时间艺术论文范文

时间艺术论文篇1

关键词：斯卡拉蒂奏鸣曲时间艺术表现速度节奏

多明尼哥·斯卡拉蒂是18世纪意大利著名的作曲家、古钢琴演奏家，亦是音乐史上最具独创个性的艺术家之一。他虽然与巴赫、亨德尔同时生于1685年，而且所处的时期也正值欧洲巴洛克音乐盛行的后期，但斯卡拉蒂却以他独有的艺术气质，承载着深厚的社会背景，向我们展示了一种全新的音乐风格。斯卡拉蒂所创作的奏鸣曲使他成为键盘领域新技法的奠基人，这些经典的传世之作也以崭新的音乐体裁与结构原则，为后世的音乐树立了永恒的典范。我们在演奏斯卡拉蒂奏鸣曲时，要充分体验斯卡拉蒂音乐作品中的一些与众不同的特点：源于意大利唯美主义的旋律，色彩丰富的和声，同时还具有西班牙热情、奔放的鲜明节奏以及充满即兴的艺术情趣。以下是笔者对斯卡拉蒂奏鸣曲时间艺术的研究。

一、速度

1.速度标记

斯卡拉蒂所写的速度标记是很有限的，这些标记通常只限于简单的Allegro、Presto或Andante，偶尔才会出现一些Allegretto、Vivo或Vivace。有时斯卡拉蒂用Moderato或Cantabile这样的术语，它决不仅单纯代表速度的含义，同时还具有解释乐曲性质的意义，亦可将其视为表情术语来看。应根据不同的作品进行具体的研究，要符合音乐性质、思想感情和特定的音乐形象，从中试图去感受其深刻而广阔的内心世界及作曲家的情感、意愿，以便增强对音乐内涵的探索、想象和挖掘。现在有些版本中，对于这些标记擅自改动而不加以说明，演奏者对此应抱以谨慎、客观的态度。

例如，Presto，并不一定是要求演奏得很快，也不是让那些所谓的演奏高手用作炫技的。对此，我们可以更好地把它解释为生动、灵巧、活跃，或者是要求演奏者对作品中细腻、精致的变化做出敏锐的表达，以及显示乐曲高潮那一瞬间的亮点。虽然斯卡拉蒂也是一位技艺高超的演奏大师，但他那奇特的技巧和节奏的生动性永远是交织在歌唱性的旋律线条与和声细微的变化以及精雕细琢的节奏转换之中的。以上这些是演奏者在选择速度时必须首先考虑到的，而不仅仅只考虑自己的手指可以跑得多快。

再如，Allegro和Andante，在演奏许多斯卡拉蒂奏鸣曲时，我们会发现一些作品中，Allegro和Andante在实际演奏中的速度是十分接近的。当要充分表现乐曲节奏的细微变化和乐曲旋律、和声的内涵时，斯卡拉蒂的某些Allegro不比Andante快多少。当和声节奏进行快时，Allegro可以表现更大的和声密度，而Andante则用于和声节奏进行宽广的地方。也就是说，Allegro和Andante在速度上的准确把握，根本取决于和声节奏进行的松紧和快慢。如在3/4拍中的Andante，根据和声节奏进行来看，一小节一个和声，拍子也就应按一小节一拍来定。

此外，音乐中的运动速度也取决于乐句的呼吸或舞蹈性的动作。在多数情况下，Allegro标记的乐曲多与活跃的舞蹈有关，节奏异常鲜明丰富，也常出现跳跃性节奏的短句。而在大量的Andante和标有Cantabile的乐句中则除了具有歌唱性并时常有着忧郁的情调外，往往还具有平衡、统一、重复盘旋的节奏特点。这种节奏特点就像静止中的运动，在你察觉不到的状态中前进。有点像西班牙北部波来罗舞曲中的节奏，无始无终，在无穷无尽的空间中晃动，直到消失。如果演奏得太慢，反而会失去了节奏的韵律，而斯卡拉蒂就是恰到好处地运用这种魔力来吸引着每一位听众。

要掌握斯卡拉蒂作品的速度变化，一定要了解当时的古钢琴与现代钢琴的本质区别，以及当时的艺术风格和艺术情趣，既保持时代特征，又使速度做到准确而不死板。其中要注意的一点是，在现代钢琴上许多人演奏的渐慢，常常对应的是伴随力度渐弱变化，在斯卡拉蒂的时代人们是不会这样做的。因为当时的古钢琴只能表现有限的力度变化，所以我们对速度的掌握不能脱离一定的历史风格。

2.速率

通常，斯卡拉蒂作品的速度往往会被演奏得太快。而且，听众们客观所听到的Allegro和Presto总是会比演奏者主观听到的要快得多。过快的演奏只注重了外在华丽、闪光的演奏技巧，却忽视了乐曲本身与众不同的性格。一般演奏者在选择速度的时候都会从旋律起伏中最快的音符和低声部潜在的和声进行这两个方面来考虑。在实际演奏中，拍子的单元（拍号）对于速率的把握是没有太大关系的。比如说在一首4/4拍的乐曲中，并不一定每小节都打成四拍，根据每小节音符的时值及其不同组合，我们可以把它打成八拍或者两拍，甚至一小节一拍，这就是速率的变化。确切地说，速率的变动是由乐曲中音符时值组合形成的节奏脉动或和声进行的疏密程度来决定的。比如，在奏鸣曲K54中，12/8拍的塔兰台拉舞曲，其中八分音符构成的旋律与和声进行节奏相结合形成的速率，同拍号本身要求的节拍速率是不同的。综上所述，速度的选择不仅要考虑速度标记，还要剖析旋律结构，对和声进行要有极强的洞察力，对节奏内在速率的变化要有敏锐的感受力以及对节拍韵律做不同侧重点的选择。

二、节奏

在斯卡拉蒂作品中有很多精彩的节奏变化效果，而这种变化是紧紧环绕着西班牙民间舞蹈这一中心的。即使是简单的十六分音符和八分音符以及四分音符交织，斯卡拉蒂都会巧妙地加上装饰音和双音，使乐曲不仅具有鲜明的西班牙舞蹈节奏，同时还模仿出西班牙最具特色的民间乐器响板、铃鼓那特殊的声响效果。这样的节奏型活现了西班牙人欢快、奔放、热情的善歌善舞的生活。由于西班牙的民间舞蹈深深地融入了斯卡拉蒂的血液中，成为他最富特点的创作语汇，所以在把握斯卡拉蒂作品的节奏时，必须时时注意到这一点。

1.节拍

在斯卡拉蒂作品中，丰富多样的节奏变化常通过节拍的灵活运用来体现。比如两拍与三拍的内在韵律转换就是最富特点的变化手法之一。在演奏这种作品时，如果只把这些节拍韵律上的转换当作普通的切分音来看，那就会失去节拍上的复合性，从而违背作者创作的本意。只有注重这些不同声部各自不同的节拍韵律以及它们相对独立但又相辅相成的关系，才会再现作品的原貌。

2.小节线

斯卡拉蒂从不做小节线的奴隶，这也是他的音乐最具即兴性的原因之一。在文艺复兴时期的意大利音乐中，每一声部中都是没有小节线的，斯卡拉蒂就是在意大利受过无小节线的写作训练，并著有很多无伴奏合唱，所以斯卡拉蒂的奏鸣曲决不局限于小节线的束缚。这种乐曲中的小节线和拍号往往只是预示给演奏者一个起点，是一个不同声部之间既独立又互相平衡运动的起点。同时通过对音符之间不同时值的组合与对比，形成了斯卡拉蒂音乐中的复合节奏。这些在当时是极富创新性的独特而丰富的节奏变化，这正是为什么斯卡拉蒂的古钢琴音乐水平远远超过了同时期其他作曲家的原因。

在演奏斯卡拉蒂的作品时应随时准备不同程度的忽略小节线，在这种情况下的小节线，往往是因为节奏的时值或和声的进行而不得不标示出的。在奏鸣曲中，小节线的运用就是一个很好的例子。在一开始旋律音型与小节线划分后的旋律节奏韵律是不一致的，如果这时我们去掉小节线，就非常容易找到旋律真正的节拍韵律和走向，从而发现并达到作曲家内心真正所要给予音乐的节奏动力。

3.节奏的组合

当我们要准确把握拍子的时候，一定要注意，节奏的组合在整体结构上应该给人以协调感和精确感，而不能像机械般的死板。大部分优秀的、真正有说服力的演奏不仅仅是把音符的时值清楚、准确地呈现在人们面前，更重要的是如何将不同的音符时值组合起来形成不同的节奏韵律。节奏的训练不能只靠单纯的数拍子来完成，而过分地强调拍子往往是最不具节奏感的演奏。音乐中节奏的准确把握也受到其他因素的影响，比如说技巧的掌握、和声进行的速度和声部间的协调等，它们都是能否把握好节奏的重要前提。一旦音乐中各部分之间能够很好地协调，那么速度与节奏律动的问题就迎刃而解了。我们很有必要以旋律、和声为依据，分段来考虑节奏，把那些隐藏在音乐里面的节奏单元组织起来，并加以分类，形成不同的节奏型板块，然后根据上、下呼应关系再把这些板块恰当地衔接或转折。

当然，一个孤立拍子的存在是毫无意义的，只有与乐句产生互动关系并呈现速率上的对比变化，这一拍才会变得真正生动。当规则的拍子和不规则的节奏相互补充和对比时，才会产生音乐的紧张度。往往在规则的基础上融入不规则，节奏才能发挥出最大的表现力。有时丰富多彩的节奏会因为缺乏严谨规则的节拍而显得松散不协调；但过于注重规则的节拍，又会使节奏律动点的移位及其产生的旋律线条充分地展示。在快速乐段中，需要严格、精确地把握小音符时值；而在慢乐段中，这样的做法却会破坏音乐的线条特点。总之，要灵活、巧妙地掌握节奏律动，演奏就会既严谨又生动。

4.休止符

斯卡拉蒂作品中突然沉寂的休止，会给人带来意想不到的效果。这种休止符一般都会整小节休息并加有延长记号，带有一种超时空的潇洒。这种突然的休止符不仅仅会在节奏进行中产生悬念，而且还代表着一种疑问。对于这种休止符的处理，一般人们都会通过渐慢或延长前一小节的拍子来达到与休止符的顺利交接，而这样往往会失去休止符本身带来的无声的兴奋感，所以在休止符出现前一小节的节奏一定要准确。真正体察它的音乐实质，从而正确、严格地表现休止符。

总之，要在现代钢琴上弹好斯卡拉蒂的作品必须时刻用辩正的方法去思考问题。一方面要认识到斯卡拉蒂是如何运用他那个时代乐器的;另一方面又要洞察到斯卡拉蒂多种创新的手法正是他头脑中所追求的丰富、赋予变化的理想的声音效果。同时在我们的教学工作中不应该束缚演奏者的想象力，应以在尊重作曲家本意为前提的基础上更多、更好地了解作品的实质，才能更充分、更广泛地拓展自己的思维和想象空间。

参考文献：

[1]朱雅芬编译.斯卡拉蒂的古钢琴奏鸣曲.钢琴艺术，2000年第4期.

