当代美术论文范文

当代美术论文篇1

1.师资力量薄弱，教法不得当。

“在今天的教学中，美术已经不再是一门独立的学科，它与其他学科有着千丝万缕的联系，而传统的教学方式已经不能真正体现美术的含义，无法发挥应有的教学效果”。大部分教师认为，美术只是教会学生画画即可，在课堂上拿出一幅画让学生照着画就行，用传统的教学方式进行传授，这种教学方式只能让学生学会了绘画，而无法真正体会到美术这门课的博大精深，更不能激发他们学习美术的兴趣。美术课程标准指出“美术不仅仅是一种单纯的技能技巧的训练，而应视为一种文化学习”，这就要求我们教师在教学中不仅仅要引导学生进行美术文化学习，更不能放弃知识技能的教学。只有在美术教学中培养学生美术兴趣、提高学生审美能力的同时结合知识技能的学习，才会提高学生的美术素养，从而提高学生的综合素质。

2.教学设备不健全，学生学习美术的积极性低。

由于学校对美术教学的不重视，在软硬件的配置上也会存在着差异。有的学校虽然能够按照国家课时计划标准开设美术课，可是受到中高考指挥棒的影响，很多学校少开或者某些年级不开美术课的情况也屡屡发生。有的学校就算开设了美术课，也形同虚设，经常被其他主课老师无情占用。同时，学校的教学设施，对能不能有效的推进美术教学也很重要，因为现实中教学环境及设施的差异的确存在着。再者由于大部分学生为了在学业上取得好成绩，往往牺牲娱乐时间去学习功课，这样一来就更没有兴趣去学习美术甚者其他主修课以外的课程了。很多学生在上美术课时候选择做其他课程的习题，他们认为有学习美术课的时间，不如去完成其他科作业，提高其他科的成绩，因此学生学习美术的积极性大幅下降，对美术学科的优势不予理睬，长此以往学生的审美修养和情操陶冶又如何提高？

二、美术教学中存在问题的相关对策

1.充分调动学生学习美术的积极性，培养学习美术的兴趣。

兴趣是最好的老师，当学生对一件事情产生浓厚的兴趣时，学习效率也就会跟着提高。我们要培养学生学习美术的兴趣就得了解学生，因材施教，允许学生个性的自由发展，允许学生兴趣的不同方向，承认学生存在的个体差异，承认学生对知识掌握的速度有快有慢，接受知识的能力有强有弱，给学生以充分的尊重，从而培养其学习兴趣。另一方面，也可从课堂活跃度来提高学生的积极性，让学生在课堂娱乐中对美术这门学科产生浓厚的兴趣，从此更加热爱美术。如：当我们在课堂上要求学生临摹一幅书中的国画作品时，有的同学要求画竹子，有的要求画荷花，这时教师应毫不犹豫很爽快地就答应他们的要求，因为如果这时候很强硬的拒绝他们，硬要他们统一作业，虽然他们会按照教师的要求完成作业，但他们可能就因此丧失了学习的积极性，丧失了一些对美术的兴趣，自然也不会体验到美术学习过程中的愉悦。在教学中能够充分尊重学生意愿，在许可的范围内向学生“妥协”一下，不失为一种明智的选择。

2.加强学生、家长和学校的沟通。

英国心理学家斯宾塞曾经说过：“没有油画，雕塑、音乐、诗歌以及各种自然美所引起的情感，人生的乐趣便失去了一半，这就会给各种疾病的入侵洞开门户”。美术教育的重要性不言而喻，但是由于受到应试教育的影响，很多家长认为美术对孩子的未来是没有用的，并不能帮助学生上一所好的大学，找一份好的工作，他们会为学生设计好一条最省事最高效的学习计划，会把什么有必要认真学，什么不必花时间去学分的清清楚楚。家长的言行早早就植根于孩子的脑海里，使他们受到影响，从而不重视美术课程的学习。这就需要学校和教师不断努力和家长沟通，让他们认识到美术教育的真正作用，改变对美术教育的看法。社会在发展，时代在进步，我们需要的是各方面都有能力的专业人才，而这不仅仅是体现在分数上。因此关注学生基础教育的同时，也要注重素质教育，培养综合能力。除此之外，还应鼓励学生寻找自己的兴趣爱好，给予他们信心，营造好学习的大环境。

3.提高教师专业素养和教学技能。

教师在学生美育的培养中也占很大一部分因素。教师应全面把握教材，灵活运用。在教学中应突出美术学科的特点，而不能把它上成了语文课、历史课；要把握好教材并灵活运用，不一味的照搬教材，可以根据学生的兴趣来设计自己的课堂，这样将会大大提高学生学习的兴趣，也更容易让他们吸收理解，从而在潜移默化中提高学生的鉴赏能力和艺术修养。

4.将美术纳入考核范围。

美术课是学生健康成长的必修课，它的重要性不言而喻。人在出生时候并不具备审美能力，都是通过后天的学习和培养才一点一滴建立起来的。古往今来受到科举考试制度的约束影响，学生们都已经习惯了通过考试成绩来衡量自己学习能力和左右自己的学习爱好。如果将美术纳入考核范围之内，学生就会主动尝试了解美术、学习美术。只有这样学生才能更多的联系实践，可以督促学生学习美术，端正学习美术的态度。美术教育是时展的需要，对学生未来的发展有很大的影响。其教学目的以培养学生的审美情操、人文素养为基本。通过对学生进行美术教育，以学生的学习与发展为目的，满足学生的心理需求，提高学生的学习兴趣，最大限度地激发学生的学习潜能，为学生今后的全面发展奠定一个良好的基础。

