西方艺术赏析论文范文

西方艺术赏析论文篇1

一、东西方文化差异之表现

自有文明以来，人类经历过不同类型文明之间的碰撞与交流。而在这之中，古老的中华文化与以古希腊文明为源头的欧美文化之间的碰撞与交流则更是为各类学者所注目。首先，尽管一般文化都有大体一致的内容要素和基本结构，但是每一个稳定的文化系统却都有自己不同的侧重点或中心目的。基于此，我们可以认为东西方文化在其基本精神上是有差异的。(本文中东方文化统一以中国文化为例，西方文化则以英美文化概述。)也就是说东西方文化的最大差异首先表现在各自文化精神的核心是不一样的，东方文化以人文传统为核心，而西方文化则以科学精神为核心。根据这一论断我们可以说，中国的文化是对人的反思，而西方文化的科学精神则体现在理性精神、客观态度与求真的执著等方面。其次，中西方不同文化特质也离不开对两种语言系统的比较。美国语言学家萨丕尔、沃尔夫师徒所创立的“萨丕尔—沃尔夫假说”认为，语言不同的人们应该具有相应的不同的思维模式，语言决定了人们的思维，思维不能脱离语言而存在。汉语的妙处就在于“如空中之音，相中之色，水中之月，镜中之像”“羚羊挂角，无迹可求”，有些飘忽不定，而西语则是板上钉钉，一丝不苟。就如同一首小诗《清明》:“清明时节雨纷纷，路上行人欲断魂。借问酒家何处有?牧童遥指杏花村。”在汉语中，有人能将其重新断句变为“清明时节雨，纷纷路上行人。欲断魂。借问酒家何处?有牧童遥指杏花村”。这样一来，意思仍通，但形式上就像词了。流传的关于此诗的英文版大约有七种，然而无一例外都要逐词逐句翻译，就如“断魂”一词，无非只能用“heart”来做文章。无法表现出作者内心的那种惆怅忧郁之情，可见西语之用词着实严谨。再次，中西文化中艺术这一分支也存在着很大的不同。从总体上来说，中国艺术体现出强烈的写意性、程式化和整体感、运动感，追求内容与形式的高度和谐。西方艺术则体现出强烈的写实性、科学性和真实感，在追求内容与形式的和谐的同时，常常也表现出偏重形式的倾向。概括言之，就是中国艺术重于“写意”，而西方艺术则重于“写实”。中国艺术中的“写意”是指以作者的主观表现为出发点的艺术表达方式，也就是以不同的艺术形式描绘客观事物在作者心中的投影，以意统形，亦即东方艺术家所苦苦追求的“意境”之说。而西方艺术则是竭力强调满足视听真实之美，从而更加注重对外在客观世界的捕捉。这种思维方式外向型的特点以及寻求圆满的欲望和认识的阶段性局限之间的矛盾和冲突又使西方艺术在模仿的对象以及模仿的方法和手段上不断发生新的变化，成为西方艺术流派众多、花样翻新的动力。既然要谈到文学鉴赏，那么东西方文化中关于文学方面的差异则不得不提。有研究表明，中国文学与西方文学不仅显示出不同的文化内涵、截然异趣的风格特色，而且在其成长历程中还显示出双向悖逆的不同发展趋向。传统中国文学以抒情为表现中心，重视作者本人的主观情意的表达。而西方古典文学传统则更加关注反映客观现实，借以引导读者认识其自身的生存状态与生活中的真善美。很明显的例子就是从中国历代流传下来的诗歌。从大量诗歌中我们可以看到，大部分诗歌以抒情为主，而叙事文学则少之又少。反之，西方文学中即使是诗歌也离不开叙事，从而形成了源远流长的史诗传统。例如，《荷马史诗》《伊利亚特》和《奥德赛》等。

二、英美文学中东西方鉴赏角度及评价之不同———以卡夫卡、海明威为例

在西方，“文学鉴赏”更多地被称为“文学评论”，尽管在某些微语意上来说“鉴赏”与“评论”是存在着不同的，但是在本文中，将对这两个概念作为一种含义来理解，即在欣赏文学作品的同时运用文学理论对文学现象进行研究、探讨，揭示文学的发展规律，以指导文学创作，并从中获得对文学作品中艺术形象的具体感受和体验，引起思想感情上的强烈反应，得到审美的愉悦和享受。以下，将对读者所熟知的几位作者的作品进行适当剖析，以期发现基于东西方不同文化背景下将对同样的作品予以怎样的鉴赏与评论。卡夫卡是我们都比较熟知的一位有个性的作者，他的《变形记》《城堡》等作品可谓是深入人心。西方评论者关于《城堡》以及卡夫卡其他小说的主题内涵有三种解释:(1)犹太人长期漂泊，试图寻找精神家园;(2)人类寻找上帝;(3)人类追寻真理和人生目的。然而美国作家及文化评论家苏珊?桑塔格指出，关于卡夫卡的三种评论是属于社会分析、宗教分析、心理学分析，这与卡夫卡的艺术全无关联，因为这些评论完全注重卡夫卡小说的内容而不注重艺术本身。相反，再来看我国学者对其鉴赏评论的内容:“卡夫卡的小说思想内容荒诞离奇，艺术形式新颖别致，采用平铺直叙的手法讲述一个内容严肃的故事，形成了独特的艺术特点:象征性、荒诞性、冷漠性、意识流。他善于利用富有实感的形象来反映生活，探求人生哲理，揭示现实世界中的困境。小说结构紧凑，行文简洁流畅，语调平淡冷峻。”由此可以看出，东西方评论者在评论立足点上还是有较大的不同的，西方学者在“写实性”思想指导下更注重剖析作品中的主旨，揭示深层次哲理性通识意义，而东方学者在“写意性”思想指导下则注重个体作品研究，挖掘作品中的艺术特色表现手法等，并且东西方文学评论在用词以及行文逻辑上也是有很大的不同的。美国马克思主义评论家弗雷德里克?詹姆逊曾评论说，海明威小说中的“硬汉崇拜”现象不过是作者本人“个人神话”或“自我戏剧化”的一种象征喻。在一个异己的商业社会之中，硬汉形象是海明威对社会生活中实际矛盾的一种想象性的解决，海明威的小说创作不过是作者本人遏制资本主义社会的一种策略性活动。而中国评论家则认为海明威作品中所塑造的“硬汉形象”坚忍刚毅、勇敢正直，他们的“硬”不仅在于勇于抗争、视死如归，更在于他们忍受苦难的能力以及对待失败的优雅风度。面对战争的噩梦以及荒诞的生存境遇下的失落、迷茫的困扰，抚摸身上的创伤，建立起生存的法则:“一个人并不是生来就给打败的，你尽可以把他消灭掉，可就是打不败他。”这种对待命运的态度，是在特定时代条件下，一个民族的生活哲学体现。同样是一个“硬汉”形象，西方学者从现实出发解读出的是作者个人的理想化，而东方学者则认为是隐喻一个民族的生存哲学。西方文化的核心精神是客观求实，因此，对于作品主旨的升华总是十分慎重，轻易不上升一个层面来进行总结，也就是说严格尊重客观现实;而东方文化的核心精神则是人文精神，注重对人本身的反思，这一反思可以是个体本身，可以上升到群体社会，甚至是全人类都为之适用。这也是中国文化中始终强调的“经世致用”的道理。