时间艺术论文篇2

[论文摘要]中国艺术学科的成长，需要有自己的核心艺术理念支持。探寻中国本土艺术理论，一是要充分认识到当下是中国艺术文化成长再次自觉的关键时期二是要认真促进中国本土艺术理论的累积三是要研究明确探寻中国本土艺术理论建设的策略。

一、中国艺术文化成长的再次自觉

“中国艺术文化成长再次自觉”，是基于1978年开始的“改革开放”而言的。比如在中国美术界，当时开展了对“社会主义现实主义”的理性解析，从而为中国美术文化的新创造提供了新的理论支持。如果说中国艺术文化在过去的三十年里有了全新的变迁成长，主要是得力于l978年中国首次自觉地寻求变革而至。那么，从2oo9年开始应该有再一次促进新成长的自觉意识和实在行为。这是人类历史和现实环境给予中国艺术文化的良机与使命。从中国当下在全球的态势来看，是具有新的持续飞翔的语境和条件。…中国及中国艺术文化学人当下是需要时刻明白自己已经具有了独立、健康、跨越发展的空间与条件，关键是需要在促进中国本土艺术文化成长的认识论与方法论上，要不断自觉、不断提升、不断拓进。

首先，中国艺术文化本来就有自我之根脉。中国艺术文化的根脉是当下中国艺术文化成长再次自觉的重要认识论基础。这一点是不可忽视和缺失的。今天中国艺术文化新的自觉和新的发展之缘由与自信底气，就来源干中国艺术自己本来的根脉。不论讲中国艺术文化的伟大复兴也好，还是说诉求创建中国艺术学派也好，都是由于中国有自己独特的艺术文化之根。

从原理上看，思想是有历史属性的。当下我们审视、形成和确立探寻中国本土艺术理论是当务之急的思想，也是有厚重的历史内涵与缘由的。中国艺术文化同中国其他文化一样具有悠久而厚重的历史与传统。不仅中国美术文化传统、中国的音乐艺术文化传统、舞蹈艺术文化传统、戏曲艺术文化传统等艺术形态是悠久而博大精深的，就是在20世纪才兴起的中国电影艺术、中国电视艺术，也有了自己民族特性的传统内涵。为什么有学者在反思回顾论及中国画在2o世纪8o年代后出现的一些历史事项后讲：“有趣的是，‘末13论’提出之后，中国画却进入历史最好发展期。‘笔墨等于零’说提出之后，当代中国画家们反而空前的看重了‘笔墨’，黄宾虹和他的笔墨论大行其道，使许多画家更深入的思考中国画的本质精神和文化特性等问题，有利于中国画的发展。这是要感谢‘末日论’和‘等于零’提出者的”。l2正是因为中国画有它自身深厚的传统内容，所以国画家们才不会盲从于一人之论而失去自我。总之，在者力探寻中国本土艺术理论之时，要守候中国艺术文化的本来之根脉。

其次，“西来东失”的走出。如果从中国近现代的艺术观念、艺术术语、艺术创造方法、艺术评价标准等视点看，中国艺术在非常长的时间里呈现出了“西来东失”局面。但是，当下是到了走出这种非常态局面的历史时期了。因此，走出“西来东失”的时刻也是促进中国艺术文化成长再次自觉的重要语境因素。换句话说：走出“西来东失”的标志，就是中国本土艺术理论的赫然建构与矗立。

所谓“西来东失”，是指中国本土文化随着西方等外来文化侵蚀而衰微的社会现象。由于西学东来的声势强大，致使中国本土艺术文化遭到了时在的哲学人士、政治人物、艺术从业人员等多类人物的抨击或改良，故而整个20世纪的中国艺术文化都处于“向左走”、“向右走”的非主体性定位之行为的局面。但是，在当下，随着中国社会整体进步和认识水平与实力的增强，那种唯他者是从的社会语境已经过去了。中国到了要向他者推销自己的价值观念、艺术思想、艺术文明的时期。因此，中国艺术文化成长的再次自觉是必要的、是必须的，构建中国本土艺术理论成为了当务之急。只有构建好了中国本土艺术理论，有了厚实的中国艺术文化宝藏，才有向他者推荐自己的资格、自信和实货。

再则，20世纪末至21世纪初的30年之改革开放的积淀基础。当下中国艺术文化成长再次自觉的不可忽视的认识论基础之一的是l978年至2008年这3O年问中国社会所取得的非凡成就。纵观中国艺术文化在改革开放三十年里，无论是艺术观念、艺术价值取向、艺术体制、艺术学术、艺术学科、艺术形态、艺术创作、艺术批评、艺术市场、艺术教育、艺术组织、艺术审查、艺术传播、艺术交流、艺术消费、艺术生态、艺术变迁，还是在艺术人才、艺术从业队伍、艺术文化产业、艺术受众、艺术语境等方面都有了很大的变迁提升、积淀起了丰厚的财富。没有这些已有的艺术文化基础，是很难去规划和设定与促进中国艺术文化的再次自觉提升与腾飞的。所以，对中国改革开放三十年里中国艺术的历程与得失，应该有全面、深入而系统的研究，在此基础上才能望在高妙地构建中国本土艺术理论及其系统学说。

为什么需要中国艺术文化的再次自觉?为什么探寻中国本土艺术理论是当务之急?这都是因为中国艺术文化在当下新生长的迫切需要。中国艺术当下的中国处境是：中国整体的发展要求中国艺术文化应该有经典性的反映与成就。所以，中国艺术当下的变迁成长，应该有与昔日之不同的取向与面貌。只有这样，一方面才能让非传统的中国艺术匹配不断崛起和强大起来的中国整体社会。另一方面，才能让非传统中国艺术文化成为强大中国构成的重要内容元素。那么，当下与未来的中国艺术与昔之艺术如何的不同?如何的变迁成长?如何的成就满足?这些都需要中国本土艺术理论做出回答。可见，中国艺术文化生长新起点的需求，是中国艺术文化再次自觉的促成因素之一。总之，中国艺术的未来是应该在中国自主的艺术价值立场、艺术价值诉求、艺术价值取向、艺术观念支持下的卓越变迂成长成就。

二、促进中国本土艺术理论的累积

中华民族的确是一个历史悠久而伟大的民族。不仅历史久远而丰厚，而且是绵延成长从未间断过。历史除了有些巧合以外，应该还有些自身发展的规律。中华民族在公元前2l世纪时建立了中国历史上二第一个国家夏。从此，中国进人了灿烂的文明时期。而当下的中国是在公元21世纪开初便创获了新的伟大复兴的生存语境。这个历史的巧合或历史的必然，内在逻辑地注定r中国是到了应该充分自觉认知本土文化、提升本土文化、再创本土文化新辉煌的最佳时刻。在中国本土艺术文化的视野里，我们ti土看到，在悠k的中华艺术历史长河中，在原始时期，我仃】先人的艺术思维认知能力就得到_『很好地形成、生长和发展。比如在“女娲补天”、“后羿射日”等神话中，是已经充分揭示出了中华民族的艺术想象思维、形象思维和艺术创造外化能力。随着中华民族先民智慧的累积，即便是在先秦时期，我国在艺术认识论、艺术创造方法论、艺术作品集成、艺术理论定格、艺术历史累积、艺术功能社会化、艺术核心价值确立等方面都有了卓尔不群的伟业建树。从“画论”视点看，在战国时期就已露中国绘画理论的端倪。著名美术学者俞剑华曾讲：“中国画论自战国时代，((韩非子》鬼魅易、犬马难之言，已开画论之端。”l3从造物设计视点看，无论是实践上的创造、作品集成，还是理论著述，都是成就斐然。商代的青铜器、甲骨文、铭文字造型、篆书形态，战国时考工记著述等等都是中华艺术文明的经典、自豪与再创中国本土艺术文明的重要学理逻辑和基础。事实上，中国本土艺术文明不仅是中华文明的重要组成部分，而且是中华文明的证明。仅从美术与设计艺术两个视点来看，仰韶文化中的舞蹈纹盆、河姆渡文化中的双凤朝阳牙雕、商代殷墟玉凤》、岩画、红山文化中的玉猪龙)和陶塑女神像))、良渚文化中的((玉璧与兽面纹玉琮等实在创造物，就是中国整体文明不可缺失的铁证。因此，在当下我们应该大力促进中国本土艺术理论的创建与累积。

在20世纪中国艺术界至少有两个自卑，一个是对中国民间艺术的自卑，另一个是对中华本土艺术的自卑。对中国民间艺术的自卑表现在：认为民间艺术是粗俗之物故不能登大雅之堂。将民间艺术的价值看低而瞧不起。殊不知民间艺术却是艺术之根。瞧不起民间艺术的不良心理反应和认识，揭示了一些人对中国草根艺术文明的可贵价值认识不足。就在当下，那种对中国草根艺术形式认识不到位的观念仍然存在而被人批评。“至少在央视春晚上，流行歌手归为音乐舞蹈类，而二人转，小品归为语言类。二人转其实就是一种说唱艺术，与美国的Rap、Hip—hop都属于一种根源性、底层的音乐。但是，美国人可以把这一贫穷黑人社区的音乐文化发展成为全球文化潮流，中国人却始终只把二人转看成为一种舞台表演或北方曲艺。”l4实践证明，对中国民间艺术文化的自卑将导致对中华文化整体认识的自卑心理与认识的产生。一些人对中国本土艺术的自卑反应在：认为中国的艺术不如西方的艺术科学和高级，故而，一味地要用外来艺术改造中国本土艺术。比如：被著名国画家潘天寿(18971971)在l957年称之为“无祖宗的世界主义者”的江丰(19l0一l982)，在195O年秋天，于杭州的一次国画改革会议上说：“中国画，不能反映现实，不能作大画，必然淘汰。将来定有世界性的绘画出来。油画能反映现实，能作大画，是有世界性的。I】在此认识基础上，他将时名为“中央美术学院华东分院”的“中国画系取消”。不过，“这种排斥其他画种的说法和做法引起一些国画家的不满。”l6I对中国自身艺术文化的自卑的结果，是导致中国本土艺术走向虚弱化。这种不良的民族艺术认识论和具体的误导性艺术民族创造实践方法论，无疑是不利于中国本土艺术文化的创造和成长。在当下的语境促进和构建中国本土艺术的重要认识与行为，就是要让中国本土已有的经典艺术文化继续发挥光芒与应有作用。

中国本土艺术文化是丰厚的。仅从中国本土艺术理论看，艺术认识论的“行己之道”、吐故纳新、生生不息、写意、情理、形神、哲理、意象、立象尽意等观念、艺术价值论的“文以载道”、艺术辩证法的虚实论、“不似之似乃为似之”、艺术变迁论的“笔墨当随时代”、艺术方法论的“无法而法，乃为至法”、“大人达士，不拘于一家”、“搜尽奇峰打草稿”、艺术评价论的“气韵生动”和“意境”学说、“品级论”，以及绘画艺术的“外师造化，中得心源”、“造物在我”、“大象无形”、音乐艺术的“大音希声”、舞蹈艺术的“舞，动其容也”、园林艺术的“纳千顷之，收四时之烂漫”等众多艺术学理，都是应该不断闪亮的重要的中国本土艺术思想。只有在不断深入研究梳理和经典编码中国已有本土艺术思想之集大成的基础上，才能更加充分和完善构建当下与未来的中国本土艺术理论。因此，任何时候，都不能忽视和抛弃中国已有的经典艺术思想。

中国本土艺术理论从先秦至今，应该说是在不断创生增厚的。当下的历史任务是更需要中国艺术学人认真对待和重视运用自己民族的艺术学术、艺术思想的时候了。著名美术理论家水天中对著名画家吴冠中的艺术思想与创造行为的评价结论是值得重视的。他说“如果以教科书的标准去衡量吴冠中的文章，会找出许多论证欠充分、推理不严密的地方，许多批评吴冠中文章的人就是这样做的。但如果看文章对突破美术习规的定势，拓展美术家思路的作用，在20世纪后期的中国美术理论领域中，吴冠中的地位是无可替代的。在世纪之交的中国美术界，吴冠中的艺术作品与艺术观点仍然是频频引发争论的话题。因为他继续向秩序挑战，因而这正是一种价值，一种分量。因为它越过人们难以摆脱的二元对立定势，让我们看到中国绘画和其他事物一样，也有着多样发展的可能性。”"其实，中国许多艺术学人在突破艺术习规、拓展艺术边界、丰厚中国本土艺术思想等方面都做出了重要贡献。当下与未来的中国人应该认识和明白这一点。及时认识到和肯定中国艺术人自有独到的艺术智慧和艺术创造力与艺术成就，是促进中国本土艺术理论累积的当务之急。

三、明确探寻中国本土艺术理论的策略

探寻构建中国本土艺术理论及其体系，不是一蹴而就和随意就能完成的事情。它需要精心设计和制定确实可行的战略。因此，能够明确认识到研究制定建设中国本土艺术理论策略的重要性与紧迫性，是当务之急。

首先，确立大气的思想认识之策。此之大气，意即宏大开阔的思维、视野与气势。以大气的思想认识论来指导构建中国本土艺术理论，是力求避免自卑、低俗、小气、狭隘等思想意识、思维与行为。

其次，在比较中多肯定自我族群的艺智慧与成果。在比较中成就自己的艺术理论，应该是中国当下艺术学人明确的艺术学术意识、观念和行为。在促进中国本土艺术理论建设过程中，既不能自卑地看不起自己本土的艺术文化，也不能拒绝认识他人的艺术文化。最佳策略应该是在比较分析中，及时地、全面的肯定自我族群的艺术智慧、艺术学术成果和艺术创造成果。同时，艺术学人也一定要在确立“我很重要”观念的基础上，强化形成“我要创建艺术思想或艺术主义”的观念。真正杜绝那种鹦鹉学舌式主张艺术的照搬思维与行为。只有这样，才能够确保中国本土艺术理论及其体系的完善化建立。

时间艺术论文篇3

关键词：当代中国；艺术学；升格；艺术学理论；学科建设；机遇；挑战

中图分类号：J0 文献标识码：A

随着艺术学升格为门类，有关艺术学理论的学科建设问题提上了议事日程。然而，将艺术学理论作为一个一级学科来建设，对于中国高等教育还是一件崭新的事情，国外也没有现成的模板可供参照，因此，对于当前的艺术学理论学科建设来说，既充满了挑战，也遇上了时机。