当代美术论文篇2

1.现当代美术课程有利于学生形成完整的知识结构

艺术院校美术学专业培养的是从事艺术创作的专门人才，更应该对现当代美术有深入的了解和把握。《孙子•谋攻篇》有云：“知己知彼，百战不殆。”学生应对所处时代的艺术现状有宏观的把握，了解各种艺术流派和艺术思潮的来龙去脉，发现各自的优点与不足，结合自己的性情与特长，找到符合自身特色的艺术之路，否则往往会囿于教师的审美趣味和艺术风格而不知所措。一些艺术家自以为掌握了艺术的真谛，对自己专业领域以外的艺术形式多持排斥与否定态度，这犹如盲人摸象。艺术家对艺术的感知往往局限于自己的特殊视角，其实艺术的表现形式是多元的，艺术的真谛也不是唯一的，重要的是找到适合自己的方式。只有站在时代的高度，才能看清努力的方向，而不至于在艺术的丛林中迷失方向。现当代美术课程的学习可以使美术创作者系统地掌握当代美术的成败得失，为选择符合自身特色的艺术道路指明方向。

2.现当代美术课程有利于高等美术教育与基础美术教育的衔接

《义务教育美术课程标准》突出了美术课程的视觉性、实践性、人文性、愉悦性的特点，将美术学习当做一种文化学习，改变了长期以来将美术教育等同于技术学习的狭隘观点。这种定性要求教师要通过美术欣赏教学让学生理解不同的美术作品所蕴含的人文精神，通过美术的技法教学让学生表达自己对人文精神的理解。针对基础美术教育目标定位的转变，地方院校对美术学专业的课程设置应该进行相应的改革，以便与基础美术教育更好地衔接。如人民美术出版社主编的普通高中课程标准实验教科书《美术鉴赏》中选编了现当代美术作品70余幅，如果没有现当代美术的知识储备，就很难解读诸如徐冰的《析世鉴》、隋建国的《地罡》、袁运甫的《朱荷碧盖》、韩美林的《牛》、吴山明的《外师造化》、苏天赐的《早春》等作品的艺术内涵。只有通过现当代美术课程的学习和实践，不断开拓艺术视野，更新艺术观念，全面认识现当代美术发展的现状，才能为从事基础美术教育工作进行有效的知识储备。

3.现当代美术课程有利于美术的创新与发展

20世纪中国的高等美术教育是建立在徐悲鸿提出的“素描是一切造型艺术的基础”这一理论基础之上的，无论从事何种形式的艺术创作，均以素描和色彩作为基础训练的主要方式。由此也导致了学生对艺术的认识和理解相对单一，学生无法从抽象形态中发现艺术美，无法感知艺术语言的魅力，无法欣赏和创作现代艺术作品。中国现当代美术的发展明显受到西方现代艺术的影响，这是一个无法回避的现实问题。伴随着东西方文化的交流日趋频繁，艺术之间的吸收与借鉴在所难免。艺术的表现形式日趋多元，各种艺术流派异彩纷呈，让人目不暇接。无论何种形态的美术形式，都是现当代美术的重要组成部分。人们对各类艺术作品的接受和评价，取决于欣赏者的知识结构和艺术视野。美术工作者应该对现当代美术的发展现状具有系统的认识和把握。这不但有助于明确自己艺术创作的方向和目标，而且可以加强不同形式的美术作品之间的相互吸收、互相促进，创造出符合时代特色、具有鲜明个人风格的美术作品。对于现当代美术课程的学习，可以在很大程度上调动学生艺术创作的积极性，学生通过对不同形式的艺术创作方式进行尝试，超越世俗思想的束缚，让压抑的情感得到释放，进而关注社会、直面人生、表达心境，实现艺术与人生的双重飞跃。

4.现当代美术课程有利于促进高校美术教师专业素养的提升

给别人一碗水，自己要有一桶水。高校美术教师具有艺术工作者和教育工作者的双重身份，必须具有丰富的知识和超前的视野。长期以来美术学专业课程体系中现当代美术课程的缺失，导致一些地方高校的美术教师思想观念陈旧，艺术视野褊狭，创作取向单一，创新能力不足，制约了高等美术教育的可持续发展。现当代美术课程的开设可以促使地方院校的美术教师不断更新艺术观念，拓展学术视野，紧跟时展的步伐。教师在教学工作中要做到因材施教，授人以渔，结合每位学生的不同特点给予相应的指导，帮助他们尽快找到符合自身特色的艺术创作之路；而不可在自己褊狭的艺术观念中作茧自缚，同时也束缚了学生的创造力和表现力。现当代美术的认识和理解需要不断提高综合文化素质，目前高等教育艺术师资的最大问题是文化修养与专业技能不相匹配，注重专业技能的训练，而忽视文化素质的提高。现代美术教育不仅要求教师具有很强的实践能力，还应具备相应的学术研究能力，不仅要掌握传统美术的表现方式，还要熟知现当代美术的呈现形态。现当代美术呈现多元视角和复合形态，其更加注重艺术表现的观念性和实验性，是多种文化艺术元素的融合和嫁接。阐释和解读现当代美术作品需要大量的知识储备，这在客观上对高校美术教师文化素质和专业水平的不断提升提出了要求。

二、结语

总之，随着我国高等美术教育改革的不断深入，无论是师范院校的美术学专业还是艺术院校的美术学专业，开设现当代美术课程都是非常必要的，也是迫在眉睫的。现当代美术课程的开设既可以为学生构建系统、完善的美术学知识体系，又可以促进美术学专业学生的艺术创新与专业发展，让高等美术教育与时展相同步。根据地方高校美术学专业课程设置的实际情况，可以采取不同的方式和途径将现当代美术课程资源融入课程建设，让学生对自身所处时代的美术现状有深入的认识和把握，从而为学生的专业发展奠定良好的基础。这对于基础美术教育和高等美术教育来说都具有至关重要的现实意义。

当代美术论文篇3

众所周知，由于现代科技的强力冲击，当代美术教育理念及方式的发展方向发生了改变，以视觉文化的审美趣味性和创造性为主题的美术教育正在兴起。亦正是现代科学技术的影响，美术教育的体制必然会出现相应变化。我国的教育纲要明确指出：“美育对于培养学生健康的审美观念和审美能力，陶冶高尚的道德情操，培养全面发展的人才具有重要作用。”美术教育是美育的主要阵地。在当代中国艺术教育体系中，我们对美术教育的诠释更加科学，如教育概念的界定范畴不仅包含技能上的培训，还需着重强调“视觉美术教育”或者“视觉文化教育”的价值和意义。如今美术教育的空间范畴大而广，它包含了各种与视觉有关的艺术作品、艺术现象和视觉图像等方面，也包含了传统的绘画和雕塑以及工艺等方面的知识与技能。当代的美术教育实际上指的是视觉艺术教育，特别是现代科技对传统美术教育的冲击和影响表现的尤为突出。首先，现代科技的发展，特别是电脑美术的产生，对传统艺术具有较大的冲击和影响。对于当代美术教育的工作者而言，更加需要以开阔的视野和发展的眼光，建立起艺术创造力的主体性意识。电脑美术是以计算机及其配套设备为主要载体的一种新兴视觉艺术种类，其设计速度比传统美术样式可提高数十倍乃至数百倍。

