古典主义绘画范文

古典主义绘画范文第1篇

我们所说的“写实主义”指的是两个含义：一种是指创作方法；另一种是指绘画中的描述手法。写画家库尔贝在十九世纪的时候首先了写实主义这一说法，随即，写实主义作为一种流派在西方首次出现。

在当时已经存在并发展成熟的流派有：新古典主义和浪漫主义。而现实主义也是针对这两种流派而出现的。他们称之为现实主义的原因在于：写实的表现手法和强烈的现实主义精神内涵。他们对所谓的矫揉造作的理性和激情嗤之以鼻，将写实性的自然主义发挥的淋漓尽致。而受其直接影响的就是印象主义。可以说写实主义影响了当时的各种流派和思潮，而这种影响随着传统的自然主义的写实主义的不断演变，在二十世纪后几乎全面解体，发展的更为宽泛。

本文探讨的是传统的在艺术表现手法上的古典主义和写实主义，它几乎贯穿了整个欧洲艺术史，包含于现代艺术和传统艺术之中。

写实主义的历史渊源

1.古希腊至文艺复兴时期的“古典艺术”风格

谈到手法上的写实主义的源泉一定要涉及到“古典主义”。“古典主义”（classicims）一词指这样一系列的现象：“公元前五世纪的雅典艺术有意识按地视为创作的源泉。”“古典主义是传统和回归古代的典型，是对经典的模仿。”

古希腊艺术在古典时期所取得了空前的艺术成就，给世人留下了完美的典范。其后的古典艺术，都是对古希腊艺术样式的模仿。直到“文艺复兴”运动兴起，古典艺术的发展达到了一个高峰。文艺复兴学习古典，但并非是单纯的模仿，而是通过学习古典从而精神创造新的文化和艺术形式。

文艺复兴时期回归对人性的关注，艺术表现的主要目的是追求真实。在这一时期，表现现实中的人和世俗生活成为艺术家们描绘的主要题材，我们从这一时期的绘画、雕刻等艺术作品中就可以看出。这时期的艺术家们源源不断的从古希腊和古罗马的艺术中吸取营养，并不断的从自然中去挖掘和探索。

2.十七、十八时期的理性过度

如果说文艺复兴时期的美学可以被称之为感性美学的话，那么其后的十七、十八世纪美学则可以说是抽象的哲学美学。人类的美学思想从文艺复兴时期的和谐美，发展到了近代的崇尚美经历了十七、十八世纪这一封建主义向资本主义的过度时期。文艺复兴运动人们高举着“人性”的大旗，而十七、十八世纪的人们则更加注重“理性”。突出的艺术成就主要体现在“巴洛克”（Baroque）艺术和“洛可可”（Rococo）艺术中。“巴洛克”艺术延续了文艺复兴运动，更加具有写实性。分析典型的巴洛克艺术作品发现，它们具有很强的动态感，更加拉近了所表达的内容与生活的距离。而巴洛克艺术同样处在理性的年代，这时期的艺术更加理智，在现实性和情感性的表现上则更加成熟了。

3.十九世纪多元化的艺术理想和二十世纪的写实艺术

十九世纪崇高美的理想逐步取代古典和谐美，在这一时期统一的古典主义开始分化，形成了新古典主义、浪漫主义、现实主义及印象主义等多元化的艺术流派。

西方形式美学发展到二十世纪达到了高峰，出现了探索形式语言这一艺术潮流。印象主义是二十世纪现代艺术的起源，二十世纪的艺术流派纷繁复杂，艺术流派众多，艺术思潮不断的涌现是以往的任何时代都无法比拟的。写实主义作为一种艺术表现手法，出现在了许多艺术现象当中。这种艺术思潮和艺术形式的多元化使得写实主义取得了更广阔的发展空间，二十世纪西方艺术思潮的涌动造成艺术形式语言上的多元化，使得写实主义在新世纪取得更广阔的发展空间，而现实主义也在这一过程中不断地吸取新的艺术形式和成果，是写实主义的艺术语言潜移默化的发生了变化。

被称为“现代绘画之父”的后印象主义画家保罗.塞尚这一时期最重要的艺术家之一，可以说二十世纪中重要的艺术家无一不受到他的影响，如立体主义的代表人物毕加索和布拉克。立体主义从古埃及的艺术中汲取灵感，并从东方艺术和非洲艺术中的结构和空间概念里找到创作的源泉，从而形成了属于自我的独特的创作方法。立体主义追求一种几何形体的美，通过组合、排列、分解的形式产生出一种视觉感受。这不但但是一种艺术风格的改变，更是改变了一种观察世界的方式。

之后，出现了更多的艺术流派继续的探索，如至上主义（Suprematism）和新造型主义（Neo一Plastieism）等，他们将二十世纪的形式主义推向了极致。至此，传统的写实主义艺术和二十世纪的现代艺术分离了。

写实主义与古典主义的美学共性和发展方向

写实主义在古典主义艺术中孕育而生，纵观艺术史，他们都是一种美学观念的延续，是关注客观世界的发展结果。

写实主义在不同的时代下有着不同的意义，时至今日，写实主义经历了由纯粹的模仿到对挖掘内在的真实，由模仿外在世界转向描绘内在的心理世界。写实主义不单单是一种风格和手法，更是人类精神文明发展的必然结果。它的生命力在任何时代都不会衰竭，随着时代的发展，二十世纪的艺术思潮虽与写实主义分离开来，但是人们追逐和挖掘内心的世界这一想法只是进行了形式上的转变，实质上从未间断。

（作者单位：河南师范大学美术学院）

古典主义绘画范文第2篇

古典主义是主流画派

所谓古典主义(包括现在人们说的“新古典主义”)，是指那种以传统的透明技法精确地再现具像的一种绘画方法。五百多年前意大利文艺复兴时期的温布里亚画派和威尼斯画派是这一技法的主要集成者，而登峰造极者则是达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、提香、卡拉瓦乔、鲁本斯、伦勃朗等人。尤其是从卡拉瓦乔(1571―1610)，鲁本斯(1577～1640)，伦勃朗(1606―1669)起，随着现实主义绘画精神的普及，加上巴洛克艺术风格兴起，它使得这种艺术风格更加华美绝伦。这种绘画方式在着色方法上有一个特别的地方：色彩是一层层叠加上去的，而不是在调色板上混合好再涂上去的，这是一种复杂的技法(伦勃朗在其晚年的作品中开始大量使用厚涂法以追求更强烈的质感，同时，他也开始使用阔大简约的笔触，这标志着古典向现代的演变)。可以说，它是人类现代绘画艺术的起点，同时它也创造了人类绘画史上的第一个辉煌，其间巨星闪耀，佳作迭出，当今世界著名美术馆收藏的珍品画作中，至少有三分之二是这种风格的。

五百多年来，虽然在印象主义及当代各种绘画流派接踵出现后，其市场份额已被挤占了很多，但直至今天，它仍然牢牢地占据着艺术品市场最高端的位置。尤其是在肖像画、人物创作以及历史场景这类严肃正规或需要体现高贵气质的主题中，它几乎是独霸天下。在美国，历届总统离任后在白宫留下的那幅肖像画就是这种创作风格的。在欧洲，贵族们或富豪们挂在自己城堡中的也是这种画。就是在日本和我国香港，超级富豪们也喜欢高价聘请著名画家用这种传统技法为自己或自己的家族画肖像。这已是欧美豪门望族的一种生活方式。所以我们有时能在欧美的电影电视中看到这样的场景：在巨大的城堡或别墅中，主人翁指着墙上挂着的一幅幅肖像，对刚花到手的女朋友说：“瞧!那是我爷爷，那是我爷爷的爷爷，那是我爷爷的爷爷的奶奶……”有时还真不得不佩服洋人那种对祖宗的敬重精神，咱中国人别说记得爷爷的爷爷，就是爷爷长个啥模样大多也没心思去记，真是惭愧!