一

经过近年来的争论，有关艺术学理论的界定正在形成共识。这种共识实际上是对原点的回归，大家基本上接受了德索对艺术学的界定，即将艺术学分为一般艺术学和特殊艺术学。根据马采的介绍，特殊艺术学包括各种艺术史（建筑史、音乐史、戏剧史及其他），各种艺术博物馆学（建筑博物馆学、音乐博物馆学、戏剧博物馆学及其他），各种艺术学（建筑学、音乐学、戏剧学及其他）。一般艺术学包括艺术体系学，艺术心理学，艺术社会学，艺术哲学。①尽管对于一般艺术学和特殊艺术学这两种说法还有不少争议，不少人喜欢用门类艺术学来取代特殊艺术学，但是对于艺术学的总体认识，对于艺术学中存在的一般与特殊的区分，在经过一段时间的争论之后，大家基本上达成共识。需要指出的是，德索和马采所说的艺术学，只是艺术研究，不包含艺术创作。现在作为学科门类的艺术学，既包含艺术研究，也包含艺术创作。德索等人所说的艺术学，相当于艺术学门类下的一级学科艺术学理论。

对于将艺术学理论作为一个学科来建设，目前还存在许多尚待解答的问题，其中主要问题有三个：一般艺术学理论是否存在？门类艺术学理论之间如何联系？一般艺术学理论与门类艺术学理论之间有何关系？

一般艺术学理论即一种跨艺术门类的理论研究，包括跨门类的艺术哲学、艺术史、艺术批评等等。在艺术哲学领域，基本上沿袭跨门类研究。迄今为止的艺术哲学，多半都适应全部艺术门类。跨门类艺术史研究则比较罕见。跨门类艺术史研究是否成立，这个问题还在商讨之中。我本人倾向于认为它是可以成立的。既然跨门类科学史、宗教史、哲学史、文学史甚至文化史都是可以成立的，跨门类艺术史也应该可以成立。同时，黑格尔的《美学》和李泽厚的《美的历程》，已经在跨门类艺术史研究方面做出了尝试。②在艺术批评研究中，不乏跨门类艺术批评的案例。卡罗尔近来出版的研究艺术批评的专著《论批评》，就是针对所有艺术门类的。③总之，在跨门类的一般艺术学理论研究中，艺术哲学比较常见，艺术史比较罕见，艺术批评介于二者之间。

如果存在跨门类的一般艺术学理论研究，那么它们究竟由哪些机构来承担？通常情况下，这些研究是由美学学科来承担的。美学本身是一个很小的学科，且多半被设立在哲学系中，从全球范围来看，独立的美学研究单位并不多见。目前国外独立的美学本科教育的单位只有两个，即韩国国立首尔大学的美学系和瑞典乌普萨拉大学的美学系。独立的研究生美学教育单位，除了首尔大学和乌普萨拉大学之外，还有日本东京大学的美学艺术学研究室。从国内的情况来看，独立的本科生美学教育单位尚未出现，独立的研究生美学教育单位很多，多半分布在哲学系、文学院和艺术学院。总之，对于独立的美学或一般艺术学理论来说，研究生教育比较常见，本科生教育比较少见。

门类艺术学理论的问题与一般艺术学理论不同，不是相关研究是否存在，而是不同艺术门类的研究是否可以集中在一起。从目前的情况来看，将不同艺术门类的理论研究集中在一起的做法并不多见。像美术史、音乐学、戏剧研究、电影研究等等门类艺术学理论，多半是独立的，它们的上级单位通常是文理学院和艺术学院。但是，无论是文理学院还是艺术学院，都不是仅有门类艺术学理论。文理学院除了门类艺术学理论之外，还包括范围更广的人文学科和自然科学。艺术学院除了门类艺术学理论研究之外，还包含门类更多的艺术实践。将门类艺术学理论研究统摄起来且仅有门类艺术学理论研究的单位十分少见，一个可以参照的案例可能就是中国艺术研究院了。中国艺术研究院曾经是一个单纯的艺术研究单位，且专注于各门类艺术学理论研究，后来才引入研究生教育和艺术实践类科目，变得有点像一般艺术学院的设置了，只不过理论占的比重更大而已。

对于门类艺术学理论之间的关系、门类艺术学理论与一般艺术学理论之间的关系，可以有不同的处理方式。从联系程度上来说，可以或松散或紧密，从没有关系，到形式上相关，再到实质上相关，程度不等。比如，耶鲁大学有美术史系、音乐系、戏剧研究系和电影研究系，它们都是独立的。如果将这些研究单位汇集起来，成立一个艺术学理论学院，仍然保持门类艺术学理论研究的独立性，这种关系就是形式上相关。如果在艺术学理论学院中的各门类艺术理论研究相互影响，相互渗透，形成耶鲁大学独特的艺术学理论研究风格和学派，这种关系就是实质上相关。从国外的情况来看，第一种情况比较常见，国内有第二种情况、第三种情况非常罕见。门类艺术学理论研究与一般艺术学理论研究之间的关系也非常松散。耶鲁大学的美学或者一般艺术学理论研究散见于哲学系、英语言文学系和比较文学系，多半由研究者根据自己的兴趣独立研究。

总之，从目前的情况来看，由于国外没有艺术学理论学科的建制，艺术学理论研究内部的联系非常松散。

二

艺术学升格为门类之后，艺术学理论成了独立的一级学科，由此原先松散的关系，有可能变得紧密起来。对于艺术学理论一级学科覆盖的领域，目前有不同的意见。一种看法认为，艺术学理论一级学科只涵盖一般艺术学理论，门类艺术学理论归属于相关门类的一级学科。另一种看法认为，它不仅涵盖一般艺术学理论，而且包括门类艺术学理论。根据第一种看法，门类艺术学理论比如美术学理论，归属美术学一级学科。根据第二种看法，美术学理论归属艺术学理论一级学科。我倾向于第二种看法，但在下面的讨论中，我也会兼顾第一种看法。

如果主张艺术学理论一级学科只包含一般艺术学理论，那么艺术学理论下属的二级学科可以划分为艺术理论、艺术史、艺术批评和文化产业。目前国内一些综合性大学就是这样来划分艺术学理论的二级学科的。如果主张艺术学理论不仅包含一般艺术学理论，而且包含门类艺术学理论，那么它的二级学科就有可能是美学与艺术批评、美术史、音乐学、舞蹈研究、戏剧研究、电影研究、设计研究等等。

第一种处理方式有它致命的缺点，那就是很难与现有的学术体制兼容。在欧美一些综合性大学里，已经有成熟的美术史、音乐学、电影研究、戏剧研究等专业，也有美学或者艺术哲学专业，但很少有包含全部艺术门类的艺术史专业，艺术批评和文化产业专业也不多见。当然，这不是说艺术史、艺术批评和文化产业这些专业就没有发展前途。但是，就目前的情况来看，它们尚处在探索之中，还不够强大。如果将艺术学理论一级学科的范围确定为一般艺术学理论，这个学科有可能范围太窄，与艺术学门类其他四个一级学科不太相称。如果将其他四个一级学科中的理论研究部分划分到艺术学理论一级学科之中，就可以壮大艺术学理论，避免艺术学门类中各一级学科的不相称。

值得重视的是，将门类艺术学理论归并到艺术学理论一级学科之中，还可以避免它们在门类艺术学一级学科中建设的缺陷。以美术史为例，我们通常将它放在美术学一级学科之下来建设。但是，美术学更大的部分是各种形式的美术创作，美术史在美术学之中只是很小的部分。更重要的是，美术史属于理论研究，它跟美术创作非常不同。美术史在教学、研究和评价体系方面都与文史哲等人文学科类似。因此，国外的综合性大学可以没有美术创作，但通常都有美术史。就性质来说，美术史与美术创作之间的区别，大于美术史与音乐学之间的区别。美术史与音乐学只是研究内容上的区别，研究方法上并没有大的不同，都属于人文研究领域。

总之，艺术学理论就是关于各种艺术的理论研究。只要是有关艺术的研究而不是创作，就可以归入艺术学理论的学科之中。将有关艺术的理论研究全部归入一个一级学科之中，既有助于加强一般艺术学理论与门类艺术学理论之间的联系，也有助于加强门类艺术学理论之间的联系。这些联系有利于艺术学理论的知识生产。

三

尽管我主张艺术学理论一级学科应该包括一般艺术学理论和门类艺术学理论，但是机遇与挑战可能更多存在于一般艺术学理论，因为它是一个尚待开垦的领域，需要我们以发展的眼光来看待它。事实上，技术的发展和社会的变迁，既会引起经济领域的洗牌，也会引起学术领域的洗牌。比如，光纤技术的发明，让在通讯技术落后的中国站到了世界的前列，目前中国掌握世界上最先进的光纤通信技术，拥有最先进的光纤制造业。传统的通讯巨头在这次洗牌中纷纷式微，中国企业纷纷崛起。同样的情况，也有可能会体现在学术研究领域。以美术史为例，当传统美术逐渐发展为当代视觉文化之后，传统美术史研究就有可能萎缩，当代视觉文化研究或者广义的当代文化研究就有可能走强。事实上，欧美高等教育和研究机构已经开始或者完成了这方面的转型。从事传统美术史研究和学习的人员逐渐减少，从事当代视觉文化研究和学习的人员逐渐增加。如果我们在学术转型时期抓住机遇，就有可能在较短时间内完成赶超。

对于中国艺术学理论界来说，实实在在失去的一次机会，可能是电影理论或者影视理论研究。电影作为较晚发展起来的一个艺术门类，它的理论研究并没有多少积累。我们与欧美学者差不多在同一个起点上。但是，20世纪80年代以来，欧美诞生了许多激动人心的电影理论，而且由作为门类艺术学理论的电影研究发展成为一般艺术学理论的案例也不在少数。但中国的艺术学理论研究还停留在传统的艺术门类或者传统的美学问题上，在电影理论研究方面没有太多的作为。我们失去了一次在艺术学理论领域赶超欧美的好机会。

那么，是否还有可能存在机遇？我想应该是有的。我这里列举两点供大家参考。

第一，比较艺术史研究。目前全球的美术史研究主要由欧美确立的西方范式所统治。随着人们对欧洲中心主义的不满和对文化多样性的推崇，现有的欧洲中心主义美术史研究的缺陷变得越来越明显，因为它无法涵盖和解释其他文化的视觉艺术。美术史研究向视觉文化研究的转变，就体现了突破欧洲中心美术史研究的要求。这种情况有点像当年的神学研究向比较宗教学研究的发展。从19世纪20年代确立为独立学科以来，比较宗教学在宗教现象学、宗教心理学和宗教社会学等方面出现了一系列激动人心的著作。尽管比较宗教学并没有取代神学，但自此之后一个新兴的学科建立起来了。我们今天开展比较艺术史研究，不仅包括跨文化美术史的比较研究，如中西美术史比较研究，而且包括同一文化内部的跨门类艺术史比较研究，如中国美术史与中国音乐史的比较研究。如果有一天比较艺术史作为新兴学科确立起来，中国学者在这方面就起了开创性的作用。

第二，当代艺术与文化研究。受法兰克福学派的影响，现有的当代艺术与文化研究多以批判性著称，因此通常也称之为批判理论。这种固定的视角会妨碍它们客观地看待新技术革命带来的社会变迁。当代艺术与文化研究中的愤世嫉俗，已经不太适应新的时代要求。它们也许会让位给一种中性的、客观的文化研究。如果中国把握住历史机遇，确立一种新的当代艺术与文化研究范式，就有可能在这一领域占得先机，甚至确立话语权。

当然，随着新技术的进步和社会的发展，在艺术学理论领域有可能会涌现许多新的问题。中国社会处在高速发展之中，艺术领域尤其活跃，再加上学科体系尚未封闭，社会和时代的新变化可以相对容易纳入学术研究体系之中。变化和适应变化的能力，给了中国学术界以机遇；没有现成的范式可供参考，这对学术研究和管理来说又是一大挑战。处理好机遇与挑战，中国艺术学理论研究就会取得大的突破。

① 有关介绍见马采《艺术学与艺术史文集》，中山大学出版社，1997年版，第19页。

② 参见彭锋《艺术史的界定、潜能与范例》，《文艺理论研究》，2014年第4期。

③ Noel Carroll，On Criticism，New York and London： Routledge， 2009.

Opportunity and Challenge of Arts Theory

PENG Feng

（School of Arts， Beijing University， Beijing 100871）

Abstract：When art science upgrades to a subject， the disciplinary construction of arts theory is put on the agenda. In addition， as the new technology advances and society develops， there are maybe many new problems appearing in the field of arts theory. Chinese society is rapidly developing， especially art. The art disciplinary system is not close， new societal changes could be easier to enter into the academic research. Changes and abilities adapting changes bring a challenge to Chinese academic circle. To construct arts theory as a first-grade discipline is a wholly new thing to Chinese higher education. And there are not any patterns for reference in foreign countries. And this is a challenge to academic research and management. To well deal with challenge and opportunity， Chinese arts theory research could make a great progress and breakthrough.