三、文化差异在文学鉴赏中的导向作用

20世纪以来，对于文学作品的分析评论中国学者更多地采用了西方的文学理论，究其原因，概说因中国文学理论不成体系。其实按照中国文化传统来看此话不无道理，历览古今的文学评论作品，无论是对中国还是英美文学的评析都是注重单体研究，分析单个作品的艺术特色、思想意义等，注重感性研究，而没有将不同作品的共同点提炼升华。相反，西方评论家在西方理性思维引导的尊重现实的文化传统指导下则根据时代特点着重分析不同作品中的共通性，从而将文学作品划分出古典主义、启蒙主义、浪漫主义、现实主义、象征主义、表现主义、超现实主义、存在主义、荒诞派、魔幻现实主义以及女性主义文学等不同文学流派，且每一流派都有自己独特的文学理论。不但如此，20世纪西方文学评论也有精神分析批评、神话－原型批评、马克思主义批评、女性主义批评、新历史主义批评、文化研究论、后殖民主义批评等理论。可见西方的理论思辨性较之东方是有过之而无不及的。

西方艺术赏析论文篇2

关键词： 西方古典文论 欣赏者心理 激情 理性 非理性

欣赏者的心理活动，是艺术欣赏中居于首位的，也是最重要的问题。人们在欣赏艺术作品时，不像观察一个科学实验或其成果那样冷静、清醒、明白。在艺术欣赏中积极活动的不仅有理智的头脑，还有激荡的心灵，而对美丽的维纳斯，神秘的蒙娜丽莎，优柔寡断的哈姆雷特，不幸的高老头，热情的安娜，人们时而会笑，时而会哭，时而感到忧虑，时而感到愤恨。总之，人们在艺术欣赏过程中经历着各种各样的心境，这里既有清醒的思考，又有模糊的情感。

人的心理现象是很复杂的，它不仅有基于先天生理器官上的情绪活动，还有后天经验基础上的理性思考，加之以个体的人为活动过程的主体，更使对心理现象的考察不易，在考察艺术欣赏情感时，这也是大难题。所以，尽管艺术作品给欣赏者的心理活动界定了一定的范围，我们仍然不能确切把握它的过程轨迹。不独古论家，即便如今，研究者们还多以心理中的情绪活动或理性认识为自己研究的角度，以此出发来解释心理现象。我们也从此出发看看西方古典文论中对欣赏者心理的分析。

柏拉图是古希腊第一个成系统地建立了美学理论的人，他的理论的最大特点是强调艺术无理性，把文艺与理智截然对立起来。创作上他提出神的迷狂说、灵魂轮回说，认为创作是神操纵着艺术家进行的，与其相适应，在艺术欣赏中他也排除一切理性成分，即文艺不表现真理，诗人不模仿人性中的理性成分，而看重容易激动感情和容易变动的性格。因此文艺与欣赏者沟通的只是情感心灵的活动，即一种情绪上的感伤癖和哀怜癖。柏拉图认为，为了满足这种自然倾向的情感活动，诗人就描写别人的痛苦，欣赏者从对别人痛苦的观照中得到，在创作者和欣赏者的对应活动过程中从来没有理性在起作用，活动的主体只是情感。除了情感因素外，柏拉图还提出欣赏中的感染说，他用磁石和铁环之间的吸引来譬喻神、诗人、艺术与欣赏者之间的关系。神就好像磁石，他吸引诗人，诗人创造了艺术，艺术又通过诵诗人和演戏人最后吸引欣赏者。

应当指出的是，作为哲学家的柏拉图是不肯定人的情绪生活的，按照哲学家的通常主张――情绪应受制于理智。柏拉图也是这样认为的，因而他极端贬斥只表现和满足而不表现真理的艺术，他对艺术欣赏心理的分析也是与他对艺术的根本认识相一致的。值得注意的是，谈到艺术欣赏问题，奥古斯丁在这个问题上倒不保守拘泥于统一的法则，而重视活的心灵。他从悲剧欣赏过程中的入手并分析其产生原因，他认为这原因就是欣赏者作为一个旁观者以慈悲为怀对别人的不幸而忧郁。由此得出结论：倘若那些人物没有打动观众，使他们落泪，他们就感到厌恶，批评一通而走开了。但是，倘若被打动而产生激情，他们就留下来专心看戏，因愉快而落泪了。这里产生激情是抓住戏剧欣赏者的关键，如果没有这个效果，戏剧就不能吸引观众。怎样产生激情呢？

18世纪英国浪漫主义诗人屈莱顿认为，朗吉努斯是“亚里士多德以后最伟大的希腊批评家”，主要是从他强调创作的激情出发来谈他对后世的巨大影响的。中世纪神学时期，人们世俗的人间激情受到压抑，教会把上帝看成一切事物的根源，认为七情六欲腐蚀人的心灵，要求人们对上帝绝对虔诚与恭敬，宣扬禁欲主义。奥古斯丁认为文艺激起人的欲望与情感，人们应该远离世俗文艺，虔诚皈依上帝，他在《忏悔录》里就对自己年轻时喜欢荷马史诗表示了极大的忏悔。但这时候同样有像阿伯拉这样的学者与神学文艺观进行斗争，强调文艺应做神学的奴婢，强调情感在文艺创作中的巨大作用，认为文艺最重要的就是有激情，是情感支配人们描写自然，描写世界。他歌颂人们世俗的生活，歌颂人间真挚的爱情，并把自己的创作归因于自己曾经有过的一段真挚的爱情经历，强调文艺是真情的自然流露。

彼得拉克说：“我不想变成上帝，或者居住在永恒中，或者把天地抱在怀里，属于人的那种光荣对我就够了。”莎士比亚说：“国王跟我一样，也是一个人罢了。一朵紫罗兰花，他闻起来跟我闻起来还不是一样。”表现出一种人文主义的精神。人们把个人情感、个人感受、个人欢乐作为文艺的基础和重要内容，强调作家个人的主观才能与激情。从达・芬奇、米开朗基罗、阿里奥斯托等人的创作实践来看他们的作品都是激情四溢的。启蒙主义兴起后，强调用知识理性“照亮”人，强调人的个性解放，更加强调创作中作家个人的主观才能，如康德强调“美的艺术必然要看作出自天才的艺术”，“天才是替艺术定规律的一种才能，是作为艺术家的天生的创造功能”。而且，康德认为只有艺术中才有天才，科学中没有天才，因为科学知识是可以通过学习学到的，而艺术天才是学不来的。在这一时期，人自身自然的、自由的情感得到了强调，比如卢梭提出“返回自然”的口号，认为大自然是人类真正的故乡，只有人回到自然的怀抱，灵魂才能得到净化，情感才能获得自由。

以后，随着浪漫主义创作方法在18世纪末19世纪初的兴起，强调文艺是作家激情的表现更是成为一股世界性的创作思潮，华兹华斯、拜伦、雪莱、济慈、雨果、夏多布里昂、惠特曼、普希金、歌德等一大批浪漫主义的伟大作家相继出现，在英国、法国、俄国、美国、德国等地，浪漫主义都成了那一时期的主要创作方法，文艺表现个人激情成了席卷世界的创作思潮。西方古典时期这种激情天才的传统到19世纪中期以后内涵有了明显的改变，传统的激情变成了一种以非理性为主要特征的个人情感。

参考文献：

［1］伍蠡甫.西方文论选（上卷）［M］.上海：上海译文出版社，1979.

［2］柏拉图著.朱光潜译.文艺对话集［M］.北京：人民文学出版社，1959.

［3］亚里士多德著.陈中梅译.诗学［M］.北京：商务印书馆，1996.

［4］马新国.西方文论史［M］.北京：高等教育出版社，1994.