软件方面，以Photoshop、CorelDraw、AutoCAD、3DSMax为主的绘图软件对传统纸笔颜料美术绘图产生着巨大冲击。每一种电脑制图软件的推出都显示出了微电子科技巨大的数字化魅力，而传统的美术表现技法，如油画、国画、版画、水彩画、素描、水粉，必然受到数字虚拟界面的影响，而审美大众甚至美术教育的主体意识也将发生革命性的变化。其次，摄影技术的诞生，使得对生产生活以至于传统绘画存在的必要性发生了问题。在很大程度上，我们似乎很难分清楚现代科技与视觉艺术教育之间的关系，而作为两种对世界不同的掌握方式，必然有着各自内在不同的规定性。一般来说，现代科技是理性的思维方式，它往往诉诸概念、原理，强调逻辑性、前沿性，需要主观符合于客观，追求真理，是人们对自然规律、社会规律知识性的给予；美术教育是一种感性思维方式，它以审美体验为基础，诉诸形象，强调主体的感受、体悟等形而上的精神表达，要求客观见之于主观，追求审美，给予人们的是审美和情感的积极愉悦。虽然摄影技术的革新层出不穷，使人们的视觉得到了前所未有的开阔。然而，随着审美意趣在客观再现的追求中发生异变，促使现代艺术走向内质与抽象的表达。如今，高科技数字媒体技术的影像时代已经来临，如何处理其与传统美术图像的表现关系，值得考虑。现代美术教育系统已经充分利用数字媒体技术来处理传统图像学知识和技法，这将给予传统美术教育以巨大冲击。因此，美术教育这种特殊性的内在特质，决定了现代美术教育中建立起主体意识的必要性，尤其是对于现代科技影响下的当代高校美术教育来说显得相当重要。

二、现代科技对当代大学美术教育的启示

如今人类社会已经迈入知识资源共享与信息网络化的境域，现代科学技术对美术教育的创新和变革起到了重大的推动作用。美术教育工作者通过现代信息获取技术，可以同步掌握不同民族不同地域不同时代的教育资源。现代美术教育的创新离不开信息的支撑，无论是现代艺术的教育性质，还是技术手段的全新应用。这对于国内外美术流派与思潮信息的把握更是至关重要，而这些信息来源的途径主要是数字媒体。当今科学技术发展的特点是突然与迅猛，它在不断发生裂变的同时，也在逐步改变着人类的物质文化生活和精神文化生活。譬如，视觉传达教育在二十多年的发展过程中，不断的变换角色。这些主要体现在两方面：一是美术教育视觉传达数字机能的引入和传统的教育方式相结合。二是快速的科技发展给视觉传达教育注入新的活力，互联网及计算机技术所带来的视觉语言，反映了全球化对中国现代视觉设计的影响。我们在很短时间内逐步与国际接轨，“读图时代”的到来，网络、电视和印刷品等“国际化”的特征更加明显，这些都归于西方视觉设计教育的影响。同时，具有传统文化特征的中国化设计特征逐渐显露。现代科技促使视觉传达艺术形式更加完美，而中国传统文化及图形融入到“国际化”的视觉语言中，显示了其不断的融合与交汇的发展趋势。由此可见，科学技术几乎以登峰造极式的神奇方式，给人们的各个生活的空间领域带来革命性的的变化，使人类几千来年的梦想在这里变成现实，变成了一个肯定现实生活和对未来幸福生活充满憧憬的时代。

当代美术论文篇4

记得当年我的硕士研究生论文是关于贡布里希的《艺术与幻觉》中的视觉艺术心理学理论的研究，基于我对他这本书的翻译出版。当时同年级的谢成林、陈聿东和我三个人一起答辩，本系老师四五人，院外专家两人，记得好像是北大和故宫的教授、专家，因为谢、陈的专业是中国画史和书画鉴定。审议的细节已经没有印象，但是似乎比较顺利，没有提出难于回答的问题，所以三人顺利通过。

美国的博士论文答辩则是过五关斩六将之后的“最后的晚餐”。前面三四年是修学分，修一百到一百五十分不等，而且多是“半工半读”，因为很少自己掏钱读这种文科博士的，基本都拿奖学金，但需要工作（医科博士则从来没有奖学金，全部自己掏钱）。学分修完后的一年是资格考试（qualify），当时我们学校实行季度学期制，秋冬春夏四个学期，每学期考一门，学期开始时老师开一个书单，自己去读，期末就根据这些书考，没有知识类的题目，而是观念性很强的论述题，每次考三个小时。四门课的考试过了，才有资格做论文“开题”。开题是和导师一起讨论完成，短则一个学期，长则两三个学期。题开好了，在系里作公开演讲（Colloquium ），导师、系里的各领域的教授、研究生们都在座，大家提问题，演讲者需要回答各种问题，题目、研究范围、材料来源、研究方法、专业准备等等，五花八门。幸运者经过两小时左右的“记者招待会”式的“穷追猛打”，能通过都早已是“遍体鳞伤”，因为大家会指出很多问题，提供很多意见，一点不含糊。接下来的你被称为ABD （all but dissertation），意思是万事俱备，只欠论文。做论文则可长可短，短则三年，长则五六年，端看导师脸色，以及你自己的实力。期间与导师的拉锯战是最折磨人的阶段，其间的酸甜苦辣，一如寒冬饮水，冷暖自知。

