美术与设计论文范文

时间:2023-03-03 06:38:37

美术与设计论文

美术与设计论文范文第1篇

绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言,通过造型、设色和构图等艺术手段,在二维空间(即平面)里塑造出静态的视觉形象,以表达作者审美感受的艺术形式。绘画种类繁多,从不同的角度可将它划分为不同的类别。从地域看,绘画可分为东方绘画和西洋绘画;从工具材料看,绘画可分为水墨画、油画、版画、水彩画、水粉画等;从题材内容看,绘画可分为人物画、风景画、静物画、动物画等;从作品的形式看,绘画可分为壁画、年画、连环画、漫画、宣传画、插图等。不同类别的绘画形式,由于各自的历史传统不同,都有着各自独特的表现形式与审美特征。

艺术史上,绘画有着多种品类和样式。大致列举如下:

岩画 即绘制或凿刻于岩石上的图画。原始人在岩壁上刻下他们的信仰和种种生活印迹:狩猎、游牧、战争、反映生殖崇拜的男女交媾、怪异的人头像、手印、蹄迹……中国岩画分为南、北两大系统,南方岩画多是用颜料绘上去的,北方岩画则多是凿刻出来的。

漆画漆画是用油漆所绘成的一种工艺性的装饰图画。商代已有漆器工艺,战国时这种工艺趋于发达。湖南、湖北、河南等地,有漆器出土。长沙阳楚墓出土的漆器,花纹工细,有的漆奁描绘舞乐、狩猎情景,富有生趣。湖北云梦城关西部睡虎地出土漆器多件,纹样精致,线条流利,状态生动,其中漆盂是现存唯一的秦代漆绘作品。

水彩画顾名思义,就是以水为媒介调和颜料作画的表现方式。狭义而言,水彩画是指用水彩颜料,以水为稀释媒介,在纸张上作画的绘画方式。通常有透明水彩(Transparent Watercolor)及不透明水彩(/Gouache)两大领域。随着科技的进步,新的绘画材料的生产,20世纪水彩画已不再局限于透明水彩与不透明水彩两大范畴。举凡能用水稀释作画的材料,如Gesso、压克力、透明水彩液、水彩铅笔,都包含在水彩画的领域之中。

水粉画是以水作为媒介,这一点,它与水彩画是相同的。所以,水粉画也可以画出水彩画一样的酣畅淋漓的效果。但是,它没有水彩画透明。它和油画也有相同点,就是它也有一定的覆盖能力。而与油画不同的是,油画是以油来作媒介,颜色的干湿几乎没有变化。而水粉画则不然,由于水粉画是以水加粉的形式来出现的,干湿变化很大。所以,它的表现力介于油画和水彩画之间。水彩画的特点是颜色透明,通过深色对浅色的叠加来表现对象,而水粉画的表现特点是处在不透明和半透明之间。

工笔画在我国的传统绘画中,工笔画发展的历史非常悠久。从战国时期绘制的帛画,到唐宋艺术家的经典巨作,可以说,中国传统的工笔画,在上千年的时间里,从稚嫩逐渐走向成熟。元代以后,随着文入画的兴起,中国工笔画开始走向低谷,甚至被贬低为工匠的描摹之作,难登大雅之堂。直到20世纪80年代,工笔画在经历了几百年的沉寂后,开始逐渐复苏,并以前所未有的全新姿态迅猛发展。当代工笔画的复兴,体现了古代艺术传统的不断延续,同时也显示出了中国画艺术的新生和希望。

在中国画发展的历史长河中,工笔画以它刻画精细、传神,富有抒彩的艺术面貌而独树一帜。它的源头最早可上溯到战国时期的帛画。到了隋唐、两宋,大量画家、大批作品的涌现,使工笔画走入了发展的第一个高峰。然而此后不久,文人画逐步兴起,精描细写的工笔绘画,被看做是工匠的描摹之作,受到讥讽与贬斥。

中国工笔画随即走入了千年的沉寂。

装饰画装饰画是一种并不强调很高的艺术性,但非常讲究与环境的协调和美化效果的特殊艺术类型作品。装饰画以制作方法进行划分:印刷品装饰画、实物装裱装饰画、手绘作品装饰画等;以材质进行划分:油画装饰画、木制画、摄影画、丝绸画、编织画、烙画等。

拼贴画就是打乱时间序列,整体呈“心理结构”,局部仍用“传统写法”,巧妙剪辑、拼贴各个“画面”的一种新技法。它实际上是所谓“意识流”作品的一种“变体”,是“心理线”和“故事线”的一种拼贴、交错,比较适宜于表现时间跨度大、空间变换多、思想容量丰富的题材。

.版画艺术版画是用刀子或化学药品等在木版、石版、麻胶版、铜版、锌版等版面上雕刻或蚀刻后印刷出来的图画。版画分为四种;凸版、凹版、平版和孔版版画。

凸版版画中有木刻、麻胶刻、石刻、砖刻、纸刻、石膏刻等;凹版版画中有金属(主要是铜和锌)版画、赛璐珞版画、纸版画等;平版版画中有石版画、独幅版画等;孔版版画中有丝网版画、纸孔版画等。由于所用材料不同,刻版工具和方法也各异,遂产生各种类型版画的特色。

美术与设计论文范文第2篇

一、民间美术

在我国传统文化中,民间美术是指百姓在日常生活所创造出来的一种美术形式,经由口传身授将当时的审美意识传承延续的艺术,其具有生活适用性、民俗文化性以及艺术审美性的特点,并将自身的审美观、价值观融入艺术创作,这也是民间艺术最主要的特色。此外,民间美术在基层人民中诞生,其出现的目的就是为了进一步使人们的精神生活得以丰富,包含着各式各样的民间美术形态。即使它是建立在物质基础上,以物质的形态出现,但其本质依然是一种精神象征。

二、现代艺术设计

随着社会经济的发展,现代艺术在设计过程中逐渐摆脱物质实体的限制,成为一个国家或地区重要的文化体现,反映出不同地域的审美风格。现代艺术作为当代文化与美学的综合性表达手段,在人们的工作、生活的各个领域中逐步渗透,所以,对于现代艺术设计的认识应该是全方位与多角度的。对于现代艺术设计来说,其主要以体现社会意识而存在,能够将当代社会的审美意识反映出来。现代艺术和民间美术的主要差异在于现代艺术在设计中受到科技发展的影响,并以科技的发展为基础。因此,科技的发展不仅对现代艺术设计的设计对象、设计方法具有重要的影响,还拓展了现代艺术的设计思维。

三、民间美术和现代艺术设计的融合探讨

1.现代艺术设计源泉来自民间美术

优质的艺术素材常常源于人们的日常工作和生活,生活经过艺术家的提炼、筛选及润色后就具有了浓厚的艺术气息。民间美术是民间文化传承的重要手段,其在现代艺术中以源头的形式存在,并主要表现在物质和精神两个方面。物质作为民间美术的重要载体,是民间美术中不可或缺的重要组成部分;精神则反映出当代人的审美意识与审美追求,是民间美术的思想结晶。中国拥有悠久的历史文化与民族文化,现代艺术设计中重要的设计灵感来源就是丰富的民间美术。因此,设计者要不断采纳与吸收民间美术的精髓,从而创造出独具一格的艺术作品,进而在推动现代艺术发展的同时将中国辉煌灿烂的民间文化传承下去。