在中国，古典主义曾经也是主流画派。记得十几年前北京就有画家组成过“写实主义画派”。那一阵子，靳尚谊、陈逸飞、王沂东、杨飞云等人确实有不俗的表现。就是后生晚辈如翁伟、常青等人也都着实闪亮过一阵子。可以毫不夸张地评价：正是那一阵子古典主义(当时他们都叫新古典主义)绘画的兴起，极大地推动了油画在中国的发展。就是这几年蓬勃兴起的艺术品投资，应该说也是从这儿开始的。因此，古典主义绘画对当今中国绘画艺术以及艺术品市场发展的贡献的确是非常大的。

古典主义在中国节节败退

然而好景不长，自从当代艺术兴起后，古典主义很快就被挤到舞台的后边了。眼看着那些画当代的画家们大把挣钱，大放光芒，古典主义在中国已是节节败退，几乎到了走投无路的境地。因为中国不像欧美国家，有王公贵族富豪大款们在那捧着这块市场。以前的中国，除了皇帝老儿不得不留下几幅画像外，其他人甭管多富多贵也没这爱好。现今的新富新贵们大多因祖上没这份家教，所以也没养成这习惯。有那功夫，宁可去花点钱上杂志封面插页，再不过瘾索性就去上电视直接露脸扬名立万。另一方面，这种传统技法的创作又特别费时费力费神，特别考校绘画的基本功底，所以它真的很难走平民化大众化的路线，价格不得不卖得高一些。这就让普通平民百姓想说爱它也不容易，爱它在心口难开了。如此一来，古典主义在中国就被边缘化了，许多以前画古典主义的画家们也不得不改换门庭了。

看看当今中国的画坛，自靳尚谊、陈逸飞、杨飞云、王沂东们后，几乎拿不出一幅大致看得过去的古典主义作品，几乎找不到一名能接传他们薪火的年轻艺术家，这不能不说是当今中国画坛的悲哀!

古典主义绘画的回归

现在情况似乎出现了一些变化，由于当代艺术市场的突然崩溃，中国的油画市场似乎一下子冷清了很多。就像一个大舞台，原先在台上唱啊跳啊翻跟头拿大顶搞怪扮丑表演的那帮子人呼地一下就散光了。一方面是台下的观众们懵了，不知道发生了什么事；另一方面是原先被挤到后面的那帮子人也懵了，你看我我看你的，不知道该轮到谁上场，也不知上场后该说些什么唱些什么。所以，整个绘画市场冷场了。可这么一来，那些靠忽悠艺术品挣钱的主儿们急了，只好翻箱倒柜地先把老祖宗留下的那点东西拿出来吆喝，赚个眼球，否则人气散了谁还陪你玩啊!就像小时候看露天电影，换片时总要放放幻灯片，怕观众等急了起哄。可现如今的情况是那帮大忽悠们也懵了。

不过也不用着急，马克思他老人家早在一百多年前就归纳过，他说：“人类有个习惯，一旦迷失方向时，就会到传统中寻找。”因此，对古典主义风格的回归，很可能是现今中国绘画艺术寻求摆脱当代艺术困境的一个突破方向。也就是说在今后几年，古典主义绘画很有可能以回归的方式小小地“复兴”一下，因为市场需求始终存在，这从近期的一些拍卖中已能看出，陈逸飞及一些古典主义风格艺术家的作品始终保持了良好的市场表现，并没有受到经济危机及当代艺术市场崩盘的太大影响。这说明这类产品是绩优股，具有较强的抗风险能力，投资者应该都能注意到这点。此外，在当今中国，以下两点特殊原因可能也会导致古典主义绘画的快速复兴。

首先，中国现在的古典主义绘画已经陷入了一个后继无人的严峻局面，这种稀缺性势必导致市场会有一个较大幅度的回调，从而促使近几年内古典主义绘画会有较大幅度的增长。传统技法绘画是一个费时费力的苦差事，是一个慢工出细活的过程，画家首先要耐得住寂寞，几个月画一幅画是太正常不过的事。这些年，眼见着那些画当代的有的一天就能“整出”几幅画来换大钱，自然也就鲜有人愿干传统技法那种费力不挣钱的苦差。如此几年下来，年青一代画家中几乎看不到有类似当年的翁伟、常青之流的青年才俊了。如今当代艺术市场已经崩盘了，原先心态浮躁的青年艺术家们现在应该头脑冷静了。问题只是谁能最先站起来接过前辈的旗帜，谁是可以顶替靳尚谊、陈逸飞、王沂东、杨飞云的新人?对投资者而言，发现新人就是发现机会。

其二，随着国人艺术欣赏水平的提高，人们很容易明白，就艺术流派而言，它们之间只有一个传承演变的关系，并不存在哪一个过时了被另一个淘汰了的关系。绘画艺术本身就是多样化的，比较起来，中国近几年的当代艺术一边倒的情况才是反常现象。在欧美国家，古典主义、印象主义等传统艺术的市场份额一直是占大头的，相对稳定的，真正变化比较大的倒是当代艺术。因为前者已经是正装，而后者只是时装，而时装要修成正装，总要得到主流社会的认可才行。

咱中国人现今有点钱了，是得添置点正装了。

古典主义绘画范文第3篇

18世纪中期到19世纪初期法国出现了新古典主义绘画，新古典主义绘画与古典主义绘画相似，都崇尚理性，注重素描和轮廓的精准。新古典主义绘画作品中很少表现出艺术家的主观情感，一切都是从理性出发，遵循着唯理主义的观点。新古典主义同样对素描有着严格的要求，强调造型的精准完美，也同样追求作品的和谐、庄严和典雅，但他们却反对巴洛克和罗可可的艺术风格。 “新古典主义”的“新”就在于借用古代绘画的表现形式来直接描绘现实中的重大事件，宣扬一种革命精神，绘画更倾向于现实化。

法国古典主义绘画形成于17世纪，它的美学理论在当时的影响特别大，甚至于波及到欧洲各国，掀起欧洲艺术的又一个高潮。18世纪中期，随着启蒙运动和资产阶级大革命的到来，法国又出现了新古典主义绘画。新古典主义有意的模仿了古典主义。新古典主义绘画和古典主义绘画都一致崇拜古希腊古罗马时期的优秀艺术传统。特别是二者都非常注重轮廓的严谨和素描的重要性。

