阶段都被统称为“他者”。换句话说，在广义的他者理论中，人类是自我意识的主体，而一切非人类事物是针对其应运而生的“他者”。例如，在《黑衣人》系列电影作品中，除去人类之外的一切不论智能等级如何的外星球生物都是他者；在电影《终结者》中既不是人类，又不具备生物属性的天网系统也是除人类之外的他者；在《生化危机》系列电影中被异化的生化怪物也是他者；甚至在欧美恐怖电影中狰狞、血腥的鬼魂、妖怪等角色形象都是广义的他者。在欧美电影作品中，上述所列举出的非人类他者形象，在某方面（如智商、体能、进化等诸多方面）总会表现出某种超过人类的优势，在影片中他们的存在为地球，甚至是宇宙带来了极大的威胁，但是这并不意味着这些他者在影片中可以摆脱他者的悲惨命运，即在欧美电影中，在“自我”与“他者”矛盾冲突、纠纷征战中，人类作为中心论中的“自我”总会在激烈、残酷的战场中逐渐占据主动权，并以主宰者的身份与姿态获得战斗的胜利。比如，在《黑衣人》系列电影中，影片中的外星人他者常常在智商、体能或者所拥有的科技武器等方面超过人类，但是作为电影中主角的J探员和K探员总是可以在千钧一发的紧要关头找到解决问题的办法，并且险中求胜，维护了世界和全宇宙的和平。又如，在《生化危机》系列电影中，异形怪物无论在体型、体力、攻击力上都具有绝对的优势，但是影片中人类的科学家、战士等总能够发现这些异形怪物的致命弱点，最终一举击败敌人。由此可见，在欧美电影中人类与非人类之间“自我”与“他者”地位、关系的确定，实质上是由两者殊死对抗后的输赢结果决定的。也就是说，在欧美电影作品中，人类之所以被定义为“自我”，而非人类被称为“他者”，是因为在两者的激烈争斗中人类所处的不败的地位决定的，或者我们可以说，在欧美电影中非人类他者的艺术表现内容是西方世界对于“人类主宰一切”内容、主题思想的形象、生动的表述。对于人类“自我”而言，非人类就是“他者”，正是由于非人类他者的存在，人类“自我”的主体意识才能够得以确立，权威才可以正式确立。

综上所述，作为一种叙述行为和艺术表现形式，西方电影创作者、制作方通过电影这一形式对他者理论、思想意识形态进行详尽、生动、形象的表述，单纯地从艺术表现的方式、方法上讲是值得广大电影创作者进行参考、借鉴和学习的。但是西方国家通过电影对“西方中心论”进行宣扬，并将“黑人”“有色人种”“东方文明”“华人”等视为“他者”的行为，势必要遭受到世界其他种族、民族和国家的抗议和指责。同时，针对欧美电影中存在的他者理论，如何用影视作品正确、客观地对东方文明、中华历史、华人形象内容进行艺术表现，也成为我国电影发展进程中值得思考和面对、解决的重要问题之一。

[参考文献]

[1] 海斯翠普.他者的历史――社会人类学与历史制作[M].北京：中国人民大学出版社，2010.

[2] 彭保良.迪士尼电影中的“他者”身份研究[M].广州：中山大学出版社，2007.

[3] 李渝凤.他者的再现：质疑好莱坞电影中的华人形象[M].广州：中山大学出版社，2007.

[4] 付平亮.变异学视野下西方电影中的亚文化[M].成都：四川大学出版社，2013.

[5] 黄琳.西方电影理论及流派概论[M].重庆：重庆大学出版社，2008.

欧美艺术范文第9篇

历史潮起潮落，卷走数不清的岁月哀荣。100多年后的兰心剧院早就改换了模样，不再是英国人演戏的场所了。而话剧，这门因时代需要而诞生的艺术种类，在大上海扎下根来，经历新剧、文明戏的蜕变，在1928年由导演洪深正式命名为“话剧”，时至今日，这两字移植安福路，成了一个做戏和看戏的品牌。

位于安福路上的上海话剧艺术中心，前身是上海人民艺术剧院和青年实验话剧团，前者由夏衍、黄佐临创立，后者由熊佛西建立，前人已走进历史长河，只留一个背影让后人余想。但安福路的故事，在新话剧人的手里才刚刚展开。