2.民间美术深化现代艺术设计创造力

民间美术对于现代艺术设计的影响是多角度、多方面的,其创作视角所具有的独特性以及设计方式所具有的开放性给现代艺术设计提供了无限的创造力与想象力。民间美术主要通过想象力与创造力的结合,充分表达出创作者的思想感情。在现代艺术设计中应用民间美术,不但可以培养设计者的想象力,还能探索与发现素材所具有的规律性,从不同的视角观察和思考事物,促进思维的发散性。

3.现代艺术设计借鉴与应用民间美术

随着各种现代艺术活动的开展,更多的中国艺术品逐渐走上了国际化道路。可以发现,走上国际化道路的艺术品其成功之处就在于立足本土文化,借助中国传统文化丰富作品的内涵与意义。这在现代艺术对民间美术的借鉴应用中得以体现,这对于创作出更好的现代艺术具有重要的启示。

4.两者之间的文化内涵共通

在创造民间美术的过程中,必须坚持艺术理想与人生理想的价值观念,将这些因素融入创作主题,将人民生活的情感接通,融入自身对于生活的热爱和美好的心愿。伴随民间美术的广泛应用与现代艺术的设计实践,不论是时间上或是空间上都要做出相应的改变,民间美术中所具有的人文精神也是现代艺术在设计中需要汲取的重要精华。此外,民间美术的设计主题还能充分激发现代艺术在设计选材中的灵感,让民间美术成为现代艺术设计的创作灵感来源,从而促进两者之间文化内涵的共通。

结语

民间美术和现代艺术设计有着天然的联系,两者相互融合能够有效推动现代艺术的不断发展,还能传承民间文化,使我国民间美术发扬光大。

美术与设计论文范文第3篇

改革开放以后,我国从不断涌进的世界各国美术流派和风格的信息里,发现了中、西美术在认识上的距离。同时也看到了,在前苏联美术基础教育体系之外,还有法国、德国等国的美术基础教育体系,并且他们之间的教育方式大相径庭。欧洲在19世纪工业革命后所产生的照相术,由于它的成像来得更加“准”和“快”,那种讲究“形准”的绘画无法与它比肩,完全失去了意义。于是,西方画家放弃了我国一直苦苦追求的前苏联“形准”绘画艺术(也叫“再现”艺术),进入讲究“表现”的绘画艺术境界。由此,以往的美术基础教育大纲失去了统筹作用,绘画水平的高低不再以“形准”作为唯一衡量标准。原来用“形准”作为基本功训练的教师开始放弃了这一要求,改而向学生提供条件,让他们进行自学,教师根据自己的理解去尝试基础教学。因此,“形准”的绘画要求开始削弱。

二、单线的坚持与兴起

超现实主义大师米罗的作品是典型的唤醒了点、线、面的生命,使它们成为形象,可以单独组成供人欣赏的艺术品。他的作品的最大特点是在空白的底板上画画,喜欢表现的主题是人、鸟、星星。在其作品中会发现画中的“点”象是无意中被随性撒落的,静心观察,其担当着一颗星或象征着人的眼和手的角色;一根看似不经意的挥洒“线条”,却被安排着代表一个物体的轮廓线,同时又成为一个人的手臂形象;几块犹如路人随意扔出的“色块”,被当作了天空、大地、人或鸟的替身。这里点、线、面在画家手中成为形象,并精确地安排到位,构成了一幅幅妙趣横生、别开生面的作品。由此可见,绘画是以造型精确到位并凸显水平高低的艺术,唯有经过严格“形准”训练的人才能达到。强调“形准”,并不是要求所有的专业都要向油画专业一样,把对象画的“像活的一样”,而是要讲究质感、量感、空间感,偏重用明暗调子造型。设计类的学生完全可以采用其专业最基本的绘画表现手段———单线作为基本功训练,以达到“形准”的目的。其次,用线造型舍弃了物体表面的光影和明暗,给学生以更多的时间去研究对象的内外结构特征,更快地掌握准确概括及表现对象的造型能力,增强学生的立体空间知觉,提升其空间造型的能力。

三、单线与“形准”的关系及融合

(一)线在造型过程中的内涵和语言

在中国人的绘画理念中,一根线包含一个人的精神和情绪。绘画中的线能体现出一个人的修养和心境,它是最传神的绘画手段,是有生命的。艺术设计中的线有其独特的韵味和生命力。与新华字典里所说的“几何学上指只有长度而无宽度和厚度的”线不同,单线在艺术设计中是有厚度的,是一个消失的面,可以画出最小、最浅的面和各种质感的物体,也可以研究形态到最精微之处,体现最细微的情感。由于绘画材质的不同,各种笔画出的线亦有不同,但是它们出线方式的中锋与侧锋却是一样的。中锋画出的线是尖点深,两边淡;侧锋画出的线是尖点深,一边淡。侧锋画出的线有宽度,也就是有厚度,其运用的面很广。

(二)线对于把握形准的实践意义

在艺术设计教育实践过程中,学生对于形态的构建是一个通过比较利用线确定形态位置的过程。一是用垂直线和平行线确定对象的上下、左右位置。用绘画的方式表现一个对象时就会面临着给对象的体积、质感、量感、结构的凹凸、穿插在结构上的光影定位问题,如何将这些立体的三维空间对象正确地定位在二维空间纸上,绘画方面采取的是用垂直线与平行线来定位。用垂直线和平行线测量的办法有两种:一是用目测通过上下、左右的比较确定一个对象的位置,或通过手拿垂直铅笔比较对象的左右位置的方法来确定,也可以横拿铅笔比较对象的上下位置的方法给以确定。二是用比较的方法确定对象的长短粗细、深浅光毛。绘画的过程就是一个比较的过程。在比较对象的结构位置时,除了比较对象的形状之外,还要与同类的对象作比较,如画左眼睛的时候就要与右眼睛比大小、深浅等。经过比较,对象的比例和形体结构关系由此确定,再经过线条轻重、虚实、粗细、强弱的表现,作品就会以其生动有力、气势贯通的美感展现。

(三)单线准确表现对象需要注意的问题

1.根据对象受光后的情况进行绘画

人们在用线表现对象时,线的抑扬顿挫并没有根据结构受光后的关系进行绘画。如学生在画侧面石膏人像的鼻梁时,该处本是受光的,学生在绘制中把线画重了、粗了;而暗部的鼻翼线应该画得重些和粗些,学生反而画得既细又轻,因而产生了形不准的感觉。正确的表现应该是利用笔对线条的粗细进行控制,用细线轻轻地画鼻梁的受光部,慢慢地进入暗部,线条逐渐深和粗起来,由此画出的线条贴切、流畅。画骨头的部分用中锋为宜,肉的部分用侧锋为好。侧锋因其出现的线是由深到淡且有厚度,所以画圆润的对象最为合适。