时间艺术论文篇4

民间文学艺术具有广泛的内涵，在现实社会中，那些在生产、生活、组织制度、精神信仰等各个领域以具体形态体现的民俗，因着某种程度的审美性而具有文化和商业价值，均有可能被认为是民间文学艺术”。在现实生活中存在着如口头文学、传统工艺、风俗等多种多样的民间文学艺术，这些都是我们的民族传承下来的宝贵财富，是集体族群的独特标志，是需要给予特殊保护的财，对于我们国家的经济社会具有重要的经济和人文价值。正是民间的存在，才为民间文学艺术的产生和发展提供了肥沃的土壤，才为热爱、创新和传播民间文学艺术的个体提供了广阔的舞台。然而，由于多种原因的影响，很多民间文学艺术受到了现代信息电子的冲击，有的甚至没能继续传承下来。所以，必须加大对民间文学艺术的保护力度，切实维护好民间文学艺术生存发展的环境，使得民间文学艺术得以长期传承。关于民间文学艺术的权利归属问题的研究存在着法理学、政治学、经济学以及人文学等多种观点，之所以确定它的权利归属，是为了使民间文学艺术的所有者得到更好的保障，是为了更好地利用和保护民间文学艺术，也是为了最大限度地激发民间文学艺术创作者更好地创造和传播民间文学艺术，从而使民间文学艺术得到更好地保护和传承，从而实现其应有的艺术价值。

一、该如何确定民间文学艺术的权利归属

民间文学艺术的产生和发展离不开民间这一特殊土壤，很多流传多年的民间文化艺术都是民间集体智慧的结晶。在确定民间文学艺术的权利归属问题时，需要充分考虑以下因素：一是要保障利益的均衡。民间文学艺术的产生、发展和传播大多涉及多个个体，他们在其中都扮演着一定的角色，承担着创造、表演、传承、记录等职责，都为民间文学艺术做出过不同程度的贡献。这就需要在确定民间文学艺术权利归属过程中采用现代知识产权制度，依据规定确定到个人头上。但是在确认权利归属过程中，一些民间文学艺术权利归属难以确定到个人，要进行具体问题具体分析，要给予保护，但是要把握好保护程度,因此,必须确保公平,确保利益均衡。二是保障精神利益和物质利益。随着经济社会的发展和进步，人们对民间文学艺术成果保护的意识日益提高，这就需要高度重视对民间文学艺术的保护，以此来保护民间文学艺术的所有者的物质利益和精神利益。三是保障促进民间文学艺术的发展。民间文学艺术作为多年以来流传下来的重要文化遗产，是宝贵的文化资源和财富，确认其权利归属必须以保障民间文学艺术的发展为前提，促进它在新时期新环境下继续发扬光大。

二、民间文学艺术的权利归属分析

理论界始终未停止对民间文学艺术权利归属问题的争论，一直以来存在国家主体论、集体主体论和个体主体论三种观点。个体主体说作为民间文学艺术的早期理论，其对民间文学艺术的权利归属问题的研究也处于启蒙状态。个体主体论认为传承民间文学艺术的传承人对其保存和促进其发展做出了重要贡献，应将主体难以确定的民间文学艺术归传承人所有。笔者认为这种观点存在着一定的狭隘认识，这是因为所有的民间文学艺术在当时特定的历史时期都是集体协作而产生的，其在传承的过程中很可能出现传承人的变化，也就是传承人不是一成不变的，有时甚至存在多个传承人，且每一个传承人也都是在固定的范围内经过认真挑选产生的。随着经济社会的发展和进步，一些学者在对民间文学艺术权利归属问题争论的过程中又提出了国家主体论。他们认为民间文学艺术具有较强的公益性和广泛的拥有性特点，而且一直以来，民间文学艺术都是在共有领域使用，因此认为民间文学艺术的传承人应为国家。这样既可以使存在的民间文学艺术权利归属的争夺问题得到妥善解决，又可以使民间艺术真正实现让每位国民共同享有。但是笔者认为，这种确认民间文学艺术权利归属问题的方式实质上并未明确民间文学艺术保护属于公权还是私权的问题。不利于民间文学艺术所有者真正行使自己的权利。近年来，集体主体论逐渐兴起。这一理论提出的观点是，对于主体难于确定的民间文学艺术，应由它的集体族群作为它的所有者。这一观点认为民间文学艺术在漫长的历史发展过程中，在较为封闭的环境，由整个集体族群掌握。集体族群中众多成员都对民间文学艺术的保存和发展做出贡献。基于此，民间文学艺术的权利归属应为集体群族，而非某个个体传承人，也非国家，这种观点更加科学，也更加符合民间文学艺术的特性，有助于民间文学艺术得到有效保存和传承发展。那么集体群族作为民间文学艺术所有者具有什么可行性呢？它可以成立民间文学艺术的专门管理组织-社团组织，承担本群族内民间文学艺术的保存、传承和发展职责，促使民间文学艺术得到长足发展和进步。社团组织作为诸多民间文学艺术群体的代表，便于组成社团组织联合体，共同发挥对民间文学艺术的保护作用；社团组织对于民间文学艺术权利在法律体系中的实现具有促进作用，它可以作为主体进行诉讼维权，确保其被合法利用。

三、结语

总之，民间文学艺术作为集体创造的财富，其权利归属应为集体群族所有，这符合民间文学艺术的艺术特点，也有利于民间文学艺术的弘扬和传承发展，更好地实现民间文学艺术的经济和人文价值。

时间艺术论文篇5

艺术学理论的发展离不开国家的大环境，离不开党和国家的一系列政策。 2016年，在文艺座谈会上的讲话已满两周年，《中共中央关于繁荣发展社会主义文艺的意见》实施也已一周年。最富有标志性的是，在本年度，在两大场合发表了与艺术学理论学科相关的重要讲话，如5月17日，在北京主持召开哲学社会科学工作座谈会并发表重要讲话； 11月30日，在中国文联十大、中国作协九大开幕式上发表重要讲话。的两次讲话是本年度艺术学理论学科的重要文献，让艺术学理论在获得前序政策持续性力量的同时又赢得了新的机遇。

2016年，在哲学社会科学工作座谈会的讲话中，从中外历史的高度和中国现实的战略需求角度出发明确指出：“这是一个需要理论而且一定能够产生理论的时代，这是一个需要思想而且一定能够产生思想的时代。我们不能辜负了这个时代。 ”艺术理论家应当在一个需要理论而能够产生理论的时代、需要思想而且一定能够产生思想的时代大显身手，为构建中国特色、中国风格、中国气派的社会科学理论体系做出应有的贡献。在中国文联十大、中国作协九大开幕式上的讲话中，进一步指出：“文运同国运相牵，文脉同国脉相连。实现中华民族伟大复兴，是一场震古烁今的伟大事业，需要坚忍不拔的伟大精神，也需要振奋人心的伟大作品。 ”而要创作出振奋人心的伟大作品，必须正确面对 “人民”二字。在讲话中指出： “人民不是抽象的符号，而是一个一个具体的人的集合，每个人都有血有肉、有情感、有爱恨、有梦想，都有内心的冲突和忧伤。真实的人物是千姿百态的，要用心、用情了解各种各样的人物，从人民的实践和多彩的生活中汲取营养，不断进行生活和艺术的积累，不断进行美的发现和美的创造。 ”的这番讲话，为“人民”二字赋予了新的内容。无论是文学家、艺术家，还是理论家和评论家，都需要正确理解 “人民 ”二字所包含的丰富内涵，都需要从根本上做到让文艺为人民服务，才能创作出“无愧于我们这个伟大时代、无愧于我们这个伟大国家、无愧于我们这个伟大民族的优秀作品。 ”的两次讲话，要求我们在艺术理论建设与批评方面，应当及时关注社会、关注民生，关注有血有肉的人民所面临的处境，关注鲜活的艺术创作现象，注意从历史和现实出发总结规律，让理论研究富有建树，让文艺批评富有生机。

2016年，也是艺术学理论学术组织日益完善并频频发力的一年。 7月25日，中国文艺评论家协会视听艺术、音乐舞蹈艺术、曲艺杂技艺术、网络文艺委员会成立仪式在北京举行，标志着部级的文艺智库建设初见端倪。其中的网络文艺委员会成为艺术学理论学科密切相关的委员会。该组织的成立，标志着网络时代的艺术开始受到专业人士的关注，标志着网络时代的艺术理论建设势在必行，也标志着艺术理论界面对日益兴起的网络艺术的高度敏感性。在组织机构建设方面，中国文艺“长安论坛”于8月20日在西安正式揭牌，成为继 2015年“西湖论坛”之后中国文艺评论家协会所开辟的规模更大、话题更加宏远的高端学术论坛。 2015年9月，中国评论家协会在各地建立的 22个基地也在 2016年开始发挥作用。这些基地分别从各自的角度，主要运用专题会议和人才培养两大方式为艺术理论研究和艺术批评实践探路，为艺术理论和评论培育后备人才，在全国高等院校、科研院所和各类文艺机构引起了强烈反响。一大批优秀青年被吸引到这些基地所开展的活动中来，一大批艺术评论成果也相继涌现。与此同时，艺术学理论的传媒阵地建设也在本年度获得了可喜的进步，如10月27日，中国文联文艺评论中心与光明网形成战略合作伙伴，双方将共同致力于加强网络阵地建设、拓展文艺评论传播空间、培育过硬评论队伍、打造权威网上阵地。自此以后，中国文艺评论家协会所构建的《中国文艺评论》杂志、中国文艺评论网、中国文艺评论微信公众号等“一刊、一网、一号”形成规模，并与中国社会科学网等学术网络形成了联动机制，为艺术学理论研究和艺术批评及时有效发声营造了良好的传媒生态。 2016年12月18日，中国人民大学书报资料中心创办的《艺术学理论》杂志编辑委员会会议在北京召开，宣布该刊将于 2017年面世。该刊的创办将会汇聚艺术学理论学科的前沿成果，成为引领艺术学理论学术研究的风向标，也是艺术学理论学科的重要传媒阵地。

2016年，也是艺术学理论不断开拓新话题的一年。 8月20日，首届中国文艺评论长安论坛正式启幕，吸引了来自全国各地一百余位专家，大家围绕文化自信与世界眼光、现实主义与中国传统、中华美学与当代呈现、网络文艺与时代审美等四大理论热点问题进行研讨，引起理论界的广泛关注。 9月16，第34届世界艺术史大会在北京开幕，来自全球 43个国家和地区的 400多位专家参与了为期四天的研讨。本次大会以“不同时代不同文化中的艺术和艺术史”为核心概念，突出强调了从中国古老文明中孕育起来的中国艺术魅力及其在世界文化格局中的地位，由此以历史的眼光回溯中西文明同等的重要性，形成对人类文明和文化艺术遗产新的认识与阐释。本次大会是在一个新的时代为中国艺术重新定位，也是在中国经济崛起的同时把中国艺术放在世界范围内重新考量的自觉行动。 9月23日，由中国艺术人类学学会发起的艺术人类学视野下的当代社会建构国际会议在长沙开幕。本次会议围绕“艺术人类学视野下的当代社会建构”，从艺术民族志的书写范式研究、艺术人类学的历史与理论研究、艺术人类学的田野个案研究、设计与日常生活四个议题进行探讨，体现出艺术学理论学科自觉楔入当代社会建设的新的姿态。 11月26日，第12届全国艺术学年会在南京开幕，本次年会以“跨界”为视角，分别围绕艺术理论跨学科研究、中西对话中的艺术理论研究、艺术理论与社会功能作用的重新审视、艺术生存环境的变化与艺术审美特征的变迁等四个议题进行了探讨。本次大会吸引了全国各地约 200位学者的积极参与，尤为可贵的是一大批青年才俊加盟其中，以大胆的跨界话语讨论艺术问题，体现出艺术学理论学术后进的勃勃生机。

2016年，艺术学理论在开辟新话题的同时，也体现出清晰的理论指向。这就是在强调文化自信的基础上，一方面开始在世界范围内为中国艺术理论重新定位，让中国艺术理论在世界艺术理论话语体系中彰显力量。不少学者呼吁重新估价中国传统艺术理论资源的价值，许多学者在强调中华美学精神的时代特质，也有大批学者为构建具有中国特色的艺术理论体系探路。另一方面，艺术学理论也体现出一种务实精神，在强调艺术与当代社会之间密切关系的同时，让艺术渗透到当代社会的构建过程当中，成为经济与社会发展过程中的有生力量。此外，艺术学理论也试图在“跨界”当中拓展自身的视野，调整自身的焦距，从而在交叉融合的过程中寻找到新的研究方法，让艺术学理论获得新的话语机制。