“上海国际当代戏剧季”在安福路走过了五季，“先行青年创意戏剧节”在安福路历经两载，另一个“欧美当代戏剧典藏演出季”又在安福路话剧人的手里粉墨登场。像100多年前的兰心剧院一样，这是一个纯粹的西方戏剧的展演秀。有普利策奖和托尼奖的双项得主《怀疑》及《求证》，百老汇的经典名剧《侦察》，尽掳欧美中产阶级欢心的《杀戮之神》，讲述生命尊重的《12个人》，风靡美国的悬疑惊悚喜剧《死亡陷阱》，叩问人性复杂的《奥里安娜》，七部题材各异，风格不同的欧美现当代戏剧作品，在安福路的三个剧场一一上演。

《奥里安娜》（2003年）、《求证》（2004年）、《侦察》（2009年）、《怀疑》（2010年）、《12个人》（2010年）曾先后上演于话剧中心，争议、精致、经典，是这五部戏的共同特征，再加上安福路一帮老戏骨的陪衬，一众年轻型男的落力加盟，把这个戏剧季“熬”得醇香醉人。

好戏和好花好景一样，不常在、不常有。如果赶上春天，听闻“安福路”这三个字，那就过来赏鉴一下“欧美当代戏剧典藏演出季”吧。

针对本次“欧美当代戏剧典藏演出季”，我们共精选推出了八部经典外国戏剧作品，届时与观众见面，希望在展现经典魅力的同时给您带去不一样的观赏体验和感悟思考。我们用心邀请您的参加， 一起重温经典、品味精彩！

杨绍林：

近几年，上海的话剧市场发展得极其蓬勃而充满活力，这是每一位话剧从业人员都相当乐见的景象。观众愿意走进剧场，市场也给观众提供了丰富多样的选择，但是如何让观众能真正体验到戏剧的魅力？如何让观众爱上剧场？如何让观众学会去分辨一场演出的优劣？作为上海唯一的一家部级专业话剧院团，上海话剧艺术中心对此责无旁贷。

多年的专业话剧经验不仅为上海话剧艺术中心沉淀了大量脍炙人口的优秀剧作，更是为上海话剧艺术中心累积了大批优秀的台前幕后的人才，无论他们是经验丰富还是充满活力，都秉持了出好戏做精品的高要求，力争将最能展现戏剧魅力、最为优质的戏剧推荐给来到剧场观看演出的观众们，将真正的戏剧菁华推入市场的洪流中。对上海话剧艺术中心来说，精选了八部经典外国戏剧的欧美当代戏剧典藏演出季还只是一个热身、一个开始，接踵而来的将是更能凸显原创精神和现实主义的中国当代原创作品演出季以及将中国舞台与世界连接得更紧密的国际合作戏剧演出季。

吕凉：

近年来，随着创作规模的不断扩大、演出数量的不断增加，上海话剧艺术中心已经累积了相当数量的舞台剧作品。在演出市场并不十分乐观、娱乐浪潮汹涌澎湃的环境下，能取得这样的成绩，我们感到骄傲和自豪。然而，我们并没有因此而满足，我们心存忐忑……

我们希望能够推出更多制作精良、思想健康、叩问心灵、针砭时弊、具有强烈艺术感染力的作品，让观众在观赏中得到享受，在思想上获得启迪。这是我们的责任，也是我们的使命。并且，作为一支专业的戏剧创作队伍，我们具备这样的能力！

把优秀剧目以主题演出季的形势呈现给观众，是专业艺术院团常规的演出方式之一。兼具观赏性、艺术性与思想性的“欧美当代戏剧典藏”是上海话剧艺术中心在2011年推出的第一个演出季。