2.合理处理对象的空间位置

学生在处理画面时,对于整体观察方法仍缺少对空间感的表达。单线表现空间的方法与西方画中用明暗来表现不同,它是利用线的密与疏、疏衬密的对比方法产生前后空间的。如果不存在疏与密对比的条件,绘画时便可以用笔线的淡与深对比来制造空间。有了空间,形就会感觉准了。

3.单线对于质感的表现

质感的塑造可以从运线造型时笔走的快与慢、轻与重中获得,如果不达意可皴些明暗作烘托。例如,铜质圆号的表现,它色深质硬,在用线塑造时笔走得要慢,线就会出现硬感和力度,稍皴上些明暗效果便更好。反之,笔走得快就会显得轻飘无力。对于笔的本身也需研究,不同型号的笔可以表现出不同的肌理质感。硬性的笔可用于表现硬挺的对象,软性的笔适合表现毛棉的对象,如果再配以轻重不一的运笔手势定可起到推波助澜的作用。要掌握以单线表现的方式把对象的形画准的能力,离不开平心静气和神情淡定的绘画状态。只有在这种状态下画出的线才会与呼吸的节奏相结合,抑扬顿挫且深浅均匀、生动而具有生命力和感染力。综上,在美术设计教育坚持“形准”的框架下,让学生掌握艺术的规律和本质,可以提升他们的绘画水平,打下良好的基本功,为他们创造形成绘画风格的条件。

美术与设计论文范文第4篇

中国画的工具和材料基本上是由笔、墨、纸、砚来构成的,人们通常把它们称为“文房四宝”,大致是说它们是文人书房中必备的四件宝贝。因为中国古代文人基本上都是或能书,或能画,或既能书又能画的,离不开笔、墨、纸、砚这“文房四宝”。

一、“文房四宝”之笔在林林总总的笔类制品中,毛笔可算是中国独有的品类了。传统的毛笔不但是古人必备的文房用具,而且在表达中华书法、绘画的特殊韵味上具有与众不同的魅力。不过由于毛笔易损,不好保存,故留传至今的古笔实属凤毛麟角。毛笔的制造历史非常久远,早在战国时,毛笔的使用已相当地发达。中国的书法和绘画,都是与毛笔的使用分不开的。古笔的品种较多,从笔毫的原料上来分,就曾有兔毛、白羊毛、青羊毛、黄羊毛、羊须、马毛、鹿毛、麝毛、獾毛、狸毛、貂鼠毛、鼠须、鼠尾、虎毛、狼尾、狐毛、獭毛、猩猩毛、鹅毛、鸭毛、鸡毛、雉毛、猪毛、胎发、人须、茅草等。从性能上分,则有硬毫、软毫、兼毫。从笔管的质地来分,又有水竹、鸡毛竹、斑竹、棕竹、紫檀木、鸡翅木、檀香木、楠木、花梨木、况香木、雕漆、绿沉漆、螺细、象牙、犀角、牛角、麟角、玳瑁、玉、水晶、琉璃、金、银、瓷等,不少属珍贵的材料。从笔的用途来分,有山水笔、花卉笔、叶筋笔、人物笔、衣纹笔、设骨笔、彩色笔等。

最早的毛笔,大约可追溯到二千多年之前。西周以上虽然迄今尚未见有毛笔的实物,但从史前的彩陶花纹、商代的甲骨文等上可觅到些许用笔的迹象。东周的竹木简、缣帛上已广泛使用毛笔来书写。湖北省随州市擂鼓墩曾侯乙墓发现了春秋时期的毛笔,是目前发现最早的笔。其后,湖南省长沙市左家公山出土的战国笔,湖北省云梦县睡虎地、甘肃省天水市放马滩出土的秦笔,长沙马王堆、湖北省江陵县凤凰山及甘肃省武威市、敦煌市悬泉置和马圈湾,内蒙古自治区古居延地区的汉笔,武威的西晋笔等,都是上古时代遗存的不可多得的宝贵资料。

现在常见的品种有“石獾”、“狼毫”、“兰竹”、“叶筋”、“红毛”、“羽箭”等,其笔型大小不一。软毫笔,一般是用羊亳加工制成,特点是柔软、含水量大。大小型号,品种也很多,大型的如“提斗”、“抓笔”等,中小型的如“鹤劲”、“鹤脚”等等。兼毫笔'是用硬毫与软毫相间制成的,刚柔适中。我们现在常见的如“紫毫”、大中小“白云”

等。笔分长、短、大、小,运用起来能产生不同的效果,如画大幅的画用大笔,画小幅的画用小笔。这些都是一般的规律,但又不能拘泥,如有的画者爱用羊毫,有的爱用狼毫,也有的爱用大笔作小画,认为这样能收到意酣墨饱的效果。

一、“文房四宝”之墨墨给人的印象似稍嫌单一,但却是古代书写中必不可缺的用品。借助于这种独创的材料,中国书画奇幻美妙的艺术意境才能得以实现。墨的世界并不乏味,而是内涵丰富。作为一种消耗品,墨能完好如初地呈现于今者,当十分珍贵。

在人工制墨发明之前,一般利用天然墨或半天然墨来作为书写材料。墨的发明大约要晚于笔。史前的彩陶纹饰、商周的甲骨文、竹木简牍、缣帛书画等到处留下了原始用墨的遗痕。文献记载,古代的墨刑(黥面)、墨绳(木工所用)、墨龟(占卜)也均曾用墨。经过这段漫长的历程,至汉代,终于开始出现了人工墨品。这种墨原料取自松烟,最初是用手捏合而成,后来用模制,墨质坚实。据东汉应劭

记载:“尚书令、仆、丞、郎,月赐愉麋大墨一枚,愉麋小墨一枚。”愉麋在今陕西省干阳县,靠近终南山,其山右松甚多,用来烧制成墨的烟料,极为有名。

从制成烟料到最后完成出品,其中还要经过入胶、和剂、蒸杵等多道工序,并有一个模压成形的过程。墨模的雕刻就是一项重要的工序,也是一个艺术性的创造过程。墨之造型大致有方、长方、圆、椭圆、不规则形等。墨模一般是由正、背、上、下、左、右六块组成,圆形或偶像形墨模则只需四板或二板合成。内置墨剂,合紧锤砸成品。款识大多刻于侧面,以便于重复使用墨模时容易更换。墨的外表形式多样,可分本色墨、漆衣墨、漱金墨、漆边墨。