首先，古典主义者坚定地认为，只有通过素描他们的思想才能够得到表现。普桑是古典主义时期最具代表性的绘画大师，他主张艺术家应该从理性出发，支配素材。他想通过理性的空间描述来保持结构的均衡、形式的完整，使得他的造型能力又上升了一个高度，绘画作品更为写实。

新古典主义这一时期的安格尔，对艺术形式进行了大量的研究，追求一种永恒的纯粹的美，他的艺术精美而典雅。安格尔认为：“在一切形中，最美的是圆形”。安格尔特别注重画面中素描的作用，他的作品都彰显出线条和素描的关系。他的油画用笔细腻，使得画面显得洁净又有光泽，极为优雅同时也表现出素描关系和形体结构的严谨，是古典主义艺术的集大成者。

新古典主义能够取代洛可可艺术，原因是多方面的。18世纪末19世纪初，法国出现了一些启蒙运动以及法国资产阶级大革命，使得法国社会动荡不安。资产阶级取得革命的胜利，在反对君主制的同时也反对君主专制时期艺术风格的陈腐。新古典主义通过新的绘画艺术来宣扬革命精神，追求自由平等，其实他们也就是借古喻今。新古典主义者们用他们的艺术激励着人们的爱国热忱，使人们树立起勇于牺牲的英雄主义气概。正是在这样的历史条件下，产生了以启蒙思想和大革命为指导思想，在形式上借代古典主义的新古典主义。

新古典主义是相对于古典主义而言的，它并非是古典主义的重复，而是对古典的再次利用，完全借用了古典主义的表现形式，但在题材选择、美学思想等方面二者还是存有不同的。

在题材的选择上，十七世纪法国是由路易十四执政的，这一时期的艺术都服务于国王和精英，这时期的艺术崇尚古典精神，追求古希腊和文艺复兴时期庄严、静穆、典雅的艺术风格，因此绘画题材也多以神话、圣经以及古代历史故事为主，很少选择描绘现实生活的题材。

新古典主义的艺术家们在经历了法国大革命之后，反对罗可可的艺术，而渴望能够通过古希腊古罗马时期的艺术表现形式来表现他们的艺术，从而宣扬一种不怕牺牲，奋力卫国的革命精神和爱国热忱，他们对历史的精准性特别的看重。因此新古典主义都是借用古代英雄主义题材和表现形式，直接描绘现实斗争中的重大事件。新古典主义时期最代表性的人物就是大卫和安格尔。大卫因投身于法国大革命，所以他所创作的作品也几乎都和法国大革命时所发生的重大事件相关。安格尔也是新古典主义的大师，只不过安格尔更侧重于华丽和唯美的表现。由此可见，由于产生的时期不同，社会背景不同，新古典主义绘画与古典主义绘画在题材选择上也有所不同。古典主义绘画大多以希腊神话、圣经为主要题材，而新古典主义时期的绘画主要以重大历史事迹为题材，多与法国大革命相关。

从美学思想方面，随着时代的变革，法国新古典主义绘画的美学思想与古典主义时期有所不同。

新古典主义代表大师大卫，他的作品中所塑造的人物形象都展现出一种坚强刚毅、不怕牺牲的爱国主义精神。他的成名作《贺拉斯兄弟的宣誓》，激励着人们的爱国热忱。大卫将人物安排在一个舞台般的空间里，宣誓的三兄弟坚毅勇敢，与右侧痛苦的女性形成了鲜明的对比。人物古典雕塑般的造型一扫罗可可艺术中慵懒柔靡的感觉。大卫的作品大多宣传着一种视死如归的革命精神，为法国历史做出了很大的贡献。大卫熟练的绘画技巧以及严谨的画风都表现出对罗可可艺术的轻佻柔媚的反对。

通过对法国不同时期美术的论述，不难看出法国古典主义与新古典主义有着一定的联系，同时他们之间又存在着不同。古典主义完全是利用了古希腊传统的艺术形式，多以古希腊和文艺复兴时期的绘画大师们为典范，创作的作品都富有一种神话色彩。在绘画内容上也多取材于古希腊神话和宗教故事，宣传一种理想化的崇高境界，古典主义绘画崇尚理性，绘画作品中也都很少表现画家的感情。在技巧上，古典主义绘画虽然对造型和素描要求严格，但画面往往缺乏创造力。新古典主义绘画其实是相对古典主义绘画而言的，它只是在形式上继承了古典主义，在题材和美学思想上仍然与古典主义不同。从历史的进程看，新古典主义代表的是资产阶级对自由的追求，对美好生活的向往。它反对罗可可陈腐的艺术，要求的是真正的罗马精神，是不怕牺牲，勇于为祖国献身的革命精神。

古典主义绘画范文第4篇

【关键词】普桑；艺术继承；艺术革新

1 普桑古典主义绘画风格的形成

普桑1594年6月15日生于诺曼底省安德利镇的贵族家庭。少年时就喜欢绘画，他先受意大利绘画教师昆丹・法林（Quentin Varin）的影响，于1612年来到巴黎最先进入迪南・埃尔的画室学习绘画，有时间就努力学习欧洲文学和达・芬奇的解剖学、透视学，为绘画积淀丰富的理论基础。1623年为巴黎圣母院画了《圣玛利亚的安眠》作品，风格明朗、典雅而获得好评。

由于受意大利诗人马里诺观念的影响，1624年春天离开了巴黎来到罗马，在罗马生活了16年，托马里诺结识了红衣主教弗兰切斯科・巴贝里尼、巴洛克雕刻家贝尼尼和弗明索瓦・迪凯努瓦等大师。由于长时间学习意大利文艺复兴大师们的思想、理论、诗文、数学、解剖学和透视学、色彩和绘画，普桑已经基本掌握了罗马人的艺术技巧。

普桑受古希腊、罗马雕塑的影响，人物造型充满体积富有雕塑感，突出庄重典雅；构图对称、完整；多以神话、历史和宗教为题材；构思严肃而富于哲理性，具有稳定静穆和崇高的艺术特色；严格的素描和和谐的构图等这些都为古典主义艺术创作奠定了基础，普桑逐渐形成一种以古希腊、古罗马为形象楷模的古典主义画风。倘使普桑没有热爱古典文化艺术的心性情怀，倘使他没有深厚的古典文艺知识的积淀，没有掌握高超的文艺复兴大师的艺术技巧，他的作品就不会具有丰富的文化内涵，不会具有典型的古典主义气息，不会具有精妙的构图、严谨的素描、优雅的色调，以及浮雕一样的人物造型普桑。因此，普桑选择了向古典主义风格的回归，被世人视为法国古典主义绘画的奠基人及杰出代表。

2 普桑古典主义绘画的继承与革新

古典主义绘画的特点是以精神为内涵，提倡典雅崇高的艺术特色，庄重单纯的形式，强调理性而轻视情感，强调素描与严谨的外表、贬低色彩与笔触的表现，追求构图的均衡与完整，努力使作品产生一种古代的静穆而严峻的美。

2.1 在人物造型方面，普桑以古典雕像的美来表达他心目中纯朴而高贵的人物形象

在《阿尔卡迪亚的牧人》这一幅画中，绘画中的女子像希腊雕塑般的女子一样，体型健美、相貌俊俏，具有高雅端庄的气质。绘画中的男子是多么的傲岸、多么的生气勃勃，不同于那些行若衣架的舞台人物，像艺术家拉斐尔笔下的人物一样具有罗马真正的男人特征，是古典人物形象的典范。这是受古希腊、罗马雕塑的影响。