直到所有这些关卡都被你一一征服以后，你的论文终于大功告成，这才有三堂会审般的答辩。和国内不同的是，答辩不是一组学生，而是答辩委员会针对一个学生，时长为三个小时。答辩委员会由导师、论文第二读者（本系教授）、第三读者（外校教授）组成，再加上一位由研究生院指定的外系教授（我记得参加我答辩的是一位英语系教授）。先是学生用半小时配合PPT讲解论文提要，然后就是各位老师提问。印象中总体而言严肃认真，但气氛也并不僵硬。导师先前说了，如果你把研究进行得很细致，不可能有什么问题能够难倒你的，因为教授们学有专攻，在你做论文的领域和方向，你一定是权威，教授们很难刚刚好对你的论题非常了解并且有独到见地，所以只要你脑子清醒，仔细应对，应该是可以通过的。后来的事实也证明了此言不虚。

2012年，应天津美院美术史系邀请，我参加系里的硕士研究生答辩，这回我坐到了“答辩委员会”的席位。系里一周前把同学的论文给我，去年是六位，今年更多，八位。读完十四位同学的硕士论文，说实话，感想挺多。

首先，选题大为宽泛。1980年代的中央美院美术史系，基本上就是中西美术史和美术理论这几个领域，而我参加的这两年之中天津美院美术史系的论文选题从中国当代美术、艺术经纪人、民营美术馆、天津地方艺术史、中日美术交流史，到西方美术史、艺术哲学与现当代艺术、艺术史书写，不一而足（还不包括我没有参加的以中国画研究为主的另一组）。这说明今天的美术史教育和学习，已经不再限于纯美术史论，实践类的课题尤其是和艺术管理专业相关的课题进入了一些学生的兴趣范围，这无疑是所谓的“与时俱进”。

其次，学生水平差距较大。人分三六九等，如果从水平而不是从阶级划分的话，这句话放在哪里都没错。只是，我所读过的这些论文，最好的就和一篇精彩的博士论文没有什么区别，题目新颖有时代感，篇幅很长像一本书稿，结构严密丝丝入扣层层推进，理论上有洞察力，作品分析条理清晰令人信服，从论据到论点最后到结论水到渠成。而有的论文则连基本的中文表述都出现问题，不是时不时蹦出几个错别字，就是句法、语法有问题，要么就是句与句或段落与段落之间逻辑关系松散乃至跳跃。而去年和今年的几篇论文共享的一个问题就是，口语化，感想化，换句话说，学生写论文有点像在一个讨论会上发言，口语多不说，而且经常发表没有学理的感慨、感想。这种感慨或感想，作者自己讲出来可能觉得天经地义，可是读者只能从文字的逻辑来理解，而不可能从文字“读心”，于是往往不知所云，或者因其逻辑付诸阙如而不得要领。

其三，阅读学生论文，对每个老师而言，其实都是个学习过程，因为没有哪个老师对学生的研究项目了如指掌的，充其量略知一二。这是因为学生钻研一个课题，需要深入进去，尽管你学富五车，但绝没有人家一篇论文研究得那么深入，更不用说对你不太熟悉的领域，说是门外汉都不夸张。这次有个学生写关于拉康的“凝视”理论，就很让我长见识。我在写关于后殖民主义的文章的时候，曾经接触过一点关于“凝视”的概念，但只是皮毛。但是学生的这篇论文，从拉康的十分晦涩的观念，到传统架上画中的凝视，现代主义、后现代主义乃至中国当代艺术中的凝视，有理论，有分析运用，十分受用。另一个同学研究民营美术馆，绝对有现实意义，高名潞先生对本世纪头十年美术界的界定就是“美术馆时代”，指的就是公立美术馆的转型，民营美术馆的崛起，以及画廊发展的此伏彼起。这位同学讨论了民营美术馆的现状、问题，找了三家民营美术馆做个案研究，最后展望了未来民营美术馆的可行性发展。所以如果要书写本世纪当代美术的历史，美术馆是个大话题，这位同学的论文可以作为重要的研究资源（图5）。但是话说回来，阅读论文并不总是愉快的经历，有时候见到不忍卒读的文字、段落、篇章，其实是很生气的。毕竟一个硕士毕业生，假如连中文基本功都有问题的话，将来又怎样去当编辑、老师、策展人、批评家、乃至经纪人呢？这是颇让我忧心忡忡的地方。于是，我会仔细的用红笔将错误的地方划出来，像一个编辑一样细细修改一些篇章，然后在答辩的时候把主要的问题指出来，把带有眉批的论文发还给学生，让他们回去仔细读，毕竟答辩不仅仅是通过论文好毕业，更是一种学习过程。未料此举竟得到了系里几个老师的好评，说很少有老师把事情做得如此细致认真的。我想，可能一方面我的工作不像他们多，另一方面我在美国看论文就是这样看的，已经成了习惯的工作方式（图6）。

第四，论文写作有没有价值取向，需不需要有价值判断？这是个严肃的但是似乎没有引起人们足够重视的问题。去年的答辩中有个同学研究当代一位体制内的油画家，花了很多时间研究他的生平、历史，总结出他的一个重要的性格特质就是“坚持”，具体而言就是画了几十年的主流意识形态的题材，直到今天当代艺术已经经过了三十年的发展之后，这种“坚持”还在继续。我的评论是，“坚持”作为一个抽象概念似乎是正面的，问题是你坚持什么：为了一个有价值的事情坚持，值得肯定；而为了一件没有价值甚至只有负面价值的事情坚持，轻点说是刚愎，重点说是浪费人生，糟践社会。而一个研究生花了大量的时间研究这样一个个案，而且认同而不是批判个案对象的价值观，这就有问题了。当然，这件事情本身就是一个特别的个案，但是真的值得我们的艺术研究者思考。