西方艺术赏析论文篇3

关键词：比较法高中美术教学美术鉴赏

一、比较法概述

1.概念

比较法是根据某一标准，筛选有联系的事物的相同点和不同点，以实现事物的分类。这种方法是一种以直接感知为主的对照方法，可以把握事物的内在联系，并从根本上把握事物的本质特征。比较法是确定事物异同点和联系的思维过程，任何事物都能在相互比较中凸显差异性。借助对比法能让人更加深刻地感受到事物的异同。在美术鉴赏中应用比较法，教师可对不同艺术作品进行比较、分析、理解和评价，从而使学生更进一步地理解作品的内涵。

2.特征

（1）可比性基于对不同作品进行比较，在比较对象的选择中，教师要根据学生的认知范围，选择学生容易理解和接受的作品；同时，要避免为了比较而比较。不同美术作品的可比性建立在提高学生学习效率的基础上，主要目的在于更好地服务教学。（2）经验性在高中美术鉴赏中，学生在生活经历、理解程度和艺术修养方面均有差异，在比较中会重视自己的经验。教师要注意引导，让学生在对比分析中发现自己的不足，并应用科学的比较方法，提高自身的审美水平。（3）超越性美术作品来源于生活又高于生活。美术作品的非孤立性决定了比较法的超越性。在比较中，作品体现出的内涵有可能超过鉴赏本身，也有可能超越时间和空间的限制。通过对一切可比较的艺术现象或者艺术作品的比较，最终能达到鉴赏和理解的目的。

3.教学目标

高中美术鉴赏中应用比较法的教学目标在于：第一，使学生理解比较法在学习中的重要性，同时掌握比较法的具体操作方法；第二，教师要通过介绍、引导，使学生在与教师、其他学生交流、互动的过程中，掌握比较法的应用特征与效果；第三，以反思和总结的方式分析教学中存在的问题，使学生在今后的实践中自主拓展比较法的应用。

二、高中美术鉴赏中比较方法的应用意义

1.提高审美能力

审美能力主要表现在发现、欣赏与表达等方面。美术鉴赏课程可为学生提供视觉与感知层面的教育指导，使学生学会在海量的美术信息中筛选自己需要的素材。在高中美术鉴赏中，比较法是一种能够帮助学生实现美术作品鉴赏的重要方法，应用比较法有利于提高学生的审美能力。如，在素描基础构图讲解中，教师可在课堂教学中为学生展现不同的构图方式，并引导学生进行比较，从中选择出最和谐的构图模式。又如，在美术创作材料与技法的讲解中，教师可通过对比不同的材料与技法所产生的视觉效果，让学生综合分析出一种最适合表现主题或内容的组合。

2.培养创造性思维

艺术欣赏具有创造性，美术鉴赏能够帮助学生提升学习能力，培养创造性思维。高中美术鉴赏课程的受众群体是广大高中生，这一阶段的学生已经初步形成对于事物的分析、判断、想象和推理能力，但是并不完善。通过比较法，学生可以在教师的启发和指导下更独立地思考与发现，并将自主探究得出的结论应用于艺术性创造。比较法能增强学生对于作品风格的感知能力，使他们能更充分地理解作品的主旨。将这种方法融入逻辑思维，不仅能帮助学生进行美术鉴赏，而且能引导学生发现生活中的美。

3.促进个性发展

高中美术鉴赏教学的目的并非是将每一名学生都培养成为艺术家，而在于提高学生的美术鉴赏能力、艺术创造能力以及美的修养。将比较法应用到高中美术鉴赏中，可增强课堂的敏锐性和灵活性，帮助学生更好地体会美术艺术作品与社会、自然、生活之间的联系，感受不同风格、材质、形式的独特艺术性。如，在通过横向比较方法对比、分析中国美术作品与西方世界美术作品时，学生能加深对中国传统艺术文化的理解，同时也能更尊重多元的世界文化，在开阔眼界的同时，表达自我意识，达到求同存异的目标。

三、高中美术鉴赏中比较法的应用方法

1.纵向对比

在不同的历史时期，艺术家对于同一事物的理解会有所不同，因此，在创作过程中，会赋予其不同的含义。在高中美术鉴赏中应用比较法，学生可借助“时间”这一发展标志，运用纵向比较法比较不同时期的同一美术元素的表达方式。如，某地区教师在组织学生进行美术鉴赏的过程中，以鞋子为纵向比较的元素，将不同历史时期画家创作的各类与鞋子相关的艺术作品，以幻灯片的方式展示在学生面前。其中，有我国魏晋时期的丝织履、唐朝时期的锦缎鞋、宋朝高筒靴等。通过纵向对比的方式，学生从鞋子的颜色、绘画技巧和画面构造等方面阐述了不同时期鞋子的不同特征，了解了我国历史文化的发展脉络。这种方式不仅让学生掌握了不同时期鞋子的特征，而且提高了学生的观察能力。

2.横向对比

（1）不同地域的对比在鉴赏不同地域的美术作品时，教师要明确这种对比方式涉及的艺术作品范围大、题材丰富且受众广泛。为了避免时间和空间上的差异性对美术作品鉴赏产生影响，在高中美术鉴赏中，教师可以选择横向比较法。通过对同一时期不同地域的美术作品鉴赏，学生可以看出我国传统艺术作品创作中的“道”。道家思想与中国传统绘画有着不解之缘。我国传统绘画作品集中体现了“意在画外”和“寓情于景”，水墨画尤其展现出了追求独立和精神理想抒发的强烈情感。与之相比，西方社会的绘画艺术则更加理性，贴近实际生活。西方社会的绘画作品与自然之间的关系在于“模仿”和“遵从”，历史上许多绘画艺术流派的诞生，都是基于真实、理性的审美心理。（2）不同流派的对比不同流派之间的对比分析也可以被归类到横向比较范畴之中。如，在“中国近代美术绘画艺术鉴赏”教学中，教师可以着重对比分析岭南画派与上海画派两个流派美术作品的特征。其一，岭南画派。岭南画派的名称来源主要是因为其代表画家如高剑文、陈树人和高奇峰等人聚集于广东地区，因而被称为岭南画派。岭南画派艺术家在美术创作中，主要借鉴了西方社会西洋画的绘画技巧，十分擅长素描和写生，并将吸收的外来绘画艺术技法与本土绘画模式相融合，最终形成了独特的岭南画风。岭南画派是中国近代美术史上的代表流派，其改革了传统国画，吸收、借鉴了西方美术绘画创作的技法。不仅如此，其在创作与发展中还积极传播新思想，推广美术教育，宣传图画革命，强调了时代精神，摆脱了传统观念的束缚。其二，上海画派。上海画派的代表人物有赵之谦、吴昌硕、任颐和虚谷等人，主要是由一群旅居上海一带的江浙画家组成。上海画派画家在创作中十分注重写意和泼墨，并结合了篆刻和书法的技巧。他们擅长动物、人物、花卉、果蔬的写生。上海画派在创作中积极吸收了西方社会在美术创作中的积极因素，对我国的传统艺术绘画作品进行了创新。此外，上海画派重点提出了将文人绘画艺术作品与民间美术相结合，创作广大人民群众喜闻乐见的艺术作品。（3）不同题材的对比横向比较法还可以被应用到对不同题材美术作品的对比之中。如，在绘画美术教学中，教师要给予学生机会鉴赏雕塑、建筑和工艺美术等艺术形式。这种方式可以使学生在学习过程中，将艺术和实用艺术、大众艺术和单独领域的艺术、历史遗存和现实资源等进行对比研究。在高中美术鉴赏教学中，“大美术”性质的美术课程所占比重较大，这要求教师和学生要重视不同种类美术作品的鉴赏教学，以此丰富学生的美术知识体系。对比不同的美术题材，可突出不同美术种类、美术作品之间的联系，同时能彰显不同作品的特点。不同的美术表现形式对于同一事物的认知视角有所不同，对于事物的关注点也有一定的差异，但是在表达美的方面，却有着十分密切的内在联系。不同题材的表达形式有所不同，但是实际精神却是一致的。