喻荣军：

提起欧美戏剧，你脑海中最先迸出的会是什么？莎士比亚、莫里哀、歌德还是契诃夫，亦或是《玩偶之家》、《阴谋与爱情》、《沃依采克》还是《一仆二主》。那提起欧美当代戏剧呢？布莱希特、贝克特、加缪还是尤里斯库，亦或是《推销员之死》、《悲悼》、《苍蝇》还是《等待戈多》。那现在欧美戏剧最前沿在上演哪些人的作品呢？是哈洛德品特、萨拉凯恩、大卫马麦特还是安东尼谢弗，那对于汤姆斯托帕特、亚斯米娜雷扎、约翰尚利和大卫奥本的作品你还熟悉吗？如今，伦敦西区与纽约百老汇最红的戏剧作品是什么？奥立佛戏剧奖与托尼戏剧奖最关注是什么样题材？……2011年我们精心准备推出的欧美当代戏剧典藏会告诉你答案。七个月，八台戏，除了周一，每天晚上，我们都准备了一台欧美戏剧精品与您相约安福路上海话剧艺术中心。

这次欧美当代戏剧典藏演出季是一次戏剧盛宴，它汇聚了近几年我们演出的深受观众喜爱的复演作品，也包括两部最新推出的中国首演作品，每一部戏都相当优秀，很有来头。同时，这个演出季也是我们将推出的四个演出季中的第一季，相信接下来的中国当代原创作品演出季、实验创新作品演出季以及阿加莎系列作品演出季都会给您带来不一样的戏剧体验。把优秀戏剧作品集季演出也是为了让观众更加了解我们的演出计划，让我们能更好地为观众服务，同时也为了逐渐实现剧目轮演制，有节奏地做到推陈出新。

欧美艺术范文第10篇

关键词：希腊神话动画角色人物设定

神话是原始人思想与生活的反映, 是原始信仰的产物。希腊神话给欧美社会的思想、文学、艺术价值观、语言习惯带来了深刻而悠远的影响。在某种程度上来说，神话丰富了文学艺术, 卓越的文学艺术又反过来赋予神话以新的生命。西方文化正是在神话和文学艺术互相推动促进的情况下发展起来的。美国大诗人惠特曼言简意赅地说:“神话真是伟大”（惠特曼著 李野光译《草叶集》P137， 北京燕山出版社2008年版）

希腊神话作为西方人类的童年文化, 不仅对欧美文学艺术产生了巨大的影响，同时对欧美动画中人物设定产生了一定的影响。不了解希腊神话，就在相当程度上失去了欣赏和理解欧美动画中的人物设定的机会。

一、 希腊神话对欧美动画中的人物设定产生影响的原因

1．设计者本身受希腊文化熏陶

任何设计师的创作都离不开所处的文化氛围的影响。希腊神话对欧美动画中的人物设定影响不仅表现在对欧美动画中的人物设定的内容或取材上, 它也以集体无意识的形式积淀在欧美民族意识的深层而影响着动画中的角色设定者的创作意识和思维模式, 从而赋予了欧美动画中的人物设定的底蕴。

2. 角色设计者把神话作为表现角色性格的手段和捷径

人的思维（想象力）离不开对现实生活的提炼，从某种程度上来看神话反映了人的基本性质和人的行为的基本模式。以大量知识为媒介而进行思维的人们发现, 人所共知的神话是人们沟通思想的重要条件, 在一个共同的文化背景下, 熟悉的神话故事是人们进行思想表达、感情沟通的重要媒介。比如我们中国人一提起“牛郎织女”就不约而同地想到“两地分居”, 因此角色设计者便把神话作为表现角色性格的手段和捷径, 同样,希腊神话也成为了欧美动画中的人物设定的符号和媒介。

3. 愿望与欲望是创作的原动力

早在原始社会，人们就对自然充满了好奇与幻想。从最早的巫术和现代一些残存的土著居民的生活中，我们可以看到，人们相信自然界有各司其职的神仙与妖怪，人们对神秘的力量充满了向往。动画角色造型也是在最大程度地满足人们的欲望和想象。“如果人类能够具备这些能力的话，那该多好！想要成为特别的存在、想要掌握特殊的能力、想去爱、想被爱”――源于这些想法而产生了“亚人种”；“想要成为最强、想要支配、想要破坏；如果将强大的生物进行合体的话会生出更强大的生物”――而这些想法就产生了“合成兽”。（V本博义《卡通角色设计》P34，中国青年出版社 2006年版。）