2.2 在艺术、绘画形式方面，普桑的绘画具有古典艺术形式：单纯、明晰、优雅，看上去像“晶莹剔透的水滴”一样

卡尔・尤斯蒂说：“普桑的绘画中充分体现出温克尔曼的古典理想，即适度的形式，单纯与高贵的线条，平静的灵魂和优雅的感情。

古典的绘画形式：巧妙的构图、严谨的素描、中和的色彩。在古典主义风格的所有画家当中，就构图而言，普桑堪称最革新、最独特、最优秀的画家之一。洛梅尼说他胜过拉斐尔，普桑作品的构图成为后世画家学习的典范。

普桑在绘画上急重视构图，他每幅作品构图都很巧妙，通过均衡、秩序、和谐的美的图式，传达出深刻的思想意蕴。例如《境界标前的酒神节狂欢》作品中舞蹈的人群手臂相接形成了很紧凑的一个链状结构；《随着时间之神的音乐起舞》作品中三女一男四位翩翩起舞的人，手牵着手，组成了一个环状的结构；《阿卡迪亚牧人》作品中躬着身子的两个人和站着的两个人分别形成对应关系，正好连成两组对角线式构图；《劫持萨宾妇女》把众多人物按近景、中景、远景纵深式构图分布，使每个人物在有限的画面空间中各得其所等等。所以普桑确实是一位构图非比寻常，独具魅力的画家。

2.3 注重“理性”

普桑非常崇尚理性，这里所说的“理性”是侧重于画家所使用的独特的绘画语汇而言的，是指绘画的形式元素的清晰、协调、严谨、精益求精。谨慎的态度，精心的构思，构图的均衡、和谐、稳定，人物的分布，人物的表情、衣饰、造型的逼真描绘，人物和风景有清晰的轮廓线，笔触的修饰和处理等等，一切都服从于“理性”的指导。使普桑绘画庄重典雅大气，散发着高贵的气息。德拉克洛瓦称他是“一位真正的革新家。”他的革新主要体现在以魅力独具的形式开掘了深刻主题，这正是他上承前人，后启来者的地方。

3 普桑古典主义绘画对后世的影响

17世纪下半叶，普桑绘画的艺术形式成为法国皇家美术学院官方的标准，并形成了一种官方的审美：普桑主义，反映了普桑绘画在法国具有巨大的影响力。因此，很多法国画家都探索、学习普桑绘画的艺术形式，都不同程度地受到普桑绘画风格的影响。画家大卫和安格尔等人学习普桑的古典主义绘画风格，成为18世纪的法国新古典主义。大卫的《求乞的贝利萨里》就是以“普桑的画法为榜样的。”大卫曾说：“如果在主题上我受到高乃依的启发，那么，在绘画技巧上，普桑是我学习的榜样。”后印象派大师塞尚曾说：“每次我从普桑那儿回来，我便更了解我是谁。”塞尚画面中坚实的形体，几何形的结构，是普桑绘画艺术形式在一定程度上的映现。

普桑在英国及其他国家也产生了很大的影响力，普桑的构图、素描、色彩以及非凡的想象力影响了很多艺术家。

普桑不仅继承了古典主义艺术的理想范式，而且开拓了古典主义艺术的新境界。他以自己独特的绘画语汇阐发了对宇宙、人生的深刻思索。他的作品引人无限遐思。

【参考文献】

[1]贡布里希.艺术发展史[M].天津：天津人民美术出版社，1991.

[2]德拉克罗瓦.德拉克罗瓦论美术与美术家[M].上海：上海人民出版社，2008.

[3]迟轲.西方美术理论文选[G].南京：江苏教育出版社，2005，4.

[4]邵大箴，奚静之.外国美术名家传・普桑[M].桂林：广西师范大学出版社，2003.

[5]朱伯雄.世界美术史十讲[M].上海：上海人民出版社，2007，8.

古典主义绘画范文第5篇

关键词：新古典；学习；传播

中图分类号：J205 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2014）02-0108-01

一、法国新古典主义绘画的素描阶段

西方绘画是建立在可靠的知识和对材料训练有素的运用之上的。新古典主义绘画延续了欧洲油画对材料的充分认识和研究的基础上把直接画法和间接画法有机地结合在一起。从新古典主义中坚力量安格尔未完成的许多油画作品可以看出，对于画布的处理和油画底子的制作上新古典主义画家依然沿用了历代油画制作传承的成功经验。大部分会选择石膏、铅白、白垩或半白垩很好地给画布做上白底子。这种底子也会根据每个画家的具体需要做上二至四遍不等。

古代油画制作过程和今天一样选择好稳定的画布并做上白底子后，画家会用铅笔或炭笔之类的工具起稿。通过观察新古典主义画家作品并未完全覆盖的地方我们可以看到类似铅笔或炭笔的起稿痕迹。在起稿完成后就开始严谨而充分的进行单色素描的描绘，画家通常选择黑、白、褐色作为这个阶段所用颜色。等到素描关系已经完成得相当的精致了才开始使用丰富的颜色进行作画。在这个时期，很多画家作画时还是把素描和色彩分成两个阶段分别完成。

二、法国新古典主义绘画的色彩阶段

在进入色彩阶段时新古典主义画家把罩染和直接画法结合起来自由发挥，保持画面的统一性又不失色彩的流动性和人物的生动自然。从整体画面而言，在最初的白色底子基础上画面变得更加的平整和光洁，这也体现了这个时期的画家对于古典油画的延续和尊重，所有颜色都控制在一个很薄而透明的状态，多遍颜色之后画面依然十分平整犹如一面明镜。达维特和安格尔的油画技法都很纯熟，用笔精巧，他们喜欢将笔迹揉的很平，平滑如镜。安格尔深受古典技法的影响，反对外显的笔触，通常在安格尔的画中，主体部分如人体，着衣人物，饰品都不见笔触，表现得十分的精细，具有很强的真实感，也和其追求的艺术理念是想呼应的。

前辈巨匠和所有的大艺术家，从拉斐尔开始都是按照草图从事创作的，小幅绘画至少也得依靠详细的素描稿。一幅肖像画要画得成功，首先要反复推敲所要描写对象的脸部，进行仔细分析，甚至有必要把大量时间花在这个上面。在他们看来如果不善于准确地再现形象，如果在寻求合适的色调上力不从心，与其追求调子，不如干脆在灰调子中沉沦，孤注一掷地练习素描。组成一幅画面色调的基本要素不在于一幅画的明暗色块分别有多美，多半是显示在每一个被描绘对象的特殊的色彩和谐上。例如：发亮的白色织物就会影响到黝黑的人的肤色。古典主义画家特别讲究白色颜料的使用。忌讳轻率地使用过量的白颜料，导致不得不盖掉或用其他颜料调暗。