3.艺术与现实对比

现实生活是美术作品创作的源泉，艺术创作源于生活又高于生活，美术作品可以被视为对现实生活的升华。以艺术、抽象、夸张等方式，将现实生活中的美表现出来，是艺术的创作方法。在学习中，教师要注意引导学生把握现实生活与艺术作品之间的联系，使用观察比较方法，感受其中的意境，同时欣赏生活中的美。如，某地区高中美术教师在组织学生学习水墨山水画的相关内容时，将近代水墨画领域的杰出画家李可染先生的画作《漓江胜景图》作为美术鉴赏的范例。同时，教师还收集了一些漓江自然景象的文章、图片与视频影像资料。通过运用将美术作品与实际景观相比较的方法，学生在教师的引导下发现了现实生活中的美术知识，明白了艺术源于生活又高于生活的本质内涵。之后，教师还让学生结合自己的生活经验和美术创作经验，试着将自己的感情注入画作，分析画家在创作这幅画时的思想感情。借助比较法，学生明白了美术作品与现实生活之间的差异和联系，了解了画家运用美术创作的方式，表达对祖国大好河山的热爱之情。

结语

在高中美术鉴赏课程内容逐渐丰富的情况下，应用科学合理的教学发展策略对学生进行教学指导十分必要。比较法的合理应用能帮助教师和学生更清晰地分析美术作品，在良好的教学氛围中，不断扩充自己的艺术知识储备，提高艺术审美与鉴赏能力。

参考文献：

[1]王勃.比较法在普通高中美术鉴赏中的应用.甘肃教育，2019（11）.

[2]王荣荣.巧用“比较法”，提高美术课堂教学效果.内蒙古教育，2016（20）.

[3]魏梅霞.论比较法在高中美术鉴赏教学中的应用.中国校外教育，2015（34）.

西方艺术赏析论文篇4

【关键词】当代艺术 艺术素质教育

【中图分类号】G642【文献标识码】A【文章编号】1006-9682(2009)07-0123-02

大学艺术素质教育既要延续传统,又要面向未来。当代艺术正是传统艺术与未来艺术相交融会之处,继往开来,重要性不言而喻。如何正确欣赏分析理解评价当代艺术是大学艺术素质教育的重要组成部分。同时,当代“艺术生活化,生活艺术化”的时代转换使当代的大学生对于自己时代的艺术感同身受,兴趣浓厚。可遍观目前国内大学艺术素质教育的现状,当代艺术却处在疏离与缺失的状态。如何正确认识当代艺术在大学艺术素质教育的地位和作用;如何走出目前的关系现状是从事艺术素质教育的教师迫切需要思考的课题。

一、大学艺术素质教育的现状与困境

大学素质教育课程的开设其主要目的是防止学生因专业划分导致知识结构的片面性和狭隘性,培养学生人文素质和全面健康发展的能力,也是“宽口径、厚基础”教育理念的重要举措。具体到大学艺术素质教育,根据现代高等教育的观点,主要是培养学生的审美情趣、开发学生的想象能力以及对艺术作品的批判性理解能力。

目前大学开设的艺术素质教育课程主要集中在中西方美术经典作品赏析。笔者所在的学院为全校学生开设了《西方美术名作欣赏》和《中国书画欣赏》的综合选修课,根据学院的教学大纲和教学计划两门课程涉及到的内容,前者到西方现代艺术阶段终止,后者到清末民国初期,关于西方和中国的当代艺术均无讲授课时。笔者在课堂上曾经问过学生是否知道中国的几位当代艺术大家,学生大多一无所知或者一知半解。这些主修艺术设计的学生尚且如此,遑论其他专业的学生。究其原因学生在中小学阶段主要学习的是基础绘画技术,在大学阶段虽然有中西美术史论和作品赏析课程,但却很少涉及当代艺术,也很难获得一个关于当代艺术的比较系统客观的印象。巫鸿在《谁来承担我们的当代艺术教育》一文中谈到,国外研究西方艺术的有90%在研究西方当代艺术;而研究中国艺术的则倒过来,只有10%在研究中国当代艺术。尽管国内这些年对当代艺术的创作、展示、研究取得了一定的进展,但公众对当代艺术尤其是实验艺术部分仍然处于基本不了解甚至完全不了解的状态中。

其次,目前的艺术素质教育方法仍停留在书本教育的层面,忽视了美术馆博物馆艺术展览的现场实践教育方式。条件好的大学多采用多媒体教学方式,通过播放图片影像资料,引导学生了解认识凝练了人类智慧情感的经典作品。这也是教育学生从视觉经验的角度来感受欣赏艺术作品的美,从而唤起学生心灵美及情感上的呼应,激发起学生对于理想的追求,在生活中追求美和感受美,这无疑是一种可采取的值得称赞的模式,在实际教学过程中确实也起到了一定的效果。不过仍偏重于知识教育,学生与艺术的接触有限,与现实感受脱节,难以获得真实的经历和经验。而对于艺术的教育来说,这可能是一个致命的缺陷。美国艺术评论家丹托认为:“不管艺术是什么,它不再是被人观看的对象。或许,它们会令人目瞪口呆,但基本上不是让人看的。”[1]“艺术事实上就是关于经验了艺术的那些人。”[1]当代艺术的现状已经远离了人们在习惯思维中所理解的艺术,单纯的观看方式无益于学生认识当下生活中的艺术现象,从而理解自己的生活到底与艺术有何联系。艺术素质的教育模式正如当代艺术的多元性一样,也需要有其它的模式。在素质教育中适当地引入美术馆、博物馆、艺术展览的教育,带学生实地参观,现场直接感受艺术真品,与艺术家对话互动,帮助学生理解艺术,引导学生对当代艺术的批判性理解能力。

再次,主客观对立的理性主义认知教育方法仍然存在于艺术素质教育之中,艺术欣赏和教育过程中习惯侧重于艺术的消费和享受。艺术作为认知的对象到被消费和享受的对象仍然是陌生化的客体。康德以后的生命论哲学家,不满意理性主义的认知方式,提出生命本体论。苏珊朗格认为真正能够使我们直接感受到人类生命的方式便是艺术方式,艺术成了人追问终极价值而达到理想之境的绝对中介,艺术的言说使人的混沌存在转化为明朗的价值存在。宗白华先生倡导艺术的人生态度,视艺术为人生的本质生存方式。大学生在认识了解艺术到喜欢欣赏鉴别艺术的基础上,把艺术与自己的人生融会贯通,把艺术融入自己的生命与生活,在这个持续的过程中,大学艺术素质教育扮演发挥着重要的启蒙意义。

二、中国当代艺术在大学艺术素质教育中的缺失及原因

中国当代艺术在艺术素质教育中的缺失与其自身的特征以及在社会文化结构中的格局和形态有着密不可分的关系。随着社会改革,从政治经济到文化艺术都在飞速发展,尤其是艺术,因为创作环境的相对自由,艺术的种类和对艺术的探索也非常多。首先全球化语境中的中国当代艺术“话语杂陈”,“呈现出各种不同历史形态的艺术对话和‘博弈’的多元化格局。其中既有传承了古典文化的中国传统艺术,也有从20世纪初开始接受的欧洲古典艺术和印象派艺术;既有从20世纪初叶开始接受并在80年代蔚为大观的现代主义艺术,还有90年代之后舶来的后现代诸种艺术。”[2]艺术形态也前所未有的复杂,有绘画、装置、表演影像、计算机、各种混合媒介及大地艺术、身体艺术、行为艺术等。其中最显著的变化是绘画不再居于艺术的中心地位,艺术的志向也不是审美。