二、 希腊神话故事对欧美动画中的人物设定产生的影响

（一）希腊神话对欧美动画中角色造型的影响

希腊神话中的人物是动画设计者设计角色的一个庞大的宝库，在神话中有许许多多的神、怪、兽、鬼，在希腊神话中本身对角色的定位之外也留给了设计者很大的想象空间。

例如“豺狼人”这个种族。从名字上我们首先就能判断它的外貌应该是一种豺狼与人的集合体。从神话中对豺狼人的描述来看 ，“作为食肉类，豺狼人把所有生物――包括他们的族人都看作食品。他们的一切都是由饥饿所驱动，金钱和魔法不能打动他们，只有食欲才是惟一的动力”。这一性格特征在动画角色造型上有很好的体现。

在动画中 ，豺狼人的社会完全是构筑在武力的基础上的。最强壮和最可怕的豺狼人担任部族的领袖，而羸弱的豺狼人则会成为其他族人的食物。豺狼人个性的描述，使我们对它有更多的了解：吃肉，所以要赋予它尖利的牙齿；游牧和渔猎，服饰上采用兽皮，制作简陋；武力，有发达的肌肉。因为是负面人物，所以在造型上要对其进行必要的丑化。

（二）希腊神话对欧美动画角色服饰的影响

1. 服装形式

在希腊神话中对自然元素的运用多用来表现各种精灵和野蛮的土著人。对前者的表现多采用轻灵的、精美的的表现手法，而对后者则着重表现其笨重、粗犷、力量等方面。大自然总是赋予人类首要的艺术造型形态的生动主题，远古时期，古老的植物、动物都成为原始人类创造、构想之源泉。这在动画中得到了很好的体现。

2. 图案形式

图案能起到丰富角色服饰的效果。同时，在动画中不同的图案代表着的不同的意义，有的象征着权力地位的高低，有的又是不同群体的共同标志。这很快能让人想起希腊神话中的图腾。在神话中，图腾的图案往往用来做本氏族的徽号或标志。

3. 饰物形式

在动画中不同的饰物也能代表不同的身份，与图案不同的是饰物除了装饰外，还具有一点标识作用，也能营造气氛，有时还能具有一定的魔法，有的甚至就是某些角色的武器。

（三）希腊神话对欧美动画中人物性格设定的影响

符合动画角色的性格是动画角色设计的一个重要原则。因此在设计一个角色的时候首先要去了解所设计的这个角色的身份与性格，甚至与其相关的环境与剧情等，这样能为下一步设计好这个角色找到正确的方向。如我们设计一个英雄的形象，我们就要首先有一个大体的概念，即英雄的共性。然后我们再去细部设计，是哪个时代的英雄，赋予他时代的特征，通过对其生活时代来推敲他的脸型、服装、发式等，然后经过对其所做过的事以及生长环境等来确定表情系统的设计。一步步的细化与夸张可以使人物更加鲜活，与其他类似角色进行区分。而通过对神话中人物的借鉴和提取则能起到事半功倍的效果。

三、动画中人物设定意义

荣格在《神话的人格》这本书里就明确指出过，“人类的心理原型中，存在着一种对神秘事物的好奇以及对英雄的崇拜的一种英雄主义情节”。（冯川《神话的人格》P76，长江文艺出版社 1996年版）

在现实生活中我们很少有过体验到成为英雄的，于是英雄主义的情节被封印于潜意识之中。当动画中出现虚拟的神话背景后，每个角色都被赋予了崇高的使命感和无比的神话力量。在一个宏大的历史背景之下，神话在动画中复活，每个角色作为这个世界的一部分，是微不足道的，但同时又是完成这个神话的一个元素，观众在动画中发现，自己的所作所为其实是在创造一个神话的历史，这种久已封印的“英雄情结”被激活，从而投入巨大的热情，就见怪不怪了！

动画不仅仅是一种娱乐方式，还是一种全球化的文化交流产物，在某种意义上将会对观众的审美情趣和价值取向产生一定的影响和导向作用。动画角色本身己经成为一种文化的载体，动画角色作为观众的视觉主体，要得到观众的认可必须丰富其内涵，注重精神建设。

所以我们不能忽视动画角色作为具有民族精神内涵的文化形象。艺术样式的更新，是文化发展的必然。只有将民族文化艺术的精髓与时代精神相结合，在现代语境下探索展现民族特质的新道路，探索新时代下有特色文化内涵角色造型方式，才能真正确立中国的动画角色在国际舞台上的位置。