在艺术评论方面，本年度也是热点迭起。 2016年，是汤显祖、莎士比亚、塞万提斯三位戏剧大家逝世 400周年，这三位巨匠的周年纪念引起了艺术评论界的广泛关注。全国各地围绕这个话题大约进行了数十场研讨，一大批评论成果涌现出来。最令评论界关注的是这三位巨匠在当下的价值。他们在四百多年前所创造的经典之作时过境迁之后还能给当下的我们带来怎样的启示？人们应当怎样面对曾经辉煌的经典？怎样从经典当中汲取力量化为今天的创造活力？ 2016年，诺贝尔文学奖颁发给美国的民谣歌手鲍勃 ・迪伦，引起评论界的热切关注。把诺贝尔文学奖颁发给一位歌手是诺贝尔文学奖设奖以来的重大突破，不少专家认为，虽然歌词也很具有文学属性，但本次颁奖也让人们不禁思考文学与音乐之间的关系、文学未来的出路，不禁担心诺贝尔文学奖在滑出文学的轨道上还要走出多远。这种现象反过来也让人们思考文学的跨界趋势，思考文学从文字文本向相邻文本的渗透现象。 2016年，以虚拟现实和交互特征而著称的 VR技术的出现也让艺术评论界为之震惊。评论界的第一反应就是 VR技术可能从根本上改变人与现实之间的关系进而改变人与艺术之间的关系问题。 VR技术应用范围很广，而在艺术创作、艺术传播与接受方面可能会引起革命性的变化。对于艺术批评而言， VR技术的出现能否进一步消解主流批评话语的作用？能否让大众在脱离现实的技术语境中获得艺术滋养？ 2016年，在第五届全国少数民族文艺汇演、第十一届艺术节等重要文艺创作与展演中，吸引了大批评论家积极参与，让评论在大型艺术展演活动中发挥作用。评论家对大型艺术汇演和艺术节庆的渗透，体现出艺术评论从坐而论道向关注重大事件迈进的主动性，也体现出艺术评论试图以自己独特的声音影响创作、引领风尚的积极姿态。此外，本年度持续引起评论界关注的还有艺术的评价标准，互联网时代艺术评论的内涵及其发展趋势，对于网剧、直播等新现象的思考。

2016年，艺术教育也成为热点话题。 10月23日，艺术学晋升学科门类 5周年学术研讨会暨首届“中国艺术教育论坛”在杭州举行，该论坛以“梳理艺术学科建设成就，推进艺术教育转型创新”为宗旨，为中国艺术教育发展以及艺术学科建设建言献策。在本次会议上形成的中国艺术学科建设“杭州共识”，强调进一步兼顾高等教育的共性和艺术学科的特性，艺术创作成果应当成为评估艺术学科建设水平的核心指标之一，构建多中心并存、多层次共进的发展格局，弘扬中国艺术创造和艺术教育主体意识和自主精神，希望进一步扎根中国土壤，聚焦中国特色，弘扬中国精神，从中国文化根源和现实经验出发，构筑具有中国特色的艺术学科体系和艺术教育体系，推进艺术教育转型创新，为实现中华民族伟大复兴的中国梦贡献一份精神力量。 12月3日，以“艺术教育的可持续发展”为主题的 2016国际艺术教育高端研讨会在杭州召_，来自海内外的四百余位专家共同探讨艺术教育的本质意义与实践方法。论坛强调尊重文化的多样性，加强学生的综合素养，激发学生的创新意识。 12月10日，第11届全国艺术院（校）院校长高峰论坛在北京举行，本次论坛旨在深入贯彻落实党的十八届六中全会精神和系列重要讲话精神，发扬和增强艺术院校的改革创新意识，积极探索中国艺术教育发展的趋势和路径，为创新艺术人才模式、实现艺术教育的新跨越提供助力。

2016年，艺术学理论学科也在谋划未来。国务院学位办组织艺术学理论学科评议组制定《硕士博士学位点申报基本条件》，这种行动意味着国家将启动新一轮的硕士、博士学位授权点的申报。在该行动的影响下，一大批高等院校在自行调整学科，许多高校重新制定政策、规划班底，备战新一轮的学科点申报。艺术学理论学科在目前全国 20个博士学位授权点、 63个硕士学位授权点的基础上，将有部分高校在新的一年获得艺术学理论博士学位授权点，一批高校获得艺术学理论硕士学位授权点。这也意味着艺术学理论学科队伍的壮大。

2017年，艺术学理论学科将迈向新的一年。在未来的一年里，于 2016年关于社会科学和文学艺术的讲话精神将会启动 2017年度艺术理论研究新的热点。 2016年度艺术理论界和评论界启动的新话题也将于新的一年围绕的讲话精神继续发酵。

艺术学理论学科的建设是一个长期的任务。随着学术组织的完备，在新的一年里，艺术学理论的学科建设必将继续完善，富有中国特色的艺术理论体系探索必将取得新的进展，以主流评论为路径的艺术评论也必将会在网络时代的众声喧哗中引导走向，获得应有的地位，艺术教育也将启动新的模式，尤其是学术界所倡导的艺术学科的评价标准将会在新的一年里呈现力量，引导艺术教育健康发展。

声明：本文在撰写过程中参考了部分网络资料，恕不一一注出。

时间艺术论文篇6

 

微信的功能逐渐丰富，集合了文字、图片和影像等功用，微信中的各种功用和元素让其成为各类人群推崇的社交工具，其中以年轻人为主要人群。大学生作为这群人群的主要组成人员，这是因为大学生思维的活跃程度和乐于接受新工具的心态。各个高校伴随着微信平台的传播和应用，逐渐在高校内开通了微信公众账号，开启了高校内运用微信进行教学和管理的时代。将微信运用到传播文化内容当中，可见微信开启了发展传统高校文化建设的方式，还为高校内的文化生态的发展模式提供了新的时机和契机。如何充分使用微信并且抓住发展机会，来研究该新兴的工具如何适应校园并且为学生所使用，充分利用微信的优点和科学的方式，将微信这个平台充分运用到校园文化传播和传授、建设之上，全方位地来提高学生的精神和文化的双重建设成为了当前需要关注的重要内容。本文主要通过对微信平台的交互特点、高校艺术理论课程中的微信运用模式以及高校艺术理论课程中的微信运用所体现的价值进行探索。

 

一、微信平台的交互特点

 

(一)即时和便捷传递消息

 

微信是以一个移动数据端的软件存在于手机当中，建立在广泛的、大量的手机用户之上，使得微信成为了社交软件中遥遥领先的平台。手机与其它智能终端相比而言，携带的便捷性和使用的简单化，成为了微信能够传播的重要条件。有了这个便捷性的首要特点之后，微信还凭借消息传递的时间的迅速性，使用户通过手机这个平台能够不受时间和地点的限制，能够即时随地的浏览信息和更新内容。微信中朋友圈功能中的传播等功能使得信息在人群中传播开来，可以用来即时和便捷地传递消息。

 

(二)消息的精准性

 

群众之间的消息传播是以点到面的传播方式，消息传递的属性就是单向的流动方式。由于大众传播所面对的受众呈现出大量化、分散、难管理的效果，致使大众传播的效果并不理想。而微信传播方式是建立在真实和有效的交际关系之上，这其中凝聚了共同的爱好和对行业、商品以及其它服务等不同信息需求的用户。通过微信能够将文字材料和影音数据等讯息定向、定时地传送给微信用户，这使微信中的信息传递能够直接、精准地到达不同的用户手中。高校中的学生对于文化知识的需求和生活方式、环境等方面都十分接近，是微信公众平台中所面临的较为稳定的群体，也正是这个原因有效地推动了高校文化内容的建设。

 

(三)充分的自由度

 

微信之所以能够有着如此强大的发展空间，是基于真实的人脉社交脉络的搭建。自主、真实的交流意愿使得使用微信时，能够很容易就完成了朋友圈内所分享的信息之间的交流。不论是图片画面还是文字材料都很容易引起朋友圈内其他朋友的情感波动和交集。微信用户使用了朋友圈中的功能来完成与相熟者的沟通和交流，还能够通过建立的群组来即时地交流信息和讨论话题，推动信息的传播和发散，形成有效的信息传播的自由性发展方向。高校内的学生是使用微信的用户中充满活力的一个群体，在微信中既能够传播生活、社会、新闻等内容，也可以来建设文化内容，这正是微信平台所具备的充分的自由度才能够完成的。

 

二、高校艺术理论课程中的微信运用

 

(一)艺术理论的讯息传递

 

在高校艺术理论课程的教学中可以通过微信将艺术理论的讯息来进行传递，实现艺术理论的文化传播。借助相关的艺术理论微信公众账号来实现艺术理论的知识内容的，将文字素材和影音材料充分运用其中。在传递艺术理论讯息的过程中，高校利用微信来传送艺术理论课程中的重要知识点，将课堂上所讲述的重要内容提炼成为几个简短的知识点，通过人工传送的方式来传递给平台的关注者。因为高校中艺术理论的微信公众平台中所面临是高校内的众多学生，借用微信平台来传授课堂消息不同于传统的课堂和媒体单向传播信息的方式，能够精准、迅速地将艺术理论传递到高校学生面前，以多样化和容易接受的方式将理论化的知识点带给学生，有着强力和针对性的传播效果。

 

对于借助微信公众平台来艺术理论的操作者来说，其推送的内容要贴合学生的审美趣味和需求，用生动的文字和巧妙的图片来讲述艺术理论的知识。除了艺术理论课堂上的专业知识点之外，在传递相关知识的同时，还需要选择其它相关的艺术内容和讯息，针对学生的爱好和时下的艺术内容来更新学生的文化涵养，因此，高质量的艺术理论知识和巧妙的艺术内容对于高校学生是十分有必要的，既能够使得学生反复巩固艺术理论的相关知识，又可以使学生在课堂之余感受到艺术理论相关的讯息，提高自身的文化素养。

 

(二)师生间教和学交流

 

除了使用微信公众平台来传递艺术理论的讯息之外，还可以通过微信来完成师生间教学和学习的交流。通过手机号码和QQ号码能够成为微信好友联系的凭证，教师和学生就可以通过微信来分享艺术理论相关文字和图片，教师和学生可以通过聊天和朋友圈的交流来完成互动，微信这个平台包含了交流的私密性和传播信息的公开性，可以轻松地展现出属于师生间沟通的模式。而这样的私密性和公开性的交流方式正符合学校文化建设和发展。

 

目前，高校内都会开通相关的课程的微信平台，这不仅使学生能够获得相关知识，也可以使得除了学生之外的领导、家长等人员也通过微信平台来关心教学的进程和效果。这也方便学校的教职人员、领导以及家长能够重视艺术理论，帮助这些人员之间的良性沟通和交流。通过微信之间的互动，既可以拉近高校内部的人员关系，也可以缩小高校内和外的距离，进一步拓展了学校艺术文化发展和建设。如何完成师生之间交流同样也是运用微信来进行教学的重心所在，成为艺术理论运用微信的探索教学的重点领域。学生可以在课堂后通过微信来向教师进行提问，可以通过微信中的群组功能来进行讨论。教师也可以通过微信来提醒学生相关的教学活动和内容，使得师生之间完成良性的交流。

 

(三)艺术文化的引导

 

微信是一个为广大群体提供交流和互动的平台，随着高校中使用微信进行交流的用户逐渐增多，高校和班级也逐渐开始使用微信作为固定消息的平台。但是在目前各个高校内开通艺术理论的公众平台来学科内容和艺术文化的同时，教师和相关的艺术文化管理部分并没有树立起相对应的正确意识。特别是通过微信学生可以接触到各种类型的信息，这对学生的理念、意识和价值观念来说都会产生不同的冲击。这对于学校的公众平台的操作者来说，要对学生进行正确的艺术文化的引导，才能够在真正意义上来培养学生接受艺术理论。在微信这种建立在真实社交关系的软件中，学生之间会有相似的观念和意识，对于相同的艺术文化容易展开讨论。高校的学生和教师对有关艺术理论的文化建设、教师和学生之间的关联以及学习和生活这些方面的关注热诚要十分高涨，高校的用户通过微信中的讨论来完成艺术文化的舆论发展。

 

以各个系部或者各个班级为单位建立起来的群组成为了微信中信息和引导学生艺术观念的重要场所，教学的管理者对这些群组十分重视，除了公众平台之外，这些群组也是教学者能够引导学生观念的地方。利用群组来传递知识和信息，做到真实的共享。但实际上，高校对于运用微信教学的重视程度并没有达到理想状态，高校应当对微信教学进行专门的管理，实时地了解学生们的学习进度和状态，来引导学生进行正确的艺术文化的欣赏和思考。及时地纠正学生在学习和欣赏中所出现的错误观念，用积极的方式来化解和调整学生的状态，引导校园艺术文化的建设方向。