众多的中国当代艺术杰作与伪劣并存,难以清楚辨识,有些艺术品与普通物品没有明显的区别,不能仅从视觉经验的角度作出区别和判断。艺术世界显然发生了某些深刻的变化,不存在一个标准的创作艺术的方式,艺术的活动目的也不再明确。艺术在某种程度上成为了属于一切人的东西。从根源上讲,当代艺术也是对当下社会中个人心理和认知的体现,表现了当代人的思想和观念,与以往的艺术并没有本质的区别。当代艺术的复杂和多元主要体现在表现手段和形式上的不拘一格。简单地对当代行为艺术、装置艺术、身体艺术等后现代艺术形态作道德上地谴责,情感上地冷漠和非客观地评价并不能解决艺术作为一个现实存在地事实上的问题,也不能帮助学生建立正确的艺术欣赏和批评的观念。艺术教育的历史习惯一时难以改变,新旧交替,难免有所疏漏,而当代艺术的多元性和复杂性又增加了讲授的难度。现实与教育现状的脱节使当代艺术更加陷入迷雾,日益远离人们的视野。

三、当代艺术在大学素质教育的作用和意义

西方艺术赏析论文篇5

首先说美术鉴赏是一种主观的人对作品的再认识和再创造的过程。在具体教学中，我们应避免整堂课滔滔不绝地讲说给学生一种带有教师本人主观性的解释，压抑每个学生在鉴赏活动中的主观因素绝对不是一堂好的鉴赏课。

怎样发挥学生的主体作用，以深入浅出的理性概念，引导学生用自己的个体感受来体验分析作品，并用独立的语言对作品过行解释和理解？我的教学方法则是始终让学生参与整个教学过程，使学生在参与中从自身感受、体验出发，运用比较分析的方法，积极开展对作品的评论，在活动中培养鉴赏能力。以下我也从两方面进行阐述：

第一方面，从感性出发，从体验和感受说起。每次一上课，我很少直接讲课本知识，每次都能找到一种适当的方法在学生不知不觉中进入课堂，有时也介绍些趣闻轶事，这样同学们自然对作品或者作者产生了兴趣，再引导学生进入作品的艺术境界。平时课堂上也常用到默记的方法，先让同学们仔细观察，再撤掉作品让学生回忆作品的内容，只有当学生全身心地投入到作品中，才能观察的仔细，记忆的深刻，并由浅入深地体验和感悟作品的艺术内涵。一定要重视学生第一步的感受和体验，虽然学生的感受受到个体知识和经验的局限，感受的审美成份和质量也有限，但它是学生亲眼所见，亲自所感，是学生的真切感受，这种感受是学生对作品的主题和形式深入挖掘的基础。此阶段，教师只能给学生以启发和提示，千万不能先入为主地输入某种概念，抹杀学生在作品鉴赏中所反映的多样而微妙的阐释。教师也应鼓励学生们积极讨论并大胆交流自己的感受，找出自己跟别人感受的相同与不同。当学生对作品有了一些感性认识之后，教师再适当地对作品的含义和与此对应的形式做一些理性的分析。引导学生在知识概念指导下，再次去感受艺术作品，从而使学生的感受和体验达到既有个性情感因素，又具共性因素的审美境界。

第二方面，从理性出发，引导学生分析和评论作品，这是对第一步感受与体验的深入，是感性到理性的升华。所谓分析，就是对作品的体裁、题材、构图、造型、色彩、技理、风格等，从思想内容到形式、技巧加以解剖，进行深入的思考和研究，达到对作品的艺术形象构成和思想内涵的理解。

比较是很好的分析法，因为不同的艺术形式、技巧所表现出来的不同的画种、风格，用文字语言来描述，是不太容易说的太清楚。但如果把这些作品摆在一起进行比较，学生很快就会分析出它们的不同点。教师在选择作品时，要注意选择相同与不同非常明显的作品，因为这些“相同”构成了比较的基础，既可归纳为某些规律性的东西，又能清楚地看见不同作者在诸多方面表现出的差异性。如拿中西绘画做比较，如中国画的《菩萨像》和油画的《西斯廷圣母》，这两幅画题材相同，都是表现的女神，但表现手法却有很大的差异。我先请同学仔细读画，进行感受和体验，然后根据学生学过的美术知识，对这两幅作品进行分析比较。一个同学回答，中国的《菩萨像》以线造型，国外的《西斯廷圣母》以面造型。另一个同学又补充到，中国的《菩萨像》是上下游动式观察，而国外的《西斯廷圣母》则是从一个方面观察到的。接下来我对同学的阐述进行了深解，告诉他们散点透视与焦点透视的不同，同学们又掌握了理性的一些知识。同学们又谈了对两幅作品各自不同的理性感应。我采用了讨论的方法，要求同学们用自己的个性感受去分析、评论作品，各抒己见。讨论非常热烈，大家都说出了自己与众不同的感想和见解，有些见解也独辟蹊径，别有一番回味。大家也得到了共性的感受，比如说女神的美。我把同学们不同的感想和见解进行了归纳，使大部分同学的感想和见解接近事物的本质。

西方艺术赏析论文篇6

【关键词】艺术设计；设计创意；作品分析；识别

一、艺术设计概述

1、设计作品鉴赏

艺术作品赏析，设计作品鉴赏属于美育的范畴，其主要目的是通过学习艺术设计的基本知识，观摩中外设计行业大师的经典设计作品，掌握艺术设计与制作的基本思维方法，开阔眼界，加深理解，从而增强鉴赏能力和专业素养。作为一名艺术设计的学生需要有能够感受设计之美的眼睛和理解设计美的大脑。

许多人对一件作品的态度仅停留在欣赏的角度，而鉴赏对于欣赏是更深一个层次，多在欣赏之后还有继续深入识别、分析、判断甚至批判的意思。可以说鉴赏是欣赏的一种升华，当然，当深入对一件作品的欣赏，则需要对此有一定的知识储备。

2、艺术设计涉及到的范围

艺术设计涉及到的范围很广。二维的有平面广告，书籍设计，VI设计，包装设计等；三维的有的手工艺产品设计，工业产品设计等另还有三维空间环境设计，四维多媒体设计与制作等等。虽然每个领域看似千差万别，但相互关联。这也是一个设计师即有可能进行建筑设计，同时也有产品设计。如何评判一件设计作品的好坏，优与劣。但每个人都会因为年龄，性别，文化层次，生活经验，物质或精神需求水准等方面的因素而有不同的标准，即仁者见仁，智者见智。

3、设计界的名人

谈到设计界的名人，二维平面设计的有冈特・兰堡、福田繁雄、靳埭强、陈幼坚等。服装设计的有可可夏奈尔、克里斯汀・迪奥、三宅一生等；建筑设计的有弗兰克・劳埃德・赖特、勒・柯布西耶、贝聿铭等。他们的作品无不体现出创意。

二、设计师陈幼坚及作品简介

以二维平面设计师陈幼坚为例，陈幼坚生于1950年，在香港长大，中学理科毕业后，只念过十个月的夜间设计课程。他曾赢得本地及海外设计奖项五百多个，其公司在1998年japen typography association 所举办的比赛中，一连夺得九个奖项，当中包括一个最杰出作品奖。他于1989年更获得香港艺术家联盟颁发的“设计家年奖”。其公司在1996年被美国纽约graphis 杂志选为该年度世界十大设计公司之一。他的海报及腕表设计没美国三藩市现代美术博物馆纳为永久收藏品。