三、法国新古典主义绘画的审美倾向

古典主义艺术家们普遍持一种观念：世界上不存在第二种艺术，只有一种算艺术，其基础是：永恒的美和自然。在客观自然中就能找到作为最可敬的绘画对象。再精美的雕像永远超越不了客观自然，人类构想永远不可能超越自然造物身上的美。“画素描绝不单纯是打轮廓；素描不是仅由线条所组成。素描――它还具有表现力，有内在的形，是艺术的雏形。”安格尔对于素描的重视充分体现了他对客观之美的高度重视。只有当造型到酷似造化，以假乱真的程度，才能达到高度完美的境界。对造型的绝对尊重使得艺术家们对于手上的艺术作品的写实性和准确性都有了较高的要求。温克尔曼把古典主义风格总结为：“高贵的单纯，静穆的伟大。”这一古典美术理想也号召了当时一批雕塑领域的新古典主义者。达维特，安格尔等给了我们极高的审美品质，能在这个浮躁的时代保持一份安静，是我们与他们的作品对话所得到的，如能在我们的绘画中也体现出一丝静谧，说明这次的穿越之旅是成功的。

四、结语

所谓创作必须来源学习，没有凭空想象的创作，就像没有无根的树木一样。一个学习的过程就像经历一次路程，走一次别人走过的路，在这个过程试着站在别人的角度去思考、去感受、去处理。最后你就可以理解：他为什么会这样做，得到这样的结果，你就能深深的懂得他。而对于我们自己则收获了别人的经验来放在我们自己的世界中。谋划一次类似的路程就是所谓最初的创作吧！学习越多，模仿得越深，你可以选择的路程就越多，再结合自己的现实，也许就能得到更多的体会。无规矩不成方圆，我们必须遵照一定的规则，在这个规则下玩出自己的心意。如果毫无规则可言，这样的游戏就没有任何挑战和意义了。学习得越深刻，创作的时候就越有深度，因为你和前人进行了一场深刻的对话，他告诉了你无数前人摸索的宝贵经验和真理。

参考文献：

[1][法]安格尔.安格尔论艺术[M].朱伯雄译.沈阳：辽宁美术出版社，2010版.

[2]谭平.新古典主义美术[M].重庆：重庆出版社，2010版.

[3]范景中.美术史的形状[M].杭州：中国美术学院出版社，2003版.

[4]姜海犁.现代色彩构成[M].重庆：西南师范大学出版社，2000版.

古典主义绘画范文第6篇

古典主义与印象主义是两个不同风格的艺术形态。它们的存在影响着整个西方艺术史的发展，也是西方艺术史上最不可或缺的两种风格流派，它们有这个字独具的艺术风格和表现手法，都以不同的艺术形式给人以相同的视觉震撼和心灵冲击。本文就以古典主义与印象主义的两个不同流派绘画的艺术风格，做以个人的浅析比较。

古典主义包括的范围很广，欧洲文艺复兴时期的美术，17世纪法国学院派古典主义等都可包括在内。它们都有一个共性，那就是崇尚理性，它与思想启蒙运动有紧密的联系。它最主要的代表人物有很多，17世纪的古典主义大师雅克，路易，大卫（J.L.David，公元1748-1825年），安格尔（A.D.Angres，公元1780-1867），还有意大利文艺复兴时期的一代巨匠雷奥纳多，达·芬奇（da Vinci，Leonardo，公元1452-1519）等最为典型。

印象主义是美术史发展的必然。它的伊始应该是马奈（Adouard Manet，公元1832-1883年）在1863年的作品《草地上的午餐》一画，此画突破了以往古典主义的画风。一种新的画派由此诞生。印象主义是19世纪下半叶与库尔贝为代表的现实主义共同向官方沙龙发出挑战的又一新兴流派。

古典主义严谨而又崇尚理性的画风与印象主义抒情而随意自由的画风形成了鲜明的对比，下面就以他们各自的风格特点做些分析：

第一、光源特点

由于古典主义绘画多于表现画室内部的事物，所以它的光源多为室内光。室内光源相对比较聚，画面因此非常严谨，物体的明暗，调子，投影等缺一不可，非常注重对素描关系的表现，强调光源下明确的素描表现。

以马奈为最初代表的印象派画家们提倡走出画室，外出写生。因而，在印象主义的绘画中，光源多为分散的室外光，也就是自然光。注重色彩表现而不是素描关系。提倡对大自然的写生作品，及对自然光的表现。印象主义绘画光源散，没有强烈的明暗关系和素描关系。提倡自然光和色彩的表现，摒弃了古典主义惯用的褐色，用自然，明度较高的颜色代替。

第二、从造型特征的比较

古典主义绘画注重格律，讲究形式。构图严谨工整。强调以线造型，提倡理性和秩序之美。从而形成了古典主义绘画庄重，典雅，安静的画面效果。在造型上追求厚重感，强调物与物之间分明的轮廓线，运用严格的以素描关系为基础的造型方法。在笔触方面。古典主义绘画追求“照片式”的逼真写实的效果，精致而柔和，用极其细腻的笔触，表现其画面的典雅情调，每一笔都讲究含蓄，有的画面上甚至完全没有肌理，追求“镜面效果”，有的画面上则在局部运用有变化的肌理效果，用以表现特殊物体的质感。总体造型严谨细腻。

印象主义绘画在造型上不太注重严谨的构图方式，也没有严格的素描关系的限制。印象主义绘画强调画家们对客观事物的印象和感觉，主张艺术上的革新，与学院派的循规蹈矩形成了鲜明的对比。在笔触方面，印象主义的画家通常不太追求严谨刻板的造型，用笔奔放而自由，善于用颜料的厚度来表现肌理效果，或者基本不追求笔触与色层厚度的变化。在笔触上无论是人物或是风景都与古典主义形成了鲜明的比较。

第三、从色彩的角度看

看古典主义作品，我们就可以发现色彩在其中起到的作用就是在物体的亮部和中间过渡色的位置上，只有在这些位置上的色彩，才把古典绘画的色彩感觉表现出来，强调固有色的真实感。古典主义绘画重视素描，在作画时的主导色彩构成因素就是素描中的明暗对比，而色彩的对比比较弱。从光源色来看是较聚集的室内光色调一般较偏暖。

印象主义在绘画技巧上对光和色进行了深入的探究，强调用室外光来描绘对象，并认识到色彩的变化是有光色造成的，色彩是随着观察位置，受光状态和环境变化的改变而改变的。同时把这一科学原理运用到印象派绘画中来。在作画中，注重绘画的光、色、形、意、美的结合，把闪烁的阳光和微妙的阴影引入画面使绘画变得充满生机。它运用色彩的丰富变化，创造出了“以色彩为形”的绘画新理念。

第四、题材上的不同

古典主义绘画在题材上是以纪实性和记史性为主的，或是以古希腊和古罗马的神话故事或圣经故事为题材的。多为上层社会的贵族阶层所服务的。像大卫在1793年的作品《马拉之死》，是为记录下革命英雄马拉在1793年7月13日遇刺这一悲痛的历史事件。圣经题材的如达芬奇的《最后的晚餐》。神话故事题材的如安格尔的《丘比特与泰迪斯》等，都是表现这类题材的代表之作。