 

三、高校艺术理论课程中的微信运用所体现的价值

 

在高校的艺术理论课程的教学中使用微信来完善教学过程，体现出运用微信教学的价值所在。校园内教师和学生通过微信这个平台相互成为好友，在朋友圈内即时地分享生活和学习动态，用这样的方式来进行交流，搭建了学生和教师之间新的沟通桥梁。不仅如此，还能够更加完善艺术理论和文化建设的方向，拓展文化的发展，具体如下所示：

 

(一)突出艺术文化

 

在过去的高校文化建设中，学校和管理人员是高校文化的引领者。这些人通过传统的教学方式、媒介和文化资源来传播艺术，这些教职人员往往只是站在高校管理的角度来进行教学，缺乏对学生的理解和考虑。高校的文化建设的根本是为了培养高等人才。但由于在传统的教学中，学生的地位一直没有被高度重视，师生所参与的文化发展和建设并不能达到理想的效果。微信是新时代下的一个交流平台，不需要过高的门槛、过高的成本以及复杂的操作方式，高校的学生只需要关注艺术理论的公众账号即可，就能够实时地收到艺术理论的知识和信息。在接受艺术文化的同时，还能够通过轻松的方式来转发和评论艺术文化，甚至能与教师随时随地联系，来获得全新的艺术文化。

 

(二)丰富艺术内涵

 

微信为高校的用户提供了较低的使用门槛，涵盖了十分丰富的内容，成为了高校学生所热爱的交流方式。微信有着广阔的群众基础，其中所涵盖的类别十分广泛。在微信中的朋友圈中极易形成交流和互动，这也使得微信中所关联的教学、管理、社会和制度等多层次、多方位的内容不断地传播，改善了过去高校中教学管理的方式。在艺术理论的传播中，学生已经不再是单向地接受艺术文化，还是通过微信这个平台，来实现双向甚至是多向的交流，也正是因为这种交互方式，才使得校园内的艺术内涵有所增长。

 

(三)拓展相关文化

 

高校的学校文化是通过高校这个环境来创造校园内的文化氛围和环境，其中包含了人文内涵、风格、教学管理等内容，这些内容涵盖了物质层次、精神层次和校园制度层次。但是在传统的校园构建中文化内涵相比薄弱，在内容的发展上呈现出较为简单和较低的层次，并且体现在人文和社会等方面，与专业的艺术性并没有多么强的关联。在运用微信来进行艺术理论的教学中，对其它相关的姊妹文化必然会有所关联，也就意味着，在对艺术理论深入的同时，也会拓展其相关文化的外部延伸。

 

时间艺术论文篇7

[关键词]文艺理论谱系；知识经济；传媒谱系；文化谱系

[中图分类号]I0 [文献标识码]A [文章编号]1004－518X（2012）02－0113－04

冒建华（1969―），男，河南理工大学文法学院副院长，副教授，硕士生导师，主要研究方向为中国近现代文学。（河南焦作 454003）

时逾百年，新世纪文艺理论的思维体系呈现多元、开放与包容的状态。文艺理论家们各自揭橥玄奥理论的旗帜，标新立异，南辕北辙。在新世纪初，由于人们生活在工业化、信息化、高科技嬗变的节奏中，文艺理论家开始对原有的文艺标准和文艺法则提出了异议，他们排拒元叙事、宏大叙事、历史叙事、社会叙事的叙事方法，谨慎个人化叙事、微观叙事、虚构叙事、后经典叙事的叙事理论。在此背景之下，文艺理论的建设主体、批评心态与接受方式都发生了转型，电脑语言的叙事学、视觉艺术、媒体艺术、都市文化艺术、消费艺术等受到了关注，个体情绪体验、个人思辨、宗教情结、神秘主义、自然宇宙等成为潮流，从而实现了文艺理论在主体－客体下的价值建构，排除了功利性、道德性，使文艺理论成为在场的、真实的存在物。

与此同时，新世纪的文艺理论家们试图填充现代主义理论与后结构主义、后现代主义、后殖民主义、新历史主义理论之间的沟壑。他们对文艺理论建构的中心从文学领地向亚文化、后工业社会、后革命方向转移。人们的思维普遍被颠覆与解构等破除一切的新思维替代，整个文艺理论处于非理性、无真理的游离状态。各种文艺理论都在消解霸权，认可消费艺术，漠视私人化、个体化。新世纪的文艺理论家整合了20世纪多元的文艺理论之后，建构了文艺理论的四大谱系，即消费谱系、知识与技术谱系、传媒谱系、文化谱系。本文以这四大谱系为论述的着眼点，以新世纪文学现实主潮为基础，旨在向人们提供更开阔的文艺理论空间。

一、消费谱系

消费谱系是新世纪人们在文艺的生产消费、经营消费、接受消费、审美娱乐消费等方面形成的供求消费体系。在新世纪的消费社会里，人们对文艺的关注主要集中在消费什么和不消费什么两个方面。一切文艺符码的意义都由消费来决定。文艺产品成了具有价值和使用价值的商品，有可消费性。20世纪文艺理论主要强调的是文艺作品的主体、价值、本体、人性等问题，但由于商品市场经济对大众的开放，大众普遍受商品逻辑的支配，市场已把文艺理论垄断的特权篡夺僭取，艺术反规范、逾越礼法理所当然地成为焦点。新世纪的文艺理论已进入高度现代性的消费社会，人们对客观现实的认识发生了本质变化，消费问题在由文艺理论中的地位发生了改变。

新世纪文艺理论转向强调复制文艺作品的仿真、影像、符号等。实实在在的文艺创作成了复制文艺的再生产。文艺作品具有无深度、平面、复制等消费商品的直接性和无方向性。在消费文化中，人们对文艺作品的满足程度主要取决于他们的日常消费的。人们的日常生活被用审美的方式呈现出来，日常生活转化成了艺术。虚饰是这个时代消费文艺的核心。对于文艺文本本身虚化了它的内涵与意义，对于词语的运用也转为强调符码的拼贴，对于艺术的审美已演变为对欲望的强调。当下的文艺作品俯就了人们的欲望，这是人们对启蒙与理性精神的超越，是文艺从私到欲、从性到人的飞跃，是人们感性与正当欲望光芒的放射。

然而，消费谱系下的新世纪文艺已没有规则，只存在消费的分割，一切都按照市场原则运作。文艺运用于私人领域、公共空间等一切存在的消费宫殿的本身。在消费秩序中，文艺不再以自我的理念为主轴，而以他者是唯一的在场，控制着自我的欲望与理念，并将自我视为他者系统的一支。他者始终约束着人的语言、行动，规定着人按照一定的新伦理价值观、新知识标准以生存需要为目的去实现自己的目标。他者深深根植于自我本质的内部，专注于人的本质内部心灵的震颤。在他者视阈中，一切文艺作品都被商品规则所滤析，并呈现了消费文艺的新特征：物化。物化是当下文艺理论根基的主要部分，它把人与人之间的关系转化为物与物之间的交换关系。在物化状态下不认人，只认商品和货币，这是后工业社会发展带来的改变。因此，文艺理论构建的合法化也是以人对物的理解进行全面系统的组织。

物化是宇宙活动的欲望灵魂最基本的存在方式。物化是人与宇宙的灵魂中最具有亲和力的词。主题都是婚外情的小说《爱，是不能忘记的》和《蜗居》在审美价值上是大相径庭的。“张洁发表于上世纪70年代末80年代初的作品《爱，是不能忘记的》，因为涉及婚外情，在当时引起广泛的争议。但是，在小说中，母亲钟雨与革命老干部之间的爱情，始终限制在精神上的相互吸引与爱慕，身体欲望在当时的叙事中是被严格限制的。母亲与其爱恋的人，甚至只见过为数不多的几面。一整套契诃夫文集，成为两人爱情的见证与母亲终生情感的寄托，也是爱情纯洁高贵的精神性象征。而在去年异常火热的小说（与电视剧）《蜗居》中，‘婚外情’的故事已经完全走向了世俗消费的层面。在《蜗居》中，性、权力，还有公众一直揪心的住房问题，成为新的‘消费点’。”[1]当下文艺理论都注重对物化的研究，不免陷入对事物的现象的内部和外部的标记、符号的意义作深入的解析，并抽出对事物的否定性和批评性而纳入物质消费的底部作理解。

二、知识与技术谱系

知识与技术谱系是新世纪人们在对文艺理论解构过程中形成的包括文艺知识结构、文艺新特征、文艺新功能、文艺技术等所构成的理论系统。21世纪是一个知识经济的世纪。人作为知识的主体与客体，在知识与文艺思维之间来回穿梭，从形而上到形而下的知识一一被涉猎。新世纪知识和技术的理念正改变着全球的文明。20世纪知识带有垄断性，强调知识对文艺的心志锤炼，但文艺进入新世纪后，知识被纳入商品的行列，作为知识普照下的文艺也发生了变迁，文艺开始反对知识的垄断，新世纪文艺作品的生产、传递、传播剥离了知识的潜在权力的垄断，文艺理论在非连续性、二次分配的知识维度上构建，并在知识思维的方式下，文艺理论在主体与客体、自律与他律、内容与形式等方面全方位地立体展开。文艺理论的落脚点由外部转入内部、由宏观转入微观并进入知识谱系下的动态系统循环。这些文艺作品对知识的运用豪放不羁，一部文艺作品也许要调动各学科的知识并加上高科技的使用才能加以解读。

新世纪初，由于公众的广泛参与，带来了知识的普及。知识与技术的代码被公众在日常生活中接受。知识和技术谱系偏袒市场体制，用新自由主义的秩序替代传统现代性概念化的秩序。知识和计算机技术开创了一个虚拟文艺世界的未来景观。在知识的谱系下，文本是游戏的、没有规则的，并带有很多可能性的。它抛开主体想象的不可能性，缔造了一种意义缺席的弥散的非真实秩序。它具有纯粹性和穿透性，试图打破全球欲望称霸的秩序，体验日常生活的崇高，并对周围陌生的和古怪的东西予以关怀，唤起人们对存在世界的可能性、不确定性予以关注。一部文艺作品的历史意义、时代意义、象征意义已被忽略，它的神话、宗教、文化地理等成为人们追根溯源的重点，并利用有限的手段包括化学分析、X光、红外线摄影的手段，对艺术进行解剖式的批评和分析。

另外一个值得关注的问题是，在知识谱系下，技术也发挥了举足轻重的作用。技术，在新世纪对人类的影响是巨大的，尤其电脑技术的发展。文艺与技术的界限越来越模糊，文艺家与科学家主动相互靠拢。如美国的玛丽－劳勒・莱恩就把计算机的编程方法引入了文艺评论的领域，如虚拟、递归、堆栈、推进、弹出、窗口、变形等术语。

新世纪的文艺理论普遍表现为对技术的一种自然认同。技术使人们参加文艺理论的讨论合理化和合法化。技术已成为人们的一种生活方式。“要使知识和技术得到正确运用，克服技术理性对社会对企业造成的麻烦，根本在于文化价值体系的建立。”[2]知识与技术的谱系在新世纪给人们带来了两个结果：一方面是“无序”。无序是一个激烈的词，它可能使有序的世界图式带来异常的、反直觉的、任意的形式。新世纪初，整个世界处于对旧有技术的破坏状态，在这个世界中大众是主角，他们处于失控状态，一种对技术迷乱的追求。整个世界中的自我被技术处理为零散化的状态。另一方面是“身体”。尤其是女性肉体伴随着我们的左右。小到日用产品中的钟表、挂饰，大到雕塑、大厦，都可看到是女性身体的某个部位或者全部。这个肉体已成为可看、可吃、可用的实体。女性身体是一种存在的符号，人们用身体表达自己的思想。

三、传媒谱系

传媒谱系是指全媒体时代传媒所带来的集成与转化下的文艺传媒体系。20世纪人们普遍关注文艺的启蒙与理性精神，但我们应看到新世纪现实生活中，传媒已介入到日常生活中，并且改写着现代文艺的语言。“一个显在的症候就是直白、贫乏的网络文学语言解构了传统文学审美化语言。”[3]在新世纪初，电视、电影、报纸、杂志、广播、录像、音乐会、展览、表演、广告、互联网等传媒形式提高了艺术的交流，媒体普遍受大众的青睐，媒体以特定的方式呈现艺术，感染受众，并使艺术合法性，同时，媒体把所有的社会群体囊括在艺术信息之内。新世纪的文艺熔解了传媒记号的语言，赋予了文艺作品新的意涵，并使文艺文本可视化。文艺作品由单一的文字文本变成了文字、声音和图像等视觉化的形式。由于现代传媒技术的提升，一个以电产品、网络、卫星通信等传媒的形式已形成，整个文艺产品被技术化和网络化，从而实现着文艺的全球化。