陈幼坚来自一个令人爱恨交加的城市――香港。在这个快速变换的城市里，陈旧交汇，东西连接，贫富并存，空气中处处弥漫着那种“现在就要的”紧迫气氛。纷繁芜杂之中，陈幼坚，却以独到的设计风格将东情西韵融会贯通。在牢牢把握市场脉搏的前提下，使东方文化重新焕发了新资。

陈幼坚从不否认自己是商业设计师，但他认为这并不妨碍他成为艺术家。“商业是命题，艺术是境界，我所做的无非是在努力将商业命题做到艺术的境界。”他做到了：1996年美国权威的设计杂志graphis评选世界十大设计公司，陈幼坚设计公司作为唯一的一家亚洲公司列为其中。他为这次盛事设计的海报充分体现了他的风格--中西合璧，简约中透着东方的神韵。陈幼坚被公认为设计大师，但也更喜欢“视觉艺术家”，认为在视觉艺术的最高境界中没有行业、空间、地域、文化和意识形态的分隔，艺术家的创作应游刃于不同的领域。风格也不必限定于一种，简约或者是繁复都只是手法，艺术家应随机应变，运用自如。

1997年香港回归前夕，迪斯尼公司委托陈幼坚进行庆回“庆回归珍藏版”设计。回归之路，艰辛曲折，可与“西游记”齐名：当年唐僧师徒历尽艰辛，蹰蹰西行，如今众望所归，西方不亮东方亮。于是由迪斯尼家族唐老鸭和米老鼠等组成的“东游记”诞生了。

2002年在接受可口可乐公司邀请设计“可口可乐”中文标识时也遇到了挑战：客户摈弃了沿用24年之久的中文标识，要求所设计既有中国特色又兼具国际风格。看似简单的要求落实到四个方块字上着实不易。他在仔细研究了“coca-cola”的英文标志后，沿用其中的飘带和笔划弧度，经数月的构思和修改，创造了充满现代感的新表示，让人一眼就能认出“coca-cola”家族的新成员。真可谓方寸之间见功力。如今新标识已随着“可口可乐”的动感广告和各种产品迅速传播，成为新的时尚风标。

陈幼坚为北京申奥设计过海报，他也希望可以为上海2010世博会出力。他认为奥运会和世博会都是展示中国文化和国力的大好时机，作为一个炎黄子孙能够参与盛事，实为一大快事。这也是为什么他每年必百忙之中抽空接受日本、泰国、新加坡、马来西亚、中国、韩国、澳洲以及英国等地的邀请，向当地设计界讲述“东西古今融会再创”的设计理念，同时也弘扬了中国文化。

2002年，陈幼坚三幅最新的艺术作品（照片拼贴画和装置艺术品），应香港精艺轩画廊之邀，参加了5月份在美国芝加哥举办的“2002芝加哥艺术展”，该展览是美国最具规模的国际艺术展览。同年6月，其作品在瑞士巴塞尔举行的“巴塞尔艺术展”，该艺术盛会在国际上享有极高的声誉，是目前最具影响力的现代艺术盛事，并被誉为“国际艺术界的奥林匹克”。

三、结束语

创意即为创作构思，它是一个作品的灵魂。它需要策划，经营。创意的特性是：无法预测、无法组织、无法系统化、而且绝大多数都遭遇失败。创意的基本思维方法有辐射思维、多向思维、换元思维、转向思维、对立思维等等。创意不是一个程式化、概念化的表现，而是目的性极强、较为广泛的思维活动。一个好的设计创意，必有其打动人和耐人寻味之处。

除了创意之外，一个作品还受它的实用功能，工艺技术，材料，艺术品位，社会效益等因素的影响。使其不仅具有实际用途，而且能满足结构设计科学、合理的要求，也就是好用，用时能产生舒适感。艺术品位指的是艺术设计作品中的审美属性和文化底蕴。评判一件设计作品或产品艺术价值的高低，除了它美的外观使人悦目之外，再就是看其是否具备文化的内涵。很多经得起艺术标准衡量和长时间考验的作品，都具备有较高的艺术品位。社会效益是艺术设计鉴赏在信息时代特有的一个带有边缘意义、复合性的标准。它是以市场为导向的经济杠杆，它有时会与传统的艺术规律和理念相冲突，然而，艺术设计只有在真正的融入社会时，才会发挥更大的作用，创造更大的价值。

【参考文献】

[1]李泽厚.中国美学史[M].北京：中国社会科学出版社，1984.

[2]尹定邦.设计学概论[M].长沙：湖南科学技术出版社，1999.

[3]（日）原研哉.设计中的设计[M].朱鄂，译.济南：山东人民出版社，2006.

西方艺术赏析论文篇7

【关键词】美术课;欣赏方法;提高

欣赏教学是利用文化资源,使学生们更好地了解艺术与社会、艺术与历史、艺术与文化的关系,涵养人文精神,从而陶冶自己的情操,提高审美能力,健全人格。每个学生都可以对自然美和艺术作品等视觉世界作出自己的欣赏与评述,下面仅以我近几年的教学经验总结一些行之有效的欣赏的教学方法:

一、把欣赏作品进行分类

美术教材的作品欣赏大致可归纳为四类:

1、古今中外名作。如达・芬奇的《蒙娜莉莎》、宋代张择端的《清明上河图》、徐悲鸿的《八骏图》等现代名家作品,这些作品风格各异,艺术水平很高,是欣赏教学的重点。

2、范图的欣赏。每课的前面都有一定的范画插图,这些范图主要是针对某一概念或某一技法而配备,它直观明了,学生易于接受,对于提高学生的绘画知识与技能至关重要。如老师平时积累的习作或备课。

3、同龄小朋友的优秀作品欣赏。这些作品天真浪漫,富有儿童情趣,是儿童心理世界的反映,这类内容学生觉得亲切,容易产生共呜。

4、其他门类的欣赏。如雕塑、建筑以及民间艺术和工艺制作等。这类作品制作精妙,具有很高的艺术观赏价值。

二、欣赏的角度不同,效果也不一样

1、画面直观感觉的欣赏。也就是画面给人的视觉印象,如《狼牙山五壮士》那宁死不屈、视死如归的神态;齐白石的《虾》表现的是一群活蹦乱跳的虾在水中嬉戏争食的情趣。

2、艺术风格特色的欣赏。它包括画面的构图、色彩、透视、表现手法等,主要指绘画的技巧。如徐悲鸿的《八骏图》,画家采用国画水墨技法,通过线条的干湿、浓淡、粗细、疾徐,寥寥数笔,便将马的奔腾气势淋漓尽致地表现了出来;凡高《向日葵》,画家采用鲜艳浓烈的色彩,有力的笔触,奔放的线条,使画面给人一种明快跳动的感觉,充满了生机与活力;在《最后的晚餐》画中,画家把人物都安排在桌子的一边,全部面对观众,这种独特的构图法更便于表现众门徒的各种表情。

3、与作品相关的边缘内容的讲授。包括艺术家的生平、爱好、传说、趣闻及当时的社会背景等。比如在讲达・芬奇的画时,教师可以给学生讲达・芬奇画蛋的故事,以及他刻苦研究解剖学、透视学的有趣事例;在欣赏齐白石的画时,可以讲他三十岁学画,为了画好画,在家里养了很多花鸟鱼虫,经常观察写生的例子;王冕在放牛时用树枝在地上画画等。