印象主义倡导自然之美，强调创造新时代的艺术形态：他们游离在传统艺术所关注的社会功用与教化职能，离开了艺术表现现实的情节化和戏剧性结构，排除叙事性的文学内容，注重画家对现实情境的自我感受和自觉表现，擅长对现实情景的生命状态和存在形式进行直觉式的客观再现与描绘，将绘画从客观自然再现转向主观精神表现。努力反映印象派绘画独立性的美学观念。可以说，它独特的艺术表现手法，决定了它的题材。

综上所述。古典主义绘画与印象主义绘画。无论是从光源还是造型，是色彩还是题材都是各树一帜。各有其特点。散发着不同的魅力。另外，他们之间也有着不可分割的联系。古典主义是印象主义发展的前提和基础。虽然印象主义绘画摒弃了古典主义很多东西，但印象主义画家最初的绘画功底和技巧都是从古典主义这儿来的，所以，我们并不能说这两者是相悖而驰的。

古典主义绘画范文第7篇

【摘 要】法国大革命之后，资产阶级与封建贵族达成妥协，新古典主义绘画中向现实挑战的积极因素已消失，此时浪漫主义兴盛起来。浪漫主义最突出的艺术主张是将个人感情无拘无束地表现出来，不受任何形式与法则的限制。作为一种艺术思想，浪漫主义与古典主义是对立的，但作为一种时代思潮和文艺运动，它们又有着密切的联系。本人拟从浪漫主义巨匠德拉克洛瓦的作品着手，寻找论证浪漫主义对古典主义的继承。 【关键词】德拉克洛瓦；浪漫主义；古典主义；继承中图分类号：J209.9

文献标志码：A

文章编号：1007-0125（2016）06-0166-01一、浪漫主义美术的绘画创作理念19世纪30年代，浪漫主义成为一种普遍的文艺思潮，它是在反对官方学院派和古典主义的斗争中发展起来的，在审美思想上注重个性化和感情的发展，重视色彩的对比，主张创作自由、个性解放，善用象征、寓意、夸张、对比等手法。与古典主义重视以线与轮廓为主导的严谨素描造型相反，浪漫主义特别重视用色彩来饱满形象，用奔放的笔触创造有生命力的动感造型，在浪漫主义绘画创作方式上取得显著成就的是席里柯、吕德、德拉克洛瓦等。二、德拉克洛瓦作品中对古典主义的继承众所周知，德拉克洛瓦是著名的浪漫主义画家，被誉为“浪漫主义雄狮”，但在他的身上除了闪现着浪漫主义的光辉外，还体现了古典主义精神，艺术都是相互吸收和继承的，作为浪漫主义的画家，正是有古典主义的积累，才有浪漫主义的精彩，在德拉克洛瓦的身上，深刻地体现了这一点。首先，德拉克洛瓦继承了新古典主义的革命精神，流露出对高尚、伟大和崇高的追求。德拉克洛瓦成名作品《但丁的小舟》，取材于但丁的《神曲・地狱篇》片段，描绘了古罗马诗人维吉尔引导但丁乘舟来到地狱中斯蒂吉河的情形。画面色调阴暗，给人一种紧张恐怖的感觉，这正是波旁王朝时期人们精神世界的曲折反映。这幅画引起巴黎艺术界的巨大轰动，同时也为法国浪漫主义运动开辟了一条崭新的道路。它以情感洋溢的形象、悲剧性的力量、对于人类灾难的真实描写，流露出对高尚、伟大和崇高的追求，这种倾向体现出了对古典主义绘画的继承。其次，德拉克洛瓦对人物形体的准确把握。虽然与古典主义美术相比，浪漫主义美术更注重画家内心的表达，但是画家的内心世界靠画面形象传达出来。浪漫主义画家虽然对轮廓线和素描关系不像古典主义那样重视，但是浪漫主义画家并没有完全扔掉古典主义绘画中对客观形体的“具象把握”，作品中的形体仍然力求准确真实，但是相较古典主义绘画而言，浪漫主义绘画不再像古典主义绘画那样事无巨细地把客观对象表现出来，浪漫主义作品除对主体人物细致地刻画外，对次要人物及背景进行了概括提炼，主要是为抒发自我感情服务的手段或素材，这点明显区别于新古典主义绘画的过于客观性。如他的作品《但丁之舟》《自由引导人民》《希阿岛的屠杀》等可以看出，德拉克洛瓦对形体的准确性绝对不亚于古典主义绘画，从这点上面可以看出浪漫主义绘画对古典主义绘画的继承。第三，德拉克洛瓦作品中的现实主义和唯美主义倾向。新古典主义和浪漫主义都是19世纪法国大革命时期的产物，题材也都与革命运动、人们的命运息息相关，可以说这两种艺术流派的产生都是关注现实生活的，自然题材中都流露出现实主义的创作，如新古典主义大师大卫的《贺拉斯兄弟的宣誓》《马拉之死》等作品及浪漫主义巨人德拉克洛瓦的《希阿岛的屠杀》《自由引导人民》等作品，都随着法国大革命的现状及人民疾苦而动荡，因此无论是在新古典主义作品和浪漫主义作品中都表现出明显的现实性，这也是这两个画派最为进步的一面。由于对现实的不满，德拉克罗瓦到摩罗哥和阿尔及利亚去旅行，这次旅行是德拉克罗瓦创作的分界线，之前的作品都围绕着浪漫主义主题与形象而进行，这以后的许多作品，由于脱离生活，唯美倾向越来越浓厚，如《阿尔及尔妇女》就是一幅以色彩的协调与交错组成的复杂而美丽的作品；另一幅作品《摩罗哥犹太人的婚礼》表现的是研习古典传统举办的婚礼，画家着重描绘了宁静和谐的气氛，而这两幅画的笔触之细腻，形象之完美，让我们联想到了学院派古典主义的画风。三、结语浪漫主义是作为古典主义的对立面而产生的，但是在浪漫主义的画家身上却闪现着古典主义和浪漫主义的两种光辉，只是各有侧重而已。在对立的同时，我们也不能忽视浪漫主义对古典主义的继承，任何新艺术的出现都是在继承传统的基础之上融合创新的。参考文献：[1]席尔顿.德拉克罗瓦[M].北京：人民艺术出版社，1960.[2]贡布里希.艺术的故事[M].南宁：广西美术出版社，2008.[3]徐晴平，邓惠伯.西方美术史[M].北京：高等教育出版社，2003.[4]（英）伍德福德著，钱乘旦译.剑桥艺术史[M].南京：译林出版社，2009.[5]胡经之.西方文艺理论名著选编[M].北京：北京大学出版社，1998.[6]德拉克罗瓦著，李嘉熙译.德拉克罗瓦日记[M].北京：人民美术出版社，1981.作者简介：王秀贞（1986-），女，汉族，籍贯山东，宁夏大学硕士研究生在读，研究方向：美术学。

古典主义绘画范文第8篇

一、德加绘画艺术与印象派绘画艺术的特征

作为19世纪法国印象派画家中较具特色的一位，德加绘画风格的最终形成与那些追求绚丽色彩和大胆创新精神的印象派画家是分不开的。因此，在深入解读德加绘画艺术之前，有必要从整体上总结印象派绘画艺术的特征。