中国画的用墨也是很讲究的。墨分“油烟”和“松烟”两种,油烟墨用桐油或添烧烟加工制成;松烟墨用松枝烧烟加工制成。油烟墨的特点是色泽黑亮,有光泽;松墨的特点是色乌,无光泽。中国画一般多用油烟,只有着色的画偶然用松烟。但存表现某些无光泽物如墨蝴蝶、黑丝绒等,也最好用松烟。中国画的墨,一般是加工制成的墨锭,我们在选择墨锭时,就要看它的墨色。看墨泛出青紫光的最好,黑色的次之,泛出红黄光或有白色的为最劣。磨墨的方法是要用清水,用力平均,慢慢地磨研,磨到墨汁浓稠为止。用墨要新鲜现磨,磨好了而时间放得太久的墨称为宿墨,宿墨一般是不可用的。但也有画家喜用宿墨作画,那只是个别的。

我们现在有多种书画用墨汁,如“中华墨汁”、“一得阁”、“曹素功”等,可以代墨使用。一般来说,画工笔,最好用研磨的墨;写意画,因用墨量大,可用书画墨汁。

说到中国画的用墨,还需说说中国画的用色。“文房四宝”中的墨,就应该包含有色的意思,因为色也是中国画的不可缺少的材料之一。色在绘画上我们又把它称为颜料,中国画的颜料与西洋画的颜料是不同的。西洋画的颜料都是化学品。

中国画的颜料有两种性质,使用起来会产生不同的效果,其一种是植物质的,如花青、滕黄、胭脂、牡丹红等,性能是透明、质细,但年久会褪色;另一种是矿物质的,如朱砂、朱漂、头青至三青、头绿至三绿、赭石、石黄、白粉等,性能是不透明,有覆盖力,年久不褪色。中国画的颜料比西洋画的颜料种类简单,但给人的感觉却不同,它们使中国画的色彩具有了自己独立的风格。今天,中国画家们为了更丰富地表现生活,也兼用了一些西洋画的水彩、水粉颜料,但这只可适当地搭配,一定要保持中国画的色彩特点;如果西洋画的颜料用过了头,就不像中国画了。

三、“文房四宝”之纸纸是中国古代四大发明之一,曾经为历史上的文化传播立下了卓着功勋。即使在机制纸盛行的今天,某些传统的手工纸依然体现着它不可替代的作用,焕发着独特的光彩。古纸在留传下来的古书画中尚能一窥其貌。

纸张发明之前的很长一段时间内,人们是采用什么来作为记事材料的呢?根据文献和实物资料,最早的人们是采用结绳来记事的,遇事打个结,事毕解去。后来又在龟甲兽骨上刻辞,所谓“甲骨文”。在青铜产生以后,又在青铜器上铸刻铭义,即“金文”或“钟鼎文”。再后,将字写在用竹、木削成的片上,称“竹木简”,如较宽厚的竹木片则叫“牍”。同时,有的也写于丝织制品的缣帛上。先秦以前,除以上记事材料外,还发现了刻于石头上的文字,比如着名的“石鼓文”。

一般人都知道,纸是在东汉由蔡伦发明的。但近年的考古发掘,却对此提出了疑问。随着西北丝绸之路沿线考古工作的进展,许多西汉遗址和墓葬被发现,其中也不乏纸的遗物。这些古纸均据其出土的地点而被冠名。

从目前出土古纸自身的年代顺序,可以分别排列为:西汉早期的放马滩纸,西汉中期的灞桥纸、悬泉纸、马圈湾纸、居延纸,西汉晚期的旱滩坡纸。这些纸不但都早于蔡伦纸,而且有些纸上还有墨迹字体,说明已用于文书的书写。

中国古时候绘画多画干帛和绢上,其实帛也是一种绢类织物。画画用的绢是特制的,现在有一些工笔画家还喜欢用绢作画。大约到了宋元时代,人们才开始大量用纸作画。绢和纸各有特点,纸是植物制品,绢是丝织品,笔墨画在纸上,容易表现出笔墨和色彩的变化。画在绢上,其画的光洁度就更强一些。我们现在主要是用纸作画,一般是宣纸。宣纸分生宣和熟宣两种。熟宣是用矾水加工过的,水墨不容易渗透,在上面可以工整细致地描绘,反复地上色,因此像绢织物一样,适合于画工笔画。现在常用的熟宣有“冰雪宣”、“蝉衣笺”、“云母宣”等。生宣是没有经过矾水加工的,水墨容易渗透,落笔为定,无从更改,而且渗透开来,能产生丰富的笔墨变 化,所以写意画多用生宣。常见的品种有“净皮”、“棉料”、“棉连”等。

除宣纸外,有的画家还喜欢用皮纸作画,皮纸又称高丽纸,它的性能与宣纸相似,但价格却便宜得多。所以,初学画的人也常用这种纸。

四、“文房四宝”之砚砚,是磨墨用的。要求细腻滋润,容易发墨,并且墨汁细匀无渣。砚也有石砚、陶砚、砖砚、玉砚等种类之分,最负盛名的是广东产的“端砚”和安徽产的“歙砚”。

不过,作画用砚,也不一定那么讲究,一般选择那种石质好、砚池深、稍大有盖的,研磨时发墨快、水分不易挥发的就可以了。

在古代的文房书斋中,除笔、墨、纸、砚这四种主要文具外,还有一些与之配套的其他器具,它们也是组成文具家族中必不可少的一员。明代屠隆在《文具雅编》

中记述了四十多种文房用品,通常较为常见的有:

笔掭:又称笔砚,用于验墨浓淡或理顺笔毫,常制成片状树叶形。

臂搁:又称秘阁、搁臂、腕枕,写字时为防墨沾污手,垫于臂下的用具。呈拱形,以竹制品为多。

诗筒:日常吟咏唱和书于诗笺后,可供插放的用具。多以竹制,取清雅之意。

笔架:又称笔格、笔搁,供架笔所用。往往作山峰形,凹处可置笔。也有人物和动物形的,或天然老树根枝尤妙。

笔筒:笔不用时插放其内。材质较多,瓷、玉、竹、木、漆均见制作。或圆或方,也有呈植物形或他形的。

笔洗:笔使用后以之濯洗余墨。多为钵盂形,也作花叶形或他形。

墨床:墨研磨中稍事停歇,因磨墨处湿润,以供临时搁墨之用。

墨匣:用于贮藏墨锭。多为漆匣,以远湿防潮。漆面上常作描金花纹,或用螺细镶嵌。

镇纸:又称书镇,作压纸或压书之用,以保持纸、书面的平整。常作各种动物形。

水注:注水于砚面供研磨,多作圆壶、方壶,有嘴,也常作辟邪、蟾蜍、天鸡等动物形。

砚滴:又称水滴、书滴,贮存砚水供磨墨之用。

砚匣:又称砚盒,安置砚台之用。以紫檀、乌木、豆瓣摘及漆制者为佳。

印章:用于钤在书法、绘画作品上,有名号章、闲章等,多以寿山石、青田石、昌化石等制成,也有铜、玉、象牙章等。

美术与设计论文范文第5篇

1.有效提升传统民间美术应用价值,使商品更具有优势和竞争力

在激烈的市场竞争中,商品外包装对于商品的销售有着很大的影响。某产业所生产的产品,在同类产品竞争中要想立于不败之地,不仅要保证产品的质量,还要注重产品外表包装设计。如果产品包装设计能结合传统民间美术设计元素,那么,该商品的销售前景将比其他同类商品销售前景更广阔。在商品包装设计过程中,巧妙的将民间美术设计元素融入其中,不仅能大大提高商品的档次,还能使商品富有民族个性,增添其人文内涵。因此,在同类商品中,包装设计融入民间美术设计元素的商品,与包装设计没有融入民间美术设计元素商品相比较,融入民间美术设计元素的商品更具有优势和竞争力。把民间美术应用于现代包装设计之中,还可以有效提升传统民间美术应用价值。促进其可持续发展。中华民族文化博大精深,作为中国传统文化重要组成部分,中国传统民间美术最能体现大众美学的特征,反映质朴的、大众化的审美理念。从某种意义来说,中国传统民间美术历史文化价值极其丰富。中国传统民间美术是我国劳动人民在历史发展进程中文化、艺术和智慧的集中体现。是长期的生活、生产实践积累下来的艺术成果。通过传统民间美术,我们能够看到我国古代劳动人民对自然、社会的理解和认识,通过传统民间美术,也能够发现我国古代劳动人民对美好、幸福生活的追求和向往。传统民间美术将劳动人民对生活、对未来的向往,表现的淋漓尽致。

2.能够增添商品的民族感,对商品的流通、销售都有着重要的推动价值

随着经济的发展以及商品的日益增多,包装设计在商品流通中的作用显得越来越重要。在现实生活中,我们可以看到许多包装设计缺乏人情味,缺乏多样性与民族本土性。一些包装设计盲目仿效国外包装设计,其设计理念和审美价值很难获得大众的认同。包装设计缺乏公众审美价值,直接影响着产品的销售。包装设计不仅反映一个产品的外在价值,还反映一种文化走向。因此,如果产品包装设计能结合传统民间美术设计元素,那么,该商品的销售前景将比其他同类商品销售前景更广阔。作为中国传统文化重要组成部分,中国传统民间美术蕴涵了本民族的精神素质,最能体现大众美学的特征,反映质朴的、大众化的审美理念。在发现生活的审美价值方面,民间劳动者审美情感极其丰富,因此,民间劳动者对商品有着特殊的敏感性,所以,将民间艺术的审美元素融入商品包装的设计元素中,不仅可以提升传统民间艺术使用价值,更能够增添商品的民族感。对商品的流通、销售都有着重要的推动价值。同时,通过民间美术的注入,可以使产品包装具有更多传统文化审美特征,使包装设计传递更多民族文化信息。

二、传统民间美术对包装设计的影响

1.民间美术造型艺术对现代包装设计的影响

随着经济的发展以及产品流通的加速,人们对物品的包装设计越来越关注。尤其是那些贵重的、或者具有民族特色的商品,包装设计直接影响着产品的销售,因此,将民间艺术的审美元素灵活又巧妙地融入商品包装的设计元素中,对于加快商品的流通和销售,提升商品内涵和底蕴均具有积极的促进作用。我国传统民间美术造型蕴含着丰富的民俗文化内容。这些传统民间美术造型是世世代代劳动人民以其非同凡响的审美能力以及超凡脱俗的想象力创造出来的。集中体现了古代劳动人民追求和向往幸福生活的心愿。诸如产生于新石器时代的彩陶纹饰、产生于旧石器时代牙骨雕、编织,还有典型的传统民间美术各种民间剪纸以及民间年画中的“五谷丰收”等。这些,都反映了当时人们的生存愿望以及对美好生活环境的憧憬。传统民间美术造型对现代包装设计的影响主要体现在以下几个方面:一是民间美术造型观念对现代包装设计的影响。早在人类原始时期,就已经出现了传统民间美术,随着时代的发展以及社会的进步,传统民间美术造型日益成熟。时至今日,传统美术造型观念已经深入人心,渐渐地被大众所接受。因此,在现代包装设计元素中,融入传统民间美术造型观念,不仅能提高包装设计水平,还能促使我国包装设计更加艺术化,早日与国际化包装设计接轨。二是民间美术造型的审美意蕴对现代包装设计的影响。我国民间美术造型独具特色,多彩多姿,内容极其丰富,具有极高的审美意蕴。这种审美意蕴,不仅渗透着民族传统文化精华,更体现着一种不屈不挠、对美好生活真诚向往与追求的精神内涵。因此,在现代包装设计元素中,融入民间美术造型的审美意蕴,不仅可以大大提高产品自身的价值,同时,也大大提升了产品的文化价值。

2.民间美术工艺品以及传统色对包装设计的影响

民间美术工艺品造型质朴、颜色多种多样,将这些民间美术工艺品造型应用于现代包装设计之中,可以充分表达产品的区域特性和个性特点。这对树立产品的品牌效应,具有极高的促进价值。例如,我国民间美术工艺比较有代表性的艺术泥塑艺术这方面的作用与效果就比较明显。还有,号称我国艺术精髓的陶瓷艺术,如果在现代包装设计中巧妙地融入陶瓷艺术的经典花纹,不仅能够更加完美的体现产品的个性特征,还能提升产品的审美情趣,促进产品赢得更多的用户。另外,民间美术进行纹样装饰时,往往比较重视形于色的巧妙结合。“以色伏形”是其常应用的一种手段。民间美术的传统色主要有红、蓝、绿、黑、白等,其中,常被人们所采用的颜色应属于红、蓝、绿这三种颜色。三种颜彩鲜艳、对比强烈,艺术效果比较明显。所以,在现代包装设计元素中,融入民间美术传统色会起到非常好的艺术效果。只要有涉及喜庆或者节日的产品,往往都习惯于应用大红色这一颜色,红色不仅可以凸显喜悦、热情,还表达了人们对美好生活的向往。

三、结语

在现代包装设计元素中,融入传统民间美术设计元素,不仅使商品富有民族个性,提升商品民族文化意蕴,同时还能够提高商品的审美文化意蕴。随着市场竞争的日益激烈,商品要想更富有生命力,必须在包装设计中与传统民间艺术交融,利用民间艺术作为设计元素,反应当今时代内在精神追求,这对促进现代包装设计发展,提升包装设计内涵和底蕴都具有重要意义。作为现代设计师,将民族美术巧妙应用到现代包装设计中,传递地域文化,增添商品包装丰富的文化内涵,是其重要的使命。

