试论绘画中的色彩节奏

摘 要： 人类生活中充满节奏，节奏与时间有关，来自于空间变化，视觉艺术的动态来自于空间与时间的滞留。绘画的抽象分割节奏空间、光线、黑白、块状的切割、排列的次序、色彩、数目、大小、自主地不接受条件限制，发挥紧密时空和松散时空的交替作用。文章就绘画中的色彩节奏的意思及其形成展开论述。

关键词： 色彩 节奏 韵律

艺术，并非起自艺术，但艺术完成于节奏。宇宙运行存在自然而然的节奏。人生感应宇宙运行的法度，而进行周旋进展的流动。

自然界或人文艺术界因变化而丰富进化，在包括高度、宽度、深度、时间等多维空间内的有规律或无规律的阶段性变化简称节奏，表示画面的节奏感、明暗、虚实、色彩关系等，节奏感很重要，在很多领域都有体现，如音乐快慢激烈缓柔、美术节奏韵律、文学作品铺垫高潮结尾等节奏变化。“色彩是琴键，眼睛是琴锤，灵魂是紧绷许多根弦的钢琴，艺术家就是弹琴的手，只要敲下一个个琴键，就会触动心灵最深处的悸动”。这是抽象派艺术大师康定斯基所著的《论艺术里的精神》中的一段文字。钢琴教学与绘画从理论上讲，似乎是两种不同的艺术门类。前者通过优美的节奏与旋律给人们听觉上的享受，而后者则通过富有魅力的线条与色彩影响人们的视觉感官。人们在评论绘画作品时，常喜欢用“节奏”、“韵律”这样的词眼。画家在进行绘画创作时都是依照自我情感和愿望表达客观事物的，笔与手、纸之间的节奏感画的是一种心情，意境在了，自然就有韵律在里头了，可见节奏在绘画中的重要性。

一、色彩是绘画创作的主要因素之一

色彩是绘画的重要艺术语言，是重要的表现手段和必要的条件之一。色彩的变化构成一定的时空感和节奏旋律。由于色彩是人们视觉对接收到的光源做出的反应，并在大脑中产生对象，那么光就是色彩产生的首要条件，一切色彩都是光的表现形式。画家将所有接近黄色和火红色的色调称作暖色。暖色调加到暖色调上，效果增强，混合时仍保持明亮。暖色调和冷色调混合时，则强度减弱，并产生灰暗的效果。冷色调与冷色调混合时，则保持鲜明。在同一幅画作里，暖色看起来是近的，冷色看起来是远的；明亮的东西重于灰暗的东西；暖色显得数量多，冷色显得数量少。正因为这些特性，色彩在画面中形成一种节奏感。这种节奏感在绘画中使美术作品增加光彩，给人的印象更强烈、更深刻，因而塑造的艺术形象更富有吸引力和艺术感染力。

二、色彩的节奏性

优秀的画作会给人以节奏感，这个节奏是什么？是通过什么体现的？老师让学生画出听到的音乐，以此让他们感受到绘画的节奏和韵律。声音是听得见的颜色，颜色是可见的声音。绘画创作在表达客观现实中能够给予视觉美，在于它和音乐一样，在形式上存在节奏和韵律，即线条和色彩这两大绘画创作手法显示出的节奏感和旋律感。色彩作为绘画创作的又一创作手法，节奏感在画面中的运用更变幻莫测的。

节奏要通过绘画体现，西洋古典绘画中的颜色是千变万化的，光线的变化导致物体色彩的变化，物体的色彩是固有颜色和环境颜色的综合体。莫奈在《撑阳伞的女人》这幅作品中为了表现物体光色的绚丽，采用小笔触和色调并列方法，有些颜色不再调配，而是黄、蓝并列，时而重叠，并把黄和绿、蓝和橙色互补对比，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。女人身后的天空如同水一般透明多变，阳光透过湛蓝的天空洒到女人的衣裙上，微风扬起的裙袂上有蓝天的色彩、女子脚边墨绿的草与淡黄的花朵。画面中的色彩安排构成了画面的节奏律动，让人们觉得画面起伏生动。当周围事物的色彩反衬在女子的裙子上袖肘上时，女子脚下顺着微风倾斜的花草如活了一般，仿佛可以闻到泥土与花草混合的清新气味。

追求自身的艺术语言，是一切真正艺术应具备的基本性质，离开了它，艺术就丧失了意义。节奏是客观世界万物生存运动变化发展的一种普遍规律，普遍存在于绘画中，它从“自在之物”变成“自为之物”，被艺术家有意识地控制与创造。正如塞尚所说的：“绘画是一种光学。这门艺术的内容基本上存在于我们眼睛的思维里。”节奏在绘画创作中是画家心性的自然流露，一件绘画作品问世的成功与否在于画家是否善于调节画面的节奏，利用线条和色彩的自由铺设而作用于画面，使其富有生命意义，从而表达自己对美的一种认识与追求。西方绘画注重的是对象的色彩关系和由色彩产生的明暗关系，关注其光源色、环境色的相互作用。绘画创作建立在模仿自然、接近真实的认识上，力求表现出自然真实的光、影、色，而这些现象的表达离不开对色彩节奏的理解与运用。色彩的魅力在于它一方面能和人的情感相对应。另一方面在明度、纯度、形状、色相的面积等因素的变化上体现某种秩序感，从而使画面充满节奏感。