4、对作品思想内容的挖掘。如雕塑《艰苦岁月》,表现的是长征中一位红军小鬼依偎在老红军身旁,被悠扬的笛声所吸引的感人场面。但其表现的并不仅仅是这些,作品还歌颂了红军战士在艰苦条件下不怕牺牲不怕吃苦的革命乐观主义精神,也表现出了红军战士对未来美好生活的憧憬。再如徐悲鸿的《风雨鸡鸣》,画面中绝非单单表现了一只公鸡,而主要是代表那个时代人民对黑暗的痛恨和对黎明的渴望。这些紧扣历史时代脉搏的作品,我们挖掘它们的深层意蕴,是对学生的思想和价值观进行升华。当然,像一些静物画、肖像画及一些工艺品就不必深挖其思想内涵了。

三、运用比较法进行欣赏

1、美术作品与生活比较。艺术源于生活,而高于生活,用艺术化的方式表现生活、美化生活、提高生活质量。如在讲授山水画的欣赏教学时可以选择一些内容相同的反映自然物象的图片和美术作品,让学生进行直观的比较。引导学生发现身边的美术,把自己的生活经验和美术经验相联系,将自己对某些生活和自然现象的感受、体验与画家对它们的表达联系起来,尝试用自己喜爱的美术方式表达出自己的体验和感受,这样学生就能很快找出艺术作品与自然生活的区别。

2、东西方美术作品的比较。在进行中西绘画欣赏教学时,如果不很好地联系作品进行比较分析,学生往往产生认识模糊。为此,在教学中我选择一些中西方画家题材内容类似的作品让学生进行比较分析,如将中国画家的人物肖像与西方画家的肖像画,将中国的山水画作品与西方画家的风景画作比较区别。至于中西人物画技法的欣赏教学时,我选择了古代的《仕女图》和西方的肖像画哈尔斯的《吉普赛妇女》让学生比较,引导学生结合中西方的文化底蕴和时代背景进行深层次的比较,一般通过具体作品的比较,学生自己讨论,加上老师的归纳,就加深了学生对中西方绘画基本艺术特征的认识。

3、不同时代、同一题材的作品比较。常言道:“一千个观众就有一千个哈姆雷特。”同一题材的不同美术作品,所表达的想法及表现的情感当然也不一样。世上没有两片相同的叶子,当然艺术也不可重复。如西方绘画对希腊神话中一些人物的表现,例“圣母”就有不同的表现作品,将这些作品让学生进行比较,学生们领略了各个时期人们对于美的不同理解和认识,可以说,无论时代如何变迁,岁月如何流逝,人们从未停止过对美的追求。通过作品的比较,学生们认为不同的时代,美的标准也不同,不具备时代精神的美必然为时代所淘汰。

三、教学时教师的注意几个小点

1.教师要提高对欣赏课的认识,教师首先要备课充分,对作品有一个较全面深刻的理解。另外在欣赏的方法手段、教具的使用以及学生的接受能力等方面教师也要心中有数。

2.欣赏时要有重难点分明,有些作品以艺术特色、绘画技法欣赏为主,像风景画、静物画,而有的在艺术特色欣赏的同时更要对作品的主题思想学习领会,《血衣》、《戈尔尼卡》等,此外在选材上也要有主有次,教师要把欣赏的重点放在那些有代表性的、风格独特的名作上,以加深学生对著名作品的印象。

3.欣赏的内容不可过深,超出了学生欣赏能力的东西,教师要少讲,甚至不讲,要欣赏那些看得见、摸得着学生易于接受的直观内容,如某一点某一处的用色、线条、构图、明暗等。

4.欣赏的手段要多样化、生动化、艺术化,避免教师空洞枯燥的讲解、学生被动地干巴巴听的现象。可以采用故事、提问、讨论、观察、悬念等多种形式,还要充分发挥幻灯、挂图、录像、录音等现代教学手法,增强欣赏教学的直观性、趣味性,使学生乐学、想听、爱看,积极主动地参与教学。

5.欣赏的时间不可过长,内容过多过滥,学生会厌倦,教师可以把欣赏教学穿插于平时教学之中,使欣赏与传授技能相结合。

西方艺术赏析论文篇8

[关键词]弗洛伊德；精神分析理论；视觉艺术

弗洛伊德的理论在西方艺术界里引起了很多艺术家的推崇。近年来不少获奥斯卡奖的影视作品，如我们所熟知的W斯卡获奖影片《爱德华大夫》、 《沉默的羔羊》等，大都从人格的更深层次来表现人性，并从更深精神领域来刻画人物，非常明显地把弗洛伊德的理论渗透到了影视艺术作品中。

一、精神分析取向的人格理论研究

奥地利精神分析学家弗洛伊德(Siground Freud，1856-1939)在2。世纪初提出的精神分析(psychoanalysis)理论是根据其多年的研究来解释人性的系统理论。他的理论影响了无数心理学家以及艺术家。

图弗洛伊德的“人格心理结构”与“三种意识层面”的对应关系

(一)精神分析趋向的人格理论。

本我(id)：本我是人格的原始系统，包含着不合理的、荒谬的心理内容，它与潜意识层面相对应。在正常人的生理活动中，本我很自然地要受到压抑、阻止，否则，任它们泛滥就会使人疯狂，不可收拾。自我(ego)：自我是人格的表层结构，作为本我的对立面，是在人与环境接触的过程中由本我发展而来的。婴儿最初只有本我，但不久他就逐步懂得用某种方式比用其他方式，能使本我更快、更有效地得到满足，这就导致了自我的产生，因此自我是本我与外界关系的调节者，自我一方面是满足本我的欲望，使本我通过伪装，寻找合适的时机在现实中得到部分满足；另一方面，自我又决定本我的各种要求是否合理，是否允许其满足。自我和本我的关系就如骑马人和马的关系，马供给力量，而骑马人决定方向。超我(superego)：超我处于人格结构中的最高层，包括社会规范和文化标准在个人内心的体验，也包括最为理想的抱负。它代表着社会道德，与人的本我处于直接的冲突中。

(二)潜意识、意识与人格。

超我对意识进行严格控制，引起意识的紧张忧虑。为了免除忧虑，自我必须有计划、有节制地采取行动：一方面，对超我表示敬意和服从，另一方面，还要部分地、间接地实现本我的要求，这就需要给“本我”加以改装。自我的调节作用，可以表现为对现实的退让，也可以表现为缓和“超我”的苛刻要求。这样，经过“自我”调节、修改的“本我”，就可以适当地表现出来。自我的职责是同时满足本我、超我和现实三方面的要求。而自我要使本我的欲望得到满足，不仅要考虑外界条件是否允许，还要考虑超我是否认可。所以，弗洛伊德曾在《精神分析学新论》中，悲叹“人生不是容易的”。其含义就是“自找”要侍候三个严厉的主人，并尽力调解这三个主人的主张和要求。这三个暴君就是外部世界、超我和本我。当自我受到三方面过于严厉的威胁、逼迫的时候，它就会有沉重的忧虑。因为自我源于知觉体系的经验，命中注定要代表外部世界的要求；它也愿做“本我”的奴仆，因为“本我”有着太强的冲动力；同时，它的每个动作都要受到严厉的“超我”的监视。“超我”不顾“本我”和外部世界的任何困难。个人如若不能忍受社会标准的要求，“超我”就会用紧张的情感去责备“自我”，使“自我”产生负罪感。山此可见，“自我”常为“本我”所激动，被“超我”所包围，又被外界现实所阻挠，处于内外夹攻的境地。因此，它怎能不感叹“人生是不容易的”。

二、弗洛伊德的人格理论对视觉艺术的影响及其贡献

(一)艺术起源的原动力与人格的层面――本我(id)。

艺术起源的原动力――里比多(Libido)说：早在20世纪初，弗洛伊德就提出艺术起源的原动力就是“里比多”。里比多也称性力，是一种原始、本能、盲目的冲动，且通常被压抑在无意识之中，它是一切行为的推动力。