第五，论文写作和答辩的技术性问题。技术性的细节不可忽视，而且是可以在学习期间就努力学习提升的。比如，我看了相当比例的论文在“鸣谢”部分，很少感谢具体的某个人，感谢大家，感谢朋友，甚至感谢父母，但是就是没有提名字，而且缺乏具体的事实。如果读过一些西文著作的同学应该会注意到，作者会感谢那些对他写作乃至人生有帮助的人，而且有名有姓，有具体的“贡献”事实，诚意十足。另外，简述论文概要部分，有不少同学就是念稿子，而且时间把握不好。在美国读书从中学开始，学生会经常需要用PPT演讲。在我的课程中，学生会在期末提交课程论文以后，做一个论文演讲（ presentation），5-8分钟。我会让学生事先在同学面前练一下，知道5-8分钟能讲多少内容，而且需要把内容背下来。经过这样的训练，一般上台演讲，时间掌握大多八九不离十，不怯场，而且很少有照稿念的。我们的同学也需要这样的训练。

当代美术论文篇5

一

自上世纪七十年代末以来，中国当代美术在三十年的发展进程中，经历了戏剧性的变化。其中最重要的是“西化”，即主动接受西方艺术文化的影响，追求西方艺术文化的审美观和价值观。在本课题研究中，所谓“西方艺术文化”，指西方现当代美术、美术理论及文化哲学思想。今天，无论自觉与否，中国当代美术的西化目的都非常明确，这就是要让曾经落伍的中国美术成为西方文化全球化的一部分，实现“与国际接轨”的愿望。无庸置疑，这个愿望是中国当代美术的一大主流，然而我们细心观察却会发现，这浩荡的主流只是表象，在表象之下，中国当代美术还暗含着汹涌的潜流，这就是中国当代美术对西方艺术文化的“招降”。作为面对西方影响的一种应变策略，“招降”是隐蔽进行的。

在二十世纪后期，随着后殖民理论在西方文化界兴起并得势，西方文化的全球性扩张便更加注重“本土化”策略。实际上，数百年前基督教进入中国时，便已讲究本土化策略，例如将耶稣画成中国人，让圣经人物穿上中国民间服装。今日西方艺术文化的本土化策略，注重理论、概念和术语的强势冲击，更注重思维方式的强势冲击，用以替代往日的中国方式。这样的策略使西方艺术文化得以在中国站稳脚跟，并扮演榜样的脚色，成为中国当代美术效法的样板，从而将中国当代美术，纳入西方艺术文化的势力范围。

在这强势主流之下，作为中国当代美术之潜流的招降策略，是以同化或归化的方式来利用西方艺术文化，使之归顺于中国，并服务于中国当代艺术文化。尽管有艺术家和理论家高举反西方的旗帜，官方职能部门也高调表示只可借鉴西方，但中国当代美术毕竟弱于西方强势文化，所以不得不进行隐蔽招降。表面看，中国的招降策略与西方主导的全球化政策背道而驰，进一步细看，二者却殊途同归。西方的本土化策略和中国的招降策略相互利用、彼此同化，终为一体。

这种情况不是没有先例。自从日本在第二次世界大战中战败后，日本政府和民间便获得了共识：将自己的命运同美国绑在一起，不仅使美国不能再次打击自己，而且还要使美国成为自己的保护人。在21世纪初，中国对这一策略有所理解，也曾尝试这一策略，但因苏联解体和冷战结束，国际地缘政治发生了巨大变化，西方世界不再需要中国。由于在政治层面中国不被西方接纳，于是，中国便力图在经济层面进入西方世界，并获得了有限成功。然而在文化层面，中国却面对了西方强势文化的压力。为此，在中国当代美术领域里对西方艺术文化进行招降，便成为一种可行的应变策略。这一策略配合了振兴国学的文化政策，使中国当代美术呈现出西化与国粹并举的复杂甚至矛盾的现象。

看清这一现象的实质，是理解中国当代美术的要义。

二

西方艺术文化的强势影响和中国当代美术之隐蔽的招降策略为什么会发生、它有怎样的过程和特征，具有怎样的文化意义、对中国当代美术甚至当代文化及其未来，会有什么作用，例如，会怎样制约、引导和推动中国当代美术的发展？

为探讨这些问题，本系列论文将宽泛的“西方艺术文化”概念，聚焦为西方当代视觉艺术图像和图像理论，并以此为切入点，在视觉文化研究的语境中，考察西方艺术文化对中国当代美术的影响，以及中国当代美术对西方影响的回应，尤其是对西方图像理论的误读。

误读的产生，通常是由于文化传统、意识形态、思维方式的差异，这是一种不自觉的误读。但是，在理论自觉的今天，误读也可能有意而为，目的是为了招降西方当代艺术理论。

当代美术论文篇6

中国百家金陵画展是由中国美术家协会、中共江苏省委宣传部、江苏省文化厅、江苏省文学艺术界联合会共同创立的当代中国美术品牌，自2005年创办以来，已成功举办了八届。画展以中国画、油画为展览画种，单年展出中国画100幅，双年展出油画100幅，至今，共展出精品画作800幅，体现了当代中国美术创作的风格和水平。通过八年的精心打造和不懈努力，中国百家金陵画展以其明确的发展定位和突出的品牌效应，以其高质量的艺术水准和最广泛的创作群体，在国内外绘画艺术领域产生了广泛影响，获得了一致认可，逐渐成为中国现实主义美术精品创作和理论探讨的权威基地，成为名家艺术展示和美术人才推介的优质平台，成为一个充分体现时代特征、地域特点和部级学术水准的文化符号。

浓郁的地方特色 中国百家金陵画展从创立伊始，就确定江苏南京为固定展览地。江苏是文化大省，历史悠远，底蕴深厚。作为中国的书画重镇，历代美术名家辈出，流派纷呈，有着源远流长的现实主义传统。特别是近百年来，众多彪炳史册的艺术大师在这片土地上孕育而出、应运而生，为近现代中国美术事业做出了不可磨灭的贡献，也为江苏艺术的繁荣与发展提供了雄厚的人文支撑。江苏人民对于现实主义艺术作品的鉴赏、收藏也有着悠久的传统和浓厚的兴趣，在欣赏品位和审美取向上有着深刻的见解和独到的眼光，为现实主义美术作品的创作和发展奠定了良好的基础，既赋予了中国百家金陵画展浓郁的地域文化特质，又有力提升和展示了江苏文化非凡的魅力。2013年，中国百家金陵画展打破了以往国画、油画2年轮展的格局，首次将主流画种之一的版画纳入其中。江苏是中国传统版画的发祥地之一，成熟于江苏的水印版画是中国传统美术的精髓。当代江苏版画界更是名家荟萃、人才辈出，新创的版画作品姹紫嫣红。版画的加入，进一步凸现了江苏美术的优势和特长，壮大了画展的实力。