第一，重光色瞬间。莫奈说过，“我画的只是瞬间”。印象派的色彩就是建立在个人的瞬间视觉印象上的，他们在观察对象时，是从阳光的瞬间变化中捕捉光彩的瞬间印象，采用的是“同时观察”，也就是要能在瞬间的同时把握住对事物的总体认识。

第二，重室外光线。众多印象主义画家们关注光、色，把美丽的阳光和色彩移至架上绘画，感受到了在画室内从没感受到的那种动人的光线和色彩，为将这种瞬间印象和感受表达得更为真实，室外光线成了他们表现的主要课题。

第三，重视觉优先。印象主义重视觉，这里的视觉指的是本身所特有的“视觉混合”。印象主义否定固有色，认为色彩是来自于光而并非物体，不在调色板上进行色彩调和，而是把不同颜色并列于画布上，也就是所谓的分割着色法，让观众在欣赏这类作品时自动的在视觉上进行调和，这一点在点彩派绘画中表现得最为明显。

德加作为印象派画家中一位具有开创性的大师级人物，他处于印象派画家群体中却又时刻与他们在绘画风格上保持着距离。因此，德加的绘画艺术存在着与其他印象派画家不同的艺术特征：

首先，重动态瞬间。当其他印象主义画家沉迷于光色瞬间的同时，德加却更关注物象动态的瞬间，马飞奔、浴女洗澡、跳舞、女工劳作时的瞬间动态被表现得淋漓尽致。

其次，重室内光线。德加喜欢画人，对室内人物光色的兴趣要胜于对自然光色的关注，他认为室内的光线同样具有自身的魅力和情感，这种光使德加用色粉笔的质感加强，德加笔下的女人肌肤被这种室内光毫无保留的暴露出来，是如此的真切自然。

再次，重感受真实。为表达感受的真实，同一个题材，德加都得画好几遍，进行反复地提炼和揣摩；同时，为保证感受的真实，德加保持了一种属于旁观者的态度，在率直的表露中，揭示生活的本来面目。

二、德加绘画语言对古典主义艺术的传承

德加绘画语言对西方古典主义艺术的传承，不仅体现在他的古典主义情结，且体现在他对西方古典主义“艺术美”的追求，即崇尚美和真的统一。他具有严格的学院派技巧与修养，虽然在艺术精神和绘画技法上积极接受其他印象派画家的激励，但他从来没有背弃过其古典学养，也因此成为印象派画家中较具特色的一位画家。

德加的古典主义情结

在印象派大师中，德加是最像古典主义画家的一位，在他的整个艺术生涯中，有将近一半的时间花在古典主义画风上，即便是在印象主义时期，也始终没有放弃他的古典主义品质，如注重线条的优美和高贵，形体的坚实和完整等。他之所以如此迷恋古典主义，还在于他受着他所敬仰的大师——安格尔的影响，他永远记着安格尔曾经对他说过的一句话：“画线条，年轻的朋友，多画线条，多画默写和写生”，所以他一生都在坚持画素描，曾一度痴迷于“历史画”的创作。19世纪60年代之前可以说是德加的历史画时代，这个时期的作品无不带着古典画风的烙印，大多描绘的是色彩厚重的历史画，例如他典型的历史画《塞米拉米勒创建巴比伦》，这幅画德加借鉴了古典主义的绘画手法，如运用了达芬奇的空气透视和色彩透视的原理对画面背景做了恰当的处理，原本并不是现实世界所能见到的城市景象，却更像是中世纪画中常出现的那些经过艺术家处理过的理想化风景，主人公也像是纪念碑似的，整幅画面展现给大家的是一股静穆的气氛。另外，在他早期的肖像画和主题画中，仍可以看出画面中采取古典主义风格的姿势造型，如他早期的代表作《贝列里一家》（图1），他根据速写，画完了这幅尺寸巨大的作品。在这幅画中，德加采用学院派的素描手法，把全部精力放在了人物形象的刻画上。直到19世纪60年代中期，他的绘画才从常见的历史宗教题材和一般的肖像画转变为他直接能观察到的生活场景，比如歌剧院、赛马场、等，但是画这类题材也是先通过仔细观察，画下很多速写，然后根据记忆、默写、想象等进行反复修改创作完成。可见，德加的古典主义情结是如此的深刻，他直接从古希腊、罗马和文艺复兴的素描造型中汲取养料，风格极为严谨和扎实，形成了不同于同时期画派的风格，以至于在印象派画家中别具一格。

德加绘画语言对“艺术美”的追求

古典主义绘画范文第9篇

关键词：古典绘画技法；光线与明暗；现代油画创作

中图分类号：J205　文献标识码：A　文章编号：1005-5312（2012）33-0077-01

早期绘画主要包括原始时期到文艺复兴时期的绘画，早期绘画多以湿壁画、坦培拉绘画为主，主要是表现宗教题材的绘画形式。早期绘画主要都是运用矿物质研磨而来，但可塑性不强，易脱落，只适合大面积平涂上色，因此这一时代的绘画特点一般都是图案式，符号式的绘画样式，造型一般都比较简单没有过多的细节，也基本没有明暗立体的描绘。直到中世纪时期的镶嵌画同样如此。但它对后来文艺复兴时代的题材及技法提供了参考。

文艺复兴时期科学的发展在绘画上的体现是对人体解剖和透视学的完善，颜料种类的增多，科学的绘画技法的发展。它们促进了绘画有了严密的科学依据，把感情的发挥、理性的思辩与精确的造型结合在一起。在材料上凡·爱克可谓贡献巨大，以前的绘画多以湿壁画与坦培拉技法为主，但前者要在未干的墙壁上赶画上去，仅能一次性完成不能反复修改。后者虽然可以反复修改，仍属粉胶性质，效果薄无光，表现技法单一。凡·爱克在艺术实践中对颜料假加入亚麻籽油和核桃油，这样画起来可以层层覆盖，多次修复，干燥速度良好，作品完成后色泽丰富，光亮度强，能更真实的客观的表现物体。为油画的发展提供了可靠的物质基础。

巴洛克时期艺术家一方面力求用新科学方法按照外界自然的形象描写现实生活，一方面参照客观事物加以变化，使艺术表达一种感情，创造一种气氛，使艺术品更适用于人类的精神与物质的享受，更接近于现实生活的真实。在表现技法上巴洛克时期最大的特点就是在光线的运用上，它不像文艺复兴时期仅利用自然光创造一种立体感和空间感，而是如现代聚光灯那样，用强光创造气氛，加强所要表现的的物体和人物或某个典型的局部，表达某种精神气质。这一点卡拉瓦乔是一位杰出的代表，他通过强烈的明暗对比使人物的造型和所要表现的中心突显在观者眼前，而整幅画面笼罩着深邃、宁静、神秘的气氛。

新古典主义在技法上注重以线造型，忽视气氛的烘托；强调素描的严格，忽视色彩的艺术作用；理性重于感性，法则重于表现，强调艺术形式的完整与严谨。新古典主义的某些原则对促进西方美术发展，提高艺术技巧与造型能力起了很大作用。它的出发点是积极的，在法国大革命中起了一定作用，具有现实主义品质。但是后期却失去了他们原先打算的那样，显示出保守、僵化和缺乏生命力等学多弱点，仅保留崇尚古典题材严谨形式的空壳。达维特与安格尔无疑是是这一流派的杰出代表，也是法国艺术繁荣发展中的开路先锋。