三、在绘画中怎么形成韵律节奏

在绘画创作中为了追求强烈的节奏感，可以将色平面按强、弱、中进行任意排序组合，利用不同的变化形式，或渐变，或反复，或自由铺设满足画面的需要，削弱或加强画面的视觉效果，调节画面的节奏，让色彩的节奏在画面中得到充分表达，产生多种感觉对比，从而形成富有生机的节奏感。正是对绘画色彩的这种理解，西方人自然要排除绘画的情节性而追求音乐性。色调的运动感包括由纯色与其补色并置产生的节奏感，以及由色彩的进退、冷暖在画面中形成的节奏感。

色彩节奏是一个有明显特征的时间和运动，可以感知规律反复变化的强度和长度。通过色彩的聚散、反复、重叠、转换等，形成有节奏和美感的颜色变化。一般有三种形式。

1.通过色彩的点、线、面等形式的不断重复，体现有规律、有秩序的美感。

2.颜色渐变的节奏，根据色彩的明度形成渐变的规律。另外，渐变的规律还能按照纯度、色相、明度、冷暖、补色、面积、综合等多种形式进行。

3.多元性的节奏，由多种简单重复性节奏组成，它们在运动中的急缓、起伏受到一定规律的约束，可称为较复杂的韵律性节奏。其特点是色彩运动感很强，层次非常丰富，形式起伏多变。但如果处理、运用不当，就会出现脏脏的杂乱效果。

当把上面说的三种形式都做到的时候，就形成了很多不同性质的对比，把这些对比整体安排在画面中，使这些对比、互衬共同遵循一个规律排列、协调起来，便形成了韵律节奏。在作画时，要限制背景中的一切细节，因为它们只会碍事，宜少画，以大块面为主，我们在最初接触水粉静物写生时，一般会先考虑画面中整体的冷暖布局，再考虑单个物体明暗面的冷暖布局，包括每个静物的疏密关系等，而这些布局使我们掌握了一定规律。比如，画色彩艳丽的衬布时，如红、黄要处理得偏冷些，可以压住衬布，使之不显眼，明暗、冷暖、虚实这些对比因素组合排列起来便形成了韵律节奏。

形成韵律节奏的前提是画中的因素必须形成一种对比，使它们互相映衬，但仅仅这样是不够的，不能仅仅把画面分为一半暗一半亮，太死板了些，毫无韵律可言，因为这种对比会产生亮点的刺眼效果，而且这种排列方式过于简单化、规律化了，就算是蒙德里安的“红、蓝、黄构图”也不会按特定规律安排，如果在一段音乐中只存在两个音符，不断重复，则演奏起来会像急救车、警车的声音之类，同理，在绘画中也是如此，画家在进行创作时一定要加入自己的看法和情感。因此，特定规律的绘画是没有韵律节奏的，就像现在在不懂绘画的人当中流行的数字油画一样，画面由制造商规定好色彩，像填色游戏般画出来的画又有什么艺术性可言。

在西方绘画中，强烈的色彩和图形的叠加，以“静”表现“动”的方式是比较常见的，通过有节奏的、丰富的彩色图形的排列组合，给人直接的视觉冲击，让人们感受到画面强烈的节奏感，是西方画家绘画时在韵律节奏处理上的共同特点。莫奈的《日出印象》在由淡紫、微红、蓝灰和橙黄等色组成的色调中，一轮生机勃勃的红日拖着海水中一缕橙黄色的波光冉冉升起。海水、天空、景物在轻松的笔调中，交错渗透，浑然一体。近海中的三只小船，在薄雾中渐渐变得模糊不清，远处的建筑、港口、吊车、船舶、桅杆等也在晨曦中朦胧隐现……根据自己的内心感受和描述外界事物的性能需求，运用色调、对比等无穷变化和有机组合，从整体的色彩节奏思路出发，体现独特而丰富的节奏。

到了现代，大部分艺术家倡导“中西结合”，当时比较有影响的有林风眠、徐悲鸿、吴冠中等。林的画中有色彩节奏的处理、搭配、组合，他在开始创作属于自己独立意识的绘画时转向了印象主义、野兽派、立体主义等西方现代艺术，在艺术审美观上淡化了中国画讲究了近三千年的传统国画的笔墨观念，试图从“西方现代主义艺术运动”角度切入“现代中国画”。运用中国的笔、墨、色彩搭配及中国画的写意精神，融会中国的线条与“意象”思维意识，在中国宣纸上表现出一种以光影、线条、颜色、笔墨交错排列、相互搭配、相互融合形成的韵律节奏。

画家画面中的韵律节奏感是运用主观色彩排列的规律和其他艺术形式有意义的排列。韵律节奏的特性受画家个人的一些因素制约。因此，画家的艺术修养、创意思维和艺术语言运用能力和个人艺术特点都在色彩节奏上具有重要作用。

参考文献：

[1][德]马克斯・多奈尔著.杨红太，杨鸿晏译.欧洲绘画大师技法和材料.清华大学出版社，2006.

[2]张明主编.解读缤纷的色彩世界――色彩心理.科学出版社，2007.

[3][英]罗斯金著.张正子，刘迪译.线条、光线、色彩：罗斯金论绘画元素.金城出版社，2013.