对于传媒谱系来说，时间是读者阅读的障碍。新世纪的传媒下的文艺作品往往都抢先读者一步，走在时间的前列，而读者欣赏作品时则要穿越时间隧道，回到那个文本意义的停泊点。文本忽视历史的意义，比较关注现时符码延宕的指涉等问题。同时，这个时间对统一性的历史秩序进行破坏，在这些文艺作品中历史退场，成为非中心的缺席。文艺作者是以无历史的眼光来看待历史的废墟，他们拆解历史的事件，使历史变成碎片中的历史。在这种时间下历史才显露了形而上的本原的面目。传媒下的文本的时间已没有连续性，它是断裂地存在的，因而艺术文本普遍存在差异性及事件的不相关性。文艺文本的广延性构成了四维空间的绵延。另外，传媒谱系把我们现在所处的世界变成一个符码世界，城市里的广告、建筑、娱乐设施等公共活动空间充斥着符号，就是人也成了一个符号。一切艺术生产已成为符码再生产，当下的人已不能逃离传媒符码的现实原则。人们随着传媒符号内在的生命律的起伏、强弱、流动来判断它无边际的界限的特征。传媒符码的指涉性普遍存在于对日常的感觉经验中，人们通过传媒对人们生活景观的勾勒再生产文艺作品。

从这个意义上说，传媒谱系让文艺回到了文学现实本身。传媒谱系也成了理性与意志的组合、日常生活与新道义的交融、技术与多元正义的培植的结果。在这种谱系下，排除了元叙事，图解宏观叙事、历史叙事等大叙事，把人们现实生活的琐屑叙事成为新世纪叙事的主要支柱。日常传媒生活的存在就是新世纪文艺的审美存在，是人们深层无意识的压抑的存在。新世纪传媒文艺作品中反战运动、无核化运动、反恐运动、环境生态运动等获得认同，同时，私人的生活空间、民间生活、反中心的多元文化等成为人们关注的基本主题。他们在这个理论框架下构筑了传媒权力的雄伟大厦。在传媒的巨大影响下，现实政治和道德伦理成了人们关注的中心。传媒下的文艺驱除暴力，放弃冲突式的理论模式，把一些中心主义的理论边缘化，使殖民性东西消失。同时关注人，拯救人，彰显政治与道德伦理的重要，并拂去蒙尘的20世纪的政治价值的体系，追问当下的与现实生活紧密结合的新政治的生命关怀，灌注新政治精神的意向构造，让文艺回归本质。

四、文化谱系

文化谱系是以新世纪文艺理论形成过程中文化历史渊源关系、文化时空坐标作为研究对象的。“中西文化的交融和碰撞，产生了中国新的文化范型和文化视野，形成了一套具有现代文化特征的文化观念、文化形态、文化价值及文化冲动。”[4]20世纪后半叶的文艺理论有两种倾向：一是以古典文论为骨架；一是以西方的文艺理论为中心。这两种倾向导致了文化民族主义和文化霸权主义两种症结，这不仅是中国的文艺理论病，也是世界文艺理论的世纪病。它忽视了文艺理论在商品社会文化条件下的新动向，这就让文艺回到新世纪眼前的文化现实，当下的文艺理论应当以眼前利益为支点来建构，不应对现时利益采取回避和超脱的态度。20世纪的后结构主义用解构思想来反叛文化，后现代主义是反主流文化并填充雅俗文化的沟壑，新历史主义是从文艺的文本回到历史并重新叙述过去，后殖民主义则表现出西方文化的优越性，但人为地创造了文化帝国。这些新文化主义满足不了新世纪人们的审美需求。

因此，新世纪的文化谱系便要对20世纪的文化秩序进行解构与颠覆，并获得了现时的多重指向与意义。这种文化现象体现在当下文化生活的审美中。在文化谱系中，宗教与艺术作为在世的方式存在。文化的冲突已不再是意识形态侵蚀与反侵蚀之间的斗争。文化已与日常场所和社会品性紧密联系。文化非理性地被还原为丰富性和真实性的状态。新世纪文艺理论像一个漫无边际的没有极限的用各种术语织成的大蛛网，作为文艺理论者也只是悬浮在文学、绘画、音乐、舞蹈、雕塑、建筑等意识空间捕捉文艺理论的微尘，建构自己想象的理论世界。同时，文艺理论家对文化的理解已深入到日常琐屑的细节、局部中，并趋向于对生命本质的理解，在日常生命经验中找寻文化审美的土壤。在新世纪文化领地，我们感觉在一个很宽广的基础上讨论文艺，它指涉主观情感与人的欲望现实，关注文艺的肌质和现存的翻版，是对经验世界的分割、删削、驯服的变体。文艺家开始关心视觉艺术，但摈弃了20世纪文艺理论中的形象、节奏、线条、色彩、形状等纯形式的东西，转向关心包括女性身体在内的欲望及表现欲望的修辞学，对时间与空间里的幽灵进行解读等问题。他们的文艺理论形成了文艺理论的块状结构，有超现实和魔幻现实的东西，有构成派的、建筑学派、几何原理应用派、概念论派等的东西，还有极权主义的东西、非理性主义的东西、反先锋反后现代主义的东西等。新世纪文艺理论成了多元文化主义的不确定性的宁馨儿。

但是，新世纪的文艺面临着前所未有的危机。首先元叙事被抵触，这主要是由于计算机科学技术带来的普遍影响，因为它改变了讲故事和欣赏故事的叙事者与叙事对象。网络对约定俗成的规范进行挑战，使文艺作品浸润了一些非人化、技术和市场的因子。叙事空间被肢解成了分离的琐碎的叙事形式。在这个叙事领域重视的是叙事的多样性和差异性，并对系统性和整体性进行辩证性的反抗。在文化谱系下人们关注“时尚”。人们对文艺关注的目光已从政治、经济、社会等方面转向关注时尚，人们按照时尚逻辑行事。时尚的意义有些泛化，但有无限的生命力。时尚的本质是一种形式把另一种形式打破。另外人们还关注文艺“复制”。艺术作品被无限制地复制，而且物质性很强，具有乌托邦的色彩。因此我们感觉到艺术作品的极度的平面感，平面地展开，平面地收缩。在复制的文化状态下文化历史已成为诗性的历史、小说的历史，文艺也演绎为一个商品化、平庸化、娱乐化的词。

综上所述，新世纪的文艺理论谱系已渐次形成，但新世纪文艺理论家又面临如何把这些新文艺理论谱系应用、批评与超越的问题。新世纪文艺理论谱系的应用与高雅文化、大众文化无关，这种新谱系是无深度、平面化的，任何读者都可以使用。对于新世纪文艺理论谱系的批评也将由专业的理论批评家向非专业、他学科的批评理论者转化，但文艺理论的批评仍要遵循科技的标准。

[参考文献]

[1]赖洪波．文艺在消费主义文化语境中的困境与突围[J]．文艺争鸣，2011，(14)．

[2]孟凡驰．文化价值体系在知识经济社会中的作用[J]．新视野，2007，(5)．

[3]宗宝琴．现代传媒文学的语言叙事的回归[J]．红河学院学报，2011，(3)．

时间艺术论文篇8

关键词：艺术；视觉文化；图像；图；影像碎片；艺术学理论

中图分类号：j0 文献标识码：a

2012年6月在南京举办了“图像与表演国际学术研讨会”。与会者就图像与表演之间的关系各自做了主题发言和探讨。这是一个基于艺术学理论的实践研究主题的学术会议，目的在于探讨不同艺术门类之间的关系，以及探讨不同门类艺术的共同规律，并以此寻求艺术的本质与艺术原理。当代各种媒体视屏的传播功能，使人们感到图与图像在传播中的“读图时代”是不可抗拒的。但是如何理解“读图时代”中“图”的概念和含义，是图还是图像，如何区别，一些学者试图把戏剧戏曲和影视中截取的“图”作为“图像”，并以此探讨“图像与表演”的课题。但问题也就随着学者们的探讨出现了。图与图像，我们究竟作何理解。它们仅是概念不同而内涵一样吗？显然，由于一些学者把图与图像混用，或看成没有区别的视觉文化，因而探讨结果依然是表演艺术范畴之内的问，题，并没有涉及到图像——造型艺术的问题。表演艺术与造型艺术之间的关系和规律没有得到有效的解决。因此，“图像与表演”或者说造型艺术（美术学），与表演艺术（戏剧戏曲影视学）的关系，需要依赖艺、术学理论的原理来思考图与图像的概念与内涵等问题，并以此解决好这两种艺术门类之间的学理关系。

一、图与图像

“读图时代”似乎成为我们这个时代的一个显著特征。实际上，“图”与“图像”是两个完全不同的概念，其内涵也不同。所谓读图时代的“图”并非都是图像，故此人们才感受到读图时代越来越简单与平面化。读图时代的“图”多是一种后文化时代的产物，其特征是简单、浮躁、肤浅、无深度、游戏性，最大限度的碎片化。“碎片化”是“图”的总体特征，我们也可以将“图”称为“图片”，但不可称为“图像”。图像，具有独立性、完整性、自足性和系统性的特征，它不是偶然的符号集合。图像的“孕育性”具有图像学和叙事学的意义，可阐释，可叙事，包含了某种意义（象征、隐喻等），是“图”与“像”的整合，具有独立意义的传播功能。中国传统文化中的治学方法是“左图右史”。即“置图于左，置书于右；索像于图，索理于书。”（郑樵《通志略·图谱略》）“图”指的是图形，“像”指的是图形中深藏的含义。《说文解字》云：“像，似也”。段玉裁注：“然韩非之前或只有象字，无像字。韩非以后小篆即作像。许断不以象释似，复以象释像矣。系辞日，爻也者，效此者也。象也者，像此者也。又日，象也者，像也。……盖象为古文，圣人以像释之。虽他本像亦作象。然郑康成、王辅嗣本非不可信也。凡形像、图像、想像字皆当从人，而学者多作象，象行而像废矣。”段注提到了“图像”，意在解释“像”的出处与来历，像与爻辞功能大体一致，故圣人以像释之。《易·系辞上》云：“仰以观于天文，俯以察于地理，是故知幽明之故。”《易·系辞下》又云：“仰则观象于天，俯则观法于地”。“观天文”实为观天象（像），与“索图于像”，说明了二者合二为一的“图像”，自有深妙的玄机。《易·系辞上》所指的“河出图，洛出书，圣人则之”的“图”，当为“图像”理解，很有玄机可阐释。当今“图像”与西说融合，基本上属于美术学（造型艺术）意义的范畴，有独立的自足的编码符号系统。即显示了母题、主题、意象、形象、结构以及相关联的系统，这与西方图像志与图像学有关分析和阐释的对象——图像的理论有关。因此，图像一系列的编码符号（图像逻辑）隐藏有深刻的含意，具有阐释学和叙事学的意义。不仅如此，作者（艺术家）赋予给图像的精神与情感是丰富的和完整的。当然，一些折射了历史、文化、民族、社会等价值的具有可阐释性、叙事性的摄影作品，也因此可作为图像来分析和

阐释。

图不具有上述所说的图像的编码符号与意义。图是时间过程中一瞬间截取的片段，是非独立性、非自足性和非系统性的时间碎片，不孕育整个时间过程，其精神和情感也是散碎的。因而，图不具有图像学的意义，也无叙述性。如一些出现在影视、戏剧戏曲或舞蹈表演中一个画面的截取图——剧照，不具有图像学的意义。也就是说，无法从图像志的辨析到图像学的阐释，没有叙事的性质。如同连环画中每一页都是图，不完整，没有独立性，不可阐释。概言之，图的碎片特性，缺乏图像逻辑的系统。正因为如此，连环画的图才配以文字，并且由众多的图构成一本可阐释的、可解读的具有完整性的连环画。连环画的每一页仅仅是孤立的图，而不是图像。影视、戏剧戏曲和舞蹈等中截取出来的图——剧照，仅仅是图而已，而不是图像。今日流行的动漫（学科上归属影视戏剧戏曲学）、网络上流传的照片，等等，皆为图，非图像。正是应为这些“图”充满了我们的视觉世界，我们才惊呼读“图”时代的来临。但仅仅是“图”的到来，而非真的“图像”的到来。因为我们的视觉文化大都是图，所以我们感到今天的“读图时代”越来越简单，越来越觉着肤浅。而真正的图像却受到图的冲击，使我们难以辨认，或根本没有认识到图像本身到底是什么。于是有的学者认为图像与表演无法辨分：图像就是表演，表演就是图像。这种认识是值得商榷的，主要问题在于把图与图像混同了。