1　人的一生都有性的本能。

弗洛伊德认为：“人的性本能是生命的原动力，在人类生活中异常活跃，像地下奔腾的岩浆，无时无刻不在蒸腾、冲动，寻求着爆发。”但是，由于社会的发展，人类的文明与进步，一般而言，人们的性本能受到控制，随之就会产生无意识的爱、恨、愤怒等，“从广义的发生学角度来看，这是有道理的。我们把一切温柔的情感表示都算作属于性的本能，这种情感产生于原始的性感情，甚至那些情感在原始和目的方面已被禁止，或者已把这个目的变成了另一个不再有性的目的。”为此，弗洛伊德强调“不血该忽略或低估心理因素。我们使用的‘’一词和德语中所用的‘爱’(uchen)这个词具有同样的涵义”。弗洛伊德特别批评了不懂精神分析观点的人，认为他们“都无权干涉精神理论。他们由于只强调的躯体因素，所以他们把问题简单化了”。弗洛伊德研究了陀思妥耶夫斯基、梵高、尼采、卡夫卡等艺术家。他认为，陀思妥耶夫斯基是位“癫痫”病人，当他沉浸于创作时，各种神经症症状都没有了。弗洛伊德由此认定，艺术家的创作是神经症的转机，艺术家的创作对其神经症有补偿与替代的作用，所以，神经症是艺术创作的心理基础。此即代偿说的主要内容。梵高、尼采、卡夫卡等都有类似的情况。但是，若把这个结论推而广之，则容易犯以点带面的错误。后来，弗洛伊德提出了游戏说。他指出：“每一个做游戏的儿童的行为，同一个富于想象的作家是一样的；他们创造了一个自己的世界，他们按照自己中意的新方式，重新安排自己天地里的一切。”艺术家也是“像儿童做游戏一样，创造了一个幻想的世界”。他们倾注了丰富的感情，“这种想象的诗一般的世界就是艺术”。

2　艺术活动的宣泄功能。

弗洛伊德在给维也纳大学开设讲座时，明确指出：“在艺术活动中，精神分析学一再把行为看做是想要缓解不满足的愿望――这首先体现在创造性艺术家本人身上，继而体现在听众和观众身上。”也就是说，宣泄作用先是发自创作者身上，然后诱发欣赏者的共鸣。

许多艺术家在谈到自己的创作体会时，常常感到自己对社会的观察和丰富的情感，在作品末完成的时候，总是郁结在心中，自己的心理和生理方面都有一种不畅的感觉。这种冲动如若不能从其作品中宣泄出来，就会造成心理上的压抑和生命体内其他系统的异常。当他们把自己意识活动中的内容以影视艺术形式表现出来时，他们躯体的生理方面的不通畅所造成的生理异常，就可以消除，心理也就趋于平衡了。按照弗洛伊德的理论，“艺术家的第一个目标就是使自己自由，并且靠着他的作品传达一些有着同样被压抑的愿望的人们。”这就是说创作者和欣赏者要有“同样被压抑的愿望”，艺术作品才会引发欣赏者的共鸣，欣赏者在欣赏艺术作品时，可以把郁积在心中的七情六欲随着作品情节内容具体、生动、形象、细腻地展开，或者在五彩缤纷的声、光、 色的魅力烘托下，毫不犹豫地释放出来，或者这些欣赏者会在被激荡起来的情感流动中，悟出了某些人生的真谛，找到了解决自己疑难问题的方法，心情也随之愉悦，从外向内然后又从内向外地s舒展起来，“被压抑的愿望在梦幻中达成了”。这样，被郁积的情绪得到宣泄，情感也得到了升华。

(二)影视艺术与潜意识、梦的分析。

1　影视艺术与梦。

弗洛伊德认为，艺术与梦都是缘于现实中不能满足的欲望。但艺术与现实的关系是双向的：其一，在现实生活中受到压抑的愿望，可以在种种艺术形态中得到变相的满足；其二，众多的艺术作品的内容又可以激励人们为在现实中真正地实现自己的愿望而奋斗。而梦的作用是单向的，愿望在梦中满足后，一般情况下就不再追求了。同时，弗洛伊德还明确指出：普通人向他人说梦，一般不会引起别人的兴趣，而“当一个艺术天才向别人描述他的游戏或叙述他个人的白日梦时，我们会感到极大的乐趣”。

弗洛伊德认为，艺术家的幻想越丰富、越强烈，就会创作出更多的斑斓多彩的“白日梦”，许多艺术家的艺术作品都充满了幻想与梦幻的色彩。最为明显的影视作品如奥斯卡获奖影片《爱德华大夫》中，将梦的解析以及精神分析理论的观点始终贯穿于整个作品中，从童年创伤的潜意识症结无法解脱的病人及假扮为医生的“爱德华大夫”身上，以及为他进行释梦的医生们，影片自始至终在对弗洛伊德的精神分析理论进行着诠释。

2　影视艺术与潜意识。

弗洛伊德认为，“艺术家的所作所为与玩耍中的孩子的作为一样。他创造出一个他十分严肃地对待的幻想的世界，他对这个幻想的世界怀着极大的热情――同时又把它同现实严格地区分开来。”他指出，在想象的世界里，可以满足在现实中不能实现的愿望。他对幻想的作用赋予“动力性”意义，他认为，“未能满足的愿望，使幻想的人就有了前进的目标和动力，每个幻想包含着一个愿望的实现。”因此有幻想的人就有了前进的目标和动力，就会义无反顾地把幻想变成现实。影视艺术的作用是可以把人的潜意识活动的内容释放出来。弗洛伊德把它归结为愿望的达成，即在现实中不能实现的愿望，可以在艺术创作中得到满足，他指出：“如果一个人在现实中感到不愉快”，艺术家可将自己的白日梦加以改造、化妆，组织成文学、艺术作品。在影视艺术作品中，也经常以“抽象、概括的动作、语言”一带而过。艺术的构思、修改过程，也是“理性意识”压抑的结果。同样艺术的构思、修改过程，也是在“理性意识”的管理下，舍弃了无意识中流露出来的不符合超我要求的内容。

弗洛伊德还意识到“理性”意识对影视艺术的不同作用。心理学研究表明，人在做梦时，由于大脑皮层大部分区域都处于浅压抑或深压抑的状态，大脑活动的生理水平降低了，所以，梦的状态类似催眠状态，无逻辑性、无批判性。而影视艺术作品则是在社会意识的检验下，具有逻辑性、批判性的“理性”特点。

3　欣赏者在影视艺术作品中的情感“宣泄”。

不同时代、不同经历，甚至不同性别、年龄的人，其情感需要是有差论的。所以，每个人欣赏影视艺术作品，都是为了当时的情感需要。有时他们纯粹为了欣赏艺术，有时是为了宣泄一下自己的某种情绪，有时只是为喜爱某位导演，赏罚分明。欣赏者在欣赏影视艺术作品时都是有针对性的。只有在有针对性的前提下，欣赏者才能在欣赏过程中畅快地宣泄自己的情绪，愉悦自己的心情，陶冶自己的情操，使自己获得最大的心理满足，身心得到最佳调适。

弗洛伊德的精神分析理论，让我们从一个更深的层次来认识人性，解析人的人格结构，并从精神深层来探测人的意识与潜意识领域，在西方引起了广泛的社会影响，影响了无数的心理学家、艺术家，其精神分析理论为很多艺术家所推崇并渗透到自己的影视艺术作品中。