鲜明的艺术主张 中国百家金陵画展始终高扬现实主义艺术精神，并将这一精神具体阐述为：贴近时代，感悟生活、关注民生、关爱自然、追求真善美相统一的审美理想，满足当代大众的审美需求。画展呈现以下三个特点：一是体现主题性。每年度的画展，都会提出一个切近社会现实，体现时代特征的艺术命题，如“数风流人物”、“现实·超越”、“江山多娇”、“时代风采”等，提倡艺术家以高度的社会责任感和对时代、生活敏锐的洞察力，选取历史与社会变革中关系民众命运的重要人物和重要事件作为描绘题材，坚持艺术与时代和人民同行，推动“熔铸中国气派、塑造国家形象”的主旋律美术创作，对当代美术的思想内涵、审美取向起着积极的引领作用。二是彰显人文性。倡导艺术家用绘画形式关注天地自然、社会万象、时代风尚、民生百态，特别是对社会“弱势群体”及普通小人物生活和命运的描绘。近年来，画展中涌现出一大批以普通工人、农民工、城市贫民、山区儿童等为题材的作品，表现他们艰辛的生存状况、乐观的生活态度、豪迈的创业精神和坚韧的性格品质。作品中融入了作者对广大劳动人民炽热的情感和深切的人文关怀，故而带来很强的艺术感染力。三是追求多样性。画展以“人民懂、人民爱、画人民”为宗旨，一方面要求艺术家以真实的感情与写实的手法表现广阔的现实生活；另一方面，在坚持现实主义的前提下，允许多种艺术语言的存在。在题材分类方面，人物、山水、花鸟、风景、静物均可；在表达方式方面，现代、古典、写实、象征并存，使画展在真实反映人民生活的同时不失去艺术的本真，创作出一批既有思想深度又有艺术高度的精美之作。在当下美术创作的评判标准和价值体系越来越纷繁芜杂、艺术创作心态普遍浮躁的大背景下，中国百家金陵画展旗帜鲜明地提出立足现实，守望传统，反对虚浮，拒绝喧嚣的艺术主张，对于矫正时弊，引领正确的创作导向无疑具有十分重要的现实意义。

完善的推介机制 中国百家金陵画展作为一个不同凡响的全国性艺术奖项，在组织、评选、推介、激励等方面建立了一套完善的机制。一是最公正的评选原则。成立专门的画展评审委员会，选取在当代画坛有着广泛影响力和认可度的德艺双馨的艺术家担任评委，进行严肃公正的评选。对于参选作品，不拘流派，不限风格；对于参选作者，不重名声重水准，不重资历重实力，一切以画作的水平论高低。评选过程公正透明，并在网络上用实名投票的方式，广泛动员大众参与，真正评选出专家认可、同行敬服、群众喜爱的优秀作品来。二是最广泛的参与群体。利用各类美术专业杂志、报纸、网络媒体刊登征稿启事，将重点发动和普遍参与相结合，投稿作品数量从第一届的2000余件到第八届的接近5000件，影响力和覆盖面日益扩大。画展的参与对象，几乎包括了从地方到部队的全国重点省份和重点美术单位，既有老一辈久负盛名的画坛名家，又有年富力强的中坚新锐，一大批青年画家和学者在中国百家金陵画展这个平台上崭露头角，标志着中国画坛新生力量的崛起。三是最大限度的激励机制。给予画展入选作品在申请加入中国美协时具备等同参加一次全国性大展的资格。每年从入展的100幅作品中评选出10幅金奖作品，由江苏省美术馆予以收藏。表彰奖励在画展中获奖的作者和单位，对于金奖获奖者的奖励，中国画每幅作品10万元，油画每幅作品13万元，奖金数额位居全国同类美术展赛前列，同时对组织工作做得好的各省市美协等单位也分别给予3万元的奖励，从而充分调动了广大美术工作者的创作和参与热情。四是最负责任的推介平台。建立了“中国百家金陵画展”网络媒体平台，所有关于画展的作品、作者、活动资料都可以在网络平台上查询。对获奖作者和作品实行跟踪式关注，不仅组织获奖作品晋京展出，还投入更多的精力，在法国卢浮宫和英国伦敦举办获奖作品的专展，将中国当代美术的优秀成果高平台地呈现在世界面前。近年来，在通过活动引进人才的同时，还尝试将“展览推人才”与“市场推人才”有效结合起来，委托江苏省文化艺术发展基金会对画展入选作品进行收藏。应用市场竞拍机制，试行市场运作，进一步增强画展成果的推介力度，获得社会与经济的双重效果。

高端的学术品位 注重理论研讨与创作实践并进是中国百家金陵画展的一个突出特点。画展从策划、发动到评选的每一个环节，都会邀请全国一流的画家和美术理论家参与，确保画展的学术品位与展览水准。将高层论坛和名家讲坛列为画展的重要组成部分，为创作构筑坚实的理论依托。高层论坛紧紧围绕年度画展主题和内容，确定理论研讨方向，一方面面向全国广泛征稿，经过严格评审，评选出优秀论文若干；另一方面邀请全国各地著名美术理论家对评出的100件作品进行观摩并撰写画展研究的专题评论，继而编辑出版了《中国百家金陵画展论文集》。2011年，中国百家金陵画展举办了中外学者高峰论坛，这是画展自创办以来首次举办国际性学术交流会议，共收到国内外著名理论家提交的31篇学术论文，就诸多中国当代美术热点议题展开深入研讨和交流，丰富了中国百家金陵画展的学术内涵，提升了画展的理论水平。同时，每年画展还依托省内各大高校的学术资源。举办江苏文艺·名家讲坛；邀请10位在美术理论界有影响的批评家分别对10幅金奖作品进行客观而有针对性的评点，弘扬正确的美术批评之风，推动艺术品更加贴近观众。至今，中国百家金陵画展共编辑出版理论论文集5册，入选论文200余篇，展示了江苏美术理论的强劲实力，真正将画展打造成为一个集作品展览、理论研讨、艺术推广等为一体的艺术之窗和权威论坛。