与古典主义在理论上是相对立的浪漫主义提出许多与古典主义不同甚而对立的艺术主张。古典主义强调纯理性的抽象描写，浪漫主义则主张具体的特征描绘和情感表达；古典主义艺术表现类型化，浪漫主义艺术表现个性化；古典主义推崇古代法则，崇尚传统，浪漫主义主张自由描绘和重视创造；古典主义重视线和轮廓为主的素描造型，浪漫主义重视用光和色来创造饱满的形象；古典主义强调雕塑般的严格造型，浪漫主义则主张奔放的笔触和有生命力的活动感造型。

现实主义主张刻画当代风貌及各阶层人物，如实的、客观的描绘所看到的一切，不管这些是美还是丑。思想上现实主义更多的带有批判色彩，强调当时社会的黑暗面。库尔贝、米勒、杜米埃是现实主义的主要代表。现实主义绘画包含了对显示社会的批判与对自然风光、劳动生活的真实描写两部分，巴比松画派便只属于后者，他们的思想上主张“回到自然中去”，以自然为师，便去直接描绘千变万化的大自然。柯罗是巴比松画派成就最高者，他的作品借景抒情，诗意盎然、浓郁深沉。现实主义与巴比松画派对后来印象派的绘画有着直接的影响。

古典绘画有一套完整的绘画步骤：首先把素描和主要造型效果等放在绘画的最初阶段，接着用深赭色画出底层，再用经过加工的中间色以宽阔的画笔塑造出物象的形体结构，然后根据画面需要进行提白和层层的透明罩染。如此反复几遍之后，亮部色层就会如浮雕般凸起。处于暗部阴影中的物象由于透明而依稀可辨运用透明色罩染是古典绘画的最大特点之一。巴洛克大师鲁本斯便可以清晰的看到运用透明色的痕迹，如图，明暗交界线处可以看到底色透过覆盖层形成了奇妙的视觉灰色。古典绘画受其绘画题材的影响，光线以室内采光为主注重对固有色特定时间、光线下的色彩变化。

古典主义绘画范文第10篇

新古典主义绘画的含义

提到中国的新古典主义绘画，则首先要对什么是古典主义绘画进行了解。古典主义绘画是西方美术史上最重要的绘画思潮和风格，起源于17世纪的法国，随后传至整个欧洲，代表人物有普桑、达维特、安格尔等。该种绘画风格提倡选择典雅和崇高的题材，使用庄重单纯的形式，追求构图的完整和均衡，获得一种静穆而严肃的视觉效果。而中国的新古典主义油画，则出现出于上个世纪八十年代。1978年改革开放之后，中国油画创作迎来了新的春天，以油画界领军人物靳尚谊《塔吉克新娘》的问世为标志，包含杨飞云、王沂东、朝戈、孙为民等画家们，普遍将西方古典主义时期的经典作品视为典范，有着与古典主义绘画近乎一致的审美追求，所以被称为是中国的新古典主义。而之所以强调一个“新”字，则是指中国的画家们并不是对古典主义绘画机械的模仿，而是一种有选择的学习和借鉴，通过古典主义绘画技法，来表现画家们自身的文化观念和审美理念，最终创作出具有鲜明中国风格的油画作品。所以说，这种创作追求本身就是核合乎艺术发展规律的，而这些画家们所获得的巨大成就，也充分印证了他们这种追求的正确性。

当代新古典主义油画的风格

85美术思潮后，诸多油画家都对油画有了全新的感悟和认识，其中最重要的一个方面就是对表现对象，即题材的认知。很多创作者在题材选择上，都从历史、政治的圈子中走了出来，开始将目光投向了现实生活中。如杨飞云、朝戈、李贵君等人，选择了将自己的亲朋好友作为表现对象。而陈逸飞、王沂东等，则将目光投向了某一个地域中的人物或景物，使中国油画在表现题材上迅速的丰富起来，呈现出了多元而真实的特点。具体来说，主要表现在以下三个方面：首先是生活化。艺术来源于生活，这是艺术创作中恒古不变的真理。传统的西方古典主义油画中，多选择历史传说、宗教故事等作为表现对象，通过对它们的描绘，获得一种典雅、崇高、静穆的审美效果。而在中国的新古典主义油画中，则对此予以了开拓，很多画家都试图从现实生活中的普通人身上，寻找和表现那种最为真挚和质朴的人性之美。比如杨飞云创作于90年代的《募然》、《那时我们正年轻》等，就是其中的典型。其所选择都是一些普通人，但是却又与普通人有所不同，那就是在这种大众化的背后，又分明传递出了一种崇高、宁静和典雅的感觉。又如朝戈的《敏感者》，更是一个生活化题材的典型，作品中的人物既有着崇高的情怀，又有着些许烦躁和不安，从而将古典主义精神和现实生活有机结合起来。其次是地域化。中国地域辽阔，民族众多，几乎每一个地域和民族都有着与众不同的审美文化。在表现题材日趋同质化时，很多画家都将目光投向了某一个区域，进行个性化的表现。而当众个性化表现汇集在一起之后，也就构筑了整个中国油画的百花齐放和百家争鸣。比如陈逸飞，就是将目光投向地域文化的代表。其江南水乡系列、音乐人物系列、古代仕女系列等，都反映出了其对地域文化和历史文化的热爱。又如王沂东，其对山东的沂蒙老区有着近乎执着的热爱，对此他大量借鉴了沂蒙地区民间美术的素材和技法，创作出了多部具有鲜明特色的乡土油画。其所表现出来的已经不仅是一种视角的扩展，而是创作者对民族和传统文化的深刻认同。最后是都市化。油画一个重要的功能就是反映现实，特别是对于强调写实的古典主义油画来说更是如此。自上个世纪九十年代开始，中国迎来了都市化的发展历程，随之也产生了很多独有的现象，这也自然就成为了新古典主义画家们关注的热点。比如忻东旺，就曾对农民工进行了多次表现。农民工无疑是伴随着城市化发展过程而产生的一个新的群体，作者通过这些农民工，表现出了对城市化进程的思考和对农民工群体的关注。又如庞茂琨、李贵君等画家的都市题材作品，都用精湛的技法表现出了当代城市青年所特有的风貌，无论是朝气蓬勃还是犹豫彷徨，都是一种真的写照。由此可以看出，新古典主义画家们从根本上扩展了之前的油画题材，使得当代中国油画更加大众化，多元化。

技法直接决定着油画的形式特征，也是油画创作的一个关键环节。油画传入中国已经有了百年的历史，但是受到多种原因的影响，中国创作者对于油画的材料和技法一直都是一知半解。也正是在这种情况下，上世纪八十年代，国家想关部门先后举办的几个培训班，让中国画家们真正了解了“丹培拉”、“透明罩染”、“提白”等技法真正的含义和作用。这对于对技法有着极高要求的新古典主义画家们来说更是如同甘霖一般，使他们的创作得到了本质的提升，既成为了他们个性化语言形成的基础，更为他们实现油画品质以及审美精神提供了有力的保障。