美术与设计论文范文第6篇

胡金铨与电影的结缘,似乎是机缘巧合,1949年从内地到香港后,因为从小会画画,就进了一家小广告公司画海报和广告牌。最初画的广告牌是老舍的《我这一辈子》的电影版,或许就是此时奠定了他一生另外一个重要的兴趣所在—研究老舍。后来,胡金铨还在吴性栽和费穆开的龙马电影公司做过短期的广告工作。除此之外,他还在长城电影制片有限公司的美工科帮忙。而当时美工科的主任恰好是被称为中国动画之父的导演万古蟾。由此,胡金铨从最基础的电影美工开始,进入了电影圈。他为永华电影公司导演严俊的《吃耳光的人》做美术和装饰时被看重,当了男主角。当然之后与李翰祥之间的种种合作,更使他能在电影事业中更进一步。《江山美人》作为邵氏及李翰祥当年的扛鼎之作,获奖无数,作为男二号的胡金铨还因此获得了最佳配角的奖项。《玉堂春》是他成为导演之后的第一部作品,但受各种条件制约,这部电影仍然可以看作是李翰祥风格的延续。真正让他开始迸发创作激情的,还是之后的一系列新武侠电影。在这些作品中,胡金铨终于可以逐渐摆脱邵氏电影的美术风格。当时的邵氏因为黄梅调电影的拍摄,整体的美术风格戏曲化、程式化。其中又以李翰祥为代表。李翰祥也是有美工基础的导演,因此他的电影美术大都非常讲究。李翰祥对胡金铨的影响在其之后的作品中也非常明显。胡金铨在开始执导电影之后,除了绘制拍摄时必要的勘景速写、分镜稿以外,也时常在工作之余画一些中国山水、人物或写书法。从这些作品来看,中国绘画艺术的神韵被很好地融入了电影中。20世纪80年代定居美国后,胡金铨在其电影创作步入低谷后画了大量四格漫画。出于对绘画的兴趣,又因曾师从万古蟾,胡金铨从1984年起筹拍古典动画片《张羽煮海》。为此有10年时间都在陆续进行这部动画片相关的角色和分镜设计。有些造型的设计与《大闹天宫》颇有相通之处,也揭示了他与万氏兄弟的渊源。可惜这部动画片因故未能按计划拍成。

二、胡氏电影美术风格的特点

在评述胡氏电影的特点时,大都会提到胡金铨的禅机。实际上,日本早期的古典主义电影最早将东方的禅意融入电影中。如通过转场空间或“轴枕镜头”穿插静止画面来营造一种悠然的叙事与诗意。这些东方特点的电影不仅引起了西方的关注,也同时影响了香港的电影。胡金铨早期所在的邵氏曾经为演职人员大量放映日本电影来学习。而其中的日本剑戟片也成为影响新武侠电影的重要因素。在胡金铨的新武侠电影中也能看到这些因素的体现。胡金铨在吸收了中国传统美术的营养,再加上日本及好莱坞电影的种种元素之后,终于逐渐走出一条属于自己电影的美术风格。胡金铨的电影美术特点中最重要的一点在于很好地吸收了中国传统文化。如胡金铨个人艺术创作巅峰之作的《山中传奇》,编剧钟玲曾在《鬼气、美感与文化》一文中指出,胡金铨在展现风景时多采用观画者看山水手卷的方式,“银幕上出现书生在大自然中徒步长途行走,他大多从银幕的左方出场,走向右方。此时,壮丽的风景即随着书生的移动以水平方向呈现在观众面前”。像元明时期的山水长卷一样,《山中传奇》中的人物往往从属于自然景观,在构图中居于画中一隅,虽如此,但整个画面却变得气韵生动。另外,文人画里的留白技巧也在影片中得到广泛使用,如庄依云的出场,山色溪光,倩影绰绰,似真似幻惹人遐想,可谓美不胜收。影片中的特效受制于当时条件而应用寥寥,但即便如此,还是大量使用了烟雾来营造一种特别的视觉效果。这种烟雾恰似中国山水画中的朦胧。胡金铨电影美术中令人称道的另外一点就是态度的严谨。徐克曾经说:“他依照他的感觉,在现场捕捉气氛,一步步把画面营造出来。那时候的导演,真的是有他坚持的信念。”在他的电影中,美术设计是非常重要的一项工作,他常常亲力亲为。胡金铨自述文章《从拍古装电影找资料谈起》中,我们能看到胡金铨的“考据”作风。我们现在依然能看到大量人物衣饰考据记录的手稿。在拍摄著名的影片《龙门客栈》时,因为讲述的是发生在明朝中期的故事,胡金铨从《古今名画300种》《古今名画大观》等书中摘录和临摹了许多内容。所列便有仇英的《春游晚归图》《风壑曳舟图》《桐阴清居图》,蓝瑛的《西山雪霁图》,以及青花瓶上的图案等,并一一注明从该资料中可以借鉴衣、帽还是带的设计。由于明代服装仿自唐宋,他甚至从隋唐时期的敦煌壁画中寻找灵感。设计完成后,胡金铨还让研究历代服装的权威王宇清评判,后者仅仅对个别地方提出了更改。当然胡金铨的电影美术也并非无懈可击,《山中传奇》的场景设定与剧本就有一定的出入,这或许与当时无法进入内地取景有一定的关系。

三、胡氏电影美术风格对华语电影的影响

中国的武侠电影是中国特有的类型片。胡金铨被尊称为“武侠电影之父”,他创立了中国新武侠电影美学艺术风格,使传统港台的武侠电影注入人文的精神,将华语武侠电影带进更高的境界,让中国现代武侠电影在世界独树一帜,逐渐成为世界电影的一种重要类型,无疑,胡金铨具有不可抹灭的历史功绩。因此,胡金铨也成为华语电影研究中重要的内容。胡金铨尝试将一切都变成“中国的”,美术风格的民族化成为胡氏电影的独特体验。正如胡金铨自己所言:“我学习涵泳于中国艺术的无限传统之内……它使现代的电影工作者拥有更宽广的视镜。”作为后来者的徐克、李安等华人导演都在他的作品中汲取营养。对于华语电影的美术设计而言,中国风格还远没有成熟。胡金铨是一个重要的开始,我们看到一些华语电影的美术指导如叶锦添已经尝试树立“新东方主义”。结语20世纪80年代后期,胡金铨的一些美术设计观念逐渐被香港电影所接受,成为香港电影美术设计风格形成的重要源泉。纵观当代大陆、台湾、香港三地的华语电影,美术设计的话语权依然以香港最重。在大陆、台湾、香港三地电影圈的融合中,美术设计也在逐渐融合中。如能取长补短,将真正属于中国的设计风格打造出来,才是奠定中国电影成为世界一流的重要基石。

美术与设计论文范文第7篇

美术字具有多种艺术效果,比如具有我国装饰手法的美术效果,还能具有一定的宣传效果,我们可以用它进行各种形式的宣传,另外它也是建设社会主义社会所必不可少的重要工具,美术字已成为人们沟通的重要渠道。我国汉字的造型由结构、笔画组成,汉字具有象形、指事、会意等特点。我们可以利用文字的特点进而设计出各种形式的美术字,这样的美术字不仅具有高亢、别致,还具有刚劲、细腻的特点,也是重要的表达方式,同时也是重要的表示图案,往往会给人一种美好的形象。汉字结构美是在汉字自身特点基础上进行挖掘出装饰美,这种美经过了反复,符合时代的特点。美术字不仅要从内容上出发,还要兼顾生动、确切的形象,通过这样的形式反映出合理、简单的装饰效果。传统汉字艺术设计与现代艺术设计有着千丝万缕的联系,可以说汉字艺术设计是符合当时时代生活的,一般经过了当时官方的认可,也代表了时尚的字体形式,书法家在一定程度上影响着时代文字形式的设计。