当代美术论文篇7

作者：杨冰莹 张舒

易英认为，当今艺术批评在某种程度上可以成为一种舆论效应，无论推崇或抨击，对艺术家来说都不失为一种赢得声望的手段。因此，专业批评家需谨思慎言。中央美院学报《美术研究》执行主编殷双喜教授有感于邵亮关于“未来”的发言，结合20世纪中后期“终结论”盛行的现象，呼吁艺术学院的工作者要时刻保持危机意识和对艺术发展的前瞻性目光。南京艺术学院《美术学学刊》丁亚雷副教授则回应了邵亮关于此次年会论文集新形式的阐述，根据南京艺术学院学报新出现的一种CSCI遴选形式，提出了利用网络平台等条件来提高学报质量的想法。在当天下午的讨论中，殷双喜提出了三点建议，第一，为扩展研讨会的视角，与会人员不当仅限于编者，而应鼓励作者、读者积极参与进来，围绕固定的主题集中讨论；第二，学报论文集在收录优秀论文的过程中，应尽量避免本单位推荐本单位工作人员的文章；第三，推荐论文时应注明责任编辑，强调责任编辑的作用。殷双喜教授同样强调编辑提高自身学术修养的重要性，这就意味着“做学报的不一定是专家，但必须是杂家”，才能避免美术学报视角的单一性，从而达到辅助艺术教育、配合美术史研究的目的。在谈及当代美术教育状况时，他指出目前艺术高校正面临着传统向当代的转型，学报要及时反映这种动向，同时在政治话语与市场资本的双重压力下保持自己的学术立场。上海大学美术学院的王洪义教授的发言“从当代艺术角度看美术学院的局限性与可能性”，归纳了当代艺术的四个特点：思想性大于技术性，形式和美的削弱，艺术的边界模糊，电子技术被强化。他指出了处于其中的美术学院本身存在的各种问题，具体体现在：科学技术的欠缺、学生人文素质偏低、行政体制阻碍当代艺术的发展。

对于学院在当代艺术中的可能性，他认为一部分当代艺术是可以进入学院，被学院吸收的，如一些高校已经设立了新媒体、装置、实验艺术等专业；其次是培养多方面的人才，不拘泥于传统的技法及材料，尝试跨专业、多媒体的创作，如此才有可能产生出对当代艺术有所贡献的优秀艺术家。在艺术教育的问题上，广西艺术学院《艺术探索》主编李普文教授认为当代艺术教育既要保持传统学科的优势，又要引入先进的现代科技和前卫的思想观念。内蒙古大学艺术学院学报编辑贾玉宁同样主张折衷主义的艺术教育改革方式，他以“艺术与科技融合背景下的艺术教育探析”为题，提倡传统美术教育与新技术相融合，并指出当代技术发展对传统学院教育提出的更高要求：多元化背景下艺术教育创新势在必行；传统美术教育与新技术融合对美术人才有了新的要求；学院应培养复合型美术人才。贾玉宁的发言，反映了传统艺术向大美术转变的趋势。天津美院的喻建十老师，从教学管理层面对学院教育进行了讨论，他以教学管理者的身份，表达了自己对学院教育在当下担任何种角色的思考，将学院的评卷标准放在当代艺术发展的背景下进行质疑，同时也对学院扩大招生而导致学生素质下降表示担心。在探讨如何解决传统艺术教育所面临的困境时，他指出东西方社会环境与历史传统截然不同，不可一味以西方为标本，各个美院应建立自己的区域特色。这不仅仅是管理体制的问题，更是一个复杂的文化问题。最后发言的是中国艺术研究院《美术观察》编辑祝帅。他首先介绍了《美术观察》的“热点”栏目并提出了“十年美术教育反思”这一议题，他将2001年以来美术教育的特点归纳为“后扩招时代”、“文艺复兴”、“专业化”、“学科升级”四个关键词。“后扩招时代”为艺术教育事业带来了表面的繁荣，但也导致了生源质量下降等问题，所以“后扩招时代”的当务之急是促使招生数量到质量的转向。接着，祝帅根据当前设计行业饱和、纯艺术市场走俏的状况，提出了“文艺复兴”，用于阐释传统的架上艺术并未被新兴的创意产业所取代。第三个关键词“专业化”针对的是综合性大学纷纷设立专门的艺术学院而忽略了艺术的大众教育问题。第四个关键词“学科升级”则表达了他对学科升级后的学科建设和人才储备是否随之“升级”的质疑。代表发言结束后，会议进入自由讨论和学生提问阶段。围绕着纯艺术的发展前景和交叉学科在艺术史研究中的作用等话题，与会代表和天津美院的研究生们展开热烈讨论。殷双喜指出国际双年展与国内艺术展览中架上艺术所占比重的巨大差距，前卫的装置艺术在第三世界进行推广的困难，但同时也肯定了国内当代艺术的新进展。易英则就交叉学科如何应用这一问题给予了回应，他首先指出美术史写作方法大致分为审美主义和结构主义两种，前者多注重形式、风格和鉴赏层面的分析；而后者则从艺术作品所产生的多角度背景出发，借助多学科进行阐释，因此艺术作品的阐释需要借助其他相关资源和学科知识。

但正如殷双喜所担忧的，跨学科方法的运用能开辟艺术史研究的新视野，但也要注意避免由此可能导致的美术史的泛化。丁亚雷副教授则认为美术史并不存在所谓的交叉学科问题，因为美术史学科自其建立以来就具有开放性，美术史写作本身就需要借助文学、诗歌、信件、传记、哲学、历史文献等多方面的材料，所以并不用担心其他学科“喧宾夺主”。在新的艺术形态层出不穷，现代科技日新月异的今天，传统艺术教育和艺术史研究该何去何从，是每一位与会者乃至整个艺术教育界该深入思考的问题。因此，在传统学院教育向当代转型的特殊时期，本次会议不仅是各个高校学报的一次深入交流，更是对全国艺术教育及学报同仁的一次提醒和启迪，它昭示着新观念与新思想的到来，同时也倡导作为各大院校艺术动态风向标的美术学报，要保持前瞻性的目光和学术的高度，引领艺术教育与艺术研究进入新的时代。