图像包含了最基本的单位或元素——母题、主题、意象、结构以及与之相关联的符号等。人们通过对母题的分析与辨认，最后进行图像学对主题的阐释与研究，这是对图像的基本研究路径和研究手段。这就涉及到图像的符号以及编码问题。19世纪西方产生的图像学理论主要是对古希腊和中世纪宗教艺术的图像进行研究的一种方法，并由此使艺术史研究进入到人文主义的学科中。法国艺术学家埃米尔·所著的《图像学：12世纪到18世纪的宗教艺术》便可使我们了解图像学研究的对象，并由此也了解西方“图像”一词所指的含义了。图像学成为艺术史学家对图像隐藏的某种文化、思想、宗教或历史最完美的解释。阐释和研究的这些图像本身有这样几种特征：其母题或主题隐含或象征了某种意义，显现了它的历史性、社会性、政治性、宗教性和叙事性的特征。西方最早被认可为图像的不是别的，正是那些被今天称为宗教的和古典的“艺术”。它们是由“艺术家”依据某种意图而创作的。某个艺术（图像）体现了某个“艺术家”思考和表达的意图，或者表现了他者（教会或赞助者）的意图。“在12和13世纪意大利和法国艺术中我们可以找到许许多多类似的例子，即，艺术家直接和精心地从古典的母题中借用了母题，却把异教的题材改变成基督教题材。”母题、主题、意象等，都是经过艺术家或赞助者的意图来编译符号构成了图像不可缺少的元素并由此产生了意义，从这个层面上说，图像还具有符号学的意义。结构是图像隐含的内容之一，是符号系统的编码程序。如何构图画面，如何取舍母题或意象，并从各种构成关系中产生某种特定的主题，这就是创作者所要思考的结构要素。西方中世纪的宗教图像，是创作者与赞助人（教会组织）共同完成的艺术（图像）形态。当代学者研究与阐释它们，提出了图像学的研究方法，同时还提出了一个肖像学（圣像学）的概念，“肖像学是艺术史中研究与艺术形式相对的艺术题材或含义的一个分支。”正是因为这些中世纪的艺术（图像）具有象征意义、为现代人难以知晓的隐喻，以及它们隐藏的事件和某种可叙事的关联情节，才被研究者称为图像。在西方，图像显然包含了中世纪的宗教绘画与雕刻，通过运用图像学方法研究，揭示这些图像在中世纪宗教文化系统中的现象和宗教文化的形成与变迁，以及图像所暗示出来的宗教思想与其它观念。图像学研究不仅仅是针对宗教艺术图像的研究，也包含对古希腊艺术（图像）的研究，其实际目的还是因为中世纪宗教艺术中，借用了古典艺术的母题，但因某种主题的需要而使母题发生了变异。图像学正是要阐释这种变异而叙事新主题的含义。因此，图像学研究和阐释的是，西方各个时期图像所显示的文化形成和变迁，以及这些图像隐藏的文化、社会、宗教、思想与政治的意义。西方现代图像学转向对所有图像领域的研究与阐释，因为图像中最要的是它包含了思想与观念，显示了图像中某种历史与观念。

不难理解，图像就是我们今天说的造

艺术，是空间艺术的概念，非时间艺术的概念，是艺术家的独立创作的作品（图像）。艺术家在创作作品（图像）时，都有自己的思路、观念和企图，这就是我们说的一整套艺术构思和技术，也可以说是“编码系统”，故此自成独立的系统。一些摄影作品，由于摄影师有意识地选取某些重大的事件进行抓拍，使其作品本身具有了叙事性因素，随着时间的推移成为将来历史中的某个重要事件，再经过一些艺术化形式的处理，如构图剪裁、光线等暗房技术的处理，使摄影作品成为可阐释和可叙述的图像。还有一些摄影作品，经过摄影者后期制作处理，即后期编码，使其成为图像。当代一些广告摄影作品，之所以也可以称为图像，是因为这些广告被摄影师按照商家和市场（客户）的消费观念的需求，以及时代文化时尚包括审美属性等，即我们通常说的“设计意图”，进行了“观念”的处理，做了后期编码制作，使其突出商业与市场价值的效应并体现了设计师的设计理念，体现了“我消费，故我在”的当代消费文化时代的观念，具有独立的意义。当然广告这类图像比起我们前面描述的图像来讲，因为广告图像注重的是商业价值和商业效应，它缺少叙事学的意义，即使阐释也是单向的，隐含的人文思想较少。总之，广告设计经过“编码系统”的处理，较多的是体现了某个阶段的时尚设计观念或创意理念，自身也构成了独立的、可解读的和阐释的价值体系。

质言之，图像应该具有这样几个术语来指向它的全部意义：形式、形象、母题、主题、意象与象征（寓言）。

图或图片，无上述我们说的这些基本元素。之所以说“读图时代”是肤浅的、无深度的，甚至是游戏性的，就在于“读图时代”的图没有独立性，没有编码的符号系统，缺乏隐含的历史性独特含义，没有叙事的结构。这就是造成我们今天焦虑读“图”时代肤浅的根本原因。尤其是今日的各种媒体在传播过程中的视觉文化现象，基本上是贴“图”视觉现象。因此，才被认为当今是“读图时代”。也有西方后现代文化理论家认为媒体与语言发生的词与物的关系，使当代的视觉文化现象具有“图像转向”的意义。但是，“不管图像转向什么，应该清楚的是，它不是回归到天真的模仿、拷贝或再现的对应理论，也不是更新的图像‘在场’的形而上学，它反倒是对图像的一种后语言学、后符号学的重新发现，将其看作是视觉、机器、制度、语言、身体和比喻之间复杂的互动。它认识到观看（看、凝视、观察实践、监督以及视觉）可能是与各种阅读形式（破译、解码、阐释等）同样深刻的一个问题，视觉经验或‘视觉读写’不能完全用文本的模式来解释。”这里我们看到了，即使西方后现代文化理论阐释图像并使图像转向成为后现代文化阐释，图像依然脱离不了上述的“术语”。不是任何“图”都是可以作为“图像”来认识的。

二、表演艺术中的碎片影像

表演是时空艺术，它包含了造型元素，又必须需要时间完成叙事。它包括了早期传统的舞蹈、戏剧戏曲和后来工业社会的电影电视。这些是不同历史阶段的表演艺术形式和现象，虽有差异，但其艺术的本质和规律是不变的。时间艺术是需要在一段时间内展现其叙事的结果，它不暗示某种未完结的内容或含义。因此，“时间”就是表演艺术的主要叙事方式。然而作为空间艺术的那些图像，它们的叙事是在阐释者的阐释中完成的，故此阐释（破译、解码等）是空间艺术的主要叙事方式。表演艺术的“时空”也是它的存在的方式；作为造型艺术的图像的“空间”是它存在的方式。艺术分类学依据艺术的存在方式分类，把艺术分为时间艺术与空间艺术，表演一类的同时具有时间与空间性质，故为时空艺术。也正应为如此，表演某些性质又复杂一些。在一般人的心理上，读图看似比较简捷和容易，一眼望去尽收眼底。现代人们的生活方式越来越紧张，时间越来越“少”，人们沟通的方式依赖电脑等多媒体视屏技术，视觉文化便在各种媒体上呈现。“读图时代”正是这种社会生活现状中产生的。“读图时代”的中的“图”的概念是混杂的，事实上是包含了“图”与“图像”。但是，表演艺术中截取下来的图（剧照或还不如剧照的图），以及动漫作品中截取下来的图，只能是图，或称为影像碎片，不能作为图像。这种影像碎片的图，貌似成为了空间艺术，其实不然。原因就在于它不可阐释，不可叙事。它阐释的符号是乱码，叙事的主要方式——时间没有了。也不是空间的艺术，因为它是

从时间艺术中抽离出来的瞬间碎片的影像，没有经过编码系统的过程，不具有自足性的独立特征。

在南京举行的“图像与表演”主题的国际学术会议，主办方是中国艺术学理论（原艺术学）学科的发源地、全国唯一的“艺术学理论”重点学科的东南大学艺术学院，也是全国首家艺术学理论的博士点授予权单位和全国首家艺术学理论博士后流动站单位。其举办“图像与表演”会议的宗旨与目的不言而喻，就在于探讨造型艺术（图像）与表演艺术（影视戏剧戏曲）之间的某些关系。这是一个基于艺术学理论实践层面研究课题的国际学术会议。一些研究者把注意力放在了表演艺术中的图与表演本身的研究视野中。他们几乎都把图与图像混淆了，以至于有的学者认为，当今的图像与表演无法分清。造成这种误读的根本原因，就是没有打通最关键的三个门类艺术——美术学、音乐学与舞蹈学，缺乏研究和架构艺术学理论的学术能力，错把“图”当作“图像”了。因而，所研究的图像与表演之间的学理问题，实际上依然是表演艺术自身的问题。即用戏剧戏曲影视中截取下来的图片，探讨戏剧戏曲和电影自身的问题，与造型艺术的图像没有关联。甚至一些与会者，还把一些采用社会学方法收集的一手资料图片，作为图像来理解。这些一手资料的图片对于帮助和了解研究者考察某个民族的传统文化习俗，具有资料性的考证意义和价值。但仅是图片资料，非图像资料。

艺术学理论学科的重要创始人张道一先生，很早就对从事艺术学理论研究者提出了要求，他指出研究者必须将美术、音乐与舞蹈这三门打通，这是从事艺术学理论研究者所必须具备的基本要求和学术能力。张道一先生在“艺术三要素”中，始终反复强调了研究者要打通艺术的“三大块”：美术、音乐与舞蹈，掌握它们、了解它们共同规律和基本原理。不仅如此，张道一先生还强调要抓住艺术的“三要素”：思维、载体、技巧，才能抓住艺术的真谛，“可以说思维、载体、技巧是创作艺术的三条腿，三足鼎立不但站得稳而且走得远。”张道一先生的“艺术三要素”分别从艺术创作与艺术理论两个方面探讨了艺术“三大块”与“三要素”的关系问题。目的就是阐明艺术学理论研究的基本原理和基本理论必须建立在打通美术、音乐与舞蹈三门学科基础上，建立在艺术实践中对艺术的思维、载体和技术的掌握的基础上。一个从没有从事过造型艺术创作的艺术学理论研究者，对图与图像的理解自然难度很大。他无法理解“图像”为什么是独立的系统，为什么“图”就不是独立的系统。艺术离不开思维，这是最基本的。造型艺术的图像首先是需要艺术家的思维，他要在作品中表达自己的思想、观点、看法和态度，使作品具有某种意义。载体是艺术呈现的物质形式，没有物质这个载体，艺术永远不能够实现物质化，艺术品无法产生，艺术家的思想、观念、看法和态度等，都只能装在他的头脑中，表达不出来。选择什么物质作为承载艺术的载体，是艺术的本体问题，物质关系到艺术的语言、表达和技术等艺术的本体问题。但是，有了思维和载体，不等于就有了艺术作品。艺术家如何表现他的思想和观念等，还必须依赖于艺术的技巧。如果一个造型艺术家（画家、雕塑家），没有掌握一定的艺术技巧，再好的思想或想法也是无法表现出来的，或者创作不出来好的艺术品。艺术技巧的好坏不但影响到艺术家思想观念的表达，也影响到艺术作品的品质和艺术价值。这三者是相互叠加与印证作品（图像）的自足系统的，使艺术作品（图像）产生了独立的、完整的图像学与叙事学的意义，具有文化与艺术的价值和意义。 　表演艺术中截取某个瞬间的图，仅仅是整个时空艺术中的一个“碎片影像”。对这样的碎片影像作完整的描述，只能将无数碎片影像叠加起来还原到时间的方式逻辑系统中才能做到。这样做实际上依然还原为表演艺术的形态，或者就是连环画的形态。把电影转换为“连环画”的这种形态，是上世纪70年代我国很流行的一种阅读方式，用碎片影像组成一组一组的画面，图片的下面配上一段文字说明，这就是“电影连环画”。我把这种阅读形式称为看“静态电影”。这就说明了“图”不是“图像”。我们不能把影视戏剧戏曲中截取的影像——图，这些乱码碎片，当作图像并试图进行阐释。企图对碎片影像这样的图作图像学的阐释和叙事学的文本诠释，其结果都是无法进行的。即便试图对这些影像图进行阐释与诠释，阐释或诠释者也是依据已知的表演

艺术的过程与结果作某种诠释性的“复制”工作。即使像米歇尔这样的后现代文化理论者，在其《图像理论》中也说，“不管图像转向什么，应该清楚的是，它不是回归到天真的模仿、拷贝或再现的对应理论”。图的不可阐释性和不可叙事性，使其图本身不具有深刻性，不具有孕育事件前后的延续性，图的乱码和碎片性决定它自身的肤浅，无深度、戏谑性以及无风格等特征。也许正是因为图的这些特征，恰恰碰巧对应了后现代主义的文化理论，人们才开始意识到“读图时代”的“图”之浅薄。

三、结语