二、关于现代字体设计教学中美术字教学的思考

字体设计教学过程中,笔者认为美术字应该融入美感,美术字形式值得研究,下面结合笔者工作实践进行一些探讨。

1、有关基础理论讲解。

理论教学过程中,教师首先要求学生要了解文字即中国历史的文明发展史,认识中国汉字中所包含的审美要求。而美术字的形式感是和其所需表达的内容紧密结合的。绘写时应先从内容出发,对文字内容要进行艺术加工,从而将内容和形式完美结合:生动、概括,非常突出的表现文字内容的精神含义,进而增强宣传效果。

2、原型解析。

文字的结构形式是通过人类文明活动过程中沉淀下来的,具有约定俗称的结构形式。其结构形式应该符合人们习惯性的认知,也就是说文字结构形式应该与社会活动相适应。笔者认为教师应该要求学生在课余时间多临摹具有一定设计风格的字形作品,通过这个过程可以激发学生文字设计的灵感,进而发现字形结构美,字形特征以及字形形式。

3、案例分析。

教师应该结合文字设计典型案例进行讲解。比如,以传统书法为元素的标志设计、包装设计、广告设计等;08年北京奥运一些列文字艺术设计,靳埭强的设计作品等;日本文字吸取了中国文字的一些精华,教师可以通过对日本文字的讲解,使学生在此过冲中汲取艺术设计营养,更全面的学习东方文化,可以学到不同形式的美,毕竟当代日本文字设计已经达到了较高的水平,日本文字同时也在向国际先进字体设计靠近,设计出了一系列文字艺术设计效果。通过以上专项讲解,学生可以自行选择几组自己感兴趣的字或词进行文字艺术设计,发挥主观能动性以及丰富的想象,通过尝试可以验证之前学习的效果。但同时也必须注意到,美术字和其他艺术作品一样,应注意以其自身的艺术性去吸引和感染读者。不可随意增减笔画,避免字体奇行怪状,难读难认。

4、结合实践。

熟练掌握绘写标准字体,在此基础上可以设计美术字,这是一个连续的过程。任何美术字都是通过标准字体形式衍化而来的,只有具备了扎实的绘写标准字体的能力,才能够设计出美观并且大方的美术字体。所以,学生可以先学好标准字,在此基础上进行艺术设计创作。通过以上扎实的学习,教师可以利用一些浅而易懂的主题让学生去设计艺术字,比如教师可以要求学生根据传统艺术字体设计方法,再结合一个特定主题去完成字体艺术设计。经过以上几个阶段的联系,学生可以懂得美术字体的实用性以及懂得如何去设计文字美术形式,进而发挥自己的想象设计出新的具有一定内涵的文字艺术形式。

三、结语

随着经济建设以及文化建设的不断发展,对于文字艺术形式设计、研究、制作是广大艺术设计工作者的主要任务,我们要强化艺术设计功底进而设计出符合当今社会审美、满足广大人们需要的文字艺术字体。在学习创作过程中,在一方面从传统书法中汲取民族审美的营养,而另一方面感受到时代风格的变迁,一定能够设计出反映当代审美取向的最优秀的字体设计作品。所以,在字体设计的教学中,要带领学生了解我国文字发展史,要对传统汉字审美特色与风格演变了解掌握,从而对学生今后的专业课程学习起到非常重要的实际作用。

美术与设计论文范文第8篇

1.中国传统元素在与点的构成中的创新

现代美术设计中,设计的创新就是运用点的大小、形态以及位置和方向上进行构造,创新的形式无非就是将点的排列以线与面来表达,或者将线与面结构成点来表达。点这个元素具有特殊的形态以及被赋予不同象征和寓意的特征,比如,一个圆点所拥有的简洁干练、内敛的特点,象征着圆满、团圆或者成功。因此可以将我国一些传统的元素运用到现代的美术设计中去,并不断进行创新与改造,变换可塑之处,保持其不可塑的原始特征,使得传统元素与现代美术设计理念相辅相成、互相碰撞并巧妙结合。这样一来,不仅达到了现代美术设计创新的要求,更提高了美术设计的价值和内涵。

2.中国传统元素在与线的构成中的创新

现代美术设计中对线的充分想象与创造,并且赋予线这个元素很多特征。普通的线可以分为很多的形态、种类,也能体现出不同的特性与质感,因此也被赋予了不同的意义。在现代美术设计的同时,只有充分利用线的质感进行创新与改造,就能取得意想不到的效果。将线元素与不同的事物联系起来,能够巧妙的展示出事物的性质与特征,以简洁的设计就能体现事物的轮廓,巧妙的表现出艺术的魅力。

3.中国传统元素在与面的构成中的创新

众所周知,设计中的面不存在厚度等元素,人们可以在设计中用长度与宽度就可以表达一个面元素。因此,面能够给人一种深邃、稳重以及较大视觉冲击力的感觉。利用人们看到面产生的这些抽象词语,现代美术设计中可以充分利用起面的这一特征,对传统元素中的面进行切割、重叠、简化以及并置等手法进行创新与融合。与点、线元素一样,将可塑造的部分进行简化或者分割,保留自身不可塑造的特点,根据现代设计意图,可以重新对面进行组合、创新,形成创新的面结构以表达不同的含义。

4.中国传统元素在与肌理构成创新

肌理是一种表现当代语言形式的元素,其不仅给人无尽的想象力,还能发挥出人的潜能与记忆。因此,充分利用起人们对肌理元素的想象,合理利用在现代美术设计中,利用肌理构成手法不断进行设计创新,就能取得良好的成果。例如,在现代的美术设计课程中,对于课本的封面设计,可以运用起肌理构成手法,将课本内容以美术的形式表现出来,赋予设计和书本内容相符合的意义,有效结合,达到美术设计的目的和效果。中国传统元素在抽象几何与解构主义审美上的创新现代平面设计中,对抽象几何图形的应用具有很重要的参考价值和使用意义,虽然几何图形在艺术理念、哲学思想方面和现代美术设计有所不同,但就艺术形式和艺术语言、特征来说,大体在一个方向。因此,应充分利用传统元素的抽象几何审美,结合现代美术设计的理念和主体、内容,合理的组织有效元素之间的顺序,更加形象的表达现代设计的内涵和目的。而解构主义则是最有效的创造方式,目前在绘画、建筑等领域使用较为广泛,解构主义强调的是解散、片段与不完整,与结构主义不同,也是结构主义的衍生。因此,在现代美术设计中,根据设计的要求,合理的使用解构主义中的错位、重组、分解等手法,有效地对传统元素进行局部或者片段的分解,使设计达到创新目的。

5.结语

将中国传统元素很好地应用到现代美术设计中去,按照一定的元素理论对传统元素进行创新与改造,使其完美地融入现代美术设计。中国传统元素与现代美术设计有机地相融合,这样的方式不仅是发掘传统元素给现代美术设计带来的价值,更是弘扬我国传统的最佳途径之一。