当代美术论文篇8

【关键词】科研 和谐 素质

【中图分类号】G451 【文献标识码】A 【文章编号】1006-5962（2012）12（a）-0223-01

美术教育处于艺术和教育的交缘领域，既有艺术属性，又有科学的内涵。既是一门课程，又是一门学科，所以作为现代美术教师，在搞好教育教学的前提下，必须具备拓展科研的能力。美术教师要体现科研能力，形式是多样的，可以从艺术创作和科研论文撰写上体现，也可以是艺术实践，或体现在所教学生的艺术成就上。

1 展科研能力

在现代教育的运转机制中，教学和科研是两项密不可分的基本任务。在教学活动中，美术教师的科研范畴主要有绘画艺术、论文撰写和美术教育等领域。

①绘画艺术：绘画作品的创作过程是作者的一种活跃的、丰富的、深刻的内心活动，它伴随着强烈的情感情绪，是作者对于生活的感受、观察和思考。而最后产生的绘画作品是作者借助一定的物质材料和艺术媒介，运用艺术技巧和艺术手法，将自己的艺术构思物态化。美术教师经常进行这样的艺术活动，这样可以真正体现他的专业水平，而我们应提倡美术教师结合自己的艺术实践进行科研。将自己对艺术创作，或艺术实践中的感性体验和艺术创造上升到理性分析层面上进行思考，从而挖掘出有艺术价值的新论点、新课题。构建起从感性体验到理性分析，从形象思维到逻辑思维的完整思维运转网络。

②科研论文：当今社会对美术教育的发展提出了更高更新的要求，和美术教学一样，科研也是教师个人的主体行为。要充分发挥自己的独立思考能力，力求有所创见，论文是一种主要表达方式，所以美术教师应倡导提高论文撰写水平，运用论文这种理论性的文章，在一定的篇幅中，集中探讨某一美术创作或美术教育方面的新问题。

当然，科研论文的创新是以继承为前提的，离不开人类精神文明建设的发展过程。因此，美术教师要撰写出高水平的科研论文，需要博览美术乃至整个文化教育方面的学术信息。要善于学习和借鉴他人的成果，也包括国内外各学科方面的成果。当代最伟大的科学家爱因斯坦就是如此，他喜爱音乐，精通文学，除了大量阅读文学作品外，还经常拉小提琴和弹钢琴，他特别喜欢陀思妥耶夫斯基的小说和贝多芬的音乐作品，爱因斯坦本人曾讲过，在科学领域和艺术领域里对真、善、美的不断追求，照亮了他的生活道路，对艺术的爱好，丰富和培育了他的感知力、想象力和创造力。

由此可见，端正科研态度，全面提高艺术、文化和科研等方面的综合素质，是当前美术教师值得倡导的观念和学风。

2 建先进的教学理念

教师不仅是科学文化知识的传授者，也是塑造新一代的灵魂工程师，教师随时随地都以自身的“身教”和“言传”对学生产生潜移默化的影响，因此，现代美术教师必需努力学习、钻研，不断探索和积累，构建先进的教学理念。首先，作为美术教师要有总的整体的艺术观念，掌握正确的绘画技法，形成正确的艺术观念，尽可能多地了解各种风格的作品。其次，要有良好的视觉感官，美术教学是通过视觉来进行的，教师评判学生的作业也是靠视觉感官去把关的，美术教师借助敏锐和有经验的视觉去准确指导学生创作中的构思构图、色感色调、表达方式、材料表现及技能技巧等，及时对学生的作品创作作出调整指导。运用有效的训练手段解决学生可能遇到的众多难题，更重要的是美术教师必须具有全面的文化基础修养和相关的科学知识，能使科研与美术教学相互依存、相互促进。

从人类文化史来看，艺术与科学之间早有联系，早在公元前6世纪，古希腊的毕达哥拉斯学派就提出了“美是和谐”的思想，毕达哥拉斯学派把教与和谐的原则当作宇宙间万事万物的根源，提出了“黄金分割”的理论，并将这些原则运用到建筑、雕刻、绘画、音乐等各门艺术中去。科学与艺术之间的这种密切关系，自古希腊开始以来，在文艺复兴时期达到了高峰。例如，达·芬奇既是艺术家，又是科学家和工程师，他在解剖学、植物学、光学、力学、工程机械等科学领域都有巨大成就。达·芬奇把几何学、透视学的原理运用到绘画艺术中。这些例子充分表明，现代美术教师，除了将自然科学的成果直接运用到艺术教学领域之外，更重要的是用科学的思维方法来促进艺术文化改变先进的教学理念，推动艺术教学的发展。

3 立和诣的师生关系

传统教育中的师生关系有两个突出特征：即信息传递方式的单向性和人格的不平等性，长期以来，知识一直是由教师传授给学生的，从而形成了严格的教师关系。同时，中国文化一直传颂“师道尊严——朝为师，终生为父”的古训，在这种情况下，通常把教育者看成是施教的主体，而教育对象则被看作是被动的客体。这种传统的知识灌输型的教育方式不仅扼杀了学生的创造性，也扭曲了他们的人格，根本谈不上学生的个性自由，而学美术者恰恰需要的是创造性能力。所以在教学中应尊重学生，承认他们是有思想、有情感、有个人意识的与教师同等的个体，没有高低、强弱之分。教师和学生都是教学活动中的主体，学生是学的主体。威廉姆’多尔（W.DOLL）对教师的界定是“平等首席”。是教育活动的组织者和指导者。而学生作为独立主体，是教学活动的参与者、实践者、思考者、创造者。健康和谐的师生关系意味着教师的职能不仅仅。是传授知识，更多的是创造、建构民主、平等的师生交往和生生交往，使学生在人与人的关系中，体验到平等、自由、尊严、信任、理解、宽容、友情。同时受到激励、鞭策、鼓舞、感化、指导和建议，形成积极丰富的人生态度和情感体验。