美术与设计论文范文第9篇

(一)艺术素质对美术与艺术设计生发展所产生的重要意义艺术素质源于人们对美的原始的冲动和追求,它并非抽象的美学概念,而是集整体性、稳定性和综合性于一身,贯穿于艺术活动的始终。美术与艺术设计生能达到什么样的艺术境界,在很大程度上与他们的艺术素质有关。艺术素质在每一个人的身上都有其具体的表现形式,它是艺术涵养和艺术能力的统一体。艺术素质的形成不是一朝一夕的,它植根于长期的知识积累和实践,来源于艺术实践、艺术欣赏和审美认知中。要从整体上提升美术与艺术设计生的能力,就必须注重艺术素质的培养,帮助他们实现生理和心理的健康成长。与其它的素质相比,艺术素质涵盖了更高层次的素质修养,它不仅是对美和客观规律的自发性的追求,更是实现个体价值和社会人文价值的必经阶段。

(二)创新能力对美术与艺术设计生发展所产生的重要意义对于一个民族来说,创新是民族进步的不竭动力,是推动经济增长的有效助推器。对于个人而言,创新能力是其不断进步、不断超越的推动力。因此,培养美术与艺术设计生的创新能力是不可忽视的重要环节。

二、提高高校美术与艺术设计生艺术素质和创新能力的有效途径

(一)实现各类学术资源的优化整合,促进美术与艺术设计生综合素质的全面提升在具体的教学实践中,教师要充分发挥美术教育的基础性作用,加强人文艺术教育与学科之间的联系,实现资源的优化配置和组合,不断丰富大学艺术教学内容,切实增强学科的实用性和内涵性。在设置艺术教学内容时,要实现心理艺术学、艺术史、设计史、艺术鉴赏以及艺术美学等各学科的综合利用,强化学术交流和指导,将晦涩的艺术美学转变为通俗的白话,方便他们理解和掌握。随着社会的不断进步和发展,具有创新能力和开拓精神的复合型人才越来越受到社会的欢迎和重视,现代教育要求切实加强各学科之间的交流和资源的实时共享。由此可见,要让美术与艺术设计生更好地掌握和领悟知识,高校就要积极采取有效措施,加强各类学术资源的交流,不断对知识进行整合,从而提升艺术类学生的综合素质,不断适应社会对人才的需求,顺利实现就业。

(二)定期组织文化艺术沙龙活动,鼓励艺术生外出采风,开阔视野学校要定期组织专门的文化艺术沙龙活动,不断提高美术与艺术设计类学生的艺术修养,积极拓宽他们的知识面,使其丰富自身知识储备,学习到课本以外的知识。也可以组织高水平的文化讲座,因为讲座教师对艺术和美学都有着自己独特的感悟和理解,所以学生在听讲座的过程中可以得到有益的启发,从而积极开发自己的思维,形成自身独到的艺术见解。同时,学校要为美术与艺术设计生外出采风创造有利条件,不断拓宽他们的视野和知识面。在采风的过程中,他们会感受到课堂以外的风土和人情,从而转变世界观、人生观和价值观,不断丰富和提升自己的艺术造诣,激发创作欲望和热情,从而实现自身的成长和进步。高校在发展艺术教育的过程中要注重对美术与艺术设计生创新能力和艺术素质的培养,全方位提升他们的素质,从而满足社会对复合型人才的需求,为他们的就业创造条件。

当前,美术与艺术设计教育教学需不断转变观念,与时俱进,注重培养学生的文化艺术素质和创新思维能力。艺术素质是艺术生文化内涵和自身修养的集中体现,而创新能力是一个人内涵、素质情操和综合能力的集中反映,只有不断探索、实践、改革,高校才能培养出高素质的新型人才,方便艺术生就业,为艺术生的职业生涯铺平道路。

美术与设计论文范文第10篇

学生有时候完成不了作业的真正原因往往是因为没能掌握正确的操作步骤,学生缺乏这方面的锻炼,没有分析问题和解决问题的能力,对于一个比较有难度的作业觉得无从下手。记得刚从美院国培回学校就接手工艺美术班的班主任,一直在想要通过一种什么方式让学生既喜欢上专业又能对我比较信服。我就组织学生进行了一次以古诗为主题的写字活动。我先示范写了一张给学生看,学生当时都觉得他们自己根本就完成不了这么大难度的作业,一点儿头绪都没有。通过我一步一步的耐心辅导,最后大部分的学生都完成了一张特别出色的作业,当我把学生的作业都贴在教室的墙上的时候可以感觉到他们对于自己的作品也很惊讶和高兴。在给学生上图案课的时候,我给学生统一购买了白卡纸和黑卡纸,要求学生严格按照步骤完成作业,学生一开始很不习惯这么严格的要求,但经过了几张的训练之后发现这样按部就班画出来的作业质量非常高。当学生们看见自己的一张一张干净漂亮的作业的时候,学生们非常有成就感,就逐渐接受和习惯了这样的方法。最后学生们把每一张自己的作品都裱在黑卡纸上,再用金属环将黑卡纸装订成册,这样每个学生都有了一本属于自己的作品集,虽然是小小的成绩但对学生却是大大的鼓励。通过这样的活动能让学生明白有些看似很复杂的作业只要通过正确的方法和步骤再加上一点儿耐心和细心就能做得很好,既提高了学生的专业素养又培养了学生的学习兴趣,还帮助学生建立了自信。

2采用灵活多变教学形式,充实扩展丰富教学内容

美术设计专业的基础课本身就是操作性比较强的课程,大可不必只拘泥于课本上的东西,可以变换教学形式,抓住学生感兴趣的东西进行教学,会取得更好的教学效果。作为一名中专教师兼班主任在教学形式上有许多优势,给自己带的班级上课时学生比较听话,课堂秩序也比较好,教学任务都可以顺利的完成。也是基于这样的考虑,除了做好日常的教学工作外,结合班级管理和学生的专业特点组织了许多的活动,比如我们开展的数字油画比赛,元旦的贺卡设计制作活动,为装饰学校教学楼进行的装饰画制作活动等等。这些活动看起来都很简单,但是学生却从这些活动中获得很多,除了各种专业知识以外,更多的是学会了一种如何解决问题的思维方式以及自信心。

从班级管理的角度看,这些活动更有意义,通过竞争与合作培养了同学的团队精神,使学生更加适应集体生活。在从教十年的工作经历中常常会觉得对学生的耐心是比其它任何事情都重要的,只有耐心的指导每个学生成长的的每一步,不管是学习上的还是生活上的,只要是学生需要就不厌其烦的帮助他们。当学生信任你了,并感觉到了你对他们的关心和爱护的时候,他们也会信服于你的专业,在课堂上也会很好的配合你共同完成教学任务,这也正是“亲其师信其道”所要说明的道理吧。其实对于中专学生来说更为重要的是行为习惯和道德品质的学习,而如何能将这些基本素质教育更好的与专业课教学相结合是每个专业课教师和每位班主任应该思考的问题。

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